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Escrito por Lois Alcayde Dans

A fin dunha democracia non é ser unha democracia triste. A normalización da tristeza, das luces omnipresentes dos coches de policía ou da violencia nas rúas non poden ser aquilo ao que aspire unha democracia que se considere plena. Nunha democracia triste sería lóxico, entón, que un dos seus poderes -neste caso, o xudicial- tomase cartas no asunto para meter en prisión a un home que, xunto con outros delitos, se lle engade un delito de inxurias á Coroa. A frase “inxurias á Coroa” ben pode incluírse nunha democracia triste que teme o poder do pequeno contra o grande. Non deixa de ser un paradoxo que a lei, que na súa vocación está para garantir a equidade, para protexer ao pequeno do grande e garantir igualdade, cubra ao poderoso cun escudo oficial. O sentido social da lei non era socializar o medo e privatizar a expresión só para aqueles que teñan cartos para selo permitir. A mesma democracia triste que precisa pedir silencio á crítica ás institucións e apoio continúo e protección dos que deberían ser protexidos aos protectores, da cidadanía á policía e non ao revés. Unha inverosimilitude. Pero insisto, serían cousas dunha democracia triste. Non creo que a nosa democracia deba ser triste, creo que a nosa democracia debe ser perfectible.

Democracia perfectible: Aquela que recoñece que a democracia que se mira ao espello e se ve perfecta é unha hipocrisía. A democracia que é autocrítica, que sabe que pode mellorar, que é xenerosa e escoita tampouco será perfecta pero será honesta.

Ningunha democracia pode considerarse plena ao igual que ningunha persoa pode considerarse perfecta. O que ideamos como perfecto como grupo cambia os seus estándares ao longo dos anos, é o paso do tempo o que afasta ese concepto de nós, do presente, para poñelo nun futuro máis próspero, mellor e máis feliz. Pásanos como individuos e pásanos como sociedade. O que era o modelo ideal de sociedade nos anos dez do século pasado ampliouse e elevouse a máis altas cotas de dignidade e utopía nos nosos días grazas ao traballo, pensamento e logros de xeracións de traballadoras e traballadores. É absurdo, entón, escoitar ás máis altas dignidades do Estado poñer na súa boca e fachendar dunha democracia plena que arribou ao Edén do paraíso político terreal, dende o presidente do Goberno -“somos a esquerda que cre que o paraíso está na terra”, estivo ben aí Iván Redondo- ata a ministra de Defensa. Mil palabras de declaracións e faladoiros non poden agochar a evidencia de que nos queda moito por avanzar, de que aquel que considere que a perfección está alcanzada está errado, xa que evidenciará que leva moito tempo na longa decadencia do que durme plácido nos loureiros da inopia.

Non podo concibir nos nosos días unha democracia triste que se di plena e normaliza as cargas, a violencia sistemática e o estado de excepción na rúa. Non podo concibir unha democracia triste que responsabiliza a unha mocidade indignada das consecuencias desa indignación. Cantas veces se repetirá nos medios de comunicación que a violencia non é o camiño? Iso xa o sabemos. Non precisamos máis altofalantes mediáticos que nos repitan dende o púlpito anoxado que o xentío alborotado con lapas na man e pedras tiradas aos escaparates son propostas de futuro. Claro que queimar unha papeleira ou saquear unha tenda non son propostas de futuro, non son un modelo a elixir, non son algo sobre o que construír dignidade, mais son un síntoma da falta dun proxecto público que vehicule de xeito pacífico e político o anterior. Non é o debate ese. Deberíamos falar do que hai detrás da pancarta, máis aló de Hasél. Falar da indignación, das sucesivas crises económicas que mallan nas mesmas persoas, da falta de decoro no cumio do Estado. Unha democracia triste é tamén aquela que teme a caída da xefatura do Estado por un inoportuno rótulo na televisión pública que noutros lugares sería considerado polos máis simpáticos como unha broma, polos máis serios como unha falta de seriedade no traballo xornalístico, mais non como unha afronta ao Estado ou un intento de manipulación. O medo dunha democracia triste amósase cando o león non só quere comer a mosca, senón que a mata a canonazos.

Deberíamos ser, entón, unha democracia perfectible. Mais vivimos na (re)evolución do desastre do 98. 1898. Un grande imperio con barcos afundidos. Un sistema con costuras dadas de si que presume de alta costura democrática. A indignación pola violencia non pode invisibilizar no debate público a necesidade de reforma e dignidade. Falamos da indignidade dunha papeleira queimada e dun escaparate roto e non falamos dos cristais rotos da nosa propia democracia. Ensinamos no debates pola televisión un mar de dous centímetros de profundidade. O venres 19 de febreiro o programa Al Rojo Vivo de La Sexta, tras levar varias horas cubrindo os disturbios en Madrid e, sobre todo, Barcelona, non abriu debate sobre o delito de inxurias á Coroa e sobre se ese delito era xusto ou non, non abriu debate sobre o estado de cousas, preferiu amosarnos a nós, o público, unha serie de declaracións polémicas -e moitas delas, execrables- do rapeiro sobre a súa percepción da convivencia, do estado e da xente que non pensa como el e de todo.

A inferencia, gran ferramenta de comunicación, dános a entender que Hasél ten máis méritos para entrar en prisión ca outro cidadán corrente polo feito de que as súas opinións poden ser execrables. Vaia, que se un vai provocando por aí dicindo barbaridades -aínda que esas barbaridades non estean penadas- ten que acabar si ou si na cadea. O significante Hasél xa vai asociado a “criminal”, se falas como Hasél es un criminal. Que inferencia tan terrible. Que ocorre, que aínda que Hasél non mereza estar na cadea por inxurias si o merece por bocazas? Os dereitos non son inherentes, entón, senón que se gañan a pulso dependendo do xuízo mediático? Non é así. Hasél ten tanto dereito a ver preservados os seus dereitos como o pode ter García Ferreras ou Margarita Robles. Os dereitos conquístanse día a día e asúmense polos Estados, non se debaten dependendo de quen sexa o cidadán ou se ponderan como máis ou menos punibles segundo o teu grao de deslinguado ou obsceno.

No mesmo programa a homologación entre os termos “antifascismo” e “violencia” foi patente. O centro do debate foi un chío do portavoz de Unidas Podemos no Congreso dos Deputados, Pablo Echenique.

Podemos debater sobre a oportunidade ou non do chío, sobre a necesidade dunha matización máis forte na mensaxe para non dar lugar a equívocos e distanciarse da violencia, mais non podemos construír como medios de comunicación unha relación de mesmo significado entre apoiar ao antifascismo e apoiar os disturbios. Os delincuentes que ocasionan queimas e danos son minoría, unha minoría enchida de ruído, pero minoría.

Unha democracia perfectible é unha democracia xenerosa. Unha democracia xenerosa nace do antifascismo, do traballo a favor da construción e a integración e non do sinalamento e a destrución intelectual e física do opoñente político ou do que se considere “estranxeiro” ou “inferior”. O antifascismo é a raíz das democracias europeas despois de 1945. O antifascismo non implica violencia, o antifascismo nace contra a violencia estrutural que o fascismo empregou no Estado. Mesturar ambas cousas coma un único significante (antifascismo=violencia) é un erro.

 

[Foto: mural en favor da liberdade de Pablo Hasél, feito por Cinta Vidal en Cardeceu (Vallès Oriental), o día antes do seu ingreso na cadea – fonte: http://www.mazarelos.gal]

Novelista, cuentista, periodista y traductora, Lispector se convirtió en una de las escritoras más importantes en lengua portuguesa del siglo XX y de las más leídas en la Argentina.

Paulo, hijo de Clarice, le pidió una historia y así nació "El misterio del conejo pensante".

Paulo, hijo de Clarice, le pidió una historia y así nació « El misterio del conejo pensante ».

Escrito por Emilia Racciatti

Con una obra atravesada por un « no estilo » que plasmó en novelas, cuentos, libros para niños e innumerables crónicas periodísticas, Clarice Lispector se convirtió en una de las escritoras más importantes en lengua portuguesa del siglo XX y de las más leídas en la Argentina y, a días del que sería su cumpleaños número 100, continúa siendo reeditada, traducida y estudiada en todo el mundo.

Novelista, cuentista, periodista y traductora, Lispector nació en la aldea ucraniana Chechelnik el 10 de diciembre de 1920, pero su familia dejó Ucrania al año siguiente y después de un intenso viaje, Pinjas y Mania Lispector lograron instalarse junto a sus tres hijas, en 1922, en el puertito de Maceió, ubicado en el Nordeste brasilero.

Sus primeros años

A sus cinco años, Clarice llega con su familia a Recife, capital del Estado de Pernambuco, también en el Nordeste y de la que se apropió. Allí aprendió la lengua portuguesa, esa en la que pensó, soñó, proyectó y a través de la cual expandió las capacidades de habitar lo cotidiano.

Después de la muerte de su madre -cuando ella tenía 10 años-, su padre viajó con sus tres hijas Tania, Elisa y Clarice a Río de Janeiro, ciudad en la que se consolidó su vínculo con la lectura y la escritura, y en la que se dispuso a estudiar Derecho.

Su obra

A los 23 años publicó « Cerca del corazón salvaje », que había escrito a los 19 -aunque en varias oportunidades contó que comenzó a escribir ficción a los 7- y por la que recibió el premio Graça Aranha como mejor novela. Ese mismo año se casó con el diplomático Maury Gurgel Valente, a quien conoció mientras estudiaba en la universidad, y comenzó una vida familiar que la llevó a compartir destinos internacionales sin dejar nunca de lado su vínculo con la escritura.

Lispector no se dejó atrapar por convenciones ni etiquetas, estableció una intervención única y personal sobre el lenguaje que puede encontrarse en los libros de cuentos « Algunos cuentos », « Lazos de familia », « La legión extranjera », las novelas « La pasión según G.H. », « Agua viva » « La lámpara » o « Para no olvidar ».

En nuestro país se editaron, bajo el título « Queridas mías », las cartas que se escribía con sus hermanas Tania y Elisa entre 1940 y 1957, durante su estadía como periodista en Río de Janeiro hasta Washington, su último destino diplomático.

Sus crónicas se difundieron en dos tomos « Revelación de un mundo » y « Descubrimientos », ambos por el sello Adriana Hidalgo, con textos que escribió para el « Jornal do Brasil » entre fines de los años sesenta y comienzos de los setenta.

Con 40 años educó a sus hijos Paulo y Pedro, dejó un marido diplomático en Europa y los mantuvo con traducciones y crónicas que escribía para distintos periódicos, en algunos casos firmando con seudónimos como Teresa Quadros o Ilka Soares.

Fue por sus hijos que llegó a escribir literatura infantil. Su hijo Paulo le pidió una historia y así nació « El misterio del conejo pensante », pero ese no fue el único libro dedicado a sus hijos y pensado para niños lectores, ya que también fue autora de « Casi de verdad », « La mujer que mató a los peces », « La vida íntima de Laura » y « Cómo nacieron las estrellas – Doce leyendas brasileñas ».

Representante de la literatura latinoamericana que sigue siendo leída en todo el mundo, la autora de « La hora de la estrella » tiene numerosos y fieles lectores en Argentina, donde fue publicada por editoriales como Corregidor, Cuenco de Plata y Adriana Hidalgo, y tiene su homenaje cada diciembre cuando se realiza « La hora de Clarice ».

Se trata de un evento que se realiza como emulación del Bloomsday -el homenaje que se celebra en honor a Leopold Bloom, personaje principal de la novela « Ulises » de James Joyce, todos los 16 de junio por las calles de Dublín- y que en la Argentina tuvo su correlato desde 2013, en el Museo del Libro y de la Lengua, con una actividad que forma parte de un conjunto de propuestas gratuitas que retoman los ejes del universo de Lispector.

Este año se trasladará a la cuenta de Instagram de la editorial Corregidor que congregará a Silvia Hopenhayn, Gonzalo Aguilar, Eugenia Zicavo, Flavia Pittella, Carmela Pérez Morales, Constanza Penacini, Mario Cámara y Florencia Garramunño para realizar una lectura y charla en homenaje a la autora de « Lazos de familia ».

Además en el canal de YouTube de la editorial habrá dos charlas sobre su obras: una a las 14, con Florencia Garramuño, Márgara Russoto, desde Italia, y la venezolana Eleonora Cróquer Pedrón; mientras que a las 16, conversarán Griselle Merced Hernéndez, desde Puerto Rico, Laura Cabezas y Macarena Mallea, desde Chile.

« Yo solamente me considero escritora en el momento exacto en que estoy escribiendo. Fuera de eso, no me sentí nunca obligada a pertenecer a una escuela o estar al día con determinadas obras », le dijo al periodista Eric Nepomuceno en una entrevista para la revista Crisis, publicada en 1976.

Para la misma revista la reporteó María Esther Gilio y allí habló de su forma de trabajo, de ese proceso en el que tomaba notas de las ideas que se le iban ocurriendo: « Me viene una idea y la apunto. Al otro día la traspongo al libro. Pero por supuesto -contó- la mayoría de las cosas que aparecen en mis libros se me van ocurriendo a medida que escribo. Escribir para mí es una manera de entender. Escribiendo, comprendo ».

A Gilio, que la entrevistó en su departamento en Río de Janeiro, le confesó que no le gustaba dar entrevistas y le entregó un trabajo de Renato Carneiro Gómez llamado « Texto Montaje », en el que ella respondía a varias preguntas. Sin embargo, en 1977, en São Paulo, accedió a ser entrevistada por el periodista Julio Lerner para su programa Panorama, y ese archivo se convirtió en la única nota televisiva a la célebre escritora.

En esa oportunidad, Lispector volvió sobre esa forma de trabajo, esas anotaciones que sostenía mientras creaba una historia: « Cuando estoy escribiendo algo, anoto a cualquier hora del día o de la noche, cosas que me vienen. Lo que se llama ‘inspiración’. Ahora, cuando estoy en el acto de concatenar las inspiraciones, ahí me veo obligada a trabajar diariamente ».

Al momento de tener que elegir un trabajo suyo al que le tuviera más cariño, la autora nombró: « El huevo y la gallina », sobre el que aseguró que seguía siendo un misterio para ella, y « Mineirinho », sobre un bandido que « murió con trece balas cuando una sola bastaba, que era devoto de San Jorge y tenía una novia ».

« Me dio una revuelta enorme y escribí eso », le dijo a Lerner sobre el trabajo por el que explicó que se convirtió en ese joven llamado Mineirinho al ser masacrado por la policía: « Cualquiera que hubiera sido el crimen de él, una bala bastaba. El resto era voluntad de matar. Era prepotencia ».

Esa Clarice que respondía con firmeza, contundencia y frases cortas en un estudio de televisión ya tenía escrita la que sería su novela póstuma « Un soplo de vida », una historia que adelantaba que aún tenía nombre, pero se debatía entre trece títulos posibles.

Lispector murió en Río de Janeiro el 9 de diciembre de 1977 a los 56 años en la víspera de su cumpleaños, a causa de un cáncer de ovarios, y dejó una obra que convoca a explorar historias sobre las formas en las que se entrelazan los lazos y la posibilidad de vivir la literatura para narrar nuevos mundos.

[Fuente: http://www.telam.com.ar]

Escrito por PILAR M. MANZANARES

Madame Bovary es un claro ejemplo de cómo una novela puede trascender en el tiempo y ganarse un puesto de honor en los clásicos de la literatura. Austral lo sabe y por eso ha reeditado esta fabulosa obra de Gustave Flaubert.

La mayoría de los ávidos lectores conocen de primera mano la historia de Madame Bovary, pero para aquellos extraviados os la explicaré con cierto detalle. La trama gira alrededor de Charles Bovary, un pobre joven sometido desde niño a los deseos de su madre, quien lo obliga a casarse con una viuda fea, pero adinerada.

Con un matrimonio desastroso, la vida de Charles cambia tras la muerte de su esposa y conocer al Sr. Roualt y su hija, la bella Emma. Enamorado de la joven, Charles le ofrece todo lo que Emma podía pedir para sentirse una joven afortunada: un esposo joven, una casa hermosa y la estabilidad económica suficiente para vivir bien. Emma y su padre aceptan encantados dicha proposición, y Emma se convierte en Madame Bovary.

No obstante, lo que parecía un cuento de hadas se convierte en un drama costumbrista cuando Emma, quien se refugia en sus novelas románticas, harta de un matrimonio vacío y sin pasión, halle el afecto que le falta en brazos de Léon Dupuis.

Madame Bovary está construida palabra por palabra de forma exquisita. Sus descripciones, para algunos saturadas, dan vida a cada escena que Flaubert presenta, anidando en el corazón del lector de una forma fija y contundente. De hecho, es conocido que Flaubert era un amante del arte, y siempre buscaba encontrar le mot juste (la palabra exacta) al momento de escribir.

Junto a Ana Karenina, Madame Bobary, es una de las adúlteras más populares en la literatura. El adulterio es un tema recurrente en múltiples obras literarias, como El Amante de Lady Chatterley, de D. H. Lawrence, o Las Amistades Peligrosas, de Choderlos de Laclos. Sin lugar a dudas, Emma representa en todo su esplendor el abismo de muchas mujeres que refleja una división interna, entre el deseo más férreo de su alma y el cumplimiento del deber.

A través del personaje de Madame Bovary, el autor rompe con todas las convenciones morales y literarias de la Burguesía del siglo XIX, tal vez porque nadie antes se había atrevido a presentar un prototipo de heroína de ficción rebelde y tan poco resignada al destino.

EL AUTOR:

Gustav Flaubert nación en RuanAlta Normandía, el 12 de diciembre de 1821 y murió en CroissetBaja Normandía, el 8 de mayo de 1880. Fue un escritor francés. Es considerado uno de los mejores novelistas occidentales.

El carácter de Flaubert ofrecía varias peculiaridades. Era tímido e incluso extremadamente sensible y arrogante, pasaba del silencio absoluto a una vergonzosa y ruidosa verborrea. Tenía una gran tendencia a la soledad y el retraimiento social. Las mismas incoherencias marcaban su físico; tenía una fisonomía robusta pero padeció epilepsia desde la infancia; asimismo era un neurótico obsesionado con la escritura, pretexto de sus depresiones y de sus entusiasmos, cuando comentaba algunas de las páginas más felices de los clásicos. Su odio antiburgués comenzó en su infancia y se convirtió en una especie de monomanía, especialmente visible en su última obra, el Bouvard y Pécuchet.

 

 

[Fuente: http://www.culturamas.es]

Potosí

Ander Izagirre

Libros del K.O.

Madrid, 2017

198 páginas

Escrito por RICARDO MARTÍNEZ LLORCA

La facilidad de Ander Izaguirre (San Sebastián, 1976) para la crónica es desconcertante. El género no es más sencillo que el relato o la novela breve. Requiere otros valores, como la inmediatez, que se traduce, durante la lectura, en que el texto tiene que estar vivo a la fuerza. O sentimos lo que leemos como si fuera parte de nuestro presente, o la crónica fracasa. Una novela puede sonar a viejo, a polvo, a cenizas y conservar valores. Puede, incluso, no sonar o sonar a falsa literatura y resultar un éxito de crítica. Pero la crónica tiene que mantenerse viva. Por remitirnos a un ejemplo que tiene algo en común con este Potosí, que se suma a la lista de aciertos de Izaguirre, Las venas abiertas de América Latina siguen vigentes. Tal vez mereciera una revisión la parte más contundente de ensayo periodístico, pero la crónica está viva. Eduardo Galeano y su espíritu flotan en Potosí, como también Naomi Klein y La doctrina del shock. Pero Izaguirre siempre se arrima más al suelo que la escritora canadiense, y en el suelo se topa con personas humildes, con vidas en la miseria. Si Naomi Klein escribe sobre el bosque, Izaguirre lo hace sobre cada uno de los árboles. Y nosotros deberíamos leer a los dos.

El libro se divide en dos visitas a la ciudad y el cerro rico de Potosí. En la primera conocemos la suerte, mala, de mineros enfermos y la descripción del trabajo claustrofóbico dentro de la montaña. Hace mucho tiempo que se vaciaron las grandes vetas de plata del cerro, pero se ha seguido taladrando tanto, que ha sido necesario invertir en rellenar parte de las excavaciones. Sorprende ese proyecto faraónico para que no se derribe una montaña piramidal y asesina. Durante esta visita, Izaguirre coteja las injusticias históricas a cuenta de la plata y el estaño con los testimonios del presente. En esos testimonios, a medida que avanza el libro, se imponen las voces de los más desfavorecidos, los niños, sí, pero sobre todo las mujeres. Y por encima de todo, las preadolescentes de las que se abusó con impunidad, condenadas a una vida de cucaracha. Beben agua que les destroza los riñones, se esconden y hasta se ven en la tesitura de tener que matar a los hijos frutos de las violaciones, si es que los golpes que reciben no los han asesinado antes dentro de los vientres.

En la segunda visita, Izaguirre aterriza en Bolivia con los deberes hechos. Conoce y asimila los datos: la historia de un pueblo masacrado, los golpes de Estado y las aberraciones a punta de fusil, la omnipotencia de los oligarcas mineros. Recorre el pasado del Che Guevara en Bolivia, la canallada de la Operación Cóndor en Sudamérica, los planes económicos que asfixiaron a Bolivia bajo la batuta de los Chicago Boys, las torturas y los secuestros de activistas y se encuentra con viejas historias de curas viejos que colaboraron con la resistencia contra la tiranía. En su viaje no solo acudirá de nuevo a las faldas del cerro, también paseará y se entrevistará con habitantes de las villas miseria. Y de nuevo se verá atraído por la lucha de las mujeres. Con inusitada facilidad, integra las muletillas y el sonido del habla de quienes se revolvieron contra la realidad.

Pero este libro contiene una maldición que Izaguirre hace explícita. Es necesario conocer, es imprescindible divulgar. No estamos sobre un mundo color de rosa y con sabor a casita de chocolate. Y no todos podemos llegarnos hasta Potosí para entrevistarnos con los desafortunados. Algo hay que hacer para torcer el rumbo del presente y para que esa gente deje de tener el aspecto de los desheredados, del horror. Potosí contiene el azote que nos debemos dar, pero a la hora de la verdad, ¿para qué sirven libros como este? Leerlo no basta para sentir que uno ha participado en arreglar el mundo. Y, sin embargo, nos creemos mejores por haberlo leído. Gracias, Ander, por acribillarnos con esa bala. Nos la hemos merecido.

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[Fuente: CULTURAMAS – reproducido en sugieroleer.blogspot.com]

Walter Benjamin y Paul Klee

Walter Benjamin y Paul Klee

 

Escrito por Susana Cella

Cuando, en 1998, ante el inminente cambio de siglo y de milenio, se formulaban las más varias expectativas que bien pueden resumirse en el título que convocó a un encuentro de intelectuales realizado en Santiago de Chile, “Crisis, apocalipsis y utopías”, el poeta español José Angel Valente ni sospechaba que veintidós años después habría de ser el momento en que todos esos términos se conjugaran bajo el común denominador de pandemia. No vivió para verlo, murió apenas unos meses después de iniciado el siglo XXI, pero su testimonio de entonces nos deja un legado que vale recordar en estos días en que las fantaseadas y numerosas imágenes respecto del futuro –ficciones científicas, relatos fantásticos mayormente distópicos- nos encuentran hoy en una especie de victoria del realismo en el momento en que aquellos escenarios ubicados vaya a saberse cuándo y dónde, hoy son, para nuestro ver y tocar, una contundente realidad, frente a la cual empalidecen, y no poco, todas aquellas invenciones del siglo XX sobre un mundo feliz (Aldous Huxley), Nosotros de Ievgeni Zamiatin, un lugar en el que las pantallas de televisores eran inmensas mientras se ordenaba quemar los libros (Farenheit 451 de Ray Bradbury),o donde el Gran Hermano de George Orwell (en su novela 1984) nos controlaba a todos. Hoy día tenemos varios dispositivos que garantizan la felicidad, un emparejamiento de deseos paradójicamente uniformados, gigantes televisores y todos somos vigilados por Facebook o similares. Porque andamos, siguiendo a Valente, que a su vez cita a Heidegger cuando este pronuncia su conferencia en 1926 “Holderlin y la esencia de la poesía”, en el frágil lugar entre lo ido y lo por venir, que reafirma Valente, acudiendo a Ignacio Ramonet y su evocación de Antonio Gramsci: “Cuando lo viejo muere y lo nuevo duda nacer”.

Estas referencias a pensadores fundamentales de aquello que pudieron conjeturar a partir de un saber que los involucraba visceralmente –tanto Benjamin como Gramsci fueron perseguidos por los regímenes totalitarios que retornaron con otras máscaras diferentes de aquel futuro que imaginó Orwell- bajo los nombres de fin de la historia y posmodernidad, máscaras en definitiva de la imposición del neoliberalismo y la globalización ya no como imposición externa sino como tabla de valores y creencias que conquistaron el territorio de la subjetividad. Valente, más allá de los muy diversos relatos sobre colapsos de tintes apocalípticos, sí señalaba uno fundamental como utopía negativa: la del neoliberalismo que básicamente desconectaba la economía financiera de aquella orientada a crear “riqueza nueva”.

En la crisis surgen las utopías positivas o negativas: un mejoramiento o un empeoramiento. La crisis es tiempo de apocalipsis y utopías, el avistamiento de un final cuyo sentido pudieron marcar Frank Kermode acudiendo a los relatos que nos lo proveen o Julian Barnes en la novela El sentido de un final. Así como están las cosas, las opciones pueden conducirnos a no seguir en el mismo camino de una utopía de progreso infalible que llevó a la destrucción de la naturaleza, al desligamiento de las relaciones interhumanas y un acendrado individualismo en nombre de una libertad que no es sino sujeción al imperativo de gozar individualmente y, en el mismo movimiento, rechazar a los inmensos otros vulnerables que en realidad son vulnerados, continuamente heridos. Para Valente solo habría salida “mediante la quiebra de la noción de totalidad, de la noción de una historia humana unitaria, de la noción de un tiempo homogéneo, de la noción de un progreso lineal”.

Para definir el tiempo de crisis Valente recuerda el poema escrito en 1801 por Fredrich Hölderlin: Brod und Wein (Pan y vino). En la séptima estrofa, casi al final, ese poeta romántico habla del “tiempo de miseria” que resuena para Valente como “tiempo de pobreza, de indigencia” y de “precariedad”. En 1920, un pintor suizo, de nacionalidad alemana -perseguido por los nazis como Benjami – había diseñado su colección de ángeles, uno de los cuales, el Angelus Novus, fue adquirido por Benjamin en 1921, lo que le permitió observarlo mucho e interpretarlo. Benjamin tuvo el cuadro prácticamente hasta poco antes de su muerte, cuando de París huye a España, quiso venderlo para pagar un pasaje a Norteamérica y se lo dejó a Georges Bataille, quien lo ocultó en la Biblioteca Nacional de Francia para luego llegar a Theodor Adorno y de este al gran amigo e intérprete de Benjamin, Gershom Sholem. A partir de esa imagen formula la novena de las dieciocho Tesis sobre la filosofía de la historia. El ángel mira hacia el pasado que arroja por delante ruinas. “Quisiera el ángel demorarse, despertar a los muertos, reunir a los vencidos”, cita Valente, pero una “tempestad empuja irresistiblemente hacia el futuro al que da la espalda. Este huracán es lo que nosotros llamamos progreso”.

Prevalece así, en la visión de Benjamin aquello que rescata Valente de aquella tesis benjaminiana: una crítica a la razón progresista, para afirmar el “tiempo carencia”, desnudos de utopías de pasado o de futuro y donde las distopías se convierten en la realidad cotidiana. Opone entonces Valente otro ángel de la serie de Klee, el Angelus Dubiosus, que al revés que el de la Historia tiene las alas plegadas, “como si temiera el vuelo”, dice Valente y lo ve como ese momento finisecular sin alternativas políticas y en cambio “mecanismos de ocupación o desocupación del poder”.

Transcurridos veintidós años de aquellas intervención, en esto que la pandemia suscita, cabría entonces situar, o construir más bien, la imagen de un ángel de la precariedad que, en su movimiento de alas tal vez lento, nos sitúe en el puntual tiempo del peligro, nos recuerde que el futuro está preñado de rastros del pasado y que nos conserve la memoria para pensar un porvenir. Entre los poemas de José Angel Valente hay uno que se titula “El Angel: “Al amanecer,/cuando la dureza del día es aún extraña/ vuelvo a encontrarte en la precisa línea/ desde la que la noche retrocede./ Reconozco tu oscura transparencia,/ tu rostro no visible,/ el ala o filo con el que he luchado./ Estás o vuelves o reapareces /en el extremo límite, señor/ de lo indistinto./ No separes/ la sombra de la luz que ella ha engendrado.” Como un deseo, una plegaria, clama por una especie de juntura, la esperanza de redención, porque según Benjamin “el pasado lleva a un índice temporal por el que es remitido a la redención”. Con la condición de que no prevalezca la razón instrumental.

 

[Fuente: http://www.pagina12.com.ar]

 

 

El estudio uruguayo de arquitectura Gómez Platero presentó un diseño para recordar a las víctimas de la pandemia del coronavirus. Se trata del proyecto Memorial Mundial a la Pandemia, que se instalará en la Rambla del Buceo, una zona de Montevideo ubicada frente al Río de Plata. A medio camino entre espacio público y monumento conmemorativo, la propuesta pretende activar los sentidos y crear puentes entre la experiencia del sitio y la memoria individual.

Tras el visto bueno del presidente de Uruguay, Luis Lacalle Pou, la firma ha comenzado a tramitar los permisos correspondientes. El memorial tendrá un costo de un millón 300 mil dólares y será financiado por empresas privadas. Se estima que la construcción tomará seis meses.

“El impacto global de esta pandemia nos ha revelado un nuevo mapa del mundo. Esta nueva realidad ha condicionado nuestros modos de vida, costumbres y la forma en que nos relacionamos. Todas las actividades y disciplinas del conocimiento se están reposicionando para dar respuestas a esta nueva crisis. Desde la arquitectura asumimos el compromiso de pensar y construir una referencia física, testimonio de esta particular coyuntura colectiva”, explica el comunicado de Gómez Platero.

Diseño a gran escala

En medio del paisaje acuático se extenderá una pasarela peatonal hasta un anillo de 40 metros de diámetro. En el centro habrá un agujero de diez metros de ancho que revelará las rocas del sitio y las variaciones del agua del estuario. La superficie cóncava será construida en concreto, mientras que la parte inferior estará forrada en acero corten para que resista el paso de los años.

Gómez Platero busca que el monumento, de forma simple y contundente, anime la reflexión sobre el vínculo del hombre y la naturaleza, cuyo dinamismo refuerza la potencia expresiva del espacio. Parte de la estructura se fabricará en el taller de la firma y será trasladada al lugar, en un esfuerzo por minimizar la intervención humana en el entorno natural.

Formas simbólicas

 

El trazo circular alude a los conceptos de unidad y comunidad. “La forma solo se interrumpe en la grieta que da ingreso al lugar, quiebre y ruptura que nos recuerda un evento singular, un suceso global. El hombre no es el centro, el ojo de este espacio lo ocupa un vacío en donde aflora la naturaleza en estado puro, lo que nos recuerda su omnipresencia y nuestra frágil condición”.

Liderada por Martín Gómez Platero, la firma uruguaya cuenta con más de 100 profesionales que desarrollan proyectos de arquitectura, interiorismo y urbanismo. En su trayectoria han recibido numerosas distinciones nacionales e internacionales.

 

 

[Imágenes: representaciones digital del Memorial Mundial a la Pandemia, del estudio montevideano Gómez Platero – fuente: http://www.latempestad.mx]

En ‘La traición progresista’, Alejo Schapire señala las batallas abandonadas por la izquierda a favor de las «políticas de identidad»

Juan O’Gorman, ‘Monumento fúnebre del capitalismo industrial’ (1943)

Escrito por FEDERICO ROMANI 

No es fácil escribir con furia, mucho menos hacerlo bien y en plena era de los falsos consensos. En La traición progresista (Libros del Zorzal / Edhasa, 2019), Alejo Schapire se sacude los sesgos ideológicos y propone una radiografía de los vicios, las taras y los condicionantes subjetivos que traban las lenguas de nuestra época, especialmente cuando se intenta hablar bajo cierto estandarte que hasta hace poco más de veinte años significaba mucho, pero que ahora tiene problemas para sostener casi nada.

En la línea de fuego queda algo tan difícil de definir como el “progresismo”, pero el horizonte de impacto es mucho más amplio y abarca las diversas claudicaciones que cierta vanguardia ideológica de izquierda debió autoinfligirse para poder entrar de manera más o menos digna al siglo XXI. Y si ese progresismo alguna vez se caracterizó por la elasticidad de las ideas, el cuestionamiento de los límites y las imposiciones culturales y la defensa de los derechos individuales, hoy comienza a pervertirse y deformarse en la construcción de “nichos” destinados a crear falsos escenarios de igualdad, censuras diversas e inútiles que confunden silencio con inexistencia y un narcisismo ciego peligrosamente ladeado hacia algo que aquí se señala como una nerviosa epistocracia.

¿Sabe votar la gente? Para Schapire, el progresismo está menos ocupado en construir una cultura política que en edificar “sitios seguros” para que las distintas minorías sientan lo menos posible el roce con el mundo. Ese mundo no deja de existir aun cuando dejemos de nombrarlo (lenguaje inclusivo), lo alisemos al extremo de volverlo una fina capa de hielo donde moverse cuesta cada vez más (la corrección política que desemboca en la autocensura) o lo cerquemos con barreras artificiales que no protegen contra la desigualdad social. Dichas barreras o “burbujas”, en realidad, potencian las polarizaciones, muchas de ellas detonadas a través de las inquietudes de ese “proletariado de substitución” identificado con distintos grupos étnicos y sexuales.

La jugada de Schapire es riesgosa, porque la crisis progresista que señala tiene como base algunos de los argumentos que la alt-right ha venido utilizando en los últimos años para construir su acceso al poder en muchas de las naciones más influyentes del mundo. Es su claridad expositiva y lo inapelable de sus argumentos, lo que le confiere a su ensayo una contundencia ejemplar, compatible con un tipo de ajuste de cuentas del que un país latinoamericano, patrullado por distintas policías culturales, solo puede llegar a abominar.

Habrá tiempo para desenredar la madeja de malentendidos que la torcida vertiente progresista contemporánea ha arrojado al mundo, pero lo que parece preocuparle a Schapire es el balance de los daños producidos (hasta ahora) y el cambio de una sensibilidad social que pasó de coordinar preocupaciones a ensamblar distintos tipos de iras y frustraciones.

La fosa existente entre la élite política de izquierda y sus votantes –muy efectivamente explotada por populismos de distinta procedencia– está colmada de despojos de la época de la Guerra Fría que no supieron reconvertirse o adaptarse, o que –peor aún– entendieron esa adaptación como una prevalencia de la mirada antes que como una verdadera apertura ideológica. Tal vez por eso hoy alcance con nombrar y no con interrogar en profundidad, como si el discurso ya lo fuera todo y solo quedara por librar una batalla enumerativa destinada a incluir cada vez más grupos en una supuesta carrera hacia la igualdad que puede ser solo un discreto avance hacia un nuevo concepto de orden. Entre tantos malentendidos, Alejo Schapire ha escrito un ensayo incómodo y urticante.

 

 

[Fuente: http://www.latempestad.mx]

Fernand de Varennes, relator especial sobre qüestions de les minories del Consell de Drets Humans de l’ONU ha denunciat amb contundència l’actitud de l’Estat espanyol envers el català en l’informe de la seva visita a Espanya. Per a l’elaboració de l’informe, Varennes es va entrevistar a Barcelona, el gener del 2019, amb la directora general de Política Lingüística, Ester Franquesa, que li va exposar la situació lingüística a Catalunya i les línies generals de la política i la legislació lingüístiques respecte al català, l’occità i la llengua de signes catalana. També li va desgranar els principals incompliments de la Carta europea de les llengües regionals o minoritàries per part de les institucions de l’Estat espanyol i li va oferir informació sobre la llengua de signes catalana, les llengües de les persones immigrants i les mesures en favor del col·lectiu gitano.

Varennes ha expressat en l’informe preocupació per la desconnexió entre la condició de llengües cooficials i el grau real d’ús oficial i ha posat com a exemple que els jutges i els agents de l’ordre o la policia nacional no estan subjectes a cap requisit de coneixement d’un idioma cooficial, ni tan sols quan exerceixen les funcions en una comunitat autònoma en la qual es parla aquesta llengua oficial. Per a Varennes, això genera un nombre considerable de queixes i la frustració en algunes d’aquestes comunitats, condueix a desafortunats malentesos i fins i tot a la denegació de l’accés als serveis públics o a la discriminació en aquest accés.

En matèria de llengua i educació, Varennes ha explicat la preocupació existent a Catalunya i les Illes Balears per l’erosió gradual dels models d’immersió no segregats, que han aconseguit fins ara un domini efectiu de les dues llengües per part dels alumnes, sovint per sobre de la mitjana estatal pel que fa al castellà. Per a Varennes, l’Estat espanyol té l’obligació de recollir dades del conjunt de l’Estat sobre les repercussions dels diversos models educatius per dissipar qualsevol preocupació sobre l’efecte en l’aprenentatge fluid del castellà en els models d’ensenyament en les comunitats en llengües cooficials, cosa que no fa des de 2010.

La denúncia de Varennes coincideix amb els plantejaments que va formular el Consell d’Europa en la darrera recomanació als estats a propòsit del cinquè informe sobre la Carta Europea de les Llengües Regionals i Minoritàries.

[Font: http://www.racocatala.cat]

Giovanna Rivero se suma con una voz perturbadora y rotunda a la asombrosa renovación que vive la literatura fantástica sudamericana

 

La escritora boliviana Giovanna Rivero (Montero, 1972)
 

Escrito por LUIS MANUEL RUIZ 

La literatura sudamericana saltó al centro del planeta con el famoso boom de finales de los sesenta, de cuya resaca ha comenzado hace muy poco a reponerse. Apenas hace falta precisar sus coordenadas, porque permanecen frescas en la mayoría de los lectores y, para muchos, siguen definiendo lo que se entiende por ficción austral: realismo mágico, entendido este huidizo concepto como una mezcla, por cierto nada original, entre elementos costumbristas y folclóricos y altos vuelos de la imaginación, de esos que solo se veían en los cuentos de fantasmas y las variantes modernas del libro de caballerías. Resulta espinoso dictaminar clínicamente dónde comienza el realismo mágico, cuál es su etiología y de dónde proceden sus variantes. La tradición nosológica quiere, con Alejo Carpentier, que todo se generara espontáneamente a partir de la exuberancia creativa de los trópicos, sin reparar en que el propio Carpentier se educó en París y visitó con asiduidad los cenáculos surrealistas. Una hipótesis más arriesgada (y atractiva) la encontramos en ciertos apuntes de Augusto Monterroso: que todo derivó de una publicación liminar, la Antología de la literatura fantástica, dBorges y Bioy Casares, tan remota como de 1941, que abrió al continente una caja de sorpresas que hasta entonces había estado protegida por los férreos cerrojos del costumbrismo o la mojigatería. Tampoco ha de olvidarse que el interés de los argentinos por el fantástico (que aún hoy goza de excelente salud) coincidió en sus inicios con el desembarco en Buenos Aires de Roger Caillois, más o menos por las mismas fechas. 

Pero decir realismo mágico, más allá de las filigranas un tanto pedantes de nuestra pareja porteña, es rendirse sobre todo a una marca registrada: la que patentó Gabriel García Márquez en 1967, respaldada luego por un premio Nobel, en Cien años de soledad. Ahí se encuentra toda la cantera de tópicos que desde entonces se ha venido asociando al universo literario sudamericano (amplificada luego por pelotazos como los de Isabel Allende y afines): la saga familiar, el cuento de hadas, la llamada de lo salvaje, el lenguaje botánico, el sentimentalismo, la novela río, en el mejor de los casos una imaginación desatada, casi cosmogónica, y el arrimo a la telenovela en el peor. En realidad, salvo zonas de contacto puntuales, poco tiene que ver el orbe de García Márquez con el de Cortázar o el propio Carpentier (de Borges ni hablamos), pero a las nuevas generaciones argentinas, colombianas, cubanas y el resto les ha costado sangre, sudor y lágrimas sacarse el sambenito de los Buendía. Dicen por ahí que hubo un punto de inflexión con la obra de Roberto Bolaño, víctima seguramente de la sobreexposición crítica, pero yo no sé. Quizá los vientos de cambio deben olfatearse por otras partes.

Es curioso constatar que el género fantástico sudamericano ha venido dirigido en las últimas décadas por nombres femeninos. El primero que se viene a las mientes (por los mismos motivos que el de Bolaño) es el de Mariana Enríquez, una argentina que mediante una personalísima combinación de denuncia social, novelas de quiosco y feísmo estético ha logrado la hazaña de elevar al primer plano algo tan denostado como la narración de terror, aunque no se trata de la única. Sin remontarnos al magisterio de Ana María Shua, podemos espigar títulos de Samanta Schweblin, Valeria Correa Fiz, María Fernanda Ampuero o Ana Llurba, entre muchas otras.  

Giovanna Rivero, cuyo Para comerte mejor comentamos hoy, pertenece, creo, a la misma cuerda. En primer lugar, está la franja generacional: todas ellas (también Rivero) nacieron en torno a la década del setenta y se han nutrido, es obvio, de los mismos referentes culturales; lo cual desemboca obligatoriamente en lo segundo: una visión del fantástico que trata de superar el cliché de Macondo y asumir en su seno otro tipo de influencias más allá de las folclóricas, procedente sobre todo del ámbito audiovisual y de orientación anglosajona.

EN CONSONANCIA CON MARIANA ENRÍQUEZ, LA AUTORA SE DEMORA EN LO PÚTRIDO, LO MALSANO, LO ANGUSTIOSO

Para comerte mejor constituye un ejemplo paradigmático de todo lo antedicho. Se trata de un conjunto de cuentos (formato privilegiado por el género) escrito en una prosa muy cuidada (otro rasgo meridional), llena de imágenes, donde más allá del sustrato antropológico (que lo hay: son constantes las referencias a la cultura andina y el submundo del indio), el relato se abre a otro tipo de imaginarios que la conectan con el universo global de la televisión y los monitores (a saber: iconos del terror contemporáneo como zombis y vampiros, holocaustos climáticos, vuelos interestelares). 

Muy en consonancia con Enríquez, la autora se demora en lo pútrido, lo angustioso, lo malsano, haciendo hincapié en que no constituye sino el necesario reverso de la salud y el brillo de los que todos los vivientes nos nutrimos: así, sus historias están pobladas de leprosos que buscan la redención, madres violadas que temen por sus hijas, supervivientes que devoran cadáveres en ciudades asoladas por terremotos, o (en el mejor texto de todos) mujeres infértiles que pasean miembros amputados por el metro de Nueva York. Para comerte mejor es la ocasión de oro para conocer una voz nueva, contundente, perturbadora, que, como espero que se vea en el futuro, tiene mucho que decir en la renovación de la literatura fantástica sudamericana.

 

[Fuente: http://www.diariodesevilla.es]

 

Escrit per Jordi Martí Font

« Rata de la més mala delinqüència, t’esqueia una altra mort amb violència, la fi de tants des d’aquell juliol », diu el poema de Joan Brossa que Miguel Poveda canta a Desglaç amb convenciment i passió. Un text evident i no per això menys contundent. Franco havia mort i nosaltres ho celebràvem. Poca celebració la que es pot fer en la mort d’un dictador autoritari i assassí, dretà i conservador, espanyolista i militar… El franquisme continua essent present enmig de la ja no tan jove democràcia estatal espanyola, present en la dreta i també en l’esquerra, en la mediàtica i en la dissident. Continuem pensat i parlant del 39, dels morts que tenim colgats en centenars o milers de fosses comunes o clots individuals, morts a l’exili o afusellats per « auxili a la rebel·lió. » El 39 de la desfeta, el 75 de la mort del dictador o el 1707 de la desfeta d’Almansa. Hem oblidat les mil i una revoltes que no van suposar ni derrotes ni claudicacions, hem desaprès els noms i les dates dels somnis fets realitat, o simplement dels somnis somiats. No sabem ni 1868, ni 1936, ni 1931, ni 1640, ni… Ignorem que repetim passes ja donades i les fem, massa sovint, com si inauguréssim camins que són trillats de fa temps. I de la trilla n’hem de treure ensenyaments, començant per reconèixer els errors, el nostre propi autoritarisme, els nostres vells dogmes, les nostres negres nits… els nostres propis botxins, que malgrat compartir colors i símbols em repugnen tant com el «podrit botxí» de què parla la cançó.

[Font: http://www.racocatala.cat]

Este martes se cumplen cien años de la concesión del premio Goncourt al genial autor francés por «A la sombra de las muchachas en flor», lo que generó un gran escándalo

Retrato de Proust a los 21 años, realizado por el pintor Jacques-Émile Blanche en 1892, un óleo que se conserva en el parisino museo d’Orsay.

Escrito por HÉCTOR J. PORTO

«Es evidente que un hombre de su extraordinario talento, de su fecundidad, de esta poderosa originalidad, habría alcanzado, sin nuestro galardón, la mayor notoriedad, celebridad, incluso más; pero le facilitamos el camino hacia los laureles eternos y hacia la fuente de la juventud. Esto es lo que no nos perdonan -afortunadamente- los fracasados de la industria del libro y de la crítica, cargados de amargura, como un palosanto podrido». Quien con esta contundencia se manifiesta en 1920 es el escritor, periodista y académico León Daudet, que un año después del fallo aún se veía en la obligación de justificar el premio Goncourt que habían concedido el 10 de diciembre de 1919 a Marcel Proust por su obra A la sombra de las muchachas en flor -la segunda entrega de su gran ciclo novelesco En busca del tiempo perdido-.

Tras esta insistencia está la incomprensión general que derivó en agrias polémicas, ataques personales en la prensa y hasta protestas pública protagonizadas por colectivos que se sentían agraviados, desde excombatientes hasta reaccionarios, pacifistas y revolucionarios.

Tras investigar y estudiar correspondencias, documentos inéditos, periódicos de la época, el ensayista Thierry Laget publica Proust, premio Goncourt. Un motín literario, cuya traducción al castellano ha traído a las librerías el sello barcelonés Ediciones del Subsuelo. El ensayo muestra cómo Daudet cree que de no ser por el Goncourt Proust continuaría años después arrumbado: «Todavía seguiríamos silenciándolo o diciendo las sandeces con las que por ejemplo se recibió al desafortunado Arthur Rimbaud; y ¡sería una vergüenza!»

Roland Dorgelès, el perdedor

Porque Proust no fue bien entendido por su época, y en este caso, cuando se alzó con el prestigioso premio Goncourt, las simpatías viajaron del lado del vencido, Roland Dorgelès, que se quedó a las puertas con su novela Las cruces de madera, «de filosofía idealista y reconfortante», que entonces aprovechó aquellas circunstancias de supuesta injusticia para una campaña propagandística que le daría unas excelentes ventas y muy buenos réditos. Hoy nadie recuerda aquella obra. Pero entonces se consideró elevada su visión del drama bélico, en un momento en que el país debía tener presente el dolor, el daño y la muerte causados por la Gran Guerra.

«Señores de la Academia Goncourt, ustedes no estuvieron en la guerra. Tienen un gusto de lo más delicado, y les habría aplaudido si hubiesen premiado a Proust en 1913. Pero, ¡es así!, ha habido una guerra, con toda la poesía de la guerra», reprocha el escritor y periodista Binet-Valmer

El escritor y periodista Binet-Valmer reprocha el fallo con esa motivación y enorme grandilocuencia: «Señores de la Academia Goncourt, ustedes no estuvieron en la guerra. Tienen un gusto de lo más delicado, y les habría aplaudido si hubiesen premiado a Proust en 1913. Pero, ¡es así!, ha habido una guerra, con toda la poesía de la guerra. Estamos impregnados de ella, oímos voces, queremos escucharlas, por esto nos gusta Dorgelès […]. Es por esto, porque la guerra ha renovado la poesía».

Las reservas hacia su literatura no eran un hecho nuevo ni aislado. El mismísimo André Gide había rechazado publicar la primera entrega de Proust, Por el camino de Swann, en la revista La Nouvelle Revue Française, y la novela apareció finalmente en Grasset en noviembre de 1913. La edición fue financiada por el propio Proust, lo que le causó un grave quebranto económico. El autor de Los monederos falsos confesaría después su responsabilidad y atribuiría su decisión al puro prejuicio social y a una negligencia en el análisis de la obra, que solo habría mirado por encima. Tras admitir su error y autohumillarse, apoyó la aparición por entregas en las páginas de La Nouvelle Revue Française de A la sombra de las muchachas en flor, que publicó definitivamente Gallimard (que de inmediato rescató para sí los derechos del primer volumen).

Para salir del marasmo fue decisivo el respaldo de Daudet en el Goncourt. Todavía dos años más tarde lamentará que se les recrimine las opciones políticas y religiosas del premiado, «considerado, por sus conserjes y vecinos del barrio, un reaccionario y un hombre de derechas». Es una versión edulcorada, observa Laget, de las palabras que se ponen en boca de Daudet cuando, en 1932, replica a quienes le reprochan haber promovido la novela Viaje al fin de la noche de Louis-Ferdinand Céline, un escritor que insulta a la patria: «La patria, digo ¡a la mierda! cuando se trata de literatura».

Viejo, rico, mundano, loco

Pero los males que se achacan a Proust en relación a la concesión del Goncourt son de índole muy variada, como anota el autor del ensayo: a sus 48 años era demasiado viejo para este reconocimiento -en el origen, en su testamento, hablaba Edmond de Goncourt de la juventud como una de las condiciones del premiado-; demasiado rico para merecer los 5.000 francos, pese a que su situación económica real era bastante lastimosa; era demasiado mundano, aunque vivía recluido en su quinto piso sin ascensor de la calle Hamelin -y, más precisamente, en su cama-; demasiado frívolo; demasiado hablador -¡una novela de más de cuatrocientas páginas, continuación de otra!-; demasiado loco…

El propio Proust se lo toma con humor, por ejemplo, cuando comenta los efectos balsámicos que ungen al candidato fracasado: «Los amigos del señor Dorgelès […] deberían estar satisfechos, ya que él ha conseguido el segundo premio y se ha beneficiado del primero mucho más que yo». Y se propone insistir ante la pregunta «¿por qué escribe?» que el cuestionario de la revista dadaísta Littérature plantea: «Por qué escribo…. pues ¡para que se hable del señor Dorgelès!». La respuesta no se publicó.

Meses después, Proust, en vísperas de la concesión del Goncourt 1920 y consciente de que la prensa atacaría de nuevo con las comparaciones despectivas, parodió el texto periodístico que probablemente leería: «Este veredicto es muy distinto al del año pasado, cuando ese inmundo pervertido de Proust, por cierto casi centenario, se impuso, con artimañas, intrigas y cualquier otro medio vil con los que el Populaire está seguro de que corrompe fácilmente a Élemir Bourges y a Rosny [miembros del jurado]».

Cien años más tarde, Marcel Proust es uno de los mayores orgullos de las letras galas y también del premio Goncourt. Precisamente, hace unas semanas, se publicó Le Mystérieux correspondant et autres nouvelles inédites, un volumen que reúne un hatillo de relatos hasta ahora desconocidos del autor de A la sombra de las muchachas en flor.

[Fuente: http://www.lavozdegalicia.es]