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Pasan a dominio público ademais en EE.UU. as tres últimas novelas de Holmes, e libéranse así todas as obras do detective creado por sir Arthur Conan Doyle

A película de Fritz Lang «Metrópolis» queda libre de dereitos en EE.UU.

Escrito por MIGUEL LORENCI

Como cada xaneiro, a Biblioteca Nacional de España (BNE) publica a lista dos autores cuxas obras pasan ao dominio público. As que calquera pode xa editar, distribuír, vender ou alterar sen contar co permiso dos titulares dos dereitos do autor ou os seus herdeiros. Entre os liberados este 2023, están o poeta Miguel Hernández ou o artista Julio González. No ámbito intencional, Stefan Zweig e todo Sherlock Holmes en EE.UU.

A lexislación e os anos transcorridos desde a morte do autor para que unha obra pase a dominio público varía en cada país. En España o prazo é de 70 anos, aínda que para os autores falecidos antes de 1987 aplícase unha lei anterior, de 1879, cun prazo de 80 anos. Pasan así ao dominio público as obras dos creadores falecidos en 1942. En EE.UU. opera a regra dos 70 anos e toca aos de 1952, pero considérase libre toda obra creada en 1927. Hai excepcións, como os dereitos de Peter Pan no Reino Unido, destinados de forma permanente ao Hospital Great Ormond de Londres, ou do Diario de Ana Frank, que goza de consideración especial en Holanda e Francia, xa que se considera coautor ao pai de Ana, Otto Frank, falecido en 1980, o que prologa a súa protección ata o 2051.

A listaxe da BNE inclúe 177 escritores, xornalistas e artistas. Entre todos destaca o poeta e dramaturgo Miguel Hernández (Orihuela, 1910-Alacante, 1942), autor do raio que non cesa e da cabalo entre as xeracións do 27 e o 36. Autodidacta e apaixonado lector, con vinte anos publicou Perito en lúas. As súas famosas Nanas da cebola, escritas en anacos de papel hixiénico no cárcere e dedicadas ao seu segundo fillo polo poeta, pechan o Cancionero e romancero de ausencias, o seu último e desgarrado poemario, publicado en Arxentina tras a tráxica morte de Hernández nun penal franquista o 28 de marzo de 1942.

Tamén se liberan as obra de Stefan Zweig (1881-1942) —non as traducións máis recentes—, o prolífico, versátil e apreciado escritor austríaco que adquiriu a nacionalidade británica e que, tras fuxir do terror nazi, puxo fin á súa vida na cidade brasileira de Petrópolis. Nos anos 30 Zweig foi o escritor máis traducido do mundo, e é hoxe un longseller. Autor de ensaios, biografías e novelas como O mundo de onteCarta a unha descoñecidaVinte e catro horas na vida dunha mullerCastellio contra CalvinoFouché, o xenio tenebrosoNovela de xadrez e Momentos estelares da humanidade. Alianza reeditará as dúas últimas e Páxinas de Espuma os seus Contos completos.

Na lista da BNE aparece Julio González, influente e relevante escultor e pintor, amigo de Picasso no París das primeiras vangardas. Tamén a escultora Julia Casagemas, autora de ópera e irmá de Carlos Casagemas, outro pintor moi amigo de Picasso. Tamén quedan libres de dereitos Robert Musil, outro relevante escritor austríaco de corte máis filosófico e autor do home sen atributos; Roberto Arlt, narrador, dramaturgo, xornalista e inventor arxentino autor de novelas como O xoguete rabioso e recompilacións de artigos como Aguafuertes españolas.

Todo Holmes en EE.UU.

Pasan a dominio público en EE.UU. as tres últimas novelas de Holmes, e libéranse así todas as obras do detective creado por sir Arthur Conan Doyle. Calquera pode xa escribir as súas propias historias de Holmes e Watson ou usalos noutros contidos sen infrinxir dereitos.

En EE.UU. se desprotexen todas as obras publicadas en 1927, como a lendaria e influente Metrópolis, anticipadora película muda de ciencia ficción dirixida por Fritz Lang. Tamén O cantor de jazz, de Alan Crosland, tida pola primeira película sonora, aínda que en realidade non o é. Catro anos antes Concha Piquer aparecía no documental sonoro From far Seville. Tamén se liberan Amencer, a primeira cinta americana de Murnau; O inimigo das louras, filme mudo dirixido por Hitchcock e primeiro en que o director británico aparece nun cameo; O rei de reis, de Cecil B. DeMille, sobre a vida de Jesús de Nazaret; e O sétimo ceo, dirixida por Frank Borzage, unha das primeiras películas nomeadas ao Óscar e inspiradora do final da A Land.

A web Public Domain Day sinala que tamén quedan libres obras como ‘Ao faro‘, de Virginia Woolf, os relatos Homes sen mulleres, de Ernest Hemingway; ou Mosquitos, de William Faulkner.

Un galaxia de libros libres

Internet ofrece aos lectores páxinas web e repositorios dixitais con obras de moitos de autores recentemente liberados que son de acceso universal e gratuíto.

-Internet Arquive. Un dos mellores recursos dispoñibles en liña para atopar case calquera obra, ademais de software, música e sitios web históricos. A súa sección Open Library conta con máis de 55.000 obras publicadas ata 1927 en varios idiomas. A maioría está en inglés, pero máis de 700 documentos atópanse en español. (arquive.org).

-Biblioteca Dixital Hispánica. É o portal libre e gratuíto da Biblioteca Nacional de España. Creado no 2008 cun unhas 10.000 obras, suma hoxe máis de 222.000 títulos dixitalizados que se poden descargar gratis ou ver en liña. (bne.é).

-Project Guntenberg. Biblioteca de libros electrónicos con máis de 60.000 orixinais dixitalizados que se poden descargar en diferentes formatos, como ePub ou os compatibles con Kindle. (gutenberg.org).

-Hathi Trust. É unha xigantesca biblioteca dixital que conta con 54.865 libros publicados ata 1927 en EE.UU. Deles, 2.667 están dispoñibles en español. (hathitrust.org).

-Standard Ebooks. Acolle libros electrónicos de fontes como Project Gutenberg e outórgalles un formato máis renovado. De pequena dimensión, acolle os títulos máis populares. (standardebooks.org).

-LibriVox. Biblioteca dixital de audiolibros na que voluntarios de todo o mundo len obras de dominio público. Pódense descargar gratis para que calquera poida acceder a eles e escoitalos. (librivox.org).

-Dominio Público. Recurso imprescindible para acceder a obras sen dereitos de autor, esta web conta con moitas ligazóns a diferentes institucións e organizacións que tamén recompilan e ofrecen libros para o seu uso libre. (dominiopublico.org.é).

 

[Fonte: http://www.lavozdegalicia.es]

 

Escrito por ARTURO PÉREZ-REVERTE

Hay ciudades que sosiegan y otras que estimulan. El efecto, supongo, varía según cada cual. En lo que a mí se refiere, Sevilla, Lisboa o Tánger, por ejemplo, son de las primeras. De las que inspiran paz y ganas de pasear tranquilo, sin complicarte la vida: comer, leer, tomar una copa, mirar los lugares hermosos y ver pasar a la gente. Aquéllas donde no sientes la necesidad de hacer nada diferente a lo que haces. Otras ciudades, sin embargo, me causan un efecto distinto. En ellas es como si te tomaras una taza de café solo, bien cargado, o te fumaras un cigarrillo de los tiempos en que fumabas. O tuvieras quince años y te enamorases de alguien. Ciudades que abren puertas, que sugieren cosas quizá interesantes que todavía no has hecho. Puestos a seguir con los ejemplos, eso me ocurre en Londres, o en Nueva York, o en la ciudad de México. Son ciudades que incitan a hacer, a vivir, a imaginar. Que, como digo, estimulan. Que te vuelven lúcido y creativo.

De ese segundo grupo, mi favorita es París. Hay ciudades que me gustan más —en ninguna soy tan feliz como en Nápoles—; pero la capital francesa es el amor intelectual de mi vida. Quizá porque fue la primera y fueron muchos los libros que me llevaron allí. Nunca fui fetichista en el sentido de buscar la huella de los autores; por el contrario, siempre procuré evitarlas. Me da igual que Scott Fitzgerald se emborrachara en el Ritz o Hemingway fanfarroneara en el Harry’s Bar de Venecia. Lo que me interesa es el rastro de sus personajes, el eco de la ficción. Por aquel París anduve de jovencito, buscando lugares descubiertos en Los tres mosqueteros, en El conde de Montecristo, en La comedia humana, en Los misterios de París o en El fantasma de la Ópera, y frecuenté innumerables librerías a la caza de tesoros tempranos que conservo en mi biblioteca. Allí, en cafés hoy desaparecidos, como el de Cluny —que era mi favorito—, y en librerías de viejo como las de la rue Odéon o en las ya inexistentes de Saint-André des Arts, me sentí lector contumaz, buen cazador de libros, mucho antes de soñar siquiera con un día escribir novelas. Cuando, sin haber cumplido los veinte años, a lo único que aspiraba era a vivirlas.

He vuelto a París, como hago de vez en cuando. Hace un par de semanas recorrí otra vez los lugares habituales: un trayecto que, a estas alturas de mi vida, podría hacer con los ojos cerrados. Ni el café de Cluny, ni la gran librería de la esquina de Saint-Michel, ni la tienda de cómics de esa misma calle, ni la anticuaria de Fabrice Teissèdre, ni la náutica de Michéle Polak existen ya —el inconveniente de vivir demasiado tiempo es que ves desaparecer demasiadas cosas—, y los buquinistas del Sena tienen más recuerdos baratos para turistas que libros, grabados y revistas antiguas —¿qué habrá sido de aquella librera pelirroja de la que me enamoré hace medio siglo?—. Sin embargo, aún quedan lugares como L’Écume des Pages, próxima a mi hotel, la magnífica Gibert-Joseph, casi frente a La Sorbona, muchas de la rue Odéon y viejos cafés —Départ Saint-Michel, Les Deux Magots, Le Bonaparte— para sentarte a revisar el botín del paseo diario. Lugares donde, con esos libros recién comprados sobre la mesa, y ahí está la magia última del asunto, seguir imaginando.

Porque a eso me refiero con lo de ciudades que estimulan. Cada vez que regreso a París creo recuperar aquella inocencia original, la del joven lector para quien los libros eran un formidable camino que conducía directamente al futuro; cuando todo era posible porque aún estaba por leer y descubrir con una intensidad que proyectaría los libros leídos en la existencia vivida o por vivir. Y también en esta ocasión, como cada vez que vuelvo allí, sentí la inocencia del autor de mis primeras novelas, escritas hace más de treinta años: cuando narrar no era todavía una actividad profesional, sino una nueva forma de aventura, un modo de mezclar lo vivido con lo leído y lo imaginado. Y mientras caminaba con mi bolsa de libros en una mano y el paraguas en la otra —nada es del todo perfecto, y en esa ciudad llueve siempre—, en busca de un café donde hojear tranquilo el fruto de la jornada, me sentía otra vez, de nuevo y como de costumbre, capaz de urdir más historias que me hagan feliz mientras trabajo en ellas. Era, o es, como si cuanto tengo en la cabeza se airease y pusiera al día, llenándose de ideas y tramas inéditas, de nuevos personajes y puntos de vista, de relatos hermosos todavía por escribir, para los que no bastará —y no hay dramatismo alguno en esta certeza tranquila—, mucho o poco, lo que aún me pueda quedar de vida.

 

[Fuente: http://www.lavozdegalicia.es]

À l’occasion de la réédition du Nom de la rose, Jean-Noël Schifano dévoile les secrets de la traduction du best-seller italien en français. Il raconte le succès fulgurant de l’ouvrage sur la scène mondiale, faisant de lui une star de la traduction à une époque où la virtuosité de ses pairs n’était pas encore reconnue à sa juste valeur.

Jean-Noël Schifano

Propos recueillis par Marion Bauer

Marion Bauer : Né d’une mère française et d’un père sicilien, vous vous prenez de passion aussi bien pour la littérature italienne que pour la langue française. Avant de connaître la consécration avec la traduction du Nom de la rose, vous traduisez Italo Svevo, auquel vous avez consacré un mémoire de maîtrise, ainsi que les premiers ouvrages de Leonardo Sciascia. Comment vous est venu le goût de la traduction ?

Jean-Noël Schifano : C’est une question fondamentale. Quand j’aurai répondu à cette question, je crois que j’aurai répondu à toutes les questions. Petit à petit, je me suis rendu compte de deux choses. D’abord, qu’il n’y a pas d’écriture, dans l’absolu, sans traduction. C’est-à-dire que chaque écrivain traduit selon son tempérament et sa vision de la réalité. Et cette même réalité va être traduite par un écrivain d’une autre façon. Si j’ai à traduire la place de la Contrescarpe, je la traduirai à ma façon en l’introduisant dans un roman. Et ainsi, de suite, le roman sera aussi une traduction de ma perception de la réalité. Une autre personne pourra traduire la place de la Contrescarpe d’une autre façon. La traduction est fondamentale dans la création. Si on n’est pas traducteur, on n’est pas créateur. Traduire ses sentiments, traduire la réalité extérieure, traduire son cœur, traduire son sexe, traduire son être… C’est ça être écrivain. Donc l’être traducteur c’est l’être écrivain. Deuxièmement, point existentiel et autobiographique, je me suis aperçu que la traduction consistait pour moi à introduire la langue de mon père dans la langue de ma mère. C’était une création. Il n’y a pas de coït sans traduction. Il y a une augmentation de l’être dans le rapport amoureux et cet être est le fruit d’un passage de langues. Donc pour moi, c’était quelque chose d’existentiel, d’essentiel… Et cette chose a trouvé sa résolution de deux façons : en traduisant les plus grands écrivains italiens du XXe siècle et en écrivant des récits, des chroniques et des essais sur l’Italie actuelle et notamment centrés sur Naples. Naples est mon point fixe, le point de feu de mon existence.

En 1982 paraît votre traduction du Nom de la rose aux éditions Grasset. Pourtant, rien ne prédisposait Umberto Eco à connaître un tel succès – à nous en rappeler les multiples refus essuyés initialement par l’auteur. Comment vous êtes-vous retrouvé embarqué dans cette entreprise jugée de prime abord périlleuse et infructueuse ?

C’est très important car il s’agit d’abord d’une histoire unique, et pas seulement parce que c’est moi qui l’ai vécue. J’étais « là » ; le destin a fait qu’à la croisée des chemins j’ai eu à traduire Le Nom de la rose. J’habitais Naples. Le livre sort en 1980 en Italie et pour la deuxième fois après La Storia d’Elsa Morante je vois des pyramides de livres qui partent du sol des librairies pour monter jusqu’à hauteur d’homme. Pour Eco, c’étaient des pyramides de livres de couleur rose.

Comme je m’intéressais beaucoup à la littérature et à la littérature italienne en particulier, je prends un exemplaire sur place. Je le lis. Et je trouve par la suite qu’il a d’énormes qualités, surtout en ce qui concerne sa construction romanesque. J’ai tout de suite été très sensible à cette construction rigoureuse qui éclate singulièrement à chaque chapitre pour rebondir dans un autre au travers des crimes évoqués. C’est assez unique. Une fois que je l’ai lu, je le pose et je me remets à écrire mon premier livre sur Naples pour les éditions du Seuil. Un autre jour, dans la matinée, mon téléphone sonne. C’est le directeur littéraire des éditions Grasset, Yves Bergé, qui m’appelle. Il m’annonce que la maison vient de prendre un chef d’œuvre. Il me demande naturellement si j’ai lu l’ouvrage et je lui fais part de mon enthousiasme à son sujet. Ce qui l’amène à me proposer d’en faire la traduction. Convaincu que l’ouvrage allait faire un flop annoncé, il me propose de toucher 2% par livre. À savoir qu’à l’époque, on ne donnait même pas 0,5% au traducteur. Le nom du traducteur n’apparaissait même pas sur la couverture. Le traducteur était considéré comme quelqu’un de quasiment absent de la chaîne du livre, voire à cacher… Pourquoi me faisait-on cette offre ? Pourquoi essayait-on de m’attirer en me tendant un piège avec ces faramineux 2% ? Aujourd’hui je bénis ces 2% et cette époque où l’on tentait d’appâter les traducteurs en leur offrant un pourcentage trois fois supérieur à ce qu’on leur offrait d’habitude. Pourquoi donc ? Parce que Le Nom de la rose était refusé par tous les éditeurs. Tous. Et je l’ai su par Françoise Verny, grande éditrice avec qui j’ai fondé une collection de littérature italienne, qui à cette époque était passée de chez Grasset à Gallimard et de Gallimard à Flammarion. Et me voilà embarqué dans une histoire que je ne connaissais pas, vivant loin de Paris… Les rapports de lecture du Nom de la rose étaient négatifs, et ce même aux éditions du Seuil où était déjà publié Umberto Eco. « On n’y comprend rien », « Ce n’est pas un romancier », « C’est intraduisible » lisait-on alors ! Les éditeurs étaient bien embêtés par la traduction ; il fallait trouver quelqu’un d’innocent, une sorte d’idiot du village qui n’aurait pas le nez à Saint-Germain-des-Prés. Et ça tombait bien pour eux puisque moi, j’avais le nez dans le Vésuve. Et ce qu’il faut bien comprendre c’est que Le Nom de la rose était par conséquent suspendu dans les traductions du monde entier, tous les éditeurs du monde attendant qu’un éditeur français achète les droits pour pouvoir les acheter à leur tour. Un dimanche soir, l’épouse de Jean-Claude Fasquelle, Nicky, rentre chez elle. Je profite de cette anecdote pour souligner que Jean-Claude Fasquelle est à mes yeux un grand éditeur et un grand homme dans tous les sens du terme. Cette nuit-là, il est réveillé en sursaut par le rire tonitruant et presque diabolique de sa femme, comme un tremblement de terre à Naples. Elle était en train de lire Le Nom de la rose, alors refusé. Ce n’est pas que la scène soit amusante mais « Il y a un moine dans un abreuvoir, il a été assassiné. », lui dit-elle. Avec son puissant nez d’éditeur, Fasquelle achète les droits le lendemain, non sans susciter l’étonnement de ses collègues. À savoir que le Nom de la rose est un livre sur le rire interdit… Cette histoire a quelque chose de très romanesque. Mais la question de la traduction turlupinait toujours la maison de la rue des Saints-Pères. Et c’est donc ainsi qu’Yves Bergé a pris contact avec moi.

Puis vient la consécration. Avec le retentissement mondial de l’œuvre, vous vous retrouvez sous les feux des projecteurs. Le Nom de la rose se révèle être le filon providentiel de votre vie de traducteur.

Beaucoup étaient ceux qui ne croyaient toujours pas en l’avenir du Nom de la rose et le premier tirage était vraiment très bas. J’ai quand même eu le plaisir d’être à l’origine de cette première traduction mondiale. Pour résoudre les difficultés auxquelles ils étaient confrontés, les traducteurs du monde entier se sont référés à ma traduction du Nom de la rose en tentant de comprendre comment je les avais résolues. Cela a eu lieu il y a exactement 40 ans, puisque nous fêtons cette année le 40ème anniversaire de la traduction française du Nom de la rose. Et alors là, ça a été merveilleux car j’ai reçu le Grand prix de traduction Halpérine-Kaminsky de la SGDL (Société des Gens de Lettres de France). Dans le monde de la traduction, je n’ai jamais vu, ni pour moi ni pour d’autres, des éloges aussi fabuleux. Que les critiques mettent en avant la traduction d’un roman aussi important est une chose très agréable pour les traducteurs.

Ce devrait être une chose due mais jusqu’au Nom de la rose d’Umberto Eco, le travail des traducteurs était quasiment passé sous silence. À moins qu’il ne s’agisse d’une traduction faite par des figures aussi connues que Baudelaire, on cherchait toujours à déceler les failles des traducteurs. Mon travail a été reconnu avec de grandes louanges. Sans parler du film qui est venu par la suite relancer le livre et pour la réalisation duquel Jean-Jacques Annaud s’est référé à la traduction française. Tout a finalement été le contraire de ce qu’on avait imaginé pour la réception du livre en France. J’aime bien cette inversion des rôles et cette transgression de la pensée moyenne. Cette expérience a été une confirmation de l’importance de la traduction ainsi qu’une école d’humilité et de construction pour la rédaction de mes propres romans.

Le succès du Nom de la rose ne vient pas seulement secouer votre carrière. C’est toute la littérature italienne qui se retrouve soudainement propulsée sur le devant de la scène internationale.

Umberto Eco écrira six romans. Il a également écrit une parodie de Lolita, Nonita, où il dépeint un homme obsédé par les vieilles dames de plus de 80 ans. Il s’agissait alors de ses premiers exercices d’écriture romanesque. Le Nom de la rose est né, contre toute attente, d’un pari. Une journaliste fait part à Umberto Eco de son projet de collection de romans policiers de moins de 100 pages.

Ce à quoi il lui répond sur le ton de l’humour : « Si j’écrivais un roman policier, il prendrait place dans une abbaye au Moyen-Âge ! ». Et puis ça l’a travaillé. Quand il est rentré chez lui, il s’est dit qu’un livre comme ça ne ferait pas 100 pages. Il en ferait cinq fois plus. Petit à petit, il s’est pris au jeu et s’est mis à l’ouvrage. C’est une aventure pour l’auteur. C’est une aventure pour le traducteur. C’est une aventure pour l’éditeur, Jean-Claude Fasquelle. C’est une aventure pour tous ceux qui l’ont lu et le lisent. Et ça l’a été également pour les écrivains italiens contemporains qui étaient très peu connus avant Eco. Il y avait Moravia, Morante et puis Pirandello, pour parler du XXe siècle. Les éditeurs français prenaient seulement des échantillons de livres italiens ; c’était la langue la moins traduite en France avant Le Nom de la rose. L’œuvre d’Eco a joué le rôle d’une locomotive et a amené les éditeurs français à se pencher davantage sur la littérature italienne. Les éditeurs ont réalisé qu’il y avait un fort potentiel économique dans la littérature italienne ; des écrivains sont vraiment lus et leurs livres sont vraiment achetés. On oublie ou on méconnaît bien trop souvent cette fonction essentielle du Nom de la rose dans l’affirmation de la littérature italienne sur la scène mondiale.

D’un point de vue littéraire, nul besoin d’être un professionnel de la littérature pour réaliser que la traduction d’un tel ouvrage a dû être ardue. On parle tout d’abord d’un roman de plus de 500 pages, mobilisant des champs lexicaux religieux pointus, qu’il s’agisse de descriptions architecturales ou de savoirs scientifiques. Umberto Eco se plaît à voguer entre des registres soutenus et vulgaires, ce qui n’allège pas la difficulté de la tâche. Le lecteur croise le chemin d’insultes pouvant prêter à sourire : « fraticelle de mes braies », « péteur de minorité », « Merdre à toy, sale bogomile ! » ou encore « verge hérétique »… On peut également se demander comment vous vous y êtes pris pour traduire les langues anciennes et fictives mobilisées par l’auteur, comme pour le dialecte incompréhensible de Salvatore que Guillaume qualifie de « langue babélique ». Auriez-vous des anecdotes croustillantes à nous confier concernant ce travail de traduction ?

J’aime bien les défis, alors je me suis lancé dans l’aventure. Je reçois le contrat et je me mets au travail. Je m’immerge alors dans l’atmosphère du XIVe siècle et me plonge dans les ouvrages des chroniqueurs du Moyen-Âge à l’instar de Geoffroi de Villehardouin. J’avais à travailler, à malaxer le style authentique de Villehardouin avec ma propre traduction de l’italien contemporain d’Umberto Eco. Des phrases assez simples en somme puisqu’Eco a toujours préféré l’efficacité d’Alexandre Dumas au style travaillé d’un Manzoni ou d’un Flaubert. Et puis je devais aussi revenir aux textes qu’Eco citait ; je me rendais à la Bibliothèque Sainte-Geneviève. C’est-à-dire que je suis allé retrouver les livres qu’avaient fréquentés Umberto Eco pour écrire Le Nom de la rose. C’est pour ça que cette édition est très amusante car elle reproduit les notes et les dessins préparatoires de l’auteur. On voit par quelles hésitations il est passé lors de sa conception, aussi bien pour « biner son jardin » que pour l’erreur initiale de la « courge », les potirons et les courges ayant été importés d’Amérique du Sud bien après le XIVe siècle. C’est une façon d’escalader à mains nues un haut sommet de la création. Tout comme Les Trois Mousquetaires est un haut sommet de la création.

Entre le vulgaire et l’obscène, je trouve que l’obscène a plus de qualités. Mais après tout, pourquoi pas le vulgaire. On parle bien de la langue vulgaire. Il faut savoir que Dante a écrit toute son œuvre en latin à l’exception de deux ouvrages : La Comédie, qu’on a fini par qualifier de divine tellement on la trouvait réussie, et la Vita nuova où Dante retrouve Béatrice au paradis. À cette époque, Dante écrivait alors dans la langue vulgaire, soit la langue du peuple. Dans l’abbaye du Nom de la rose, les moines parlent le latin couramment à l’exception de Salvatore, mais il faut bien comprendre que beaucoup de langues et de particularités linguistiques existent en Europe à cette époque. Umberto Eco disait par ailleurs que le XXIe siècle serait le siècle de la traduction. Salvatore mélange toutes les langues en parlant ; j’ai dû respecter cela dans ma traduction. Ce langage vulgaire est le langage de l’époque quand il ne s’agissait pas du latin. En fin de compte, le vulgaire c’est l’invention du langage. C’est grâce aux langues vulgaires que l’on a des images si belles et que la langue est vivante. Autrement tout le reste est figé par des dictionnaires et des grammaires.

Plus généralement, Le Nom de la rose est une mise en abyme de la littérature. L’écriture et la lecture y sont comme sanctifiées, non seulement intellectuellement mais également dans leur nature matérielle voire charnelle avec l’interdit érotique que symbolise la bibliothèque. « Comme dit un ancien proverbe, trois doigts tiennent la plume mais le corps entier travaille dur. Et endure », pouvons-nous lire.

Le Nom de la Rose est en effet un hymne à la création romanesque puisque tout ce qui reste de l’expérience du narrateur, c’est ce qu’il a écrit. Le roman dans le roman vaut toutes les sémiologies. Quand on traduit, on est comme un moine. Heureusement que l’on n’a pas tous son abbaye qui prend feu mais je me souviens que c’était indéniablement un pari physique, notamment pour Le Pendule de Foucault qui est encore plus gros que Le Nom de la rose. À l’époque, on tapait à la machine. J’avais une Olivetti lettera 35 et il fallait que je mette deux feuillets avec le papier carbone au milieu, et ce pour toutes les pages. Je m’en souviens encore, j’avais comme des barres dans les omoplates tellement j’étais tendu sur la traduction avec mes deux lutrins.

Umberto Eco, avant même d’être écrivain, est un sémiologue ; à rappeler que la sémiologie est l’étude des signes. Cela prend effectivement tout son sens à la lecture de certains extraits du Nom de la rose. La neige, lors de la découverte du corps du moine assassiné, est dépeinte par l’auteur tel un « parchemin », voire un « palimpseste » où « le corps des hommes laisse des écritures fort lisibles ». La traduction est également un exercice de sémiologie fort complexe. Une sémiologue néerlandaise, Dinda Gorlée, a écrit un ouvrage sur le sujet : De la traduction à la sémiotraduction (2015) en soutenant que la traduction consiste à tisser une « toile interprétative de signes » et que l’œuvre traduite s’imprègne donc de la « signature sémiologique » de celui qui l’a traduite. Qu’avez-vous pensé de cette dimension sémiotique lors de la traduction de l’ouvrage ?

Dans Le Nom de la rose, tous ces éléments sémiologiques constituent un jeu de pistes et font partie de l’enquête comme nous le montre la première scène du roman avec les traces du cheval de l’abbé qui a disparu. C’est un jeu d’intelligence. L’abbé finit également par trouver, par intuition et par rapprochement, comment les moines ont été tués. Guillaume de Baskerville rationnalise et prend de la distance par rapport aux évènements. La sémiologie nous fait pénétrer dans les labyrinthes du cerveau. Et j’essaye de sortir de tels labyrinthes dans la création. Quand je donne des conseils à mes auteurs, je leur dis : « Surtout, quand vous écrivez un roman, vous montrez. Vous ne démontrez pas. Si vous démontrez, c’est comme si, faisant l’amour avec la femme que vous aimez, vous lui ouvrez le ventre voulant savoir comment ça marche. En démontrant, vous tuez le roman. » Et pour moi, ces exercices intellectuels sur la traduction me font tuer le plaisir de la traduction. J’ai besoin du plaisir. Tout ce que j’ai entrepris dans ma vie, c’était par plaisir. Sans plaisir, je ne fais rien. J’ai toujours refusé de traduire les essais d’Umberto Eco et c’est un point fondamental pour moi. La théorie ne m’intéresse pas.

Ce qui m’intéresse c’est la pâte, la chose pratique, la création en somme. Pas le langage sur la création et le comment du pourquoi. J’admire ceux qui jonglent avec tous ces mots savants mais ce n’est pas mon domaine. Par contre, dans la création, si je dois employer un mot très précis qui est englobé dans un discours pour séduire une femme par exemple, je l’emploierai, mais il fera partie de la caresse du discours.


Jean-Noël Schifano est écrivain et éditeur parallèlement à ses travaux de traduction. Il est le créateur et le directeur littéraire de la collection Continents Noirs aux éditions Gallimard et s’est engagé pour que les poètes de la négritude, à savoir la trinité Césaire-Senghor-Damas, fassent leur entrée dans la Pléiade. Fou passionné de Naples, il est citoyen d’honneur de la cité parthénopéenne et a été directeur de l’Institut français de Naples ainsi que du musée d’art contemporain Creator Vesevo.

 

[Source : http://www.laregledujeu.org]

Nacida en Río de Janeiro en 1937, la autora integró el conocido « boom latinoamericano » y recibió importantes premios por su obra, como el Juan Rulfo en 1995 y el Príncipe de Asturias de las Letras en 2005.

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La escritora y autora de más de 20 libros, Nélida Piñón falleció este sábado en Lisboa.

Autora de más de 20 libros, ganadora del premio Príncipe de Asturias de Letras en 2005 y la primera mujer en ocupar la presidencia de la Academia Brasileña de Letras, la escritora Nélida Piñón falleció este sábado en Lisboa a los 85 años, informó la editorial Alfaguara, responsable de publicar parte de su obra.

« Con inmensa tristeza despedimos a nuestra querida autora y amiga Nélida Piñón. Nos ha dejado obras maravillosas, su gran cariño y su amistad », publicó ese sello en su cuenta de Twitter.

Su preciada biblioteca, compuesta por más de 7.000 documentos de su archivo personal, había sido donada al Instituto Cervantes de Río de Janeiro hace apenas unos meses.

Nacida en Río de Janeiro en 1937, descendiente de una familia de origen gallego y apasionada por Portugal, valoraba las ventajas de una educación multicultural y un bilingüismo que le permitió acercarse a los clásicos.

Integró el conocido « boom latinoamericano », liderado por su agente, Carmen Balcells, recibió importantes premios por su obra, como el Juan Rulfo en 1995 y el Príncipe de Asturias de las Letras en 2005; y entre sus novelas se destacan « La república de los sueños », « La dulce canción de Cayetana », « El pan de cada día » y « Aprendiz de Homero ».

Además fue doctora honoris causa de la Universidad de Santiago de Compostela y nombrada Embajadora Iberoamericana de la Cultura, entre otras decenas de reconocimientos.En su obra se destacan novelas, cuentos, memorias, crónicas y ensayos, fue responsable de unir la literatura de Brasil y de España, concretamente de Galicia, de donde procedían sus antepasados. Justamente en noviembre de 2021 le habían otorgado la nacionalidad española.

 

[Foto: AFP – fuente: http://www.telam.com.ar]

Charlamos con la autora ucraniana sobre la situación actual de su país y los antecedentes históricos de la invasión rusa, con motivo de la promoción en España de su novela ‘Una vidriera en Leópolis’

Zanna Sloniowska en la librería La Central de Callao

Escrito por Jaime Cedillo 

El idioma ha tenido un impacto definitivo en las causas de la guerra que se está librando en Ucrania. La escritora Zanna Sloniowska (Lviv, 1978) comenzó muy pronto a investigar sobre la historia de su país, un territorio hecho de identidades múltiples que conviven entre distintas lenguas. La ucraniana vive en Polonia, pero en 2015 publicó Una vidriera en Leópolis (hoy editada en España por Alianza), una novela enmarcada en las últimas cuatro décadas de su ciudad natal, la del título. Como se advierte en la nota preliminar, Leópolis (que significa Ciudad de los leones y hoy es conocida por Lviv) es el nombre que se emplea durante toda la narración, aunque cada pasaje remita a momentos determinados donde tuvo otras designaciones.

Sloniowska se encuentra en España con motivo de la promoción de su novela, que resultará muy oportuna para quien desee conocer los motivos del conflicto más relevante de la actualidad. La autora ucraniana radiografía la compleja sociedad de su país, un territorio oprimido durante el período soviético y marcado por la diversidad étnica en la actualidad. Precisamente la lengua es un catalizador del conflicto. Partiendo de la historia de una familia con cuatro generaciones de mujeres, Sloniowska confecciona un poderoso relato donde el contexto juega un papel crucial.

El funeral de la soprano Marianna, madre de la narradora, es el impulso de la historia, pues termina convertido en una manifestación política espontánea. Desde entonces, florecen a lo largo de las páginas símbolos como la banderala importancia de la ópera en Ucrania o el rol de la mujer en las revoluciones. La propia Sloniowska asumió con convicción su identidad ucraniana cuando se vio enarbolando la bandera en la Revolución Naranja de 2004 en Kiev, que representaba los anhelos europeos de la sociedad. Tras la revolución del Euromaidán, que termina con el presidente prorruso Víktor Yanukóvich por suspender el acuerdo de asociación para ingresar en la Unión Europea, intensifica esa relación de pertenencia. En plena guerra contra Vladimir Putin, lo mejor es que sea ella misma quien se exprese.

Pregunta. Cuando escribió su novela en 2015, ¿por qué decidió ambientarla en su ciudad natal?

Respuesta. Es una ciudad con una historia tan rica… Durante más de 600 años perteneció a Polonia. Para el pueblo polaco, Leópolis es un símbolo muy preciado que perdieron debido a la II Guerra Mundial. Cuando vives en Polonia, eres representante de este sueño perdido del país. Estaba cansada de eso, por lo que decidí escribir un libro en polaco que les mostrara una versión distinta de la ciudad.

P. La muerte de la madre tiene lugar en 1988. Usted tenía diez años en ese momento y, sin embargo, el retrato de la época es muy detallado. ¿Cómo recuerda aquellos años?

R. En los años 80 había un movimiento anticomunista de solidaridad polaca muy importante y muy conocido. Pero nadie sabe que en Ucrania también se estaba produciendo. Para una niña como yo, era toda una experiencia formativa. Yo vivía en el centro de la ciudad y podía ver las manifestaciones. Era una ciudad tranquila, silenciosa, bastante controlada, donde la voz estaba silenciada, y la ciudad empezaba a despertarse. Como niña, es una experiencia que te marca.

P. En la actualidad, ¿cómo forja un ucraniano su propia identidad, consciente de que pertenece a un territorio multiétnico y con un pasado tan convulso?

R. Depende del momento en que uno se plantea la identidad ucraniana en Leópolis. Lo que intento mostrar en la novela es que entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, tanto los ucranianos como los polacos consideraban que Leópolis era suya, porque era una capital del imperio austrohúngaro. Durante el periodo soviético, las distintas identidades nacionales fueron suprimidas. La rusa era la única permitida, pero los polacos y los ucranianos, y también los judíos, estaban ahí. Tras la caída de la Unión Soviética empiezan a brotar todas estas identidades.

« Durante el periodo soviético, las distintas identidades nacionales fueron suprimidas en Ucrania »

>Veías a gente que después de muchos años de verse reprimidos deseaban utilizar sus idiomas, practicar su religión, recuperar sus tradiciones. Después, la identidad ucraniana se fue reforzando en la historia moderna, con las revoluciones de 2004 y del Maidán en 2014. Pero esto no significa que acallen otras identidades presentes. Ahora vemos cómo se está dando forma a una identidad civil de la ciudadanía ucraniana. Aunque nuestras etnias sean distintas, la identidad del ciudadano ucraniano es más fuerte que nunca, sobre todo desde la invasión.

P. El arranque de la novela corresponde a un funeral de una soprano, personaje determinante. ¿Qué importancia tiene la ópera en Ucrania?

R. Vasyl Slipak fue un tenor ucraniano de la Ópera de París que fue asesinado por un francotirador en la guerra del Donbass. Yo me inspiré en su cortejo fúnebre para recrear la escena del funeral de Marianna, aunque no deja de ser un pasaje de ficción. El canto es muy importante. Ellos se llaman a sí mismos “una nación de cantantes”. Aquí sería como el flamenco. La ópera es la música del folclore ucraniano, la que escuchas durante toda tu vida e incluye todas las emociones del ucraniano. Cantan para expresar y cuentan sus historias cantándolas. Sabemos que hay gente con mucho talento. Por ejemplo, yo incluyo en la novela a Solomiya Krushelnytska, una de las más famosas cantantes ucranianas, que llegó a cantar en la Scala de Milán.

P. A propósito, ¿qué importancia tienen las figuras icónicas en Ucrania?

R. El pueblo ucraniano, sobre todo la zona occidental del país, es muy particular. Pertenecen a la iglesia ortodoxa, pero su dogma es católico. En 1946 esta iglesia quedó completamente eliminada por la Unión Soviética. Se les envió a los campos de prisioneros o directamente se les asesinó. Cuando los movimientos anticomunistas se rebelaron con fuerza, la gente quería recuperar de nuevo su religión, que era una parte fundamental de Ucrania. En general, es un país que cuenta con múltiples religiones: ortodoxos, católicos romanos, protestantes… Pero lo que yo retrato en mi novela es el ambiente de mi ciudad. En Leópolis el sentimiento nacional era muy fuerte, sobre todo para aquellas personas que habían visto reprimida su religión y no podían practicarla.

« La identidad del ciudadano ucraniano es más fuerte que nunca, sobre todo desde la invasión rusa »

P. Y en la actualidad, ¿cree que los intelectuales están manifestando sus opiniones sobre la guerra de manera contundente?

R. Sí. Espero que también estén prestando atención a esto desde aquí. Hay escritores que están haciendo giras en el extranjero para explicar qué está pasando en Ucrania ahora.

P. ¿Cuáles son las voces más relevantes en la actualidad?

R. Serhij Zhadán es muy especial. Es un poeta muy importante, pero también escribe prosa. Vive en Járkov [la parte más oriental de Ucrania, a muy pocos kilómetros de Rusia] y se negó a abandonar la ciudad, que es peligrosísima, para ayudar al ejército. Las generaciones más jóvenes conocen sus poemas de memoria. Además, habla inglés y alemán muy fluido, así que se dedica a visitar otros países y explica lo que está pasando [sus obras están dedicadas a la guerra que estamos viviendo desde 2014]. Recientemente ha estado en la Feria de Fráncfort recogiendo el Premio de la Paz de los libreros alemanes e impartió una charla sobre el tratamiento de la información en Ucrania.

P. Gracias al prólogo de su novela he sabido que los ucranianos han dejado de hablar ruso para hablar en su idioma original tras la invasión. Además de una señal de protesta, ¿qué simboliza este comportamiento?

R. Ha sido un proceso largo. La lengua ucraniana se ha visto reprimida siempre a lo largo de la historia, especialmente en los últimos trescientos años. Por ejemplo, la reina rusa Catalina II prohibió el uso del ucraniano. Si un escritor escribía en ucraniano, Stalin lo mandaba matar. Asesinó a unos 300 en un par de meses. En la Segunda Guerra Mundial no se podía utilizar el idioma ucraniano en la vida pública. Habían construido una idea de que el ucraniano era la lengua de los campesinos. Si querías estar en una esfera más académica, había que hablar en ruso. Tras la caída de la Unión Soviética, muchos empezaron a hablar en ucraniano, mientras que la invasión ha provocado que lo haga la totalidad de la población. Al menos lo utilizan en la vida pública.

« La ópera es la música del folclore ucraniano, incluye todas nuestras emociones. Aquí sería como el flamenco »

>>Sin embargo, hasta 2014 (Donbás) no empiezan a aparecer una serie de legislaciones que facilitan el proceso. De pronto se empieza a favorecer que se publiquen libros en ucraniano, porque antes toda la literatura que llegaba al país llegaba con traducciones al ruso. Tras la revolución del Euromaidán hay un apoyo político al libro en ucraniano y espero que no se detenga. Además, hay una mezcla entre la lengua rusa y la ucraniana. La llamamos surzhyk. Muchas personas que no tienen una alta formación utilizaban este idioma. Les daba un poco de vergüenza, era una lengua de andar por casa, para eso era mejor hablar ruso. Afortunadamente, los que han dejado de hablarlo se han pasado al ucraniano.

Portada de 'Una vidriera en Leópolis' (Alianza)

Portada de ‘Una vidriera en Leópolis’ (Alianza)

P. ¿Ha vuelto a releer la novela tras la invasión? ¿De qué modo entronca esta guerra con la historia que cuenta?

R. Todos los procesos narrados en la novela han llegado a su punto álgido y han quedado mucho más claros con lo que está sucediendo con la invasión. Si queremos ser optimistas respecto a la situación actual, esto va a facilitar un cambio muy radical que puede ser muy positivo para la identidad ucraniana y para la imagen del país. Espero que también lo sea para alumbrar la posibilidad de tener un desarrollo pacífico.

P. ¿Cómo cree que se resolverá esta cuestión? ¿Qué futuro tiene Ucrania cuando acabe la guerra?

R. Me encantaría conocer a un sabio capaz de responder a una pregunta como esta. Yo solo puedo contar mi sueño personal. Vengo de Leópolis y vivo en Cracovia (Polonia), que está a apenas 320 kilómetros. Ahora tenemos una autovía que conecta con la frontera ucraniana. Cuando llegas, ves también la frontera de la Unión Europea, pero esa no es fácil de cruzar. El mundo empieza de forma diferente una vez que cruzas esa frontera. Si uno se imagina la paz en Ucrania y ya no existe esa frontera, podríamos tener un tren de alta velocidad que conecte la ciudad donde vivo con la ciudad donde nací. Esa identidad polaca-ucraniana fluyendo una con la otra, con la capacidad de desarrollarse a partir de ejemplos de la Unión Europea, sería mi sueño. Vamos a ser optimistas.

P. Por último, dice que las estatuas de los dioses griegos en la plaza del Mercado están protegidas.

R. Es terrible. Es siempre lo mismo en cada guerra. Los rusos están robando piezas, cuadros… Sacan los libros de las bibliotecas, destrozando museos… Están atacando la identidad del país. El arte es una parte fundamental, del mismo modo que el lenguaje. Al fin y al cabo, es una estrategia. Putin ha dicho directamente que la nación ucraniana no existe.

P. La imagen me ha recordado, de algún modo, a las obras de arte que reciben ataques por parte de grupos ecologistas. ¿Qué opinión le merece?

R. No puedo sentirme identificada con este tipo de lucha. No lo plantearía de esta manera, no actuaría así.

[Foto: Alianza Editorial – fuente: http://www.elespanol.com]

Hoxe sae á venda «Diante un eco», o oitavo disco da cantante coruñesa

Sés

Escrito por JAVIER BECERRA

María Xosé Silvar (A Coruña, 1982), coñecida artisticamente como Sés, está convencida de que a historia se repite no peor sentido. No seu novo disco, Diante un eco, que sae hoxe, fai referencia a esa circunstancia. «Alude a ese eterno tropezar que estamos vendo coa volta dos neofascismos. Moitos temas do disco xiran en torno a esa torpeza», di.

—Pensa que se agravaron certos temas sociais?

—A xente acomodouse e deu por feito que as cousas se ían solucionar soas. Que o sistema, que está pensando para oprimir maiorías, ía ir en sentido contrario. Pero o único modo de que un pobo teña dereitos é que os pida, que loite por eles e, sobre todo, que os preserve. Non o fixo e estamos onde estamos outra vez, que é en 1935.

—Canta: «Non busco piedade, senón un mínimo de rubor». Semella un berro de desespero.

—Si, búscoo porque creo que vivimos na inmundicia moral e nun empobrecemento cultural abraiante. Hai uns 20 anos recordo ler un libro de entrevistas a Sabina. Preguntábanlle que era necesario para reverter unha crise, e el dicía: «Un mínimo cultural». Pero iso caeu aínda máis. E non hai rubor ante as obscenidades que estamos presenciando, a nivel de dereitos laborais, dereitos das mulleres… Estamos asistindo a algo dantesco. De feito, Dante non se podía imaxinar algo así. Nin a Trump nin a Abascal nin, sobre todo, a un pobo que trague a eses dous.

—No disco despréndese unha mirada adulta cara atrás. Considera que é un álbum de madurez?

—A ver, teño 40 anos. Pero considero que nos outros discos tamén hai reflexión. Miro cara atrás e penso que se chego a ser un home valoraríase moito máis o grao de reflexión que eu tiña con vinte e pico anos. O que ocorría era iso, que tiña vinte e pico anos. E frescura e insolencia. Pero iso non é incompatible coa reflexión. O que pasa é que agora é unha muller de 40 anos que ademais non ten problema en parecelo. Unha muller non se pode permitir cantar rock and roll ou dicir un taco e ser considerada intelixente e reflexiva. Arturo Pérez Reverte, si. E incluso ter un sitio na academia e dicir cojones 20.000 veces. Unha muller, non. Un home poder ter rúa e biblioteca. Unha muller parece que non. Pero eu teño moita rúa e moita biblioteca.

—Séntese unha roqueira folk ou máis folk roqueira?

—Considérome una folclórica porque o rock and roll é folclore. Eu non son roqueira, son rockanroleira, que non é o mesmo. O rock and roll pertence a unha época determinada e ten unha orixe determinada. O rock and roll é blues subido de tempo. Chuck Berry é iso. Eu non son roqueira. Non consumín a Metallica. O rock and roll é folk, provén dunha música de creación colectiva. O que é un erro é considerar que o rock and roll non é folclore. Iso vén da anglofilia, do racismo e o clasismo que hai na música. Este considera que é folk e world music todo aquilo que non sexa ese xénero que cristalizou pola súa rendibilidade económica como un xénero universal. Pero o rock and roll non é universal, senón que nace nunha zona concreta, dunha raza concreta e produto da evolución dun folclore de creación colectiva que é o blues, feito por unha comunidade determinada, a afroamericana. O que está errado é considerar o rock and roll como unha música culta. É o mesmo Chuck Berry que Luar na Lubre. Alguén que colle unha música que está feita por unha comunidade e a fai evolucionar.

—Fala da polarización e da necesidade de fuxir dos prexuízos.

—Claro. Ninguén pensa coma min, porque eu penso. Quero analizar o ser humano sen prexuízos. É algo que sufrín moito e que non quero facer cos demais.

—Que prexuízos cree que hai sobre vostede?

—Prexuízos hainos sobre calquera muller que se exprese con vehemencia. Unha muller que non sexa submisa e compracente vai ser considerada arrogante e prepotente, cousas das que eu estou moi lonxe. Pero iso non creo que sexa algo persoal, comigo. É con calquera muller que se exprese con seriedade. Unha muller que aspire a ser admirada intelectualmente e non polo seu físico ou polo ben que cante. Iso non está pensado para nós. A resposta vai ser: «Pero esta que se cre?» Se fose un home, non se me vería así.

—Como sería Sés de ser un home?

—Menos intelixente, menos autoexixente, menos preparada probabelmente.

—Por que o cre?

—O nivel de presión que recibe unha muller lévaa a desenvolver capacidades extraordinarias, se esa muller ten interese. Probablemente, non necesitaría nin a metade do que necesito para que me valorasen igual. Entón sería menos interesante.

 

[Fonte: http://www.lavozdegalicia.es]

Pugna entre editores, autores, diseñadores y comerciantes, las portadas de los libros ¿sirven más para vender o para darle un complemento artístico, visual, a las palabras? ¿Nos distraen, nos engañan o nos acercan a las páginas del libro? Estos asuntos plantean los siguientes párrafos en torno a El atuendo de los libros de Jhumpa Lahiri.

Escrito por Santiago González Sosa y Ávila

En un principio los libros no llevaban portada. Se vendían como una colección de hojas que más adelante el comprador mandaba cubrir, usualmente con cuero o pergamino, protegiéndolas y adaptando el libro incipiente a su gusto y a su biblioteca. Luego llegaron nuevas formas de imprimir, nuevas tintas y colores y así comenzó el diseño gráfico y las impresiones en masa. Para mediados del siglo XIX, los libros se cubrieron con ilustraciones impresas en papel y unos años después, la portada se volvió un medio artístico en sí mismo. Adquirió entonces una doble función: representar con imágenes la palabra escrita y destacar en las vitrinas para facilitar su venta. Para fin de siglo, los editores entendieron que las imágenes vendían y cada década que le siguió, cada país, cada casa editorial, desarrolló su propio estilo —arte abstracto, composiciones tipográficas, fotográficas, ilustraciones de universos variados. En pocos siglos las portadas habían sufrido un cambio radical: de un vehículo protector de páginas a una función publicitaria que comunicara el contenido del texto, hasta convertirse en una parte inextricable de los libros.

Para quienes hemos aprendido a concebir que los libros solo están completos cuando llevan portada, ¿cómo reaccionar ante el desinterés que recorre El atuendo de los libros (Gris Tormenta, 2022), de Jhumpa Lahiri, un brevísimo ensayo que medita en torno a las cubiertas?

Lahiri es una narradora y ensayista —ganadora del Pulitzer en 1999 por su libro de cuentos El intérprete del dolor— cuya biografía debería despertar tanta curiosidad como su obra. Nacida en Londres de padres bengalíes, creció en Estados Unidos porque a su padre lo contrató  la Universidad de Rhode Island como bibliotecario. Mientras exploraba su condición como hija de migrantes también lidiaba con las identidades de otredad con la India y con Calcuta de manera simultánea. En 2015, como escritora reconocida, se estableció en Roma y agregó el italiano a su ya de por sí impresionante repertorio de lenguas, al grado de migrar parte de su obra hacia ese idioma.

Tanto así que el libro que menciono existió primero como discurso en italiano, y luego como una traducción al inglés que se preparó para una edición bilingüe, lo que culminó también en reescrituras del texto original. Esta edición en español contiene señales de haberse traducido del inglés, no del italiano, lo que implica un intercambio constante entre los textos. Pensemos en este tipo de triangulaciones (texto-traductor-lector) y las veces que las colaboraciones se repiten en la literatura, arte y oficio que se piensan esencialmente como producto del trabajo individual. Pensemos, específicamente, en las cubiertas.

Lahiri escribe estas páginas casi completamente desde el punto de vista de una autora que reacciona ante las portadas que las editoriales escogen para sus libros. Tiene una posición recelosa de lo que los diseñadores y editores han malinterpretado de sus obras y que ha culminado con portadas que, a su parecer, no concuerdan con los textos. “Desde mi punto de vista —explica Lahiri— la mayor parte de las camisas de mis libros no me quedan”. Sin duda es una postura de la que el público casi nunca se entera. Como ella misma cuenta: “Cada autor reacciona a las cubiertas de sus libros pero pocos hablan de ello abiertamente”, porque, claro, sería un despropósito antagonizar contra tu propio editor y el libro que han sacado en conjunto.  El punto de vista de Lahiri parte desde el ojo crítico del autor del libro, pero no hay que olvidar que detrás de cada portada hay una danza que a menudo deja insatisfechos a casi todos los involucrados: la conversación comienza entre editores y gente de marketing, después los editores tienen que explicarle a los ilustradores lo que ellos creen que es mejor para el libro; con algo de suerte, los editores consultan con el autor las primeras propuestas y de manera obligada con la gente de marketing previamente consultada y una vez más regresamos con los ilustradores para que mejoren sus bocetos. Una vez que tenemos la ilustración final, los editores consultan con los diseñadores, a quienes les han rechazado propuestas bajo la justificación que “hace falta más diseño”, lo que sea que eso signifique.  Después de este vaivén de voces culmina la creación de una cubierta, una proeza editorial, pero no siempre una victoria contra el descontento.

Ahora bien, para ser una escritora tan prolífica, Lahiri no se explaya como los entusiastas de las portadas hubiéramos querido. Menos aún celebra las cubiertas, por lo que el resultado deja un sabor un tanto anticlimático para los amantes de los libros. No le dedica demasiadas páginas a la historia de las portadas, un tema en sí fascinante, ni reseña tampoco algunas de las imágenes más importantes de la historia del libro. Tampoco nos describe las cubiertas que fueron cruciales para su propia formación. Su libro deja al lector deseando que hubiera seguido la exploración de otras directrices o que hubiera ofrecido una propuesta concreta. Es decir, no es un libro apasionado de las cubiertas ni apasionadamente en contra de ellas. Describe sin entrar en demasiados detalles que algunas portadas a sus libros le han gustado y otras no (en especial las que recurren a estereotipos de la India cuando el texto entero trate de la vida en Estados Unidos) y critica que las cubiertas se utilicen más como herramienta de mercado que como otra cosa.

Es cierto. Las portadas son un sistema de códigos para posicionar los sellos, guiar a su público potencial y sobre todo para ubicar su grado de… literaturidad, digamos. En México, por ejemplo, si son portadas coloridas es probable que se trate de libros infantiles, si son austeras y con tipografía patinada, es probable que sean libros de Literatura, si contienen fotografías de personas alegres es probable que sean de autoayuda o escritos por “celebridades”y/o “gurús”—lo que sea que eso signifique. En el mejor de los casos, las cubiertas mexicanas pueden llegar a ser auténticas propuestas de arte que usualmente provienen de editoriales independientes, impulsadas por una actitud que les permite pasar por alto el desempeño comercial del libro a cambio de experimentar con libertad artística. En el peor de los casos, los editores atiborran las portadas con citas de prensa, códigos de barra, precio, fajas o estampas engañosas que anuncian segundas o terceras reediciones cuando, a lo mucho, son reimpresiones. Lahiri se queja de este fenómeno internacional con toda razón, pero omite que facilitar la venta del libro fue lo que dio pie, en un principio, al surgimiento de las cubiertas.

Lo cierto es que hoy en día los lectores desean un objeto atractivo más allá del texto en sí. La propia Lahiri confiesa haber comprado algunos ejemplares solo por su cubierta, como muchos de nosotros lo hemos hecho. ¿Cuántos ejemplares he comprado de títulos que ya tengo en mi biblioteca por el simple hecho de que la cubierta era distinta? ¿Cuánto de ellos solo por tratarse de una edición extranjera? Si tomáramos la obra de Lahiri como ejemplo, eso equivaldría a cien cubiertas distintas, según sus propias cuentas.

Por un lado —nos explica— “es genial ver [todas sus cubiertas] juntas, percibir la abundancia de estilos, la variedad.[…] Las diferencias expresan la identidad, el gusto colectivo de cada lugar”. No es extraño, por ejemplo, que en Francia las portadas parezcan una página en blanco de Word con un entorno azul de la caja (basta con echar un vistazo a la editorial Gallimard), algo impensable en un lugar como España, donde abundan las fotos genéricas sacadas de bancos de imágenes, cosa que en Estados Unidos, donde las portadas le rehuyen a la homogeneidad, resultaría demasiado restrictivo. Pero para Lahiri esto también representa un desagrado: cuando los editores desaprueban las cubiertas de sus homólogos extranjeros. “Temo que refleje la incapacidad, aun en un mundo globalizado, de reconocerse en el otro”, apunta. En esta parte, Lahiri resulta de lo más desconcertante. Si acaso el desdén hacia portadas que han elegido nuestros pares habla de una reacción contra una monocultura global y una vitalidad de las identidades librescas regionales, o bien, de la mezquindad casi inevitable de la industria editorial a nivel mundial, pero ciertamente no de una incapacidad. Al fin y al cabo, lo interesante de comparar portadas son las diferencias, no las similitudes.

Lahiri sostiene lo contrario. Ante las distintas camisas que no le quedan a sus libros, considera “que tal vez el uniforme sería la solución”, por lo que se inclina más por las cubiertas de colecciones. Esta edición, por cierto, pertenece a la Colección Editor de Gris Tormenta: colores pastel con una gruesa franja superior de color blanco, sin imágenes, texto centrado de palo seco salvo por los apellidos de los autores, que lucen una autoritaria tipografía patinada de mayor puntaje que el resto. (¿Le gustaría a Lahiri? Yo diría que sí.)

Hasta ahora, he dado por hecho que fascinarse por la literatura implica necesariamente fascinarse también por los libros y las cubiertas. Sin embargo, Lahiri toma esta equivalencia y la pone patas arriba al introducir la idea del libro desnudo, como los que conoció en la biblioteca donde trabajaba su padre, cubiertos con una pasta dura genérica, “desprovistos de adelantos e introducciones” y con una “una cualidad anónima, secreta. […] Para comprenderlos había que leerlos”. Como ella explica, los autores de los libros cuyas portadas nunca hemos visto están representados solo por sus palabras. Y esas lecturas se desarrollaron fuera del tiempo, ajenas al mercado y a la actualidad.

Es aquí donde Lahiri establece su mejor argumento y nos lleva a pensar: si tanto nos gusta la literatura, ¿no nos gustaría que las palabras se sostuvieran por sí mismas, sin intermediarios visuales? El atuendo de los libros casi hace que añoremos aquellas hojas sueltas que se cubrían con pergamino, de cuando leer significaba encontrarse a solas con las palabras en un silencio entre autor y lector y un misterio que permitiera la lectura libre. Casi.

• Jhumpa Lahiri. El atuendo de los libros, Querétaro, Gris Tormenta, 2022, 100 p.

[Fuente: http://www.nexos.com.mx]

La publication par les éditions Claire Paulhan de la correspondance entre Guillaume Apollinaire et André Salmon constitue à nos yeux une somme et un sommet d’érudition littéraire. Engageons plus nettement notre jugement : il s’agit d’un véritable chef-d’œuvre. Nos éloges s’adressent à la fois à la chercheuse ayant composé cette étude savamment annotée, Jacqueline Gojard, et à l’éditrice elle-même.

Guillaume Apollinaire en 1905. Photographie de E.-M. Poullain. © O. Messac


Guillaume Apollinaire et André Salmon, Correspondance 1903-1918 & Florilège 1918-1959. Édition préfacée et annotée par Jacqueline Gojard. Claire Paulhan, 488 p., 39 €


Écrit par Jacques Darras

Qu’est-ce qui justifie un tel enthousiasme ? Ici, un faisceau de réponses. Ce livre offre pas moins d’une centaine d’illustrations comprenant portraits, photos et tableaux des deux poètes, dont n’avaient été vus que quelques exemplaires dans telle ou telle étude. La chronologie de la correspondance s’accompagne ainsi d’une émouvante chronologie du vieillissement des deux amis, depuis leur rencontre au café parisien du Soleil d’or, boulevard Saint-Michel, en 1903, jusqu’à la disparition d’Apollinaire en 1918 et celle d’André Salmon cinquante ans plus tard.

Outre l’excellente qualité des portraits photographiques, dont celui d’Apollinaire dû à son ami étudiant en droit Edmond-Marie Poullain, qui ouvre le livre et nous montre un jeune homme de 23 ans, pourvu d’un faux col, d’une petite moustache et de deux billes noires à la place des yeux, figurent des couvertures de programmes, des lettres manuscrites, des cartes postales vite griffonnées mais surtout des tableaux de Marie Laurencin, de Kisling, de Pascin, de Derain, ainsi que des dessins à la plume de Salmon lui-même ou de Picasso. Feuilletant les pages, on croirait traverser un musée.

À cette nuance que le musée vit et vibre des mots jetés à la hâte par les deux poètes, s’invitant à telle ou telle exposition, tel café, telle rencontre, ou s’en décommandant, en pleine confiance que la poste transportera leurs missives ou leurs billets à destination et à temps. Il y a de la nervosité, de l’instantanéité dans la correspondance au regard de quoi les portraits et les tableaux ralentissent à souhait la lecture.

Il s’agit donc d’un livre polychronique – faute d’un autre mot – enregistrant les vitesses multiples de la vie moderne. Comme tel, il explique merveilleusement les poèmes essentiels de l’un et l’autre poète. Par exemple, on se promènera désormais dans « Zone » d’Apollinaire avec infiniment plus de facilité que selon une lecture sèche du poème. Le Paris que traverse le piéton regagnant Auteuil depuis la tour Eiffel et le pont Mirabeau s’enrichit ici de détours dans les brasseries et les cafés comme de retours vers le passé, apportant aux mots une charge de complexité que semblait effacer leur syntaxe allègre, dénuée de ponctuation.

Guillaume Apollinaire et André Salmon : une érudition du réel

Portrait d’André Salmon par Léopold Gottlieb (vers 1908) © Coll. particulière, Paris

Outre les illustrations, la hiérarchie typographique de la page posant à son fronton l’échange entre les poètes et, selon le plus ou moins d’espace qu’il occupe, l’étayant d’un soubassement touffu de notes en caractères plus petits, permet une circulation de l’œil verticalement aussi bien que latéralement. Ce sont toutes ces notes d’une précision inouïe, dont on sent bien que chacune aura demandé des heures de recherche en bibliothèque ou en archives, qui font le prix de cette étude. À les lire seules, on pourrait presque reconstituer, à l’aveugle pour ainsi dire, le récit qu’elles ont pour tâche d’éclairer.

Ce livre nous semble l’exemple parfait de ce que nous appellerons crânement une « érudition du réel ». Non seulement le livre ainsi conçu apporte en effet la chair de l’espace et du temps au poème qu’il a pour objet de commenter, mais l’infaillibilité de son exactitude le rapproche de l’acte poétique même. Rien de superflu ni de vague ici, bien au contraire, mais la reconstitution archéologique du vivant d’où s’est arrachée et emportée la parole des deux poètes. Le célèbre recueil d’Apollinaire Alcools (1913) comme la prose poétique moins connue de Salmon Le manuscrit trouvé dans un chapeau (1904-1919) retrouvent dans ce soubassement, cette terre de notes fertilisée par le poème, leur site d’origine.

Guillaume Apollinaire et André Salmon : une érudition du réel

Lettre de Guillaume Apollinaire à André Salmon (1908) © Éditions Claire Paulhan

Là est la clé du chef-d’œuvre que nous avons annoncé d’entrée. Par-delà les vitesses de temps multiples mises en jeu par le travail de recherche et grâce aussi à l’exigence inouïe de la chercheuse, reprennent corps, se redressent sous nos yeux, les figures des deux poètes qui, se rencontrant à l’âge de vingt ans à Paris, chacun dans une précarité d’existence presque totale, se sont liés d’amitié et se sont ligués pour donner des formes neuves à leur compréhension du monde. Il est ainsi passionnant de voir, ce dont on se doutait déjà, l’extraordinaire facilité d’attaque d’Apollinaire, si proche d’une innocence, dans la célébration de la vie. Son poème épithalame lu au mariage de son ami André, en 1909, qui occupe les pages 140 à 142, dépasse pour ainsi dire la compréhension qu’il a de lui-même. Comme tel, il annonce déjà le surréalisme.

En voyant des drapeaux, ce matin, je ne me suis pas dit :

Voilà les riches vêtements des pauvres ;

Ni : la pudeur démocratique veut me voiler sa douleur ;

Ni : la liberté en honneur fait qu’on imite maintenant

Les feuilles, ô liberté végétale, ô seule liberté terrestre !

Tout n’est pas parfaitement clair ici, assurément. On dirait que le poète court derrière la liberté de ses propres phrases, dont il ne maîtrise pas parfaitement le destin. Les drapeaux du 13 juillet 1909 dont on pavoise les rues républicaines sont en effet les mêmes que ceux qui mobiliseront cinq ans plus tard les jeunes recrues de la guerre, dont Apollinaire lui-même – de son côté Salmon, quoique réformé, s’engagera au 26e bataillon de chasseurs à pied avant d’être définitivement renvoyé dans le civil en 1917 – car les poètes n’ont pas nécessairement le don de double vue, ainsi que le montre la suite du poème :

Ni : parce que les drapeaux claquent aux fenêtres des citoyens qui sont contents depuis cent ans d’avoir la vie et de menues choses à défendre.

On connaît le résultat final, la mort de Guillaume au 202, boulevard Saint-Germain, le buste de Dora Maar sculpté par Picasso et dédié par lui à Apollinaire, en 1959, tout contre l’église Saint-Germain-des-Prés, le discours prononcé à cette occasion par André Salmon. Ce discours ainsi que de nombreux autres textes confiés par Salmon à des revues ou prononcés sous forme de conférences à la gloire de son ami défunt constituent, sur près de 170 pages, la seconde partie du livre. L’accès à la postérité exige le travail incessant de l’amitié. André Salmon fut sur ce point d’une humilité et d’une fidélité exemplaires. Le livre de Jacqueline Grojard et Claire Paulhan vaut, quant à lui, bien mieux qu’un monument. C’est une éblouissante leçon de poésie vivante et de savoir vivant.

 

 

[Source : http://www.en-attendant-nadeau.fr]

À l’occasion du centenaire de la disparition de Marcel Proust, voici trois rendez-vous à ne pas manquer pour mieux communier avec le célébrissime auteur d’ “À la recherche du temps perdu”.

Nous avons sélectionné trois évènements intéressants qui vous feront vibrer au son des mots de Marcel Proust, le 18 novembre !

Rendez-vous à la gare Saint Lazare pour une dictée

À vos claviers et vos stylos, plusieurs textes de l’écrivain, qui est l’un des plus étudiés, commentés et cités dans le monde entier, seront lus par Rachid Santaki et ses invités «  surprises  » . RDV sur la terrasse de la gare parisienne au départ des trains de 13 à 17h avec France Culture.

Une lecture intégrale du Temps retrouvé

Au Musée national Jean-Jacques Henner, assistez à la lecture du dernier tome d’À la recherche du temps perdu par le comédien Ivan Morane.

À la minute même où cela fera cent ans que Marcel Proust a rendu son dernier souffle, le 18 novembre à 16h, Ivan Morane débutera la lecture intégrale du Temps retrouvé. Cela représente 16h de lecture qui s’achèveront le dimanche 20 novembre à 16h.

L’exposition Marcel Proust gratuite à la BnF

Pour commémorer le centenaire de la mort de Marcel Proust dont elle conserve la quasi-totalité des manuscrits, la Bibliothèque nationale de France ouvrira gratuitement les portes de son exposition consacrée à la fabrique d’À la recherche du temps perdu.

Vendredi 18 novembre 2022, le public pourra découvrir gratuitement les quelque 370 pièces (manuscrits, tableaux, photos, objets, costumes) qui racontent l’histoire de ce chef-d’œuvre de la littérature universelle.

Et si vous voulez conserver un autre souvenir de l’écrivain, n’oubliez pas qu’un timbre à son effigie est disponible (lire notre article).

 

[Source : http://www.idboox.com]

Las obras del autor de « El Evangelio según Jesucristo » siguen siendo reeditadas y leídas por un público que aprecia la humanidad de sus personajes contradictorios y la originalidad de sus historias.  

La obra del luso José Saramago (1922-2010), Nobel de Literatura 1998, sigue sumando e interpelando lectores con una prosa que indaga en la responsabilidad moral de la humanidad y a 100 años de su nacimiento, sus libros, plenos de lucidez crítica, siguen siendo reeditados en todo el mundo, especialmente desde que se iniciaron los homenajes, como el de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, donde participó su esposa y albacea, Pilar del Río.

Polémico y provocador, el autor de « El Evangelio según Jesucristo » compuso, con una prosa fluida y personajes contradictorios, historias que tuvieron como protagonista excluyente al ser humano de este tiempo.

Considerado un « comunista recalcitrante » por el Vaticano debido a sus opiniones religiosas, injuriado por los mayores exponentes del capitalismo, Saramago fue al hueso del poder global, dejando al descubierto la brecha entre ricos y pobres.

« Cada mañana, cuando nos despertamos, podemos preguntarnos qué nuevo horror nos habrá deparado, no el mundo, que ese, pobre de él, es solo víctima paciente, sino nuestros semejantes, los hombres. Y cada día nuestro temor se ve cumplido, porque el ser humano, que inventó las leyes para organizarse la vida, inventó también, en el mismo momento o incluso antes, la perversidad para utilizar esas leyes en beneficio propio y sobre todo, en contra del otro », escribió en uno de los pasajes de « El cuaderno », libro que recopila textos escritos para su blog entre septiembre de 2008 y marzo 2009.

« El hombre, mi semejante, nuestro semejante, patentó la crueldad como fórmula de uso exclusivo en el planeta y desde la perversión de la crueldad ha organizado una filosofía, un pensamiento, una ideología, en definitiva, un sistema de dominio y de control que ha abocado al mundo a esta situación enferma en que hoy se encuentra », agrega en el blog, leyendo su presente que como eco continúa replicándose sin pausa.

La vida de José Saramago

Ensayista, novelista, poeta, periodista y dramaturgo nacido el 16 de noviembre de 1922 en el pequeño pueblo ribatejano de Azinhaga, Saramago volcó en su obra profundos cuestionamientos sobre el accionar humano.

« La religión nunca ha servido para acercar a las personas, solo ha sido motivo para enfrentarlas unas a otras, para la muerte, la carnicería, la crueldad y las guerras », definió en una de sus primeras visitas a Buenos Aires, en alusión a « El evangelio según Jesucristo », novela que narra a un Cristo repleto de humanidad, publicada en 1991, con la que se ganó los insultos de buena parte de la comunidad católica y múltiples premios literarios en su país y el exterior.

Esa mirada sobre el mundo es la que su esposa y traductora al español, Pilar del Río, destacó del escritor en una entrevista con Télam: « Cada día parece más actual. Creo que de alguna manera la obra de José Saramago en este centenario es como si hubiera florecido, de pronto se abre…Lo teníamos ahí y ahora lo redescubrimos desprendiendo un magnífico idioma y aroma de actualidad ».

« El Evangelio… » significó un punto de inflexión en su obra y también en su vida porque con la reacción generada desde la institución católica y la intolerancia expuesta por funcionarios de su país, Saramago fue puesto en el foco de la opinión pública, una notoriedad que se amplió cuando abandonó Lisboa y se refugió en un pequeña isla de las Canarias, en España.

La vigencia del autor fallecido en 2010 se reactivó en tiempos de aislamiento obligatorio por pandemia. Su « Ensayo sobre la ceguera », donde describe « un mundo de ciegos en el que los seres humanos, aun viendo, no vemos », fue « la obra más leída en ese momento en España », destacó Del Río este año, en el diálogo que mantuvo con Télam con motivo del retorno de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires a la presencialidad.

La secuela que aquel ensayo había sido su « Ensayo sobre la lucidez » y « es posible que seamos lúcidos -dijo en aquel momento su albacea-, pero para eso tenemos que ser valientes ».

El autor de Ensayo sobre la ceguera recibi el Premio Nobel de Literatura en 1998

El autor de « Ensayo sobre la ceguera » recibió el Premio Nobel de Literatura en 1998.

Esa actualidad es lo que llevó a reeditar en vísperas del centenario del nacimiento de Saramago su obra completa, y a publicar por primera vez en español su primera novela, « La viuda », titulada en 1947 « Terra do pecado ».

La obra pasó prácticamente inadvertida en aquellos años, con apenas una breve reseña en un periódico local que le sembró dudas acerca de su decisión de escribir, dudas que se profundizaron con la llegada de su segunda obra, « Claraboya », en 1953, que no pudo lograr que viera la luz en ninguna editorial, recién publicada en 2011.

A esto siguió un largo período de silencio 20 años, hasta que empezó a publicar poemas, crónicas periodísticas y novelas: en la década del 70, con « Los poemas posibles » y « Probablemente alegría », logró renovar el lenguaje poético tradicional de su país.

Hijo de una familia humilde, Saramago abandonó la secundaria para trabajar de cerrajero y se formó con lecturas en las bibliotecas públicas, que le sirvieron para colaborar en la prensa escrita y codirigir el Diario de Noticias en 1975. Militó en el Partido Comunista Portugués y por eso fue censurado y perseguido la dictadura de António de Oliveira Salazar, contra la cual batalló en 1974 durante Revolución de los Claveles.

Su producción literaria marca un hito en 1975 con « El año 1993 », 30 poemas que podrían ser 30 capítulos donde Saramago describe, de manera realista y a su vez metafórica, la ocupación de un país por un invasor despiadado.

Novelas como « Manual de pintura y caligrafía » (1976), « Alzado del suelo » (1980), « El año de la muerte de Ricardo Reis » (1984) y « La balsa de piedra » (1986) o el libro de cuentos « Casi un objeto » (1978) se sumaron a su prolífica producción de ficción.

En su obra de los últimos años se destacan « Historia del cerco de Lisboa » (1989), « Todos los nombres » (1997) e « In nomine Dei » (1993). Fue en 1994, cuando se conoció el primer volumen de « Cuadernos de Lanzarote », que ingresó en la Academia Universal de las Culturas (París), en la Academia Argentina de Letras y al Patronato de Honra de la Fundación César Manrique (Lanzarote).

Saramago fue en 1998 y a los 75 años, el primer y hasta ahora único escritor portugués en recibir el Premio Nobel de Literatura por una obra sostenida « por la imaginación, la compasión y la ironía », según la Academia Sueca.

El escritor portugués tenía un boleto para regresar a Madrid a las 12.55 horas, justo cinco minutos antes de que se anunciase el galardón en la Feria del Libro de Frankfurt, y salió hacia el aeropuerto, pero su editor lo convenció de que regresara al evento.

En 2002, fue considerado « persona non grata » en Israel retirando todos sus libros de las librerías de ese país, por comparar la política de este país en los territorios ocupados con los campos de exterminio nazis de Auschwitz.

Pilar del Ro viuda de Saramago en el homenaje que se realiz al autor en la ltima edicin de la Feria del Libro Foto Maxci Luna

Pilar del Río, viuda de Saramago, en el homenaje que se realizó al autor en la última edición de la Feria del Libro. Foto: Maxci Luna

En sus últimos años produjo « Las pequeñas memorias » (2006), que se sumó a obras como « La caverna » (2000), « El hombre duplicado » (2002), « El viaje del elefante » (2008) o « Caín » (2009). « Alabardas » fue una novela inconclusa publicada post mortem, en 2014.

En 2018 se conoció « El cuaderno del año del Nobel », el último volumen de los diarios del escritor reunía pensamientos y algunas de escenas cotidianas del año 1998, que finaliza con dos entradas en 1999.

En este centenario, publicaron « Saramago. sus nombres », de Alejandro García Schnetzer y Ricardo Viel, un álbum biográfico que reúne material inédito, fotografías y textos suyos e indaga en sus primeros años de vida, las ciudades a las que viajó, y los artistas y escritores que admiró, como García Lorca, Kafka, Pessoa, Almodóvar, Fellini o Chopin.

 

 

 

Escrito por Edgar Isch L.*

El afán de controlar el pensamiento de los pueblos recorre toda la historia de las sociedades de clases. Así como se domina con la fuerza, se lo hace también y más fuertemente desde el pensamiento. Quienes se apropian del poder no requieren de fuerza cuando los dominados se enajenan al grado de creer que su opresión es normal y adecuada. En ese caso logran una suerte de consenso en favor del sistema, un “sentido común” aparentemente indiscutible.

La lucha en el campo de las ideas tiene esta importancia: o se posibilita un pensamiento libre y crítico o se impone un pensamiento sumiso y acrítico. Su expresión está en todos los campos de la vida social: cuando se busca trabajo y se negocian las condiciones laborales; cuando se recibe un servicio público y se compara con el privado; cuando se educa a las nuevas generaciones; cuando se decide cuáles son las noticias que deben transmitirse y qué ideas se presentan al hacerlo; y muchos más ejemplos que a cada uno se le pueden ocurrir.

Se dice de manera acertada que vivimos una sociedad que es clasista y que además ese clasismo está fortalecido y a su vez alimenta características como el sentido patriarcal, etnocentrista y colonizador de pueblos y la naturaleza. Todo conducido desde el poder que impone de esta forma de pensar. Para lograrlo, utilizan dos vías: difundir sus puntos de vista y su ideología como la única válida (“no hay alternativa”, repetirían continuamente los neoliberales), usando los sistemas educativos, los medios de comunicación, la mayoría de centros religiosos y muchos más instrumentos a su alcance; por otro lado, silencian y atacan a las opiniones críticas al sistema, como sucede en la gran prensa, las películas o en el manejo de los datos en internet, promoviendo más lo siempre promovido.

La prohibición de libros hoy

Una forma de silenciar otras voces ha sido la quema de libros. Y aquí es fácil recordar la inquisición, el nazismo de Hitler, la dictadura de Pinochet o el pedido del anticomunista senador Mc Carthy, quien pidió la quema de 30.000 títulos. Hoy que la derecha gana fuerza en algunos países desarrollados, como una respuesta ante la crisis y posibles levantamientos populares, es cuando estas formas extremas de control del pensamiento tienen lugar.

Lo dominante hoy son las prohibiciones que se van repitiendo. Veamos unos ejemplos, centrados en Norteamérica:

Desde julio 2021 al 31 de marzo de 2022, se ha prohibido 1.586 libros de bibliotecas escolares en 26 estados, afectando la libertad de pensamiento de más de 2 millones de estudiantes. Si bien la decisión no es del gobierno sino de los distritos educativos, se trata de acciones coordinadas por la extrema derecha. Los libros más afectados tienen que ver con la discusión del racismo, la denuncia de la esclavitud, sobre temas relacionados a la comunidad LGBTI, pero se han incluido libros de premios Nobel, textos religiosos, de una víctima del holocausto judío o de Malala, la niña que luchó por la educación contra los talibanes.

Ya a nivel estatal, el Departamento de Educación del Estado de la Florida prohibió 54 textos escolares, incluso de matemáticas, por cuestionar el racismo y esclavitud. El 40% de textos están en revisión de este grupo inquisidor.

En Texas, incluso se llega a colocar el préstamo de esos libros en las bibliotecas escolares como un delito. En Missouri se prohibió el uso de un número especial del periódico New York Times “NYT, 1619 Proyecto”, centrado en la esclavitud en Estados Unidos.

En Canadá la situación no es tan grave, pero en Ontario contra unos 4.700 libros infantiles y hasta el diccionario Webster, siempre con argumentos absurdos. Incluso con pretextos supuestamente contra estereotipos raciales, se ofendió a la libertad de pensamiento quemando (aquí literalmente) ediciones de Asterix o Lucky Luke.

Derecha es limitar las libertades

En general, se trata de empezar en el mundo educativo. Junto a los libros eliminados viene la prohibición de temas en el currículo y en general el silenciamiento de los profesores y profesoras, quienes en los últimos años han realizado varias huelgas superando la legislación represiva. La acción contra el NYT ya habla de un control más fuerte sobre la prensa, aunque al ser la mayoría medios de propiedad de millonarios, la censura previa les garantiza sus mensajes.

La derecha se presenta así como la limitación de las libertades, a pesar que usan la palabra libertad en sus discursos. La libertad que les interesa es la libertad de explotar a los trabajadores, la de apropiarse de los bienes comunes, la de sostener sus intereses por encima de la sociedad.

Estas son solo expresiones de esta gran batalla de ideas. Hay estudios que demuestran las distintas líneas que tiene la búsqueda del control del pensamiento de los pueblos, y la prohibición de los libros solo es una de ellas. El poder capitalista teme las nuevas protestas sociales ante la crisis a nivel global y por ello el incremento de su trabajo en el campo de las ideas. Las fuerzas de izquierda, democráticas y auténticamente progresistas deben presentar los contrapesos suficientes.

* Académico y exministro de Medioambiente de Ecuador. Asociado al Centro Latinoamericano de Análisis Estratégico (CLAE)

 

[Fuente: http://www.nodal.am]

 

 

 

Xenia Dyakonova publica ‘El conte de l’alfabet’ (L’Avenç)

Xenia Dyakonova

Escrit per Antoni Pizà

Posem per cas que jo, ara, en plena edat madura, volgués aprendre rus. Quina alegria, quin plaer poder llegir en l’original Gógol, Turguénev, Dostoievski; poder entendre els diàlegs de les pel·lícules de Tarkovski i Mikhalkov; aclarir finalment, llegint les fonts originals, fins a quin punt Xostakóvitx va ser estalinista i si els diaris espoliats de Txaikovski revelen detalls sobre la seva homosexualitat o els seus desitjos incestuosos; i quin goig finalment poder-me comunicar amb els meus amics oligarques de Port Adriano i Andratx a Mallorca. Sé, però, que la realitat és una altra: és improbable que un alumne adult pugui arribar a dominar una llengua estrangera a un nivell tan alt a no ser que s’hi posi molt d’hora i hi dediqui pràcticament tota la vida, tres-cents seixanta-cinc dies a l’any. Tanmateix, penso, fins i tot si arribés a dominar la llengua, ¿arribaria a controlar tots els registres de l’essència russa o necessitaria també una traducció «cultural»?

Xènia Dyakonova és una de les grans traductores del rus en català; és, a més, poeta, assagista i músic. Nascuda a Sant Petersburg el 1985 (quan encara es deia Leningrad, i el detall no és gratuït), viu a Barcelona des dels disset anys, però tingut, tanmateix, una existència peripatètica que en temps de Stalin li hagués merescut el qualificatiu de cosmopolita burgesa o decadent o internacionalista o qui sap què. A la seva família hi ha arquitectes de renom, científics, filòlegs, una biòloga molecular i algun matemàtic, entre altres. Aquesta vida cosmopolita, refinada i aparentment privilegiada, a mes a més, va coincidir amb els inicis de la perestroika i la glàsnost. Dyakonova ―es dedueix d’El conte de l’alfabet, el seu darrer llibre en prosa escrit originalment en català― va tenir accés a llibres i biblioteques, una formació seriosa si bé extremadament rígida al conservatori i un contacte més o menys continuat des de la seva infantesa amb l’estranger, l’occident «decadent» i el seu consumisme ostentós, el bling bling del qual, en els anys vuitanta i noranta, semblava irreprimible a molts russos.

El conte de l’alfabet reuneix trenta-tres escrits autobiogràfics i erudits, allò que en els països de parla anglesa es denomina el personal essay, que es van publicar originalment a la revista L’Avenç durant el 2021 en un format un poc diferent. En aquest llibre utilitza les trenta-tres lletres de l’abecedari ciríl·lic de la seva llengua materna per a partir de cada lletra evocar una paraula i d’aquí un concepte de la cultura russa. El format de l’abecedari, naturalment té molts i grans antecedents: Czesław Miłosz, Gilles Deleuze i fins i tot, més prop d’aquí, Miquel Bauçà, entre molts altres. Dyakonova, emperò, a través de la seva història personal i familiar, li sap fer un gir espectacular. L’explicació fonètica i etimològica de cada paraula s’acompanya de penetrants evocacions autobiogràfiques de la seva família i la seva primera joventut a Sant Petersburg, i tot amb un estil que combina a la perfecció la informació i la poesia. El resultat? Un manual de cultura humanística russa, una traducció no ja de les paraules, sinó de totes les connotacions i reverberacions culturals a què al·ludeixen aquestes paraules.

A mi no em bastarien dues vides per aprendre el rus i per arribar, a més, a entendre que en rus un grafoman no just és una persona que escriu molt, sinó un individu que no té talent literari (i que per això escriu tant). El mot drug, per una altra banda, es refereix a un amic, però en la cultura russa hi ha molts de matisos en l’amistat. Dyakonova recorda que Pla deia que hi ha amicsconeguts i saludats. Bé, sembla que en rus hi ha unes equivalències en els termes drug (amic), priiàtel (conegut) i znakomi (conegut). L’autora, però, adverteix que l’equivalència no és exacta perquè a un drug «se li exigeix molta més constància i sensibilitat que a un amic» en el sentit planià. L’entrada sobre el paper de vàter també pot tenir ressonàncies locals (catalanes o espanyoles), però no exactes. Sembla que durant anys de penúria, els russos després d’anar de ventre es netejaven amb un tros de diari. Això també passava en el meu col·legi de primària; eren quadradets perfectament retallats que un hermano (un religiós castigat de per vida a les baixes jerarquies eclesiàstiques) trinxava i llescava pacientment cada dia davant la TV fins que un poc abans de mitjanit la carta de ajuste li deia que era hora d’allitar-se. Els russos, però, segons explica l’autora, «retallaven els retrats dels dirigents polítics», un detall que l’àvia de l’autora justifica dient: «T’imagines què podia passar si algú venia a casa teva i veia que t’eixugaves el cul amb els bigotis de l’Stalin?».

A l’assaig sobre el conte popular rus (les rondalles) o skazka, Dyakonova revela que sovint aquest gènere pot desconcertar perquè en molts casos presenta una contra-moral en què els dolents guanyen i els bons es foten. Dyakonova pensa que de petita llegint aquests contes quedava perplexa perquè «en més d’una skazka popular qui triomfava era el lladre». La picaresca i l’admiració pels pocavergonyes no és única a la cultura ibèrica (amb els seus lazarillos) o la russa, i això em fa pensar un debat recent. La invasió russa d’Ucraïna ha produït tota classe d’interpretacions sobre Rússia com a nació. Fa pocs mesos, per exemple, el Times Literary Supplement i Foreign Policy, van publicar sengles assaigs dels escriptors ucraïnesos Oksana Zabuzhko i Volodymyr Yermolenko sobre els clàssics literaris russos. Segons ells, una certa arrogància imperialista ja està present en autors com Tolstoi, Dostoievski i fins i tot Puixkin, que a pesar d’haver patit l’exili en defensa de la llibertat, ara i adés era donat a fantasies colonialistes i imperialistes. És a dir: l’autocràcia de Putin ja és present de forma embrionària en els clàssics de la literatura russa. No es tracta, tanmateix, de «cancel·lar», com se sol dir ara, aquests clàssics, sinó de contextualitzar-los, cobrar consciència que fins i tot els sants han estat pecadors en algun moment de la seva vida. I això és el que fa Dyakonova com a traductora cultural en aquests assaigs autobiogràfics: posa Rússia en el seu context cultural, no just el referent literal, perquè en la vida, com en les skazki (rondalles) a vegades triomfen els lladres.

 

[Foto: Laia Serch – font: http://www.nuvol.com]

Il s’agissait du plus grand camp de prisonniers français à Berlin durant la Deuxième Guerre mondiale. Et pourtant, il était tombé dans l’oubli. Ses dernières traces devaient disparaître à jamais avec le lancement d’un énorme projet immobilier. Mais des initiatives citoyennes se sont mobilisées pour que l’histoire ne soit pas effacée à jamais. Une exposition « Le passé, on oublie ? » consacrée à ce camp vient de s’ouvrir à Berlin.

Prisonniers de guerre français lors d’une distribution de nourriture, 1940. CICR

Écrit par Pascal Thibaut

Joseph Baby a 22 ans lorsqu’il est mobilisé en 1939. Le jeune Français est fait prisonnier de guerre après la défaite de la France quelques mois plus tard. Il arrive au camp de Lichterfelde, au sud de Berlin, en août 1940 ; il porte le matricule 28 468. Au total, 1,8 million de Français seront prisonniers durant la guerre en Allemagne. Les Soviétiques seront trois fois plus nombreux et devront endurer des conditions bien plus dures. Les jeunes Allemands sont au front ; la main d’œuvre des pays occupés doit permettre à l’industrie germanique de tourner.

Joseph Baby restera cinq ans dans la capitale du IIIᵉ Reich où d’innombrables camps de prisonniers et de travailleurs forcés sont créés. Il rentre en France durant l’été 1945 et ne parlera quasiment jamais de ces années à Berlin.

Prisonniers de guerre français au camp de Lichterfelde, 1940. CICR

Les anciens prisonniers ne parlent pas forcément de leur passé en Allemagne. Le pays tourne la page. L’armée américaine utilise le site de l’ancien camp pour un centre d’entraînement et rase ce qu’il en reste dans les années 1990. Des petites entreprises utilisent d’anciens bâtiments du camp. Depuis les années 1950, des soldats français stationnés à Berlin-Ouest rendent hommage à leurs 400 camarades morts en détention durant la guerre dans la capitale allemande. Leurs restes sont transférés vers la France.

C’est très tard, il y a cinq ans, que des initiatives citoyennes, engagées dans le travail de mémoire dans cette partie de Berlin, effectuent des démarches pour sauvegarder le site après son rachat par un investisseur qui prévoit un vaste projet immobilier de 2 500 logements. L’engagement de ces groupes auprès de l’entreprise et de l’arrondissement permet de trouver un compromis : deux bâtiments de l’ancien camp seront sauvegardés. L’un d’eux sera utilisé dans les prochaines années comme centre de rencontre pour la jeunesse ; le second deviendra un lieu de mémoire rappelant l’existence du camp de prisonniers français.

La caserne Landweg 35a sera préservée, un mémorial doit être construit ici. © Antonia Weiße/Dokumentationszentrum NS-Zwangsarbeit frei.

Thomas Schleissing-Niggemann dirige l’une des initiatives sur place. L’engagement de l’infatigable septuagénaire est intimement lié à son histoire familiale : « Mon père était membre du parti nazi et de l’organisation Todt. Ma propre biographie est liée à l’histoire avec un grand H. Je m’engage pour que ce sombre passé ne soit pas oublié. Le travail de mémoire reste central ».

Lors du vernissage de l’exposition « Le passé, on oublie ? », Thomas Schleissing-Niggemann a interpellé l’adjoint au maire à la Culture de la ville de Berlin présent, lui déclarant « Adoptez cet enfant. Faites en sorte que notre engagement pour conserver cette mémoire ne reste pas un feu de paille ». Une fois le projet immobilier réalisé, il faudra savoir qui gère ce lieu de mémoire et avec quels moyens.

Agnès Tanière, la fille du prisonnier de guerre Joseph Baby, a pu rencontrer ceux qui ont permis au camp de ne pas être oublié, et qui contribuent quelque part à ce que le passé de son père ne disparaisse pas : « J’ai été très émue d’apprendre que ces personnes s’étaient engagées pour que la mémoire du camp ne disparaisse pas. Ça réchauffe le cœur de voir qu’elles éprouvent une responsabilité devant l’histoire ; elles ont compris la souffrance de tous ces prisonniers qui étaient dans ces camps ».

L’exposition temporaire, lancée et hébergée par le Centre de documentation sur le travail forcé sous le IIIᵉ Reich et visible jusqu’à fin mai 2023, se veut aussi un moyen de rendre cette redécouverte publique et de contribuer à pérenniser un projet encore balbutiant.

Exposition sur l’ouverture du camp de Lichterfelde avec le sénateur pour la Culture Klaus Lederer et Christine Glauning, responsable du centre de documentation NS-Zwangsarbeit. © Andreas Schoelzel/Dokumentationszentrum NS-Zwangsarbeit frei.

L’exposition présente la vie des prisonniers dont les conditions de vie ont été perçues comme décentes lors de premières inspections de la Croix Rouge. Elles se détériorèrent par la suite. Les détenus travaillaient dans des entreprises ou déblayaient les dégâts causés par les bombardements alliés. Ils disposaient au sein du camp de leur logement sommaire, mais aussi d’une bibliothèque. Des cours furent organisés ainsi que des performances théâtrales. René Duverger, ancien champion olympique en haltérophilie, participa aux activités de cette troupe. Le magazine « Matricule X » aura environ 50 numéros entre 1941 et 1945. La publication réalisée par les prisonniers était soumise à une étroite censure et reprenait à son compte la propagande collaborationniste du régime de Vichy.

Des artistes français firent le déplacement pour « remonter le moral des troupes », comme Edith Piaf, qui chanta devant des prisonniers de guerre en Allemagne, également à Berlin à deux reprises. On la voit dans l’exposition sur une photo avec d’autres artistes au pied de la porte de Brandebourg. Après la guerre, l’artiste pourra prouver que ses voyages en Allemagne avaient été utilisés pour aider des prisonniers à s’évader.

Agnès Tanière aura sans doute beaucoup appris à travers les recherches des historiens sur le camp où fut interné son père et sur sa vie quotidienne à Berlin entre 1940 et 1945. La fille de Joseph Baby avait déjà en amont découvert, après la mort de son père, une centaine de lettres que ce dernier avait rédigées durant sa captivité. « Lorsque j’ai lu la première, j’ai dû m’interrompre et pleurer. C’était vraiment trop dur de découvrir ce passé dont il n’avait jamais parlé ».

Agnès Tanière, fille de l’ancien prisonnier de guerre français Joseph Baby © Andreas Schoelzel/Centre de documentation sur le travail forcé NS.

 

[Source : http://www.rfi.fr]

El museu d’Albert Einstein a Jerusalem albergarà la col·lecció més gran d’arxius del físic

 

Escrit per Malena Ramajo

El govern d’Israel ha aprovat un projecte milionari per construir un museu dedicat al físic alemany Albert Einstein a la Universitat Hebrea de Jerusalem, segons ha informat la universitat en un comunicat. El centre albergarà els 85.000 arxius que el físic va llegar al centre en morir l’any 1955, de manera que constituirà la col·lecció més gran d’arxius d’Einstein existent al món.

El museu es construirà al campus Safra, en el barri de Givat Ram, i tindrà un pressupost de 18 milions d’euros, dels quals l’executiu n’aportarà 6 milions i la universitat els 12 milions restants. El ministre de Construcció i Habitatge, Zeev Elkin, ha presentat el projecte i ha assegurat que es tracta d’una « important resolució que enfortirà l’acadèmia a Israel, la seva capital i la Universitat Hebrea ».

El museu tindrà espais com ara una reconstrucció de l’oficina i la biblioteca d’Einstein i alhora es podran veure alguns dels seus articles científics i escrits originals. Els arxius seran accessibles al públic general en format digital i el museu servirà també com « un espai innovador per a l’educació científica i tecnològica », segons ha informat la universitat.

« Amb tècniques innovadores, demostracions científiques i documents originals, el museu presentarà les contribucions d’Einstein a la ciència, l’impacte dels seus descobriments a les nostres vides actuals, la seva activitat pública i la seva participació en moments històrics clau durant la seva vida », ha explicat el centre.

El museu explorarà « la connexió d’Einstein amb el destí del poble jueu »

A banda d’exposar l’obra d’Einstein i les seves contribucions a la ciència, el museu també explorarà « la profunda connexió d’Einstein amb el destí del poble jueu, l’Estat d’Israel i la Universitat Hebrea ».

La figura d’Albert Einstein està estretament unida a la Universitat Hebrea, perquè el físic va tenir una important implicació en el projecte de la seva fundació i el 1925 va assistir a la inauguració, on va dur a terme la primera classe. Einstein també va conformar el primer consell de rectors de la Universitat, al costat de figures de renom com el metge Sigmund Freud, el filòsof Martin Buber o el que va ser el primer president de l’estat d’Israel, Chaim Weizmann. No en va, aquesta universitat està considera com una de les més prestigioses del món i almenys 15 premis Nobel van estudiar o ensenyar en el centre.

El president de la universitat, Asher Cohen, ha assegurat que « el llegat d’investigació i excel·lència acadèmica d’Albert Einstein és present en cadascun dels pilars d’aquesta institució ».

Albert Einstein, jueu nascut a Alemanya, és considerat un dels millors físics teòrics de la història. Va publicar la teoria de la relativitat, que li va merèixer el Premi Nobel de Física l’any 1921, i amb el qual va revolucionar la ciència en introduir noves formes de veure el moviment dels objectes a l’espai i el temps. També va fer importants contribucions a la teoria de la mecànica quàntica. El 1933, amb l’ascens d’Adolf Hitler al poder va marxar als Estats Units, on va viure la resta de la seva vida. Malgrat tot, sempre va estar vinculat a l’estat d’Israel des de la seva creació, el 1948. De fet, el 1952 se li va arribar a oferir la presidència del país hebreu, però aquest la va rebutjar « profundament commogut per l’oferta », al·legant que no tenia aptituds per al càrrec.

[Font: http://www.elnacional.cat]

Usi e riusi del libro manoscritto nel Medioevo meridionale

RÉSUMÉ

Ce colloque international est consacré aux emplois et remplois du manuscrit médiéval latin dans l’Italie méridionale, considérée comme lieu de production, passage et circulation ultérieure des livres. Par le biais d’une approche interdisciplinaire, qui allie la codicologie, la paléographie, la philologie, l’histoire de l’art et des bibliothèques, les communications porteront sur les paratextes des livres médiévaux, cherchant aussi à déchiffrer l’histoire des annotateurs, en mobilisant des méthodes variées, exploratoires et numériques.

ANNONCE

Rome-Cassino, 23-24 mars 2023, École française de Rome, Scuola Superiore Meridionale, Università di Cassino e del Lazio Meridionale

Argumentaire

L’histoire d’un codex commence à la fin de sa fabrication, après la copie du texte. Mais les livres manuscrits n’ont pas qu’une seule vie : ils peuvent être lus et relus, annotés, intégrés, divisés, ou encore déplacés, à plusieurs reprises, de leur lieu de conservation. Bien que non prévues dans le projet initial, les annotations marginales des lecteurs, les corrections du texte, les ajouts au décor sont des opérations qui témoignent de la réutilisation du manuscrit, et donc de son véritable usage au fil du temps. Ces traces laissées par les lecteurs permettent de reconstituer l’influence des livres dans l’activité intellectuelle, personnelle et collective dans un lieu ou une période donnée. Se concentrer sur cette activité d’annotation signifie donc remettre le texte en contexte, en se demandant quel a été l’objectif des ajouts, quelle a été la méthode, quel a été, éventuellement, le public de destination.

Les aspects « marginaux » de l’histoire du livre, comme les notes, les signes, l’apparat paratextuel et, en général, les traces d’utilisation, n’ont pas bénéficié pendant longtemps de l’attention qui leur a été plus récemment accordée. De nombreux projets et évènements scientifiques ont en effet mis en évidence les grandes potentialités de recherche de ce domaine. Cet intérêt est aussi, et surtout, le fruit de la politique de numérisation des manuscrits médiévaux mise en place par les institutions de conservation. L’accessibilité et la possibilité de comparer plusieurs objets permettent non seulement de renouveler l’approche à l’objet-livre, de l’observer dans sa matérialité, y compris dans l’écriture et dans la décoration, mais aussi de changer de perspective, en passant du texte aux lecteurs et utilisateurs de ce texte.

Le colloque international Emplois et remplois du livre manuscrit au Moyen Âge méridional s’insère dans cette dimension de renouvellement des études, avec un focus sur la circulation du livre en Italie méridionale, en particulier dans le domaine latin. Par le biais d’une approche interdisciplinaire, qui allie la codicologie, la paléographie, la philologie, l’histoire de l’art et des bibliothèques, les communications porteront sur les paratextes des livres médiévaux, cherchant ainsi à déchiffrer l’histoire des annotateurs. L’espace méridional, à considérer comme lieu de production, passage et circulation ultérieure des livres manuscrits, est un laboratoire prometteur pour étudier les contacts qui touchèrent des centres intellectuels importants, au cours du Moyen Âge.

Le colloque voyagera symboliquement sur les routes de la circulation des livres latins, à partir de l’École française de Rome et l’Università di Cassino e del Lazio Meridionale. Les communications pourront porter, de façon non exclusive, sur les sujets suivants, en mobilisant des méthodes variées, exploratoires et numériques :

  • Pratiques de lecture et écriture : annotations, gloses, signes de lecture et travail intellectuel
  • Rapport entre texte et paratexte (dans la synchronie ou dans la diachronie)
  • Réutilisations du texte : copies, extraits, florilèges, citations
  • Notation musicale, tables de matières, diagrammes, calendriers
  • Relectures et formes de réception des textes transmis
  • Réutilisation des livres dans domaines différents (liturgie, école, vie privée etc.)
  • Histoire du manuscrit et déplacements dans lieux et bibliothèques différentes
  • Transformations matérielles, volontaires ou accidentelles : ajouts, soustractions, permutations

Modalités de contribution

L’appel à communications est ouvert aux doctorants, docteurs, jeunes chercheurs et chercheurs confirmés. Les propositions de communications, comprenant titre, argumentaire (max 500 mots) et un bref curriculum vitae, sont à envoyer à l’adresse suivante : usieriusidelmanoscritto@gmail.com

avant le 21 novembre 2022.

L’acceptation sera communiquée avant le 10 décembre 2022 et comprendra la prise en charge des frais de transport et d’hébergement. Les textes des contributions (en italien, français ou anglais) seront à envoyer avant le 10 mars 2023, accompagnés d’un résumé substantiel en langue anglaise, afin d’être distribués à l’avance parmi les participants et favoriser d’amples discussions. Les contributions qui auront été retenues seront publiés dans un volume, en format papier et en accès ouvert.

Comité d’organisation

  • Angela Cossu (EPHE-SAPRAT),
  • Elvira Zambardi (SSM/EPHE)

CATÉGORIES

DATES

  • lundi 21 novembre 2022

FICHIERS ATTACHÉS

MOTS-CLÉS

  • manuscript, transmission, reception, latin, southern Italy, middle ages

CONTACTS

  • Angela Cossu
    courriel : usieriusidelmanoscritto [at] gmail [dot] com

SOURCE DE L’INFORMATION

  • Angela Cossu
    courriel : usieriusidelmanoscritto [at] gmail [dot] com

POUR CITER CETTE ANNONCE

« Emplois et remplois du livre manuscrit au Moyen Âge méridional », Appel à contributionCalenda, publié le mardi 20 septembre 2022, https://calenda.org/1016965

Editorial con nuevas propuestas

Escrito por Gabriela Gómez

Es una constante en nuestro país, más concretamente en Montevideo, que las editoriales sigan creciendo y sumando publicaciones, en un universo que por suerte se mantiene en movimiento porque hay escritores, historias que contar y público receptivo. Este es el caso de Paréntesis Editorial, una empresa que viene publicando desde el año 2005 a partir de la iniciativa de un grupo de estudiantes y docentes que empezaron a publicar sus artículos y creaciones literarias en Paréntesis Revista, una publicación que se distribuía en centros universitarios, culturales y bibliotecas.

En 2008, ya más consolidada y a raíz de la calidad de los textos a los que accedían, el emprendimiento fue tomando su propio carácter con una publicación serial de poesía contemporánea uruguaya bajo el título Colección Aedas. Esa colección está integrada, entre otros, por autores tan diversos como Jorge Arbeleche, Gerardo Ciancio, Miguel Ángel Olivera, Leonardo de León, Sandra Petrovich y Javier Rovira.

Paralelamente publicaron una colección de ensayos: “El pacto espiritual de Mario Levrero”, de Helena Corbellini; la recopilación de cartas inéditas de Felisberto Hernández en dos volúmenes; “La nación y sus narrativas corporales”, un estudio crítico de Germán Pitta sobre el rol de la mujer en la novela uruguaya del 900; Comala, una colección de cuentos; Cuadernos de Semiótica (tesis de grado), hasta la más reciente serie de novelas Macondo y micro relatos Jaque Pastor.

Al día de hoy, bajo la batuta de Daniel Morena, Eugenia González en comunicación y el diseño gráfico de Sebastián Hernández, Paréntesis es un sello editorial establecido y con alcance nacional, con un catálogo de al menos treinta títulos. La editorial está dirigiendo su producción al trabajo personalizado con autores, dedicada al desarrollo integral de diversas escrituras, desde crítica literaria y epistolarios hasta ensayo histórico, poemarios y diversas ramas del pensamiento y la cultura, brindando infraestructura editorial a creadores emergentes.

Una de sus publicaciones, Breviario de la historia afrouruguaya. Orígenes del candombe 1800-1900, de Óscar D. Montaño González, fue presentada en la sala Varela de la Biblioteca Nacional. Es un trabajo basado en el testimonio escrito de intelectuales negros de la época, así como de clérigos y viajeros. Se trata de un trabajo que investiga acerca de los comienzos del candombe desde su fuente principal en las Salas de Nación, las prácticas rituales de los congos, benguelas, mozambiques y las diversas etnias, las que son analizadas desde la perspectiva histórica, religiosa, antropológica y musical.

Este libro completa otras investigaciones del historiador Montaño, especialista en el estudio del mundo afro, con antecedentes en sus obras Umkhonto (1997) y Yeninyanya (2001), libros que abordan el tema de la trata de esclavos en el Río de la Plata, el aporte a las filas revolucionarias artiguistas y la difícil inserción social en tiempos de la república.

Óscar Montaño González. Breviario de la historia afrouruguaya. Orígenes del candombe 1800-1900. Paréntesis Editorial, 2021, 217 págs. 

 

[Fuente: http://www.revistadossier.com.uy]

La madrugada del domingo 16 de octubre falleció un hombre insigne de la literatura, el saber popular y la educación comunitaria: don Alfredo Mires Ortiz, cofundador de la Red de Bibliotecas Rurales de Cajamarca.

Sus restos serán velados en –según su voluntad– en el local de la Red de Bibliotecas Rurales, situado en la Av. Perú 416, Cajamarca, a partir de las 10:00 am.

Luego será trasladado a Chiclayo donde será velado en el velatorio “El Ángel”, en la Av. Grau, Urbanización Garzas de Villa, La Victoria (al costado del colegio “Cima”).

Así lo comunican sus familiares más cercanos Rita Mocker-Mires, Ysa, Rumi y Mara Mires.

Premio Casa de la Literatura Peruana 2021

En 2021 el gestor cultural Alfredo Mires fue reconocido con el Premio Casa de la Literatura Peruana por su visión renovadora del libro, la lectura y la literatura en diálogo con las necesidades de la comunidad.

A lo largo de sus 50 años, la Red de Bibliotecas Rurales de Cajamarca promovió nuevas dinámicas para la creación y la circulación del libro, contribuyendo, a la recuperación y revaloración de la memoria comunitaria y las tradiciones orales a través de la Enciclopedia Campesina.

Cabe destacar, que ese colosal proyecto cuestiona y reinventa la dinámica recopilatoria de los saberes comunitarios, proponiendo nuevas formas de valorar la palabra poética y publicaciones hechas desde la comunidad y para la comunidad.

En ese sentido, el trabajo de Mires y de la Red de Bibliotecas Rurales de Cajamarca abre perspectivas para reimaginar la formación de lectores en el Perú, así como la creación de un modelo de biblioteca que se integra a la comunidad como parte importante del ejercicio ciudadano y la construcción de la democracia.

Desde el 2010, el Premio Casa de la Literatura Peruana es concedido anualmente a destacados escritores e investigadores de las letras peruanas como reconocimiento a su contribución a la reflexión y la creación en torno a la literatura.

Esta distinción ha sido otorgada a Mario Vargas Llosa, Carlos Germán Belli, Antonio Gálvez Ronceros, Edgardo Rivera Martínez, Oswaldo Reynoso, José Miguel Oviedo, Carmen Ollé, Leoncio Bueno, Luis Urteaga Cabrera, Óscar Colchado Lucio, Cronwell Jara Jiménez y Rossella Di Paolo.

Sobre Alfredo Mires Ortíz

Alfredo Mires Ortiz nació en Chepén, La Libertad, el 23 de febrero de 1961. Inició su labor comunitaria a los 15 años con la edición del boletín de Prensa Popular. Fue durante este proceso que conoció al sacerdote Juan Medcalf, fundador de la Red de Bibliotecas Rurales de Cajamarca.

Alfredo Mires se integró en 1977 a la Red y, cuatro años más tarde, se trasladó a vivir en Cajamarca, donde asumió su conducción tras la partida definitiva de su fundador al Reino Unido.

Estudió Antropología en la Universidad Salesiana de Quito, en Ecuador. Ha fundado el Archivo de la Tradición Oral Cajamarquina, el Grupo de Estudios de la Prehistoria Andina, así como el Proyecto Enciclopedia Campesina, dedicado a la recuperación de la memoria colectiva.

De su autoría, edición o dirección, como parte de la Red de Bibliotecas Rurales de Cajamarca, ha publicado más de 200 títulos sobre tradición oral, religiosidad y cultura andina, arte rupestre e historia desde los propios pueblos.

Ha desarrollado diversas experiencias con educación y prensa popular, historia oral, salud comunitaria, medio ambiente, bibliotecología, dinámica de grupos e investigación participativa.

Por su labor como investigador y su trabajo en la Red de Bibliotecas Rurales de Cajamarca, ha obtenido diversos reconocimientos. En 1992 obtuvo el Premio Nacional de Periodismo “Kukulí”; en 2003, el Proyecto Enciclopedia Campesina de Cajamarca obtuvo el Premio Internacional del Convenio Andrés Bello.

En el 2013, recibió la medalla Inca Atahualpa del Gobierno Regional Cajamarca; en el 2018, obtuvo el reconocimiento Jorge Basadre Grohmann, de la Biblioteca Nacional del Perú; y, en el 2020, fue reconocido como Personalidad Meritoria de la Cultura, por el Ministerio de Cultura de Perú.

Sobre la Red de Bibliotecas Rurales de Cajamarca

La Red de Bibliotecas Rurales de Cajamarca fue concebida y creada en 1971 por el sacerdote británico Juan Medcalf Todd junto a comuneros cajamarquinos. Posteriormente, el proyecto fue cimentado por Alfredo Mires Ortiz con el trabajo colectivo y voluntario de la comunidad.

Constituida como una asociación civil sin fines de lucro, la Red inició su trabajo tomando como base las dinámicas cotidianas del campo. Es así, que el libro se convierte en una herramienta para enfrentar el analfabetismo y, además, para afianzar su vínculo con la tradición oral y la memoria colectiva.

De allí que la lectura y la escritura, más que una manera de formarse e informarse, sean un camino para que cada individuo ejerza su rol como ciudadano.

En la década del 80, la Red de Bibliotecas Rurales de Cajamarca inició una labor de recopilación y edición de libros dirigidos desde, con y para la población. Dentro de esta labor, destaca el Proyecto Enciclopedia Campesina, que recupera y difunde la tradición oral y los saberes tradicionales de Cajamarca.

En la actualidad, como parte de su trabajo editorial, la Red ha publicado casi 200 títulos.

La conformación de una biblioteca se realiza por pedido expreso de cada comunidad, la cual, en asamblea, elige a su bibliotecario. Este servicio gratuito se ejerce en casa, participando también otros integrantes de la familia en el préstamo de libros.

La Red tiene su principal campo de acción en el campo y cuenta con una oficina en la ciudad de Cajamarca para las labores más administrativas y técnicas. Asimismo, las decisiones se toman por consenso, prescindiendo de cualquier forma de estructura jerárquica.

Del mismo modo como se intercambian los productos del campo, los libros de las bibliotecas rurales se renuevan mediante el canje o trueque. En total, alrededor de 500 comunidades forman parte de la Red, a lo largo de las 13 provincias de Cajamarca.

Cada año se realizan alrededor de 100.000 préstamos de libros. Sin embargo, el trabajo fundamental repercute en el ejercicio de la lectura en la consolidación de las comunidades y en sus posibilidades reales de supervivencia.

Esta labor sostenida se ha mantenido durante la pandemia con diversas estrategias como la coordinación remota, la Biblioteca Virtual de la Red y la implementación de Bibliotecas Rurales en Familias. El trabajo se ve fortalecido con el compromiso de sus voluntarios.

Como señala Alfredo Mires: «A esto no se llegó con una receta de desarrollo ni con un proyecto preconcebido desde afuera o elucubrado desde premisas académicas en boga. Este ha sido y sigue siendo un largo proceso comunitario de construcción y de desconstrucción basados en las propias experiencias y en los propios saberes de la propia gente, en las mismas comunidades».

 

[Fuente: http://www.servindi.org]

Un día como hoy de 2012 falleció el poeta peruano Antonio Cisneros. En uno de sus múltiples hallazgos literarios Ricardo Bada recobra un texto prácticamente desconocido.

Antonio Cisneros
Hallazgo y nota: Ricardo Bada

El libro favorito de Antonio Cisneros

El 25 de febrero de este año publiqué en estas mismas páginas un texto inédito de Severo Sarduy acerca de su libro favorito. En la introducción a dicho texto dejé explicado el porqué de su escritura, para la contratapa del suplemento cultural de Diario 16 en Madrid. Expliqué asimismo por qué a causa del cierre del diario y la desaparición del suplemento, algunos textos de los que encargué en nombre de la redacción quedaron sin publicarse. Para no repetir la historia les sugiero acceder a mi publicación del 25 de febrero pulsando aquí.

Ahora, al cumplirse diez años de la muerte de nuestro entrañable Toño Cisneros, les ofrezco acá el texto inédito que escribiera acerca de su libro favorito.
Ricardo Bada

Mi libro favorito: Como comprar un gato en el mercado o El T’ung Shu

Mi libro favorito no se halla entre la poesía de mis grandes abuelos, C. Vallejo, P. Neruda, J. L. Borges. Ni en la bienamada de Rimbaud, Eliot, Pound, Lowell, Cummings, Stevens o William Carlos Williams.

Tampoco entre las voces que fundan la palabra. Wang Wei, Po Hui, Li Tai Po, Basho, Safo, Propercio, Horacio, Francisco de Quevedo, Juan de la Cruz.

Y ni siquiera entre los versos de Cavafis, Pasternack o Pessoa que, hasta hace muy poco, compartían mi mesa de noche con el reloj despertador y la botella de agua.

Por lo demás, siempre me he negado a responder aquello de “qué único libro llevaría a una isla desierta”. Adelanto, en todo caso, que ni el Quijote ni la Sagrada Biblia.

Amo los libros como amo las cambiantes estaciones. O el paso de los peces y otras bestias de mar, cada día del año, en mis almuerzos. Por eso me es difícil hablar de algún amor unívoco y perenne.

La semana pasada me entregué con pasión (y corazón) a sendas relecturas: Drácula, de Bram Stocker, y El laberinto de la soledad, de Octavio Paz. Pero mi libro favorito, en estos días, es el viejo T’ung Shu.

§

Los bestsellers suelen ser obras de éxito fastuoso y corta duración. Como buena parte de las novelas del llamado boom latinoamericano o, en el peor de los casos, como ciertos libros de pacotilla, flor de publicidad, destinados a las almas poco alertas, es decir casi todas. Duran lo que dura un verano o dos.

Los clásicos son, más bien, los textos eternos. Nadie se los arrebata en los comercios y reposan en las bibliotecas o en las buenas conciencias. Pocos los leen pero todos los citan con primor. El Quijote, la Biblia, la Divina Comedia, la Guerra de las Galias, por ejemplo.

Unos meses atrás, en una soleada librería del sur de California, me topé con el T’ung Shu. Su carátula roja cual la puerta de un restaurante chino o un paquete de cohetones, lucía un cintillo: “El bestseller más antiguo del mundo”.

Hace 1 200 años que, en cada primavera, aparece una nueva edición del T’ung Shu. Deleite clásico de las familias chinas desde Pekín a Singapur. Cerca de 40 millones de ejemplares cada vez.

El libro es, en realidad, un almanaque. Como en su época lo fueron el de Sal de Uvas Picot o el de Ross, sucedidos malamente por una pálida publicación del Reader’s Digest. Magia, religión, literatura. Confucio y el Tao. Consejos cotidianos, recetas, santorales. La vida en suma.

En estos tiempos, ante el letargo o muerte de los oráculos, he decidido atar mis tristes días a los designios del T’ung Shu. Que amén de sabrosa lectura ofrece, cómo no, sabiduría.

Un muchacho y una vaca son el símbolo de la primavera, con la que se abre el libro. Y primero viene lo primero. Instrucciones para confeccionar, sobre papel de arroz, ese modelo primaveral. La vaca tiene cuatro pies de altura y ocho de largo. Su cabeza es verde claro, el lomo amarillo, la barriga blanca, cuernos, orejas y cola de color verde oscuro, las ancas rojas. Siempre lleva el hocico cerrado. El joven vaquero tiene tres pies y seis pulgadas de altura y se llama Meng Shen.

El almanaque abunda en útiles consejos. Cómo reconocer, por ejemplo, un gato de calidad en el mercado. El mejor gato debe tener el cuerpo corto, ojos seductores y una larga cola. Su expresión, la del tigre feroz. Sus uñas deben servirle para clavarse en las tejas de piedra. Y su maullido ha de ser tan poderoso que las ratas mueran con solo oírlo.

El gato malo, en cambio, tiene el cuerpo largo. Es callejero, perezoso y mata a las gallinas. Además, no es conveniente comprar ningún felino bajo las estrellas Tin Kau, Yeut Yim, Yan Kag, Pei Ma Sark que, sin embargo, son las más propicias para contraer matrimonio.

Hay una guía para el manejo del hogar donde Buda, Confucio, el Tao y el gran lugar común se dan la mano. Hay que levantarse con el sol y acostarse con el crepúsculo. Barrer bien el patio y el interior de la morada. Cerrar con candado puertas y ventanas al caer la noche.

Los preceptos de conducta son más ladinos. Ante un vecino que ha caído en necesidad, hay que ser generosos con comida abundante y consuelo. De modo que, en los días de infortunio, podamos esperar la misma caridad.

Así los sirvientes deben ser bien tratados. No sea que algún día, encumbrados por la fortuna, nos hagan pasar la vergüenza del maltrato en sus manos de antiguos sirvientes. Toma y daca es el juego.

Por lo demás, nunca hay que emplear criados bien parecidos. Ni permitir que la esposa se maquille. Aun en nuestra ausencia sus conductas tienen que ser delicadas. No deben olvidar que los ancestros, aunque muertos en cuerpo, están siempre presentes en la casa.

Hay que evitar la compañía de los jóvenes. Sólo causan problemas y tribulaciones. Charlar con ellos es perder el tiempo. La compañía de los ancianos, en cambio, nos llenará de sabiduría y gozo.

Y siguen muchas páginas con instrucciones para el comercio, el amor, la convivencia. “Si estás feliz no lo demuestres, deja que tus vecinos te crean en congoja”. Hasta el consejo final, de un dramatismo incontestable: “Si colapsa tu país, te quedarás sin casa”.

La sección de remedios hogareños es, claro está, imprescindible. Aparte de las hierbas, el T’ung Shu ofrece un sinfín de encantamientos. Lejos de los incas, maestros en el pase del huevo y el cobayo,1 la milenaria China reposa sobre la escritura. Es cosa de pintar los ideogramas que nombran la enfermedad sobre un papel rojo y luego hacerlo arder. El humo es beneficioso para los males del corazón y los pulmones. En el caso de hígado o estómago, hay que disolver las cenizas en un tazón de agua y beberlas sin respirar.

Los zumbidos en el oído se hallan plenos también de significados. En la oreja izquierda, llaamado Tzu, quiere decir que alguien nos ofrecerá un banquete. En la oreja derecha, llamado Wei, nos anuncia la inminente visita de un monje con ansias de conversar. Si el Wei es a medianoche, entonces llamado Hsu, caeremos en bancarrota. Si el Tzu, en este caso Sheo, sucede en el último día del otoño, la muerte llama a la puerta.

Antonio Cisneros
Poeta, periodista y catedrático. Entre otros premios, ganó en 2010 el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda. Algunos de sus libros son: Canto ceremonial a un oso hormiguero y Por la noche los gatos.


1 “El pase del huevo y el cobayo” alude a prácticas médicas tradicionales: cuando un niño enferma, se le pasa por la cabeza un huevo crudo para que su yema absorba el mal; y lo mismo sucede con los adultos y el conejillo de Indias, que en el Perú llaman “cuy”, aunque Cisneros usa “cobayo” pensando con toda seguridad en los lectores de Diario 16, predominantemente peninsulares.

 

[Ilustración: Estelí Meza – fuente: http://www.nexos.com.mx]

En 2011, l’éditeur argentin Soledad Constantini, directeur de la maison d’édition El Hilo de Ariadna, invite l’écrivain sud-africain JM Coetzee (Le Cap, 1940) à diriger une « bibliothèque personnelle », dans laquelle il passe en revue les livres les plus importants du cours de sa vie. Depuis lors, Coetzee a fait de ce petit éditeur argentin indépendant la rampe de lancement mondiale de ses œuvres, avant qu’elles ne paraissent dans l’original anglais.

‘El Polaco’ : JM Coetzee situe son dernier roman à Barcelone

‘El Polaco’ : JM Coetzee situe son dernier roman à Barcelone

C’est le cas de ‘El Polaco’, son dernier roman, qui vient d’être publié en Argentine. Le roman, qui se déroule en Catalogne, se concentre sur l’histoire d’un pianiste polonais, interprète de Chopin, qui tombe amoureux de Beatriz, une femme mariée de Barcelone, amoureuse de la musique, mais pas spécialement de Chopin. La relation joue en toile de fond avec l’histoire d’amour entre George Sand et Chopin, et avec celle de Béatrice, l’amante de Dante. Ces histoires servent à Coetzee pour accentuer le contraste entre l’amour romantique et le présent, où la protagoniste, Beatriz, aborde l’amour d’un point de vue moderne, plus pragmatique et rationnel, sceptique. Tout au long du roman, le pianiste visitera également Gérone, où il donnera des cours de piano, et Majorque, l’île qui fut le théâtre de l’histoire d’amour entre Chopin et George Sand.

Le roman, traduit par Mariana Dimópoulos, continue d’encadrer la lignée de Coetzee se positionner comme écrivain du Sud face à l’hégémonie culturelle du Nord. L’Espagne, sinon plus, est un pays extravagant du sud de l’Europe : “Le Sud est une terre convoitée par la lumière, la chaleur et la joie, où le froid du Nord permet de se débarrasser des inhibitions et de s’immerger dans la vie des sens” , a expliqué l’auteur dans une interview avec Valerie Miles, cofondatrice de l’édition du magazine ‘Granta en Español’, publié dans le journal barcelonais La Vanguardia. Dans l’interview, Miles a souligné la valeur qu’un éditeur argentin indépendant a publié El Polaco en première mondiale. “

“C’est une étape historique qu’un éditeur argentin puisse mener à bien cette tâche et ce n’est pas quelque chose de aléatoire, c’est associé au regard autour de ce que signifie le Sud : Afrique du Sud, Australie, Amérique du Sud”, écrit Miles dans La Vanguardia.

Dans une autre interview avec El País, Coetzee a exprimé sa fierté d’avoir intentionnellement publié ses trois derniers romans dans l’hémisphère sud comme un moyen de contrecarrer l’hégémonie culturelle anglo-saxonne.

 

 

[Source : http://www.dayfr.com]