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Foi unha das figuras máis recoñecidas da radio dos anos 50 e da televisión dos anos 60

 

Escrito por CARLOS PORTOLÉS

Primeiro foi unha voz. Unha das máis recoñecidas da radio española dos anos 50. Pasou polos micrófonos da Ser, Cope, RNE e Radio Barcelona. Fixo da locución unha fina arte que cultivou sempre con mimo e delicadez. Un timbre deses que enchía de calidez a atmosfera da casa do que escoita. Dos que coidaba o oído do oínte. O seu traballo radiofónico foi recompensado con dous premios Onda, en 1958 e en 1960.

Despois, foi un rostro. Un que se paseou fronte ás cámaras de programas de altísimo éxito na década dos 60 como Busque a súa parellaSorría, por favorA palabra máis longaClub mediodíaVisto e oído e Coñecemos España. Naqueles anos, integrou a lista dos presentadores máis soados da televisión pública e alcanzou o momento de maior notoriedade na súa carreira. Pasou de ser o príncipe dos micrófonos ao rei dos estudios.

Tamén foi a voz doutros. Dobrou a algunhas das estrelas internacionais máis famosas da historia. Entre elas, destacan Sidney PoitierJean Paul-BelmondoGeorge Peppard e Tony Curtis. Beut foi un lustroso nome da xeración dourada de intérpretes de dobraxe españois. Un timbre doutra época, dos que xa non hai. Cumpría a impagable misión de ser un dos intermediarios entre o Hollywood das grandes historias, co seu fino glamour e as súas estrelas rutilantes, e os cines das rúas e os barrios dunha España enche de soños e esperanzas.

 

[Foto: Getty Images – fonte: http://www.lavozdegalicia.es]

A galardoada con o Reina Sofía de Poesía Iberoamericana será a homenaxeada na feira do libro de Porto

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Ana Luísa Amaral (Lisboa, 1956)

Escrito por Gala Dacosta

A poeta de Lisboa Ana Luísa Amaral (Lisboa, 1956-Porto, 2022), unha das principais autoras contemporáneas de Portugal, falecía esta madrugada aos 66 anos. A causa da morte foi unha enfermidade que levaba tempo aburando. Ademais de poeta, Amaral foi investigadora e docente de literatura angloamericana da Facultade de Letras da Universidade do Porto centro, aínda que estaba xubilada, e ademais da creación literaria tamén se dedicou á tradución.

Nada en Lisboa en 1956, viviu a maior parte da súa vida no norte de Portugal e publicou máis dunha vintena de libros de poemas, teatro, novela, literatura infantil e ensaio. Tamén foi unha figura clave no movemento e os estudos feministas do país e escribiu xunto con outra coñecida autora o primeiro Dicionário de Crítica Feminista e a edición comentada do clásico contemporáneo Novas cartas portuguesas.

Escribiu obras poéticas que foron traducidas a numerosos idiomas, entre eles o castelán, como Escuro, Ara, Ou olhar diagonal dás coisas e foi esta faceta a que lle valeu o XXX Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana en maio do pasado ano. Tamén cultivou outros xéneros como a crítica, o ensaio e exerceu como tradutora. Recibiu moitos galardóns como o Gran Premio da Asociación de Escritores Portugueses (APE) de 2008, o Premio Giuseppe Acerbi de Italia e o Premio Literario Casino dá Póvoa/Correntes d’Escritas, ambos en 2007, así como o Premio Leteo en 2020. Precisamente neste mes de abril, a Asociación de Escritoras e Escritores en Lingua Galega (AELG) nomeouna Escritora Galega Universal.

A súa obra e figura homenaxearanse na feira do libro de Porto que comezará o 26 deste mes. A capela ardente instalarase esta tarde en Matosinhos, onde ela residía, e mañá terá lugar o funeral.

«Vou partir de aviãou

e ou medo dás alturas misturado comigo

face-tomarme calmantes

e ter sonhos confusos

Se eu morrer

quero que a minha filha nãou se esqueça de mim

que alguém lhe cante mesmo com voz desafinada

e que lhe ofereçam fantasia

mais que um horário certo

ou uma cama bem feita

Deem-lhe amor e ver

dentro dás coisas

sonhar com sóis azuis e céus brilhantes

em vez de lhe ensinarem contas de somar

e a descascar batatas

Preparem a minha filha

para a vida

se eu morrer de aviãou

e ficar despegada do meu corpo

e for átomo livre lá non céu

Que se lembre de mim

a minha filha

e mais tarde que diga à sua filha

que eu voei lá non céu

e fun contentamento cegado

ao ver na sua casa as contas de somar erradas

e as batatas non saco esquecidas

e íntegras»

Minha senhora de quê, 1990.

 

 

[Fonte:  http://www.lavozdegalicia.es]

 

Na madrugada dun día como o de hoxe de hai sesenta anos, Eunice Murray, ama de chaves de Marilyn Monroe, descubría o corpo da actriz sen vida na súa casa de Los Ángeles.

Representación de Marilyn Monroe pendurada dun hotel de Portland

Escrito por MARIO REGUEIRA

O que era un aparente suicidio ou unha morte accidental por sobredose de barbitúricos converteuse axiña nun acontecemento coa súa propia mitoloxía. Aínda hoxe persisten diversas teorías que sinalan o suposto papel dos servizos de intelixencia estadounidenses e elucubracións que sinalan tamén á participación da propia empregada ou do psiquiatra Ralph Greenson facilitando unha morte autoinflixida pero nunca procurada realmente.

Nese momento histórico, Marilyn era xa un mito dentro do mundo de Hollywood, e a súa morte temperá, misteriosa e con elementos dunha vida atormentada contribuíu a redondealo e facelo perdurábel. Hoxe é fácil pensar na imaxe da rapaza loira case como unha icona dos Estados Unidos, unha sorte de tótem dun mundo capitalista baseado na beleza e no glamour.

Joyce e Marilyn

Marilyn foi tamén, involuntariamente, unha das bases do arquetipo da « loira burra », a rapaza apetecíbel de cabelo claro, rodeada de homes poderosos ou intelectuais pero que existía nel polo único mérito de resultar agradábel e ter un aspecto atraente. Teoricamente incapaz de manter unha conversa intelectual, e levada a representar un modelo de muller pasivo e tentador tamén no seu traballo de actriz, Marilyn Monroe non gozou dunha gran consideración neste sentido. Unha das súas imaxes máis célebres preséntaa nun traxe de baño dunha soa peza lendo atentamente o Ulysses de James Joyce, un dos libros máis complexos e influentes do século.

Non son tan estrañas as fotografías da actriz cun libro nas mans, case sempre dunha certa complexidade: a poesía de Henrich Heine, unha edición de Leaves of Grass de Walt Withman ou unha obra do que foi o seu esposo durante cinco anos, Arthur Miller. Paralelamente, a Monroe actriz representaba o tipo de muller que sostiña os libros boca abaixo, como acontece nunha célebre escena de How to Marry a Millionaire. Se cadra por iso, e durante moito tempo, a crenza xeral foi que todas esas imaxes súas lendo eran simples pousados, escenas armadas para resultar chocantes e atraentes, pero protagonizadas aínda así por unha persoa necia e sen capacidade para interesarse pola cultura.

Foi a fotógrafa daquela imaxe co libro de Joyce, Eve Arnold, unha das que desmontou esta idea, xa nos anos noventa. Atopárase casualmente con ela aquel día e confesáralle que o Ulysses era un libro que levaba no coche, que se lle facía duro, pero que lle gustaba a musicalidade da prosa de Joyce e que ás veces lía anacos en voz alta. Arnold non perdeu a oportunidade de sacar unha serie de imaxes da actriz co libro. Houbo máis pistas sobre como a maior parte da audiencia confundira a realidade cunha ficción que, xa daquela, era pouco inocente á hora de representar o papel de mulleres como Marilyn na sociedade. A catalogación da súa biblioteca descubría aínda máis cousas.

430 libros

É difícil xulgar alguén pola biblioteca que deixou atrás. Non hai certeza de que non falten volumes emprestados, que algúns estean sen vontade expresa de que quedasen alí, se houbo algunha vez unha biblioteca a medias con alguén que se repartiu tras unha ruptura. Tampouco que eses libros fosen lidos algunha vez ou cales deles o foron. Non sabemos se Marilyn acabou algunha vez o Ulysses ou se realmente leu a copia de Das Kapital que apareceu nos seus andeis. Porén, si que podemos facernos unha idea xeral de que era unha persoa inquieta, curiosa, que de certo gozaba coa lectura e que seguía a actualidade literaria do seu contexto. Tamén que tiña un apego especial aos libros da súa infancia e que mantiña un interese moi marcado pola poesía, xénero que tamén cultivaba ocasionalmente en privado.

Marilyn foi, durante unha parte da súa vida, un mito construído polo interese doutras persoas. Porén, máis aló das lendas e das simplificacións, hoxe queremos lembrar a rapaza loira que lía e tamén escribía versos que nunca pensou que saísen á luz.

[Foto: Melissa Doroquez – fonte: http://www.nosdiario.gal]

Uma das maiores personalidades musicais de nosso tempo, Morelenbaum foi maestro, professor e primeiro diretor da Sala Cecília Meireles

Morreu hoje no Rio de Janeiro o maestro Henrique Morelenbaum, uma das maiores personalidades musicais de nosso tempo. Em novembro passado, Morelenbaum, que era membro da Academia Brasileira de Música, havia completado 90 anos.

Nascido na Polônia em 1931, Henrique Morelenbaum chegou ao Brasil com a família aos 3 anos de idade. Em matéria de Camila Fresca publicada na revista CONCERTO em 2006, quando completou 75 anos, Morelenbaum contou que, no navio em que fazia a viagem, havia dois violinistas. “Quando eu ouvia o som do instrumento corria atrás deles. Eles fechavam a porta, mas eu ficava escutando. Para me tranquilizar, minha mãe me prometeu que, quando chegássemos ao Brasil, meu pai me daria um violino”.

Morelenbaum estudou violino e viola com Paulina d’Ambrosio na Escola de Música da UFRJ. Ali também formou-se em composição e regência e fez seu doutorado. No artigo da CONCERTO, Morelenbaum relembra de outra passagem de sua formação, quando ainda era membro de uma orquestra de estudantes: “Lá, além de tocar, comecei a ‘rabiscar’ coisas. Guerra-Peixe, que era amigo de meu professor, tomou contato com um desses rabiscos, a Marcha da liberdade. Ele gostou e orquestrou a peça – a música era ruim, mas a orquestração ficou ótima. Pouco depois, Erich Kleiber veio ao Rio e assistiu um ensaio nosso. Entre outras músicas resolveram tocar minha marcha. Na hora de apresentá-la, o maestro mandou-me levantar para reger. Eu nunca tinha regido na vida, mas, como não se costumava discutir naquela época, obedeci. Assim foi que regi pela primeira vez, uma peça própria e tendo como ouvinte Erich Kleiber, sua esposa e uma criança, que depois viria a tornar-se o grande regente Carlos Kleiber”.

Em sua carreira, Henrique Morelenbaum dirigiu todas as grandes orquestras brasileiras, foi regente da Orquestra e do Coro Sinfônico da Universidade do Chile, diretor do Theatro Municipal do Rio de Janeiro e da Sala Cecília Meireles. Conquistou prestígio também como regente de balé, tendo sido o único brasileiro a dirigir o Balé da Ópera de Paris, em 1973, em três balés de Stravinsky. Morelenbaum regeu as estreias brasileiras de marcos da música do século XX, como as óperas Peter Grimes, de Britten – com a presença do compositor –, e The Rake’s Progress, de Stravinsky, e a Sinfonia de Luciano Berio. Ao longo de sua carreira, o maestro comandou 550 títulos de peças sinfônicas, 42 de óperas e mais de 70 de balés.

Henrique Morelenbaum também teve uma importante atuação docente, tendo sido professor de contraponto, harmonia e composição na UFRJ. Entre seus alunos figuram compositores como David Korenchendler, Ronaldo Miranda, Cirlei de Hollanda, João Guilherme Ripper e André Cardoso, entre muitos outros. Em um artigo para a Academia Brasileira de Música, Ronaldo Miranda escreveu: “Creio que o maior mérito de Morelenbaum, como professor da matéria, foi deixar cada aluno seguir o caminho musical por ele próprio escolhido. Jamais impôs um estilo, uma linguagem, um movimento estético exclusivo. Forneceu a todos uma sólida base técnica e mostrou à sua classe um panorama eclético da criação musical contemporânea”.

João Guilherme Ripper, diretor da Sala Cecília Meireles, lamentou a morte de Morelenbaum: “Ele fez a estreia de importantes obras do século XX, participou dos festivais de música contemporânea da Guanabara, ele foi muito importante para a música brasileira em geral. E foi meu grande professor, de contraponto e composição e depois como orientador de meu mestrado. Para mim, Morelenbaum foi um modelo de artista e também de gestor, pois foi o meu antecessor e primeiro diretor da Sala Cecília Meireles”.

André Cardoso, presidente da Academia Brasileira de Música, declarou: “Henrique Morelenbaum foi uma das mais importantes personalidades da vida musical brasileira dos últimos 70 anos, como instrumentista, regente, professor e administrador. Deixou sua marca nas instituições onde trabalhou, a Escola de Musica da UFRJ, o Teatro Municipal do RJ, a Sala Cecília Meireles e a Academia Brasileira de Música. Dedicadíssimo aos seus alunos, formou várias gerações de regentes e compositores, dentre os quais me incluo, com muita gratidão. Como intérprete foi um dos que mais abordou a música brasileira e o repertório contemporâneo. Ele cumpriu sua missão. Seu legado segue agora pelas mãos de seus filhos, todos músicos excepcionais, e seus alunos. Obrigado, mestre”.

Na matéria da revista CONCERTO, de 2006, Morelenbaum revelou: “Nunca planejei nada, mas sempre gostei de estudar muito e estar preparado para tudo. Não tenho outra atividade, toda a minha vida é ligada à música. Eu vivo música. Minha esposa é pianista, nós nos apresentávamos juntos. Quando nos casamos, eu tinha 15 e ela 14 anos”.

O casal teve três filhos, todos músicos profissionais: Lucia, clarinetista, pianista e harpista; Eduardo, regente coral; e o violoncelista Jaques Morelenbaum.

O maestro Henrique Morelenbaum, em vídeo de 2011 (reprodução YouTube)

O maestro Henrique Morelenbaum, em vídeo de 2011 (reprodução YouTube)

[Fonte: http://www.concerto.com.br]

 

Persoa clave na cultura galega, ou tradutor e crítico falecía ou mes pasado

Escrito por Siro

A comezos dos setenta, Basilio Losada rexeitou unha cátedra de Historia Contemporánea Europea en Chicago para seguir ocupando un posto de axudante sen paga na universidade de Barcelona. En 1997, cando o entrevistei para a Voz, era catedrático de Filoloxía Galega e Portuguesa, cun equipo de once profesores e aqueles 20 alumnos do primeiro curso multiplicáranse ata chegaren aos 1.200, dos que so un 5 % eran galegos ou fillos de galegos. Con razón recoñecémolo como embaixador das Letras Galegas en Catalunya e no mundo.

Basilio brillou como conferenciante, prologuista, crítico literario e de artes plásticas, e noutras actividades intelectuais; pero os amigos valoramos, sobre todo, o home que foi: bo, tan cordial como xeneroso, e ademais amenísimo conversador e extraordinario fabulador.

A capacidade imaxinativa foi un don que Basilio sentiu xa de neno, en Láncara, na casa natal, cando viu a Deus. Na lareira sempre había un pote de caldo e a porta ficaba aberta para que calquera entrase e comese. A avoa dixéralle que non preguntase a ninguén quen era nin de onde viña, porque podía ser «o Noso Señor». E un día entrou un home moi vello, de barbas moi brancas, cangado de costas, que comeu o caldo con moita fame; despois púxose en pé e rezou unha Ave María polos mortos da familia. Basilio non dixo nada, pero durante moito tempo pensou que aquel vello era Deus. Desde entón non deixou de fabular e se alguén recollese só unha parte das fantasías que creou sobre os temas máis dispares en tertulias e sobremesas, teriamos un dos libros máis fermosos da literatura galega. Eu pregunteille naquela entrevista por que non escribía e respondeume:

—Porque necesito a presenza física do espectador. Non escribo nada que non me pida un amigo, pero os prólogos que levo feito dan un libro de 800 páxinas.

Outra calidade de Basilio foi o sentido do humor. Gustáballe rir e facer que a xente rise arredor del. Nas historias que contaba, case sempre cunha base de realidade, adoitaba presentarse un chisco ridículo. Gustáballe o papel de antiheroe e representábao con éxito. Tamén era tímido, moito; tanto que nunca ousara piropear a unha muller e sentíao como una covardía a superar. O día que entrou na Universidade estaba tan ledo e eufórico que pensou: «Hoxe, á primeira muller guapa que encontre, piropéoa». E como un tecelán oteou o horizonte e viu na parada do bus una muller fermosísima.

—¡A esa! —dixo Basilio, e lanzouse.

Tiña que atravesar a rúa e empezou a facelo a grandes alancadas, pero segundo se achegaba á beldade daba os pasos máis curtos e cando chegou cabo dela, levaba andar de perdiz. A fermosa ollouno, pensou que quizais necesitaba axuda e díxolle amablemente:

—¿Desea algo?

Basilio, con voz afogada, confesoulle:

—Es que quería decirle a usted un piropo.

A muller, intelixente e comprensiva, animouno:

—Pues dígamelo.

Basilio baixou a cabeza e só puido dicir:

—No, así no.

Pero Basilio estimaba a presenza dunha muller fermosa, como estimaba unha boa comida regada con bo viño na compaña dos amigos. Fuxía dos ascéticos e repetía as palabras de Lutero: «Hai que desconfiar dos que non aman as mulleres, o viño e as cancións». Erguíase cedo, ía a pé á facultade e almorzaba nun pequeno café onde paraban noctámbulos, traballadores nocturnos e prostitutas que ían de retirada. Véndoo sempre traxado e cunha gran carteira na man, coidaron que era médico e algúns aproveitaron para faceren unha consulta gratuíta con el. Basilio escoitábaos, asentía, recomendáballes vida sa e remataba cun consello:

—Y siempre que pueda, tome a la cena media botellita de Marqués de Cáceres.

Pasei moitas xornadas con Basilio e deixa en min, como en todos cantos gozamos da súa amizade, un recordo entrañable. Cando souben da súa morte recordei as palabras que me dixera despois de pasar pola cegueira, nunha etapa de grande serenidade, na que cada día era para el un proxecto e unha ilusión: «Sei que non vou morrer en Galicia, pero quixera que algún amigo presente dixese nese intre algunhas palabras en galego, o primeiro idioma que oín, para pechar o meu ciclo vital». Seguro que foi así.

 

[Fonte: http://www.lavozdegalicia.es]

Basilio Losada Castro CC-BY-SA Distrito Xermar / AELG

Basilio Losada Castro morreu este sábado en Barcelona aos 92 anos de idade. Nacido en Láncara en 1930, pasou fóra de Galicia a maior parte da súa vida e da súa intensa traxectoria profesional, pero mantivo moi presentes as orixes. En 1968 incorporouse como profesor á Universitat de Barcelona para impartir materias de lingua e literaturas galega e portuguesa e acabou por converterse en catedrático de Literatura Galego-Portuguesa. Instalado en Barcelona dende entón, converteuse nun dos grandes referentes da cultura galega en Catalunya.

Ademais do seu labor académico, que tamén o levou a universidades estadounidenses, Losada destacou como crítico literario e tradutor, realizando a tradución ao galego e ao castelán duns 150 libros en sete linguas distintas, de autores como Jorge Amado, Saramago, Rosalía de Castro, Pere Gimferrer ou Rubém Fonseca. En 1991 recibiu o Premio Nacional de Tradución por Memorial do convento, de Saramago. Así mesmo, contribuíu á proxección das letras galegas fóra de Galicia vertendo ao castelán a autores como Xohana Torres, Celso Emilio Ferreiro, Álvaro Cunqueiro ou Uxío Novoneyra.

Basilio Losada Castro durante o acto de ingreso como académico de honra na RAG © RAG

Ademais, realizou numerosos estudos críticos sobre a literatura galega, portuguesa e brasileira. Xubilouse como catedrático no 2000 e ese ano publicou o seu primeiro traballo de ficción, a novela A peregrina, ambientada na Idade Media, período no que é un grande experto.

No ano 2015 ingresou na Real Academia Galega como académico de honra, cun discurso (‘Reflexións sobre as primeiras novelas de Rosalía de Castro’) respondido por Xesús Alonso Montero. Nese texto Losada destaca que « non hai unha Rosalía que algúns adxectivaron de ‘folclórica’, no seu primeiro libro maior, Cantares gallegos. O adxectivo non se sostén. Non hai nese libro folclore. O folclore mostra o pobo como espectáculo, pero, nese libro, Rosalía é a voz do pobo, dun pobo que non ten voz, e Rosalía descóbrella ».

Recibiu outros importantes recoñecementos, tanto en Galicia, como a Medalla Castelao ou o Premio Ramón Piñeiro, como en Catalunya (a Creu de Sant Jordi), en Portugal (a Comenda da Ordem do Infante Dom Henrique) ou en Brasil (a Ordem do Cruzeiro do Sul).

Neste obituario, a profesora María Xesús Lama subliña que « a súa dilatada traxectoria docente deixou unha lembranza imborrable en moitos alumnos e discípulos que recordarían sempre o impacto das súas clases sobre lírica medieval ou sobre a literatura contemporánea de Galicia, Portugal e Brasil ». Con todo, Lama escribe que « por enriba de todos os seus méritos académicos » amigos e colegas « lembrarémolo sempre como un contador de historias ». 

Basilio Losada Castro, con Olegario Sotelo Blanco © http://www.manuelrodriguezlopez.org

« A súa voz profunda internábase na alma de quen o escoitaba cun dominio da fabulación e da dimensión sonora do verbo que anulaba mesmo o imperativo de verosimilitude cun humor sutil que podía conducir da ironía á autoparodia ou o escepticismo. O enxeño retranqueiro dos seus centos de anécdotas, a súa expresiva gratitude por calquera pequena vivencia pracenteira e o seu amor pola arte que perseguiu en múltiples viaxes, convertíano nun conversador tan ameno como inesquecible », destaca.

O seu pasamento foi xa lamentado por un gran número de institucións, entidades culturais e amizades. A Real Academia Galega destaca que dende a Universitat de Barcelona « realizou un destacado labor de animador cultural, tanto dentro como fóra das aulas, e exerceu de auténtico embaixador da lingua e a cultura galegas en Cataluña e, por extensión, en gran parte de España e Latinoamérica ». 

Pola súa banda, Miguel Anxo Fernán Vello escribe: « Cando nos deixa un mestre sabio como Basilio Losada, taumaturgo da Palabra e da Amizade, o mellor é manter un ‘silencio mudo’, como diría Rosalía de Castro, no seu honor. Calquera palabra de máis sobexa sobre tanta desolación e abatemento ». Tamén o conselleiro de Cultura e Educación, Roman Rodríguez, sinalou este domingo: « Lamentamos o pasamento do profesor Basilio Losada, divulgador da nosa cultura e da nosa lingua en Cataluña e en moitas partes do mundo ».

Basilio Losada Castro CC-BY-SA Distrito Xermar / AELG

 

 

[Fonte: http://www.praza.gal]

Retour sur la vie et l’œuvre de A.B. Yehoshua, l’un des plus grands écrivains israéliens, lauréat du prix Médicis étranger en 2012.

 

Écrit par Myriam ANISSIMOV

A.B. Yehoshua, l’un des plus grands écrivains israéliens de sa génération, est mort le 14 juin dernier des suites d’un cancer à l’Hôpital Ichilov, à Tel Aviv. Il avait 85 ans. La psychanalyste Rivka Yehoshua, son épouse-amie et mère de ses trois enfants, avait disparu en 2016. Ils avaient tout partagé pendant cinquante-six ans de mariage, et les romans de l’écrivain étaient sans exception dédiés à sa chère Ika. Le couple et le mariage étaient au cœur de son œuvre. En larmes, il avait confié à Michaël Grynszpan, venu l’interviewer :

« Nous étions très attachés l’un à l’autre. Elle était une excellente compagne et je souhaitais décrire le mariage dans son côté positif. Parce que le mariage est tellement attaqué dans les romans. Les écrivains parlent tellement de conflits dans le mariage… ils écrivent à propos des divorces, à propos des déceptions… Et moi je voulais montrer la lumière qu’il y a dans le mariage. Et cela est un élément important dans mon écriture. »

Une jeunesse israélienne

Amos Oz, son ami de toujours, qui partageait ses idées en matière de politique, est décédé en 2018. Avec Aharon Appelfeld, disparu en 2018 et Yehoshua Kenaz, en 2020, les écrivains témoins de la naissance de l’État laissent, pour ainsi dire, la scène clairsemée.

Esseulé, Avraham Gavriel Yehoshua, appelé familièrement Boolie (le petit taureau) depuis l’âge de douze ans, vivait dans sa maison de Givataym, dans la banlieue de Tel Aviv. Sa famille était établie en terre d’Israël depuis cinq générations. Il était né en 1936 à Jérusalem, l’année de la Grande révolte des Arabes de Palestine sous mandat britannique, qui réclamaient la fin de l’immigration juive et s’opposaient à l’établissement d’un « Foyer national juif », selon les termes de la déclaration de Balfour.

Boolie avait grandi dans le quartier de Keren Abraham.

Du côté paternel, ses ancêtres venaient de Salonique, où un arrière-grand-père avait été rabbin. La famille de sa mère était originaire du Maroc.

Son père, orientaliste de renom, qui avait rédigé sa thèse de doctorat en arabe, était l’auteur de douze ouvrages sur la communauté sépharade. Il avait été interprète (hébreu-arabe-anglais), au Secrétariat général du mandat britannique en Palestine.

Avraham a fait ses études au gymnasia ivrit, le lycée laïc de Jérusalem qui formait l’élite du futur État d’Israël. Puis il a réalisé son service militaire en tant que parachutiste au sein de l’unité d’élite Golani, avant de participer à la « Guerre de Suez », en 1956.

Après quelques mois passés au kibboutz Hatzerim Neguev où il écrivit sa première nouvelle, La Mort du vieux, il étudia la littérature et la philosophie à l’Université hébraïque de Jérusalem, la seule qui existait à l’époque.

Pacifiste et sioniste convaincu

Débonnaire, généreux, souvent provocateur, et surtout plein d’humour, il appartenait à ce qu’on appelle en Israël « le camp de la paix ». Il évoquait le conflit entre les Juifs et les Palestiniens avec passion, n’évitant pas les paradoxes, mais se défendait d’être un donneur de leçon solennel. Il ne lançait pas d’anathèmes.

Il lui arrivait de changer d’avis, notamment sur ce sujet brûlant : longtemps, il avait soutenu avec véhémence la création d’un État palestinien mais, à la fin de sa vie, en 2018, il s’était dit favorable à un État binational, compte tenu de la situation sur le terrain, qu’il avait qualifiée d’« apartheid ». Il ne redoutait pas la dissolution du caractère juif de l’État dans l’éventuel État binational.

Et pourtant, il était un sioniste convaincu, voire radical, ainsi qu’il l’avait écrit dans un essai intitulé Pour une normalité juive (Liana Levi, 1998). Il avait une idée toute personnelle de l’identité juive. Il se qualifiait de « Juif total » parce qu’il était un citoyen de l’État juif et qu’il parlait l’hébreu. Selon cette conviction, les Juifs de la diaspora ne seraient que des portions de Juifs ! Le ladino et le yiddish, pourtant parlé par dix millions de locuteurs avant la Shoah, n’auraient donc pas à ses yeux le statut de « langue des Juifs ».

Cette idée peut laisser perplexe : Franz Kafka, Joseph Brodsky, Vassili Grossman, Isaac Bashevis Singer, Baruch Spinoza, Elias Canetti, ou encore Albert Einstein et Sigmund Freud n’auraient été que « des Juifs partiels, inachevés ! ».

Aurait-il acquis cette conviction au cours de son séjour en France de 1963 à 1967, en tant que délégué israélien de l’Union mondiale des étudiants juifs ? Il avait affirmé en 2006, lors d’un entretien avec le journaliste Michel Zlotowski pour Akadem, « qu’Israël est le nom du peuple juif, ainsi qu’il est écrit dans la Bible. »

Le roman d’Israël

Son engagement politique allait de soi, ainsi qu’il l’a exposé dans un essai intitulé Comment construire un code moral sur un vieux sac de supermarché (Éditions de l’Éclat, 2004). Ses romans, fourmillant d’intrigues ingénieuses et haletantes, sont le miroir des événements, des soubresauts de l’histoire mouvementée d’Israël. Il décrit les bouleversements de la société dans de vastes fresques, comme dans Monsieur Mani (Calmann-Lévy, 1994), son roman préféré.

Il avait pris son temps pour devenir écrivain, publiant à quarante ans son premier roman, L’Amant, paru en 1973 en Israël, et en 1977, en traduction française, chez Calmann-Lévy. L’intrigue avait pour toile de fond la guerre de Kippour.

Dans Le Responsable des ressources humaines (Calmann-Lévy, 2015), il évoquait le cas d’une travailleuse venue d’Europe centrale, tuée lors d’un attentat, et dont personne ne connaissait l’identité, y compris au sein de la boulangerie industrielle qui l’employait comme femme de ménage.

Un de ses derniers ouvrages paru en 2019, Le Tunnel, abordait sans complaisance le problème des villes construites par Israël au-delà de ce qu’on appelle « la ligne verte », c’est-à-dire la ligne de cessez-le-feu de la Guerre des Six jours, en 1967.

Trois jours et un enfant, son premier recueil de nouvelles, publié dans la collection de Geneviève Serreau, est paru en 1974 chez Denoël.

Plusieurs de ses romans ont été adaptés au cinéma, tels Trois jours et un enfant en 1967 par Uri Zohar (1935-2022) et Le Directeur des ressources humaines, adapté par Eran Riklis en 2010.

Yehoshua avait reçu le Prix d’Israël pour l’ensemble de son œuvre en 1995, et le prix Médicis étranger en 2012 pour son roman Rétrospective, paru chez Grasset.

Se sachant proche de la fin, il avait dit, avec un grand sourire fatigué à l’hôpital à ceux qui l’entouraient : « Les amis, ça suffit. J’ai vécu une vie bonne, riche et bien remplie, et même réussie, laissez-moi partir tranquillement, ne soyez pas trop désolés. Soyez sages. »

Boolie a été inhumé au cimetière du kibboutz Ein Carmel, près de Haïfa.

Signalons la parution cette année chez Grasset de La Fille unique, traduit de l’hébreu par Jean-Luc Allouche.

 

[Source : http://www.nonfiction.fr]

O intérprete máis tímido do cine e o teatro francés deixa 120 películas ás súas costas, entre elas, «Un home e unha muller», «Z», «A escapada» e «Amour»

O actor Jean-Louis Trintignant, mítico rostro do cine francés pola súa actuación en películas como Z ou Un home e unha muller, faleceu este venres aos 91 anos, segundo comunicou a súa familia á prensa francesa. O interprete morreu «de forma tranquila, a consecuencia da vellez, esta mañá na súa casa do departamento de Gard, rodeado dos seus seres queridos», indicou a súa esposa, Mariane Hoepfner Trintignant.

Con máis 120 filmes ás súas costas, Trintignant foi durante décadas uno dos imprescindibles do cine francés, desde os seus inicios en 1956, baixo as ordes de Roger Vadim, Claude Lelouch, François Truffaut, Costa-Gravras ou Michael Haneke, creador dun dos seus últimos papeis memorables, Amor.

O actor máis tímido do cine e o teatro francés, acabou convertido nunha icona polo seu encanto discreto e o seu perfil de home «normal», que puxo en evidencia en películas como E Deus creou á muller, con Brigitte Bardot, que lle deu fama internacional.

Naceu o 11 de decembro de 1930 en Piolenc, na rexión sur de Provenza-Alpes-Costa Azul, na que volveu instalarse para vivir os últimos anos da súa vida, rodeado das oliveiras e as vides das que lle gustaba ocuparse. Tras comezar a estudar dereito trasladouse a París con 20 anos para facer estudos cinematográficos e clases de arte dramática, que lle axudaban a facer fronte á súa timidez, o que lle levou a dicir que «durante anos» foi un actor que daba «un pouco de vergoña».

Nos anos 70 probou sorte como director de cine con dúas películas de humor negro que non tiveron maior percorrido, e foi en realidade despois de cumprir os 40 cando adquiriu maior peso na industria, con esa imaxe misteriosa, irónica e case débil. Na súa filmografía, Col cuore in gola de Tinto Brass, Os raíles da morteO conformista de Bernardo Bertolucci, Z de Costa-Gavras, Un home e unha mullerA escapada Tres colorees: Rojo (1994) de Krzysztof Kieslowski.

A súa vida persoal quedou especialmente marcada hai 20 anos polo asasinato da súa filla Marie Trintignant, matada a golpes por quen fose a súa parella, un suceso do que nunca logrou recuperarse, como el mesmo recoñeceu recentemente.

No 2019 volveu subir as escaleiras do Festival de Cannes xunto a Anouk Aimée e Claude Lelouch para a estrea dos mellores anos dunha vida, na que a parella dun home e unha muller volvían atoparse cincuenta anos despois. «Foi un actor inmenso. Estivo a traballar toda a súa vida, fixo grandes películas», resumiu a súa exesposa Nadine Trintignant nunhas breves declaracións telefónicas á canle informativa francés BFMTV.

 

[Fonte: http://www.lavozdegalicia.es]

Lauréat du prix Médicis étranger en 2012 et figure de la gauche israélienne anti-occupation, l’auteur est décédé à l’âge de 85 ans. Nous republions l’un de ses textes, écrit pour « L’OBS » à l’occasion des 70 ans de l’État d’Israël, en 2018.

Avraham B. Yehoshua en 2015

Né en 1936 à Jérusalem de parents aux origines grecques et marocaines, Avraham B. Yehoshua a publié ses premières nouvelles en 1963. Depuis, ses romans et pièces ont été traduits de l’hébreu dans plus de 30 langues, dont le français. Il a été distingué par le prestigieux prix d’Israël en 1995 et par le prix Médicis étranger en 2012, pour son roman « Rétrospective » (Grasset), traduit de l’hébreu par Jean-Louis Allouche. Défenseur des droits des Palestiniens, Yehoshua était membre de B’Tselem, organisation israélienne de défense des droits humains et fervente opposante à l’occupation des Territoires palestiniens par Israël. En 2018, à l’occasion des 70 ans de l’État d’Israël, « L’OBS » lui avait demandé de dresser un bilan des sept décennies passées. Dans le premier article de cette série, Avraham B. Yehoshua jetait un pavé dans la mare de l’opinion : et si la solution des « deux États pour deux peuples » était devenue obsolète ? Nous republions son texte ci-dessous.

Et si on abandonnait la solution des deux États ?

Au troisième jour de la guerre des Six-Jours, après la conquête de Jérusalem-Est, de la Cisjordanie et de Gaza, je me souviens que je ne cessais de proclamer, sur un ton quelque peu solennel : « Maintenant, il est temps de créer un État pour les habitants des territoires ! »

Ici, je vais essayer d’éviter les termes de « gauche » et de « droite », leur préférant « camp de la paix » et « camp national ». Pour plusieurs raisons. Dans le « camp national », ont œuvré et œuvrent toujours des hommes à la vision sociale de gauche. Alors que, dans le « camp de la paix », jusqu’à ce jour, s’activent nombre d’individus dont la conception économique et sociale est ultra-libérale et à mille lieues d’une idéologie de gauche.

En fait, nul ne doute que la plupart des partisans du « camp de la paix » agissent aussi à cause de motivations éminemment nationales et, de l’autre côté, dans le « camp national », il est certain que certains aspirent à une coexistence honorable, selon leur propre conception, avec les Palestiniens…

C’est pourquoi le distinguo entre « national » et « pacifiste » n’indique que les accents différents privilégiés dans le débat sur l’avenir et sur la nature de la solution du conflit historique entre Israéliens et Palestiniens.

Au cours des dernières années, à force d’invectives et d’anathèmes entre les camps « national » et « pacifiste », les discussions théoriques comme pragmatiques quant à la solution des « deux États » deviennent de plus en plus confuses, à cause de la situation chaotique au Proche-Orient, la leçon du retrait unilatéral de Gaza, la passivité de l’Autorité palestinienne, l’abattement du camp de la paix israélien qui commence à investir son énergie dans d’autres luttes civiques.

Mais, en premier lieu, cette solution des « deux États » s’évapore devant la multiplication des colonies en Judée-Samarie. Dès lors, à en croire les connaisseurs de la réalité géographique et démographique, il sera impossible de partager la Terre d’Israël en deux États souverains et distincts, et la division hypothétique de Jérusalem en deux capitales séparées par une frontière internationale devient de plus en plus improbable.

Innombrables frustrations

Pendant un demi-siècle, autrement dit, pendant la majeure partie de ma vie d’adulte, j’ai œuvré sans désemparer en faveur de la solution des deux États. La figure politique et publique qui m’a inspiré était l’ex-secrétaire général du parti travailliste, le député Lova Eliav, qui dans son ouvrage idéologique Erets Hatsvi [1] paru en 1972, détaille sa vision de la paix souhaitable entre Israël et ses voisins et, en particulier, entre Israéliens et Palestiniens.

À son exemple, j’ai adhéré, au milieu des années 70, à l’idée de reconnaître l’OLP comme le représentant du peuple palestinien dans des négociations et j’ai été l’un des signataires de l’appel au soutien de l’Initiative de Genève [2]. Avec la majorité de la population, j’ai soutenu l’évacuation unilatérale de Gaza et, pendant les différentes Intifada et l’extension des colonies, je n’ai pas cessé de prôner des idées possibles concernant les postes-frontières et le statut de minorités israéliennes dans le futur État palestinien – tout cela, afin de donner vie à la vision des « deux États » qui, depuis, n’a fait que s’étioler.

Face aux innombrables frustrations infligées à la fois par les gouvernements israéliens et par l’Autorité palestinienne, moi aussi, à l’instar de tous les partisans du camp de la paix, j’ai espéré que d’autres nations, surtout les États-Unis et l’Europe, exercent des pressions économiques et diplomatiques sur les deux parties afin de les obliger à trouver un compromis historique dans l’un des conflits les plus longs et les plus compliqués depuis le début du XXe siècle.

Certes, ce moment si attendu est survenu le jour où la direction officielle des Palestiniens et deux Premiers ministres israéliens de droite comme Ehud Olmert et Benyamin Netanyahou déclarèrent officiellement leur volonté d’agir en faveur de la solution des deux États. Avant sa démission, Olmert a pris même l’initiative d’un plan détaillé et plutôt généreux en vue d’un partage de la Terre d’Israël en deux États, mais Mahmoud Abbas, selon le témoignage d’Olmert, esquiva la plupart des réunions prévues pour débattre de ce plan.

Quant à Netanyahou, impossible de savoir ce qu’il pense vraiment lorsqu’il lance à l’occasion l’expression « deux États ». Parfois, il songe plutôt à une autonomie palestinienne et non à un État véritable. Certes, un accord de paix peut être formulé sur le modèle d’une autonomie et non forcément d’un État indépendant, mais il n’existe aucune autonomie sans que ses citoyens ne bénéficient de la citoyenneté de l’État lui-même, à l’exemple des Basques en Espagne ou des Québécois au Canada.

Or, certains membres de la droite vont jusqu’à bredouiller le terme de « deux États », comme une partie du Likoud, et des partis de droite alliés de la coalition (les partis religieux orthodoxes, eux, ne daignent pas s’occuper d’affaires aussi triviales…). Et il va de soi que le principe des deux États se situe au cœur de la solution politique prônée par des partis de gauche de même que par la Liste unifiée des Arabes d’Israël.

Pour leur part, l’Autorité palestinienne et la plupart des États arabes modérés appuient cette solution. La majorité des pays du monde, de l’Inde à l’Éthiopie, soutiennent officiellement cette solution, y compris ceux qui, semble-t-il, ignorent de toute façon où situer sur la carte Israël et la Palestine…

Un paravent illusoire et fallacieux

La solution du conflit par la création d’un État palestinien au côté d’Israël, qui passait pour extravagante et irréaliste il y a cinquante ans, quand Lova Eliav l’exposait devant les cellules du parti travailliste et que ses auditeurs s’interrogeaient, saisis de pitié : « D’où notre cher Lova a-t-il inventé les Palestiniens ? », est devenue aujourd’hui la pierre angulaire de tout le système politique.

Dans les années 70, Golda Meir, alors Premier ministre, se gaussait de la signification politique et identitaire du terme « palestinien » et prétendait ironiquement qu’elle-même était en fait palestinienne (d’ailleurs, par son pharisaïsme, son entêtement et sa myopie, elle ressemblait à de nombreux dirigeants palestiniens…), tandis que, désormais, des Premiers ministres ouvertement de droite en parlent de manière naturelle et négocient publiquement avec des chefs de l’OLP.

Et voilà que, alors que la notion d’État palestinien s’inscrit dans le marbre, moi et quelques-uns de mes meilleurs amis qui avons combattu pendant toutes ces années-là en sa faveur, nous sentons – puissé-je me tromper ! – que cette vision ne pourra plus s’incarner dans la réalité et qu’elle ne sert que de paravent illusoire et fallacieux à l’autre réalité diabolique d’occupation rampante mais profonde dont nous du camp de la paix, israélien et palestinien confondus, payons le prix à cause de notre découragement et de notre fatalisme.

Un paravent illusoire et fallacieux

La solution du conflit par la création d’un État palestinien au côté d’Israël, qui passait pour extravagante et irréaliste il y a cinquante ans, quand Lova Eliav l’exposait devant les cellules du parti travailliste et que ses auditeurs s’interrogeaient, saisis de pitié : « D’où notre cher Lova a-t-il inventé les Palestiniens ? », est devenue aujourd’hui la pierre angulaire de tout le système politique.

Dans les années 70, Golda Meir, alors Premier ministre, se gaussait de la signification politique et identitaire du terme « palestinien » et prétendait ironiquement qu’elle-même était en fait palestinienne (d’ailleurs, par son pharisaïsme, son entêtement et sa myopie, elle ressemblait à de nombreux dirigeants palestiniens…), tandis que, désormais, des Premiers ministres ouvertement de droite en parlent de manière naturelle et négocient publiquement avec des chefs de l’OLP.

Et voilà que, alors que la notion d’État palestinien s’inscrit dans le marbre, moi et quelques-uns de mes meilleurs amis qui avons combattu pendant toutes ces années-là en sa faveur, nous sentons – puissé-je me tromper ! – que cette vision ne pourra plus s’incarner dans la réalité et qu’elle ne sert que de paravent illusoire et fallacieux à l’autre réalité diabolique d’occupation rampante mais profonde dont nous du camp de la paix, israélien et palestinien confondus, payons le prix à cause de notre découragement et de notre fatalisme.

C’est pourquoi nous devons analyser la situation avec une honnêteté intellectuelle et tenter de réfléchir à d’autres solutions qui puissent mettre un terme à ce processus et le faire reculer. L’identité juive et sioniste de l’État d’Israël ne court aucun danger en ce moment, mais c’est plutôt son humanité et celle des Palestiniens soumis à notre pouvoir qui sont menacées.

Avraham B. Yehoshua

Traduit de l’hébreu par Jean-Luc Allouche.

[1] Arié « Lova » Eliav (1921-2010) fut un dirigeant travailliste de premier plan. Son ouvrage Erets Hatsvi (« La Terre excellente » [l’un des noms bibliques de la Terre d’Israël]) a connu un retentissement important.[2] Plan de paix alternatif présenté le 1er juin 2003 à Genève par le ministre israélien Yossi Beilin et l’ex-ministre palestinien Yasser Abd Rabbo. De nombreuses personnalités internationales ont soutenu cette initiative.

[Photo : YANNICK COUPANNEC / Leemage via AFP – source : http://www.nouvelobs.com]

 

Grande admirador de William Faulkner, considerado um dos grandes nomes da literatura do seu país, reflectiu na sua obra sobre os dilemas e as ambiguidades da identidade judaica e foi um empenhado defensor de uma Palestina independente. Morreu aos 85 anos, com cancro.

Abraham B. Yehoshua fotografado em 2019

O escritor Abraham B. Yehoshua, considerado um dos grandes nomes da literatura israelita juntamente com Amoz Oz (1939-2018) e David Grossman (n. 1954), morreu nesta terça-feira aos 85 anos, com um cancro, num hospital de Telavive. A notícia foi divulgada pela sua família, disse a agência Reuters.

A sua obra, que inclui contos, romances, ensaios e peças de teatro, foi um permanente território de reflexão sobre os dilemas e as ambiguidades da identidade judaica, e nomeadamente da complexa coabitação entre Israel e a Palestina. Yehoshua defendia o direito do povo palestiniano a viver nas suas terras ancestrais.

Apesar da sua declarada oposição à abordagem do Estado israelita quanto aos territórios ocupados, o presidente Isaac Herzog lamentou a sua morte, enfatizando a importância do autor na construção de uma literatura nacional. “Deu-nos uma imagem precisa, fidedigna e amorosa, e às vezes também dolorosa, de nós mesmos: um mosaico de sentimentos profundos”, considerou num comunicado. “Foi um dos maiores escritores de Israel, ofereceu-nos obras inesquecíveis, que continuarão a ser lidas por gerações”, acrescentou.

Formado em literatura e filosofia pela Universidade de Jerusalém, Abraham B. Yehoshua deu aulas em Paris e foi professor de literatura comparada e de literatura hebraica na Universidade de Haifa, no Norte de Israel. Para Nitza Ben-Dov, ​que foi sua colega naquela instituição, era sem dúvida “o maior autor” de Israel. “Ele passou de escrever histórias surrealistas e oníricas, desligadas do tempo e do espaço, para escrever obras enraizadas na cultura israelita e no presente”, disse à Agência France-Presse.

Filho de judeus sefarditas de origem grega e marroquina, ex-paraquedista, foi uma figura proeminente da organização de direitos humanos B’Tselem e do partido de esquerda pacifista Meretz, que defende a retirada de Israel para as fronteiras anteriores à guerra de 1967, apoiando a criação de um Estado palestiniano independente.

A sua obra está traduzida do hebraico para mais de 28 línguas, incluindo o português, mas não está editada em Portugal. No Brasil estão publicados ShivaViagem ao Fim do MilênioA Noiva LibertaA Mulher de JerusalémFogo Amigo e O Túnel. O escritor foi um dos convidados da Festa Internacional de Paraty em 2010, onde debateu o processo de paz entre árabes e israelitas com a escritora iraniana Azar Nafisi.

Além do Prémio Israelita para Literatura em 1995, Yehoshua recebeu diversos galardões internacionais importantes, entre eles o prémio francês Médicis (em 2012), o Alterman Prize para Melhor Romance do Ano (em 1992), o Viareggio (em 2005), e pelo conjunto da obra, o Brenner Prize e o National Jewish Book Award.

“O trabalho de Yehoshua era estruturalmente inovador e tradicional quanto à narrativa”, descreve o The Times of Israel no seu obituário, lembrando que Yehoshua referia com frequência William Faulkner, autor que reverenciava.

[Foto: LEONARDO CENDAMO/GETTY IMAGES – fonte: http://www.publico.pt]

L’écrivain, multiprimé, militait pour la fin du conflit au Proche-Orient. Cette figure de la gauche israélienne anti-occupation est décédée ce mardi à 85 ans.

Avraham B. Yehoshua en octobre 2002.

Écrit par Alexandra Schwartzbrod

Avec la mort d’Avraham Yehoshua, ce 14 juin à l’âge de 85 ans, c’est une des dernières grandes figures de la littérature israélienne née avant la création de l’État d’Israël qui disparaît. L’écrivain incarnait avec Amos Oz, mort en 2018 à 79 ans, une sorte de totem conjuguant œuvre littéraire et engagement politique même si, sur le tard, il se montrait beaucoup plus circonspect sur le bien-fondé d’un État palestinien, militant plutôt pour la création d’un État binational. Dès l’annonce de sa mort, la fille d’Amos Oz lui a d’ailleurs rendu un vibrant hommage : «Il était un des écrivains les plus prolifiques, fins et courageux que je connaisse, et son amitié avec mon père était unique : ils avaient pour habitude de commenter méticuleusement et avec amour leurs manuscrits respectifs.» Avraham Yehoshua était aussi rond et émotif qu’Amos Oz était sec et sérieux, ils étaient nés dans le même quartier de Jérusalem, Keren Avraham, ce qui avait créé des liens. Sur le tard, ils s’étaient justement fâchés sur la question des deux États, Amos Oz restant convaincu de la nécessité de créer un État palestinien au côté de l’État d’Israël, Avraham Yehoshua considérant qu’il était trop tard compte tenu de l’avancée de la colonisation. «Le plus important, c’est d’abolir peu à peu l’apartheid et de donner la citoyenneté israélienne aux Palestiniens, nous confiait-il en 2019. Mais, à la fin, on n’en parlait plus avec Amos car je ne voulais pas l’énerverNous étions la dernière génération d’intellectuels à nous positionner sur le plan politique, nous avons une sorte d’autorité morale. Je suis très attaché aussi à David Grossman, même s’il est bien plus jeune, surtout depuis la mort d’Amos, cela nous a rapprochés.»

Un peu désabusé et triste

Né en 1936 à Jérusalem dans une famille juive séfarade, l’écrivain a grandi et étudié dans la ville trois fois sainte. Ce mélange et cette difficile cohabitation des religions imprégnera d’ailleurs une œuvre marquée par la mémoire et ce qu’elle lègue d’espoirs et de fardeaux. Après Jérusalem, il a passé quelques années à Paris – ce qui lui permettait de parler parfaitement le français – avant de s’installer à Haïfa, autre ville de mélange puisque Juifs et Arabes israéliens y vivent plutôt en bonne intelligence. Il a longtemps retrouvé sur les check-points ses amis Amos Oz et David Grossman avec qui il militait pour la paix mais, ces dernières années, il se montrait un peu désabusé et triste. À Paris en 2019, il paraissait déjà fatigué, le souffle court. Vêtu de noir, il se disait affecté par des deuils récents, à commencer par celui de sa femme, psychanalyste. Un drame pour lui qui disait avoir toujours fait passer la carrière de sa femme avant la sienne, et toujours considéré la famille comme plus importante que la littérature. «Il y a tant de morts autour de moi, nous disait-il. Nous étions trois écrivains inséparables, de la même génération : Amos Oz, Yehoshua Kenaz [également un grand traducteur, il a notamment traduit Balzac en hébreu, ndlr] et moi. Amos Oz vient de mourir et Yehoshua Kenaz a fini peu à peu par sombrer dans la démence.» Il se savait le prochain sur la liste.

Au crépuscule de sa vie, Avraham Yehoshua n’était plus certain que la mémoire, tant étudiée et sacrée pour le peuple juif, soit si précieuse. À l’occasion de la parution de son roman, le Tunnel (Grasset, 2019), dont un des héros perd peu à peu la tête (à l’image de son ami Yehoshua Kenaz), nous lui avions demandé si c’était une de ses angoisses. «Non, cette histoire est plutôt un défi à la tyrannie de la mémoire, nous avait-il répondu. Nous sommes trop paralysés par notre mémoire, la mémoire de la Shoah notamment. Cela devient un obstacle pour avancer. Quand j’étais jeune, il n’y avait pas de journée mémorielle de la Shoah, aujourd’hui c’est tout le temps. Et les Palestiniens aussi sont alourdis par leur mémoire. Il faut perdre la mémoire. Aujourd’hui, tout est question d’identité: on est classés en ashkénazes, séfarades, femmes, homosexuels, laïcs, religieux… cette question de la mémoire, de l’identité, nous empêche d’être flexibles, d’aller de l’avant.» Un questionnement incroyablement dans l’air du temps.

Questionnement permanent

Écrire aujourd’hui sur sa mort a quelque chose d’irréel alors que l’on vient tout juste de refermer son dernier livre, la Fille unique (Grasset), un très joli conte empreint de mélancolie mettant en scène une préadolescente évoluant dans une famille juive ashkénaze aisée du nord de l’Italie, en plein questionnement sur la judéité, le sacré, la diversité religieuse. Un livre hanté par l’amour de la famille et par l’approche de la mort : le père de la jeune héroïne est atteint d’une tumeur au cerveau, tumeur que son héroïne appelle «un supplément», ultime pied de nez à la maladie. La disparition de Yehoshua donne à ce livre une tout autre dimension, c’est comme s’il avait voulu, peu avant de s’éteindre, transmettre à la jeune génération le flambeau du questionnement permanent : qu’est-ce qu’être juif, et pourquoi les différentes religions ne peuvent-elles s’entremêler ? Son héroïne, Rachele, incarne à 12 ans la sagesse bien plus que ses parents un peu perdus. Ce sera à elle, au fond, de continuer les combats et les réflexions que Yehoshua ne pourra plus entreprendre. Message d’espoir, donc : ce que sa génération et surtout la suivante ont raté, la nouvelle va le réparer, peut-être.

 

[Photo : Menahem Kahana/AFP – source : http://www.liberation.fr]

L’auteur israélien Avraham Yehoshua, lauréat du prix Médicis étranger en 2012, est décédé à l’âge de 85 ans, a annoncé mardi l’hôpital Ichilov de Tel-Aviv. Il était aussi une figure de la gauche israélienne anti-occupation.

Défenseur des droits des Palestiniens, Abraham B. Yehoshua était membre de B’Tselem, organisation israélienne de défense des droits humains et fervente opposante à l’occupation des Territoires palestiniens par Israël.

Né à Jérusalem en décembre 1936 de parents aux origines grecques et marocaines, il avait publié ses premières nouvelles en 1963. Depuis, ses romans et pièces ont été traduites de l’hébreu dans plus de 30 langues, dont le français.

En 1995, il avait reçu le prix d’Israël, plus importante reconnaissance culturelle au pays. Et en 2012, il avait raflé le prix Médicis dans la catégorie livres étrangers pour « Rétrospective » (Grasset), traduit de l’hébreu par Jean-Louis Allouche.

Le « plus grand auteur » d’Israël

Pour Nitza Ben-Dov, professeure de littérature à l’université de Haïfa (nord) ayant enseigné à ses côtés, Yehoshua était le « plus grand auteur » d’Israël.

« Il passait d’histoires surréalistes et pleines de rêveries, déconnectées du temps et de l’espace, à des œuvres ancrées dans la culture israélienne et le présent », a-t-elle déclaré à l’AFP. Ses derniers travaux étaient empreints de psychologie, influencés par sa femme psychanalyste, selon Mme Ben-Dov.

« Chaleureux et ouvert », avide de reconnaissance, il pouvait aussi se montrer mordant face à ses interlocuteurs, d’après Mme Ben-Dov. « C’était un homme complexe dont l’attitude vis-à-vis du monde était ambivalente. Sa conscience de la complexité de l’être humain, qu’il tirait de sa propre expérience, rendait son travail pluriel », a-t-elle encore salué.

Défenseur des droits des Palestiniens

Défenseur des droits des Palestiniens, Yehoshua était membre de B’Tselem, organisation israélienne de défense des droits humains et fervente opposante à l’occupation des Territoires palestiniens par Israël.

Cette association a salué mardi un homme ayant « dévoué son temps et son énergie à l’égalité, la paix et les droits humains pour tous ».

Le président israélien Isaac Herzog lui a aussi rendu hommage. Le travail de l’écrivain « s’inspirait de notre patrie et des trésors culturels de notre peuple, nous représentant dans un portrait fin, fidèle, compatissant et reflétant parfois une image douloureuse de nous-mêmes », a-t-il déclaré dans un communiqué.

« Il évoquait en nous une mosaïque de sentiments profonds », a-t-il ajouté.

Avraham Yehoshua doit être inhumé mercredi au cimetière d’Ein Carmel dans le nord d’Israël.

[Photo : KEYSTONE/SALVATORE DI NOLFI – source : http://www.lqj.ch]

El novelista deja una prolífica obra traducida a unas treinta lenguas.

El novelista A. B. Yehoshúa.

El novelista A. B. Yehoshúa

Abraham B. Yehoshúa, uno de los novelistas modernos de Israel más aclamados por la crítica y defensor de los derechos de los palestinos, murió a los 85 años, dejando tras de sí una prolífica obra traducida a unas treinta lenguas.

« De los más grandes escritores de Israel de todas las generaciones », escribió en Twitter el presidente israelí, Isaac Herzog, al señalar que la obra del fallecido autor despertó en sus lectores « un mosaico de emociones profundas ».

Gracias a sus versátiles formas narrativas, que iban de lo surrealista a lo histórico, Yehoshúa recibió numerosos premios literarios en Israel y en el extranjero por sus 11 novelas, tres colecciones de cuentos y cuatro obras de teatro.

Para los expertos, fue uno de los primeros escritores de ficción en retratar el sufrimiento y las disyuntivas morales tras la guerra que siguió a la independencia de Israel, en 1948.

Aunque Yehoshúa tenía un pensamiento político de izquierda y abogó por los derechos de los palestinos, sus detractores aseguraban que su posicionamiento era tibio.

« Sus obras, extraídas de la imagen de nuestra patria y atesoradas por nuestro pueblo, nos reflejaron como un espejo certero, nítido, amoroso ya veces doloroso », comentó el presidente Herzog.

Llamado por algunos como el Balzac de Israel, en 1995 obtuvo el más alto galardón cultural de su país, y en 2012, ganó el premio de literatura Medicis de Francia por su novela La retrospectiva.

Su novela Cinco estaciones, que se publicó en una traducción al inglés en 1989, vendió 50.000 ejemplares en el original hebreo, el equivalente a un best seller multimillonario en Estados Unidos, según el diario The New York Times.

El Centro Médico Sourasky de Tel Aviv, donde se encontraba internado por cáncer, informó que su funeral se celebrará el miércoles en el cementerio de Ein Hacarmel.

Yehoshúa nació en Jerusalén en 1936, de padres con raíces en Grecia y Marruecos.

[Foto: Arielinson/Wikipedia – fuente: http://www.20minutos.es]

O escritor e exmilitar israelí explorou nas súas novelas a tradición sefardí da que formaba parte e a identidade xudía

Retrato de Abraham B. Yehoshúa, xunto á portada dun dos seus últimos libros publicados en España.

Escrito por MIGUEL LORENCI

Abraham Bulli Yehoshúa -uno dos escritores israelís con maior proxección internacional xunto a David Grossman e ao falecido Amos Oz, brillante cronista da tradición sefardí á que pertencía- faleceu este martes aos 85 anos a consecuencia dun cancro nun hospital de Tel Aviv. Explorador da identidade xudía e israelí, buscou desde a esquerda pacifista solucións para o conflito palestino, ben mediante formúlaa dos dous Estados, ou ben mediante unha confederación.

Nacido en Xerusalén en 1936 no seo dunha familia sefardí, Bulli -como era coñecido na súa contorna familiar- estudou literatura hebrea e filosofía na universidade da súa cidade natal. Novelista, ensaísta e dramaturgo, entre os seus moitos títulos destacan Divorcio tardío (Alfaguara), A noiva liberada (Anagrama) Marea alta e outros relatos, O señor Mani (Duomo), A figurante (Duomo), Unha muller en Xerusalén (Anagrama) ou O túnel (Duomo).

Paracaidista no seu día, pai dun militar israelí, era Yehoshúa un pacifista peculiar que defendía a guerra cando a cría necesaria. Militou á esquerda do partido laborista e creou en 1967 Paces Agora, un movemento minoritario entón e maioritario a finais do século XX.

Profesor de literatura na universidade de Haifa e habitual colaborador na prensa europea, en política defendía posicións pacifistas, aínda que non se atopaba cómodo con esta etiqueta. «Se son atacado defendereime, de modo que non se me pode chamar pacifista», advertía Yehoshúa, que foi sempre optimista sobre o proceso de paz en Oriente Medio.

«Non me gusta a palabra pacifista. Non nego a guerra cando a creo necesaria. Asumo o compromiso do recoñecemento dos palestinos como un pobo igual ao pobo israelí, e con dereito á autodeterminación. Pero non rexeitei, por exemplo, a guerra contra Sadam Husein, que invadiu un país e cometeu atrocidades. Si estou polo recoñecemento dos dereitos e a autodeterminación do pobo palestino. Temos un futuro común. Non hai outra solución. Outras posibilidades son perigosas e terribles, porque existe o fanatismo islámico e o xudeu», afirmaba hai anos na presentación en España dun dos seus libros.

«A miña esperanza é sólida e positiva en favor da paz», repetía. Cría que a paz se imporía en Oriente Medio e que a pesar de que o exército israelí fose a forza ocupante en Gaza e Cisjordania, a sensatez imperaría e os dous pobos poderían convivir.

Viaxes literarias

Un longo percorrido en coche por Andalucía impulsoulle a profundar na sociedade xudía de hai un milenio e na importancia para a historia hebrea das comunidades do sur de España. O resultado foi a novela Viaxe ao fin do milenio, un relato histórico e de viaxes de longo alento centrado nas graves diferencias socioculturais entre os xudeus do norte e os do sur naquel tempo e destacaba a influencia crucial da riqueza cultural andalusí na historia da cultura xudías.

Ambientada no ano 999 -o ano 4758 para os xudeus, e 338 anos despois da viaxe de Mahoma da Meca a Medina-, narra a fascinante e peligrosísima singradura desde Tánxer ata París, a unha Europa atormentada ante a proximidade do novo milenio, de Ben Attar, un mercador xudeu de cultura andalusí e que verá afectadas gravemente as relacións comerciais co seu sobriño.

Na súa novela O señor Mani (cuxa edición en castelán rescatou o selo Duomo e que antes publicara Anaya & Mario Muchnik) desentrañou dous séculos de identidade xudía, viaxando desde a guerra do Líbano de 1982 ata mediados do século XIX, mediante diálogos nos que escoitamos só a un dos interlocutores. Na súa última novela, O túnel, internouse na escuridade do alzhéimer dacabalo entre o realismo e o simbolismo. Abatido pola morte da súa esposa Rivka, coa que conviviu 56 anos, exploraba de novo a identidade xudía desde novas perspectivas.

No 2017 visitou Santiago para recoller o premio San Clemente pola súa novela A noiva liberada, nun ano que recoñeceu tamén a obra de Javier Cercas (A velocidade da luz) e de Isidro Novo (Un escuro rumor tralo silencio). Entón admitiu que o conflito palestino dominaba a súa obra.

[Imaxe: Duomo Editorial | Álvaro Ballesteros – fonte: http://www.lavozdegalicia.es]

Participou nunhas cincuenta telenovelas e unha decena de películas, sendo un coñecido activista contra o racismo

O actor Milton Gonçalves, un dos pioneiros negros na televisión brasileira e que sempre se caracterizou pola defensa dunha maior representatividade negra nas artes, morreu este luns no Rio de Janeiro aos 88 anos debido a complicacións provocadas por un derrame, informaron os seus familiares.

Tal e como informa Efe, o actor, que participou nunhas cincuenta telenovelas e unha decena de películas, morreu na súa casa polos problemas de saúde causados por un accidente vascular cerebral (AVC) que sufriu en 2020 e polos que permaneceu recluído na súa residencia por meses.

Ademais de ser un dos pioneiros negros na televisión, Gonçalves loitou durante as súas case 65 anos de carreira para que os negros tivesen máis espazo na TV, o cine e o teatro nun país en que máis da metade da poboación é afrodescendiente.

Igualmente foi militante do movemento negro, intentou representar aos negros politicamente como candidato a gobernador do Rio de Janeiro e a deputado federal, e presionou ás produtoras para que abrisen o abano de papeis para os negros, que tan só eran chamados para representar serventes ou escravos.

Tal reivindicación permitiulle ser un dos protagonistas da telenovela Pecado capital (1975), na que por primeira vez un negro interpretou na televisión brasileira o papel dun profesional de carreira exitosa (o seu personaxe era un psiquiatra).

O actor iniciou a súa carreira en 1958 e, tras facerse famoso no teatro, foi convocado para as primeiras telenovelas producidas no Brasil e participou en premiados culebróns de éxito como Irmáns coraxe, Sinhá moça e O rei do gando.

Como director de telenovelas participou en Irmáns coraxe e Escrava Isaura, o culebrón brasileiro máis vendido no exterior. Igualmente tivo importantes papeis en producións brasileiras de cine como Macunaíma, O Anjo Nasceu, O Grande Momentos e A Rainha Diaba, pola que recibiu un premio a mellor actor no Festival de Brasília.

O actor nacido o 9 de decembro de 1933 en Monte Santo, un pequeno municipio no interior do estado de Minas Gerais, traballaba desde 1965 para a Rede Globo de Televisión, a maior e máis influente do Brasil, e o seu último traballo foi en sériea Fillas de Eva, lanzada en televisión por subscrición o ano pasado.

A súa carreira foi impulsada polo coñecido e premiado director de teatro Augusto Boal, que o descubriu nun club de teatro afeccionado en Sao Paulo cando buscaba un actor para interpretar a un home negro na obra De ratos e homes (John Steinbeck).

Gonçalves foi invitado entón a unirse ao Teatro de Area de Sao Paulo, unha importante compaña experimental na que conviviu con actores de renome como Gianfrancesco Guarnieri e Flavio Migliaccio, así como co dramaturgo Oduvaldo Viana Filho.

Como militante, participou do Teatro Experimental do Negro e foi postulado a gobernador do Rio de Janeiro en 1994 polo Partido do Movemento Democrático Brasileiro (PMDB), entón a maior forza política do país.

«O que me deixaría realmente alegre é que tivésemos un presidente negro, porque somos porcentualmente a maior poboación do Brasil. O día en que teñamos un presidente negro, eu direi que foi para iso que loitamos», chegou a dicir nunha entrevista.

Gonçalves tamén foi o primeiro brasileiro en presentar unha categoría na gala dos Premios Emmy Internacional, o que fixo en 2006 ao lado da actriz estadounidense Susan Sarandon. Ese mesmo ano foi postulado ao premio Emmy Internacional como mellor actor, pero non saíu vencedor.

[Imaxe: Sebastiao Moreira – fonte: http://www.lavozdegalicia.es]

Nota a pie de página, a veces ni siquiera eso, en los estudios más sesudos de la historia de la música electrónica, el nombre de Vangelis (1943-2022) debería ser una entrada tan ineludible como el Partenón cuando se visita Atenas. Nos llegamos a acostumbrar tanto a su icónica figura –cabellera revuelta, barba poblada y fular sobre orondo torso– que casi se le dejó de mirar. La partitura para “Blade Runner” o su Óscar por la de “Carros de fuego” en 1982 son solo apuntes de una vida dedicada por entero a la música que llegó abruptamente a su final a los 79 años, a causa del COVID, el pasado día 17.

Vangelis, en 1976. Foto: Michael Putland (Getty Images)

Escrito por José Manuel Caturla

Evángelos Odysséas Papathanassíou nació el 29 de marzo de 1943. Con tales nombres de pila aludiendo a la palabra de Dios y a la de Homero, el niño prodigio de Volos –ciudad portuaria situada al abrigo del golfo pagasético, en el Este de la Grecia continental– jamás podría haber sido del montón. Llamado desde temprana edad para la gloria, Vangelis –pronunciado “vanguélis”– empezó a componer a los cuatro años y dio su primer concierto de piano improvisado frente a dos mil almas inquisitivas con apenas seis primaveras.

Básicamente autodidacta –de niño se negó a recibir lecciones de piano–, le interesaba más el sonido como forma intuitiva de conocimiento que otras cuestiones de teoría musical. Se consideraba a sí mismo puente entre ese sonido y la música que creaba. Inclinaciones pseudomísticas que se apoyaban en un evidente genio melódico y una personalidad pantagruélica que absorbía obsesiones como los sintetizadores –medio elegido para alcanzar la “pureza de sonido”–, la improvisación –que otorgaba espacialidad a su música– y temáticas extramusicales que propulsaban su creatividad, como la ciencia, la naturaleza o la filosofía.

El artista heleno fue pionero en acercar la música electrónica al gran público. Si en Estados Unidos fue Wendy Carlos quien hizo caer en 1968 el mito de la dificultad del género con sus crujientes rendiciones de Bach, el autor de “L’Apocalpyse des animaux” (Polydor, 1973) abrió veta en una Europa donde los sintetizadores todavía se asociaban al temible dodecafonismo de Stockhausen. Su formación no académica e incuestionable olfato comercial jugaron a favor de un “fenómeno Vangelis” no exento de penumbras. Por ejemplo, su puritano rechazo hacia las actuaciones en directo, que juzgaba como actos estandarizados y carentes de espontaneidad. Es revelador visitar su escuálida ficha en la web ‘setlist.fm’.

Antes del boom internacional de Vangelis, probó en el pop-rock a mediados de los años 60 con The Forminx –les llegaron a llamar los “Beatles griegos”– y en el más espinoso rock progresivo con los también triunfantes Aphrodite’s Child, cuarteto donde compartía gloria con su pariente y archiconocido vocalista Demis Roussos. Fichan pronto por la multinacional Mercury y acaban por mudarse a Paris, clausurando su meteórica carrera con “666” (Vertigo, 1972), tercer álbum inspirado en el Apocalipsis de San Juan, objeto de gran polémica por su atrevida mezcolanza de psicodelia, religión y sexo explícito.

Pero al introvertido Vangelis no le iba demasiado el circo del rock. Entre otras actitudes vinculadas a ese mundillo, consideraba egocéntrico hablar de sí mismo en los medios. En una entrevista concedida en 2007 confesaba carecer del talento necesario “para hablar eternamente sobre mi trabajo, algo que me resulta difícil y aburrido en extremo”. Trabajador, teclista virtuoso –un auténtico hombre orquesta– y autosuficiente –producía sus propios discos, donde solía tocar todos los instrumentos–, es lógico que Vangelis fuese un hombre de pocas palabras y mucha música, especialmente en solitario y en estudio.

A pesar de su carácter introvertido y solitario, se mostró abierto a las colaboraciones. Es bien conocida su longeva alianza con Demis Roussos, con su amiga Irene Papas –quisieron mostrar que la música tradicional griega no se limitaba al sirtaki– o los cuatro álbumes grabados entre 1980 y 1991 como Jon & Vangelis junto a Jon Anderson, cantante de Yes. En España se asoció con Neuronium para sacar el álbum “A Separate Affair” (Tuxedo, 1996). También colaboró puntualmente por aquí con Montserrat Caballé y Luz Casal. Hay más uniones de hecho, pero sería imposible abarcarlo todo.

Después de mudarse a Londres a mediados de los años 70, su pasión por la cosmología lo llevó a concebir discos conceptuales como “Albedo 0.39” (RCA Victor, 1976), segundo álbum registrado en sus célebres estudios Nemo, cerca de Marble Arch. “Mythodea. Music for The NASA Mission: 2001 Mars Odyssey” ( Sony Classical, 2001), “Rosetta” (Decca, 2016) y “Juno To Jupiter” (Decca, 2021) nacen de su prestigiosa asociación con las agencias espaciales NASA y ESA, convirtiéndose de paso en vehículo de alguna de sus aspiraciones sinfónicas más complejas y orquestadas.

El hombre y las máquinas.

El hombre y las máquinas

Es en el apartado de partituras para cine y televisión donde Vangelis se mostraba más persuasivo con su música. En el correspondiente a los documentales, su colaboración más estrecha y productiva fue con el director francés Frédéric Rossif. Tema recurrente en esta faceta del músico griego es la enorme cantidad de material inédito que permanece archivado. Tanto por los trabajos que nunca fueron difundidos en disco como por las limitaciones de espacio que presentaban los viejos formatos discográficos. Un anexo del libro “Vangelis, el hombre desconocido” (Ediciones Rosetta, 2018), de Antonio Piñera, recoge la vasta obra sin publicar de un autor humilde que se mostraba escéptico con su viabilidad comercial.

En el cofre de las películas dramáticas, además de las ya mencionadas, encontramos tesoros como Sex Power” (Philips, 1970), un filme de Henry Chapier que obtuvo la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián. También fue el primer álbum en solitario de Vangelis. Costa-Gavras, Yannis Smaragdis, François Reichenbach, Oliver Stone o Roger Donaldson aparecen en su nómina. “Lunas de hiel” (1992), de Roman Polanski, otra partitura inédita, permitía aflorar el romanticismo perverso del poliedro Vangelis.

En el ámbito teatral, también aportó su musical granito de arena a clásicos de la tragedia griega como “Electra” (1983), “Medea” (1992) o “Las troyanas” (2001), las tres protagonizadas por la actriz Irene Papas. Y en cuanto al mundo de la danza, Vangelis participó en “Frankenstein. A Modern Prometheus” (1985) y “La bella y la bestia” (1986), entre otras.

Las décadas de los 70 y 80 fueron las más productivas para este Ulises moderno. La caja “Delectus. The Polydor & Vertigo Recordings • 1973-1985” (Universal, 2017) las sanciona con una excelente remasterización. El talento de Vangelis parecía inagotable, pero, a partir de los años 90, empezó a mostrar signos de saturación, víctima de una obsolescencia inherente a la evolución de las formas. Nunca terminó en ruina, pero se fue perdiendo la solitaria rugosidad analógica de los inicios, resultando en una sobrecarga de estratos, preciosismo y ampulosidad agravada por la transición digital.

Vangelis, en directo, en Rotterdam en 1991. Foto: Rob Verhorst (Redferns / Getty Images)

Vangelis, en directo, en Rotterdam en 1991. Foto: Rob Verhorst (Redferns / Getty Images)

Aun así, cualquiera de sus discos siempre contiene piezas con la capacidad de emocionar. Sus nuevos trabajos podían ser mejores o peores, repetir tics y motivos, derramar melaza o grandilocuencia, hasta horrorizar con esa épica casposa que tanto le apasiona al cincuentón trasnochado del quinto (¿seré yo?). Pero manda ovoides que alguien se atreva todavía a alistar al bueno de Vangelis entre señores como Kitarō. El griego fue un músico versátil, capaz de idear la electrónica experimental de “Beaubourg” (RCA Victor, 1978), el synthpop de “See You Later” (Polydor, 1980) o el mainstream celeste de la medio griega Mariangela, a quien le produjo un raro artefacto hawaiano a lo Carpenters: “Mariangela” (1975).

Se le suele asociar con géneros apestados como la new age –fue una influencia innegable, igual que Brian Eno–, a eventos institucionalizados como los Juegos Olímpicos –la música de “Carros de fuego” (Hugh Hudson, 1982) se ha convertido en himno extraoficial de todo dolor deportivo que se precie– o los cada vez más infames mundiales de fútbol, en su caso, el de Corea y Japón 2002. Pero el Partenón, la Torre Eiffel en París o el Big Ben de Londres tuvieron banda sonora compartida gracias a Vangelis, fallecido en algún funesto hospital galo el pasado 17 de mayo. Descanse en paz y que siga brillando su música por muchos eones. ∎

De evangelios y odiseas

VANGELIS PAPATHANASSIOU
“L’Apocalypse des animaux”
(Polydor, 1973)

La primera banda sonora publicada por Vangelis –salió en 1973, pero el documental es de 1970– se alinea con La fête sauvage (CAM, 1976) y el también imprescindible Opéra sauvage (Polydor, 1979), álbum que contiene el famoso single “L’enfant”. Todas estas colecciones se inspiraban en los bellos documentales de Frédéric Rossif. Delicias de ambient melódico, jazz-noir cósmico y electroacústica flotante que anticipan los equinoccios de Jon Hassell, los sueños pop de Harold Budd y Cocteau Twins –escuchen “Création du monde”– o los mares de tranquilidad futuristas de Brian Eno.

VANGELIS PAPATHANASSIOU
“Albedo 0.39”
(RCA Victor, 1976)

El albedo –en latín “blancura”– mide la tendencia de una superficie a reflejar la radiación. El albedo medio de la Tierra es 0.39. Vangelis impregnó de melodías las ondas de radio y TV. “Albedo 0.39” contiene “Alpha” –impresionista a lo Tomita– y “Pulstar” –añejo “Spacelab” helénico–, ambas usadas en la serie “Cosmos” (Carl Sagan, Ann Druyan y Steven Soter, 1980). Delirios prog –“Main Sequence”– comparten viaje orbital con el gamelán de “Freefall”, el ambient barroco de “Sword Of Orion” o el crescendo coordinado de “Albedo 0.39”, en un disco que marca con su sonido optimista una época de mayor ingenuidad científica.

IRENE PAPAS & VANGELIS PAPATHANASSIOU
“Odes”
(Polydor, 1979)

Cuesta dejar fuera de este subjetivo top 5 discos como “Antarctica (Polydor, 1983) o el segundo del tándem Papas/Vangelis, el místico Rapsodies (Polydor, 1986) inspirado en cantos ortodoxos, con piezas de la profundidad de “Song Of Songs”. “Rapsodies” y “Odes” son rarezas que representan la única incursión larga en estudio de Papas, la voz del orgasmo en “666” (Vertigo, 1972) de Aphrodite’s Child. El incienso etnotrónico del álbum se hace sublime en cortes como “The Roots”, uno de los dos compuestos por Vangelis, entre el resto de austeros temas de folk griego, conformando una elegante aleación de instrumentos tradicionales y sintetizadores.

VANGELIS
“Soil Festivities”
(Polydor, 1984)

Si alguien pensaba que en Vangelis prevalecía el ramalazo prog bañado en sirope estaba muy equivocado. El infravalorado “Soil Festivities” es un trabajo conceptual que suele conectarse con el clasicismo abrumador de Mask (Polydor, 1985) y con la elegancia minimalista del muy recuperable Invisible Connections (Deutsche Grammophon, 1985). En todo caso, se trata del más equilibrado de los tres. Sus movimientos –excepto buena parte del tercero– se construyen sobre patrones de ambient repetitivo, cristalino y envolvente con los que Vangelis pretendía transmitir la magia (re)generativa de ciertos procesos naturales.

VANGELIS
“Blade Runner”
(Universal, 2007)

Esta edición definitiva contiene la versión correcta de 1994, un segundo disco de cortes adicionales y otro con nueva música inspirada en el noir ciberpunk de Scott. El griego compuso la partitura de “Blade Runner” (Ridley Scott, 1982) sin escuchar los diálogos de un filme en el que confluyen su interés por la ciencia ficción –“Memories Of Green” procede del distópico “See You Later” (Polydor, 1980)– y su emocional fase electroacústica. El programa de RTVE “En portada” comenzaba a marcha de sus “End Titles”, con el recurrente motivo percusivo de “Así habló Zaratustra”, de Richard Strauss. Hans Zimmer respetó su legado sonoro en “Blade Runner 2049” (Denis Villeneuve, 2019). ∎

 

 

[Fuente: http://www.rockdelux.com]

 

Iniciado no pop-rock, os primeiros éxitos chegáronlle ao artista grego nun grupo que montou nos anos 60 co seu primo o cantante Demis Roussos

Vangelis, retratado en Atenas en xuño do 2001. O músico faleceu aos 79 anos nun hospital de Francia, vítima de complicacións de saúde derivadas do covid-19. Simela Pantzartzi | Efe

Escrito por GRACIA NOVÁS

«Con gran tristeza anunciamos que o gran grego Vangelis Papathanassíou faleceu a última hora da noite do martes». Así deu a coñecer a noticia o avogado do músico segundo citou este xoves a axencia Athens News Agency. O compositor Evángelos Odysséas Papathanassíou, popularmente coñecido como Vangelis —que se fixo especialmente famoso pola banda sonora do filme de Hugh Hudson Carros de lume (1981) e tamén pola de Blade Runner (Ridley Scott, 1982)—, morreu nun hospital parisiense aos 79 anos, por complicacións de saúde derivadas do covid-19, segundo ampliaron medios franceses. O primeiro ministro grego, Kyriakos Mitsotakis, lembrou en Twitter que o segundo nome de Vangelis era Ulises. E engadiu: «Para nós os gregos, isto significa que comezou a súa gran viaxe nos Carros de lume. Desde alí enviaranos sempre as súas notas».

Considerado un dos pioneiros da música de base electrónica, o teclista non é doado de clasificar xa que a súa obra fixo incursións en territorios como o orquestral, o ambient, a vangarda sinfónica, a new age, a psicodelia, os jingles comerciais e o rock progresivo, pero tamén creou o himno do mundial de fútbol de Corea do Sur e Xapón do 2002 e mesmo a música para unha misión da NASA. Autodidacta —ata admitía que nunca soubo ler partituras—, aseguraba que o seu traballo se inspirou en campos tan diversos como a exploración espacial, a natureza, a arquitectura futurista, o Novo Testamento ou o movemento estudantil de maio do 68 francés. O seu son de carácter ambiental, dicía, nacía de combinar os sintetizadores analóxicos da década dos 70 coa raíz folklórica helénica e os coros da relixión ortodoxa. Os seus primeiros éxitos chegáronlle nos anos 60 da man do grupo grego de rock progresivo Aphrodite’s Child, que montara co seu primo o cantante Demis Roussos.

Fotograma del filme «Carros de fuego».

Fotograma do filme «Carros de lume». 20th Century Fox

Aínda que coa banda sonora de Carros de lume gañou o Óscar en 1982, en exitosa pugna co deus John Williams e a súa música para a primeira aventura de Indiana Jones —En busca da arca perdida—, ten no seu haber outras obras para cine interesantes como as de Missing (filme de Costa-Gavras, 1982), 1492: a conquista do paraíso (Scott, 1992), Lúas de hiel (Roman Polanski, 1993) e Alejandro Magno (Oliver Stone, 2004).

Pero é que ademais gravou máis de cincuenta discos, entre eles Oceanic (1996), nomeado ao Grammy ao mellor álbum de new age e do que, non fai moito, a serie Stranger Things extraeu un dos temas, Fields of Coral, para a súa banda sonora.

Con apenas 25 anos marchou cara ao exilio parisiense, empurrado o golpe de Estado de 1967 e a súa Ditadura dos Coroneis. Anos despois probou sorte en Londres, onde continuou a súa indagación electrónica e colaborou con bandas como Yes.

Autores de tanto impacto (tamén popular) na segunda metade do século XX como Jean-Michel Jarre ou Mike Oldfield dificilmente enténdense sen o seu concurso, sen esa música atmosférica de sintetizadores (ás veces tamén apoiada con instrumentos acústicos) de efecto envolvente e retórica grandilocuente.

 

[Fonte: http://www.lavozdegalicia.es]

O falecido, de 31 anos, estivera en prisión a comezos de ano por ter agredido á súa nai

Nick Cave

Nick Cave

O veterano músico australiano Nick Cave anunciou este luns que o seu fillo Jethro Lazenby faleceu aos 31 anos, sen detallar as causas da morte.

«Con moita tristeza podo confirmar que o meu fillo, Jethro, faleceu», sinalou hoxe o polifacético cantante afincado no Reino Unido nun conciso comunicado difundido pola publicación musical británica NME.

Tal e como informa Efe, na nota, o líder dos Bad Seeds, de 64 anos, agrega que estaría «agradecido» se «nestes momentos» a súa familia puidese gozar de «privacidade».

Lazenby, que traballou como actor, fotógrafo e modelo e que tamén utilizaba o nome de Jethro Cave, estivera en prisión a comezos de ano por ter agredido á súa nai, a modelo Beau Lazenby, en Melbourne, segundo algúns medios de comunicación.

Nacido en Melbourne en 1991, Jethro decatouse de que o coñecido músico australiano era o seu pai cando tiña oito anos.

A noticia do seu falecemento chega sete anos despois de que Cave perdese a outro dos seus fillos, Arthur -cuxa nai é a actual parella de Cave, a deseñadora británica Susie Bick-, que faleceu aos 15 anos ao caer accidentalmente dun precipicio en Brighton (Inglaterra) tras ter tomado LSD.

 

[Imaxe: JOSE COELHO – fonte: http://www.lavozdegalicia.es]

Jacques Perrin est mort le jeudi 21 avril. Dans ce billet, Renée Greusard remercie l’acteur pour l’idéal masculin délicat qu’il a incarné.

Maxence dans les demoiselles de Rochefort

Écrit par Renée Greusard

Alors comme ça vous nous quittez. A 80 ans, alors que je vous croyais éternel. C’est vous qui partez, mais c’est aussi cet homme que j’ai aimé petite fille.

Le garçon bien trop blond et romantique des demoiselles de Rochefort. Là, vous vous appeliez Maxence et vous chantiez un idéal féminin jamais trouvé.

« Je l’ai cherchée partout j’ai fait le tour du monde
De Venise à Java de Manille à Angkor
De Jeanne à Victoria de Vénus en Joconde
Je ne l’ai pas trouvée et je la cherche encore

Je ne connais rien d’elle et pourtant je la vois
J’ai inventé son nom j’ai entendu sa voix
J’ai dessiné son corps et j’ai peint son visage
Son portrait et l’amour ne font plus qu’une image »

Cette histoire d’idéal féminin cherché partout, c’était tellement absurde pour tout esprit sensé, mais je ne le voyais pas. Moi, je ne voyais que la grande rêverie, sa beauté et cette détermination à inventer l’amour, dans une sorte d’utopie assumée. Il disait chercher son idéal mais dans ma tête, c’était lui qui était idéal.

Plus tard, j’ai vu d’autres films avec Jacques Perrin ou réalisé par lui, mais rien n’a jamais surpassé l’émerveillement de Maxence à mes yeux. J’avais dix ans peut-être et j’étais amoureuse. Ce que j’aimais en réalité, c’était ce masculin délicat, plein d’humilité. Cette promesse d’un homme loin de ce qui m’était proposé alors. Ken ou Nicky Larson, ça ne marchait pas du tout sur moi. Maxence était parfait : rien de brutal, de la douceur, de la poésie. Pas de muscles, pas de testostérone. Un garçon Jacques Demy somme toute. Couleurs, lumière et joie.

Aujourd’hui, j’ai la sensation de perdre un tout petit bout de moi. De mon enfance à rêver d’un homme féministe sans le savoir.

Merci d’avoir incarné un idéal masculin délicat pour la petite fille que j’étais.

#SondagePerrin Twitter

Jacques Perrin dans Les Demoiselles de Rochefort

[Source : http://www.nouvelobs.com]

Autor de obras memorables de la música electrónica de los años 70 del siglo pasado como “Timewind” o “X”, el compositor alemán Klaus Schulze (1947-2022) se mantuvo tozudamente fiel a sus principios estéticos. Falleció el pasado martes, 26 de abril, sin poder disfrutar del lanzamiento del que será su álbum póstumo, “Deus Arrakis”.

La inspiración de Klaus Schulze

Escrito por Ignasi Franch
El miércoles, 27 de abril, supimos que Klaus Schulze, nacido en Berlín el 4 de agosto de 1947, había muerto el día anterior, a los 74 años de edad. La frágil salud del compositor germano, afectado por una enfermedad renal, ya le había llevado a anunciar su retirada definitiva de los escenarios en 2013. Con todo, el autor de “Irrlicht” (Ohr, 1972) no había dado por acabada la creación de música en su estudio. En 2018 llegó el primer ejemplo de ello: el álbum “Silhouettes” (Oblivion-SPV), el primero en cinco años que incluía material nuevo. Desgraciadamente, Schulze no vivirá para ver el lanzamiento de su siguiente largo, “Deus Arrakis”, una nueva referencia a “Dune” (Frank Herbert, 1965). El músico ya había dedicado un disco homónimo, que se publicó en 1978, a este clásico de la ciencia ficción. Este mismo mes se había dado a conocer un extracto de “Osiris”, una de las tres composiciones que compondrán el disco ya póstumo.
Después de iniciarse como guitarrista y percusionista y de intervenir en los primeros trabajos de formaciones de la escena progresiva alemana como Tangerine Dream y Ash Ra Tempel, Schulze comenzó en 1972 una larga carrera como músico en solitario que acabaría siendo un paradójico ejercicio de estilo en el que combinaba contención y desmesura. Contención en los parámetros musicales, porque el autor se mantendría bastante fiel a la personalidad artística que desplegó en sus primeros álbumes. Y desmesura en la cantidad de grabaciones publicadas y en la extensión de los temas que las integraban. Su discografía, compuesta por centenares de discos, puede llegar a apabullar.
Protoelectrónica casera.

Protoelectrónica casera

Viaje al corazón (¿melancólico?) de la máquina

La prehistoria de la música electrónica tuvo una larga lista de pioneros y visionarios que experimentaron con las posibilidades de sus cacharros y prototipos sin apenas conseguir público. Entre los primeros artistas en conseguir generar algo parecido a una escena con incidencia en la cultura pop hay que mencionar a Schulze y a Tangerine Dream, formación en la que él participó de manera efímera. Los primeros discos que el grupo liderado por Edgar Froese publicó en Virgin Records tuvieron un fuerte impacto comercial. Schulze también alcanzó el éxito: obras como “Timewind” (Brain, 1975) se convertirían en piezas centrales del estallido de la música electrónica de los años 70, y continúan siendo referenciales.
El incombustible asistente y compañero de viaje de Schulze, Klaus D. Mueller, escribió que nuestro hombre se convirtió en una auténtica celebridad en Francia. Aun así, se lamentaba por la falta de apoyo de las discográficas que lo acogieron y que, en algún caso y según Mueller, lo estafaron. Quizá Tangerine Dream se llevó la parte más grande del pastel, porque la música del grupo era más fácil de vender. Incluso encajaron en el Hollywood ochentero, donde se encargaron de bandas sonoras de películas de Michael Mann –“Ladrón” (1981)– o de William Friedkin, como “Carga maldita” (1977). A su lado, Schulze transmitía demasiada gravedad, demasiada solemnidad. El mismo Mann seleccionó un tema previo de Schulze –“Freeze”, incluido originalmente en “Angst” (Inteam, 1984)– para la banda sonora de “Hunter” (1986), nada menos que para acompañar la primera aparición fílmica de Hannibal Lecter, apellidado “Lecktor” en esta versión. Pero el creador de “Cyborg” (Kosmische Musik, 1973) y el mainstream tomaron caminos progresivamente divergentes.
Klaus Schulze, en directo en 1983. Foto: National Jazz Archive / Heritage Images (Getty Images)

Klaus Schulze, en directo en 1983. Foto: National Jazz Archive / Heritage Images (Getty Images)

La vida electrónica

Publicar voluminosas cajas de CD que llegaron a contar con 50 discos, como “The Ultimate Edition” (Série Poème, 2000), no ayudó a la recepción popular de sus obras posteriores. Después llegaría la maraña de reediciones del material de las cajas, agrupadas en la serie de quince lanzamientos multidisco “La Vie Electronique” (Revisited-MIG, 2009-2015) o en álbumes individuales como la tetralogía “Ballett” (Revisited, 2006-2007), que se unirían al goteo de nuevos trabajos tanto en solitario como en colaboración. A lo largo de las décadas, el maestro colaboró con compañeros de generación (por ejemplo, se reencontró ocasionalmente con Manuel Göttsching, el guitarrista de Ash Ra Tempel), con músicos de nuevas generaciones de la música electrónica como Pete Namlook o el dúo Solar Moon, e incluso con el polifacético Bill Laswell o Lisa Gerrard, la voz de Dead Can Dance.

A lo largo de su camino artístico, el músico berlinés integró novedades tecnológicas y se acercó a nuevas tendencias musicales, siempre filtradas por un clima emocional y por sólidas directrices estéticas. Podía jugar con beats que encajaban –más o menos– en los esquemas del trance o del ambient-house, pero el autor de “Moondawn” (Brain, 1976) seguía siendo muy, muy reconocible. No solo por su tendencia a ofrecer temas larguísimos que apuraban los límites del vinilo, primero, y del compact-disc, después. Y no solo por la estructura de estos: largas secuencias rítmicas con aspecto robótico o más cercanas a cierta sonoridad orquestal. Había una personalidad, una emotividad, en el corazón de la máquina.

Klaus Schulze, en concierto con Lisa Gerrard, de Dead Can Dance. Foto: Arthur Barys

Klaus Schulze, en concierto con Lisa Gerrard, de Dead Can Dance. Foto: Arthur Barys

El silencio del creador

Schulze nunca quiso explicar demasiado su música. Ante el silencio del creador, apenas quedaban los títulos de los discos y las canciones junto al trabajo de los portadistas (en el caso de “Irrlicht”, él mismo). Nos hablaba de tecnologías del futuro –“Cyborg”– y de mundos de ciencia ficción, como el mencionado “Dune”. En “X” (Brain, 1978), su décimo álbum, las piezas están dedicadas a figuras de las artes y el pensamiento. Allí coincidían un par de espíritus libres en la órbita del Romanticismo como el filósofo Friedrich Nietzsche o el escritor Heinrich von Kleist. El dramatismo wagneriano sería otra sombra habitual en sus creaciones.

La música de Schulze acostumbraba a proyectar talante introspectivo. No solían ser introspecciones alegres, sino que parecían transportarnos a regiones oscuras del alma o del corazón. Algunas de sus composiciones de larga duración, como “My Ty She”, tenían aspecto de letanía funeraria, aunque emergiesen secuencias rítmicas dance que dinamizan la escucha. Acostumbran a conjurar una belleza con tendencia a la tristeza, como si de un neorromanticismo electrónico se tratase. Es lo que plasmó en las catedrales sonoras que construyó incansablemente durante 50 años de carrera. ∎

Letanías sintéticas

“Irrlicht”
(Ohr, 1972)

Tras participar en los debuts de Tangerine Dream, todavía en la órbita del rock psicodélico, y de Ash Ra Tempel, Schulze irrumpió con un radical primer disco en solitario de vanguardia protoelectrónica. Grabó ensayos de una pequeña orquesta y los troceó y convirtió en fantasmagorías sonoras, deformadas en ocasiones hasta devenir irreconocibles, rodeadas de ariscos sonidos de órgano que crean una atmósfera de solemnidad inquietante, casi terrorífica. El resultado puede recordar a la rotundidad y la aridez militante, decorada por vestigios de música de cámara, de “Zeit” (1972), que Tangerine Dream lanzarían apenas dos meses después.

“Timewind”
(Brain, 1975)

A mediados de los años 70, cada disco de Klaus Schulze era susceptible de convertirse en una experiencia sonora. Quizá “Timewind” fue uno de los álbumes que acabó de definir su modelo de introspectiva letanía sintética. Está compuesto por dos temas extensos, parsimoniosos, pero que difícilmente se pueden considerar estáticos: transmiten movimiento sutil y atención al detalle. Los sonidos pulsátiles y chispeantes de Schulze parecen trasladar el imaginario romántico (los títulos remiten al compositor Richard Wagner) a la órbita de la ciencia ficción, como si los caminantes de Caspar Friedrich contemplasen paisajes áridos y extraterrestres.

“Beyond Recall”
(Venture, 1991)

A principios de los 90 Schulze estaba embarcado en una etapa creativa bastante discutida que acabaría apoyando, paradójicamente, un subsello de la poderosa Virgin. Los samples de todo tipo (especial mención para los gemidos y suspiros sexuales) eran puntal en la construcción de unos temas muy marcados por la tecnología de la época y por la inclusión de algunos timbres un tanto arriesgados, grotescos. “Beyond Recall” puede servir como tapiz de los posibles resultados de este empeño estético, a través de cinco temas que conjuran atmósferas relativamente diferenciadas: desde la nostálgica “Gringo Nero” a la poéticamente inquietante (o viceversa) “Brave Old Sequence”.

“Are You Sequenced?”
(Eye Of The Storm, 1996)

Aunque Schulze mantuviese las constantes de su estilo, escuchar música de los tiempos del auge y caída de la Intelligent Dance Music pudo influir en grabaciones como “Are You Sequenced?”. El resultado parece un solo tema en once movimientos, pero incluye un abundante flujo de ideas en comparación con los epics schulzianos más monolíticos: melodías de sintetizador Moog melancólicas y también psicodélicas, un despliegue de secuencias rítmicas que llegan a ser juguetonamente intrincadas, beats electrónicos… El resultado es una de las introducciones más accesibles, y también más valiosas, a la producción del músico germano alrededor del cambio de siglo.

“Ballett 3”
(Revisited, 2007)

Uno de los discos extraídos de la caja “Contemporary Works 1” (Rainhorse, 2000), es extremadamente característico de su creación más libre. “My Ty She” es una extensísima, y bastante estática, meditación electrónica. El cuerpo sintético de la composición llega acompañado de voces e instrumentos de cámara, cuyos sonidos no se deforman ni boicotean a diferencia de lo sucedido en “Irrlicht” o “X”. El violonchelo de Wolfgang Tiepold o los murmullos etéreos de Julia Messenger comentan los mantras secuenciales de Schulze, potencian su talante melancólico y conjuran una atmósfera de vulnerabilidad emocional. Schulze volvería a integrar la voz femenina en su música en varias colaboraciones con Lisa Gerrard. ∎