A lingua, a cultura e as andrómenas dalgúns alcaldes

«La verdad es la verdad, la diga Agamenón o su porquero». (Antonio Machado. Juan de Mairena)

Praza da Princesa, en Vigo

Escrito por Xosé Antón Jardón

Os estudosos definen o simbolismo como un movemento inimigo da falsa sensibilidade, ansioso da procura interior das verdades universais, dende a espiritualidade, a imaxinación e os soños. Entón, quen nos rouba os soños cada madrugada?

As verdades –e a crúa realidade– son capaces de demostrarnos cada luscofusco, cando a luz se vai esvaendo ao final de cada día, que nos tempos da perpetua pantomima que nos toca vivir, aquela corrente nacida no século XIX foise virando e revirando co fin de facer de nós monicreques autómatas, servos da supervivencia superficial, da trola descarada e da pérfida incoherencia.

No medio da campaña electoral, no decorrer dun maio extravagante, frío, aséptico e superficial, os cínicos esbrancuxados sempre atopan un instante a plena luz para darlle pábulo ás súas insolentes ocorrencias. Na véspera do Día das Letras Galegas, acompañada dun texto escrito na nosa lingua –cada día máis acurrunchada– aparecía unha foto desas ás que nos teñen tan acostumados. Ocupaba a portada dun medio con domicilio fiscal no noroeste de España, afianzando esta nova versión do simbolismo creativo, difícil de engulir para unha boa parte da humanidade, malia as sobredoses de vaselina de curso legal. Nun primeiro plano, asoman o rostro dous galegofalantes solventes: o alcalde da maior cidade galega e o director do medio en cuestión; e acolá atrás, distantes, case borrosos e ignorados, o presidente da RAG e o premio nacional de narrativa de 2021. De fondo a lenda de rigor, Unha complicidade a prol de Galicia, coroa o retrato do editor do xornal e do cómplice forzoso: o homenaxeado no Día das Letras Galegas do 2023. Velaí o panorama e, unha vez máis, a teimuda calcomanía surrealista á procura da máxima deturpación do simbolismo clásico, eclipsado mediante esa técnica sibilina, dos que teñen a tixola polo mango, de converter o vicio en virtude ou a falsidade e o cinismo en verdades incuestionábeis e universais. A vida debe ser dura para os que, talvez sen querelo, teñen que aparecer nestas curiosas estampas. Moi dura!

Así que, se aínda nos queda nas nosas curtidas veas algunha pingada de sangue vermella, despois do 28M, e en todo caso antes de que acabe o mes das letras, deberiamos tributarlle unha homenaxe a Fernández del Riego, poñéndonos mans á obra para esixirlle aos representantes nos concellos, comezando polos máis próximos aos nosos pareceres, que tomen en serio a nosa cultura e a nosa lingua. En caso contrario, os poucos indicios que nos quedan de pertenza a un país, dentro de catro anos, iranse abafando por unha masa abstracta sen forma perceptíbel, sen nome e sen sentido.

[O meu tío Lisardo é dos que pensan que, na vida, ser coherente ademais de non ser necesario seguramente é imposíbel. Basta, por tanto, ter firme vocación de aproximarse harmonicamente ao comunmente desexábel]

 

 

[Imaxe: Javier Mariño arquitecto – fonte: http://www.praza.gal]

Jaume Pérez Montaner, poesia contra l’oblit

És poeta, professor, investigador, crític literari i traductor de dilatada trajectòria. Alguns dels seus treballs són clau per entendre Joan Fuster, Vicent Andrés Estellés o Harold Bloom. El seu nom és Jaume Pérez Montaner i va néixer, ara ja fa 85 anys, a Alfàs del Pi. Amb motiu de l’efemèride, s’estan organitzant actes per celebrar la seva figura i la seva obra. El pròxim se celebrarà dins el Festival Barcelona Poesia, organitzat per la Institució de les Lletres Catalanes (ILC). Hi participen la directora de la ILC, Izaskun Arretxe; Josep Pedrals (codirector del festival); la violinista i compositora Coloma Bertran, i els poetes Carles Rebassa, Laia Carbonell i el mateix Jaume Pérez Montaner. Cal defensar la seva tasca com a ambiciós creador total.

Jaume Pérez Muntaner

 

Escrit per Jaume C. Pons Alorda

Tornes al lleopard que t’allibera / desig i afany / i creus i vius” escriu Jaume Pérez Montaner en el poema “L’arrel que t’habita” del volum L’heura del desig, que es clausura amb un extrem anhel de llibertat i amb la certesa que “Vens dels morts / i tornes a la vida / i rius i cantes”. El cant és el poema, la rialla podria simbolitzar Eros i el goig corporal, la mort s’entén com un dels pilars temàtics de la seva pràctica lírica, talment una marca eterna que ens acompanya en l’itinerari existencial mentre la vida es va fent de dolor, memòria i creació. Versos sintètics, en efecte, per condensar una complexa cosmovisió coherent, orgànica, poderosa. Difícil no evocar el tigre de William Blake, símbol de les forces atàviques però també un dels éssers més nobles i independents del regne animal, sobirà del destí que es basteix a queixalades.

Sempre he pensat que aquest poema de Pérez Montaner dialoga molt bé amb l’ànima del forjador de Cançons d’innocència i d’experiència sota el sedàs crític de Harold Bloom i les concepcions líriques de Wallace Stevens, decisives influències per al poeta valencià que va trobar a l’estranger la seva llar i una possibilitat per desenvolupar una respectada carrera acadèmica. Des d’experiències traumàtiques com ser empresonat o la d’aquest esmentat exili voluntari, l’autor responsable de Solatge va saber entendre a la perfecció què significa enfrontar-se a la intempèrie en els difícils anys de la dictadura franquista o en instants decisius com el de les bombes contra pensadors sense pèls a la llengua, talment com el sempre necessàriament reivindicat Joan Fuster. Tanmateix, cap mordassa ni cap foc inquisitorial no han pogut mai res contra la paraula, fonament del vers, i és així com la lluita pel territori i pel paisatge i per les arrels continuarà endavant: “El que el vent i la pluja ens ha deixat, com la roca, com l’arbre, fidels al lloc on són, com el tarquim o el fang, com un grapat de pols, tot allò que és tan nostre. Ara comença el poema: solatge.” Els actes de lluita civil, d’evocació memorial, de reivindicació política i de formulació literària, doncs, esdevenen eixos principals que ajuden a construir les coordenades de l’obra de Jaume Pérez Montaner, també amarada de sensualitat i d’imatges vigoroses com les del seu primer poemari, Adveniment de l’odi, llibre amb el qual es va batejar amb foc en una molt cobejada edició de l’editorial Tres i Quatre: “I tu, ciutat bagassa / (…) Amb pixums de Pigalle reguen / noctàmbuls briacs geranis englantines / Tristes cançons rellisquen per les blanques façanes.”

D’un altre dels seus mestres, Vicent Andrés Estellés, poeta que Pérez Montaner ha analitzat en articles i conferències i llibres tant en solitari com en col·laboracions com la que va mantenir amb el ja finat Vicent Salvador, ha après que la poesia és una possibilitat de vida i de crítica i de combat, i que l’art pot maldar per exorcitzar les tenebres i les misèries del món al mateix temps que persegueix l’efímera bellesa i la captura amb mots precisos. Tot i que és un poeta reivindicatiu, Jaume Pérez Montaner es consigna a un alè críptic i hermètic, carregat de simbologies gairebé oníriques. A Museu de cendres escriu: “Em reconec aquí / ebri de ràbia / de nord a sud / cabriolant de por / entre les ratlles amargues del poema”. No és estrany que un dels seus pintors preferits sigui Rothko, a qui dedica alguns dels seus textos inèdits inclosos a Defensa d’una forma. Poesia completa 1976-2018, excepcional volum publicat per la Institució Alfons El Magnànim sota la direcció de Vicent Berenguer: “Tot és alè i desig, tot és alè. / L’aorta dilatada fins al màxim. / Un alè que és a penes perceptible. / Sense objecte el desig que et sobreviu.”

Com tan bé assevera el professor, investigador i escriptor Antoni Martí Monterde, un dels seus deixebles i responsable tant del retrat literari quan Pérez Montaner va merèixer el Premi Jaume Fuster de l’Associació d’Escriptors en Llengua Catalana, com de l’atent pròleg de Defensa d’una forma: “La trajectòria d’un autor com Jaume Pérez Montaner requereix una aproximació que, necessàriament, ha de prendre una forma especial; per fer-se càrrec del que significa la seva figura en la literatura catalana del darrer mig segle cal entendre la seva obra com una mena de meditació sobre cada dia, sobre la manera en què els dies es converteixen en memòria, i també sobre la consciència poètica d’aquesta memòria. Com a poeta i com a crític, Jaume Pérez Montaner reclama per a la poesia el reconeixement de la seva capacitat de condensar, en uns sols mots, el sentit d’un passat que, quan era present, es resistia a ser escrit tant com a ser admès”. És a dir: el poeta accepta formar part d’una tradició tot convertint-se en una baula més que possibiliti una mutació personal que projecti el seu treball, però també el seu llegat i el seu context, cap al futur per tal que el procés recontinuï en un etern retorn infinit. I la resta és literatura, de la mateixa manera que morir, com va dir l’il·lustre suecà, deu ser deixar d’escriure…

I és que la idea de mort ronda amb perspicàcia alguns dels versos més memorables de Jaume Pérez Montaner, no només la diminuta mort física de l’individu enmig de la caòtica globalitat, quan l’amenaça ens assetja constantment amb la seva perfídia, sinó també la mort encara més ampla d’una llengua, la d’una identitat col·lectiva, la d’un país o d’un somni compartit. Comparteix, doncs, obsessió amb el seu amic, i també creador inimitable, Josep Palàcios. A “Començament sense final”, una composició del poemari Fronteres que remet a aquest alè elotià i joyceà en què acabament i encetament es toquen per arribar al mateix punt, ho expressa així: “Començament sense final totes les morts perquè tot és principi sense espera qui parla de futur boca de serp?”

Però quina és la forma que defensa Jaume Pérez Montaner concretament? L’absoluta, redemptora, la de la llibertat. Així alguns dels seus versos estan escrits amb mètrica estricta (té alguns més que excel·lents poemes en decasíl·labs perfectes, per exemple), però també amb vers lliure whitmanià o en prosa poètica sota el signe de Baudelaire. La diversitat no és follia sinó una altra possibilitat d’alliberament, i al final cada poema troba la seva millor solidificació a través dels mots. El bon recercador i professor Dominic Keown, que li va fer el pròleg de L’oblit i l’epíleg de Defensa d’una forma, ho expressa amb raó: “No hi ha indici més revelador de la varietat expressiva de la veu de Pérez Montaner que la còmoda convivència de termes de clara inclinació ideològica —la invectiva en contra de l’opressió implícita al sistema capitalista en Adveniment de l’odi (1976) en seria un exemple apropiat— amb els tòpics més estèticament latents i emotius de la llarga convenció homèrica: la mort, l’amor, la sensualitat, la soledat, l’art com a via d’autorealització, etc. —particularment evidents en Museu de cendres (1981) i L’heura del desig (1985). No cal dir que l’amplitud de l’espectre expressiu pel que fa al contingut queda reflectida estilísticament en el gran nombre de formes poètiques assumides amb encert.”

Com a crític, sempre m’ha agradat recomanar un recull deliciós com Subversions, publicat fa anys a Tres i Quatre: antologia d’alguns dels metatextos més representatius de Jaume Pérez Montaner i una veritable poètica molt personal, en què es desgranen altres referents clau per a ell com Salvador Espriu, Pere Gimferrer, César Vallejo o Blas de Otero. Tampoc no podem oblidar la seva contribució com a traductor. Va ser un dels pioners introductors dels versos incisius i juganers d’e.e. cummings o dels més desesperats i tremebunds d’Anne Sexton, en ambdós casos al costat de la poeta i companya vital Isabel Robles, amb qui ha teixit un fil continu de complicitats en una vida que es podria llegir com una portentosa novel·la marcada per les passions i per les paraules en un viatge heroic al més pur estil Joseph Campbell.

Per anar acabant, una novetat feliç. És cert que qui vulgui llegir la formidable i enfervoridora poesia de Jaume Pérez Montaner, el degà de la poesia catalana al País Valencià al costat de Josep Palàcios, ho podrà fer gràcies al magnífic volum panoràmic Defensa d’una forma. Poesia completa 1976-2018. Però l’autor viu, demiürg en la paciència per assolir la crida, espera en l’eterna inquietud el clam de la conjugació, i és així com el poeta que ara començam a celebrar com es mereix, amb congressos o actes públics o (re)lectures, ha continuat escrivint: el resultat es publicarà ben aviat dins de l’exquisit catàleg d’Edicions del Buc, una de les millors col·leccions poètiques del panorama actual. Mentrestant, llegirem autoretrats talment aquesta peça surrealista i exaltadora que va elaborar Pérez Montaner dins L’oblit: “Com el gat tinc set vides o set morts, / Onisa, Onisa, Onisa. He recobrat / entre els fragments sollats de la desfeta / antiquíssims retalls oblidats o perduts: / ara un pitxer, un càntir, una flor / o l’ansa d’un setrill, una cançó, / la font de Partagat, els dits inhàbils / en l’aigua freda i dura com el vidre, / la melodia humil sobre la pedra, / la vella molsa d’anys, vell viatger / que renaix sobre el temps i les fronteres, / entre la pols daurada de l’oblit: / en aquestes muntanyes poderoses / floreixen els lilàs sobre les roques / i llancen flamarades el geranis.”

 

[Font: http://www.eltemps.cat]

Lugo conmemora o centenario do ‘Ulises’ de Joyce

É unha das 18 cidades, e a única de todo o Estado español, que celebran a efeméride a nivel europeo cun completo programa de actividades baseado no capítulo VIII da icónica obra, ‘Laestrygonians’.

Á esquerda, o percorrido previsto por Lugo no marco das xornadas; á dereita, o ‘Ulises’ de James Joyce.

Lugo foi unha das 18 cidades europeas —a única da Galiza e de todo o Estado español— elixidas pola Ulysses European Odissey, cunha programación bienal, para conmemorar o centenario da obra literaria por excelencia do irlandés James Joyce, Ulises. O evento aterrou na cidade amurallada esta sexta feira e despregará diferentes actividades até o domingo, día 21.

A programación luguesa está baseada no oitavo capítulo do libro, Laestrygonians, no que o protagonista Leopoldo Bloom pasea polas rúas de Dublin o 16 de xuño de 1904 e para nun pub ao mediodía a tomar un petisco de pan e queixo gorgonzola, acompañado por un viño de Borgoña.

A comida e a bebida, de feito, cobran un papel relevante nestas xornadas, nas que se analizará a historia da tradución do Ulises ao galego; a literatura gastronómica; a estreita relación entre Galiza e Irlanda; as súas semellanzas culturais, artísticas e históricas, e a influencia do libro de Joyce, cumio do modernismo literario do século pasado, na literatura galega actual.

Presentación das xornadas, a finais do pasado ano. Na imaxe, Uxío Novoneyra, presidente da Fundación Novoneyra; Sean Doran, director artístico do proxecto, e Rubén Arroxo, tenente de Alcaldesa de Lugo.

Tamén haberá sitio para un simposio no que se analizará o vizoso sector gastrocultural de Lugo da Galiza enteira, desde a produción até a distribución e o gozo da nosa gastrocultura, referente europea. Cociñeiros, produtores, académicos e labregos serán os encargados de explicar, en primeira persoa, as súas achegas a un factor cultural de primeira magnitude como é a alimentación.

As actuacións da Banda Filarmónica de Lugo, do colectivo poético Lupercais, a reconstrución sonora da Praza de Abastos de Lugo cara a 1920 pola Fundación Legar e unha interpretación danzada do capítulo VIII do libro a cargo da compañía 3Monos tamén forman parte do programa.

Ao longo destes días participarán do evento, aliás, Yolanda Castaño, Xavier Queipo, Cid Cabido, María Linheira, Francisco Castro, Antón Reixa, Genaro da Silva, Branca Novoneyra, Isaac Xubín, Keith Payne, Sara Plaza, Lois Diéguez, María Sánchez ou Álvaro Villasante, entre moitos outros e outras.

As xornadas luguesas deron o disparo de saída na mañá desta sexta feira cun almorzo introdutorio a conta de Maite Ferreiro, concelleira de Cultura de Lugo e vicepresidenta da Deputación; Augusto Paramio, director da Oficina Europea Creativa do Ministerio de Cultura; Gonzalo Francisco Fernández Suárez, decano de Humanidades do Campus Terra da USC; e Branca Novoneyra, directora da Fundación Uxío Novoneyra.

 

[Fonte: http://www.nosdiario.gal]

Un dandi soberano

La presentación de la Biblioteca Caparrós en la 47ma. Feria del libro fue la oportunidad para celebrar la obra titánica del gran cronista latinoamericano. Lejos del totalitarismo del gran tema, dice María Moreno, Caparrós encontró la síntesis del género en “la vaca”: solo importa contarla como nadie. Maestro de generaciones de periodistas, se distanció de las investigaciones atadas a sesgos épico-políticos sin que su intervención literaria dejara de ser decididamente política. Experimentó con la novela, el soneto y la fotografía comprometido exclusivamente con una literatura que se impone soberana.

Escrito por María Moreno

–Hay que actuar la vaca.

Martín Caparrós se sonrió detrás de sus bigotes en forma de manubrio porque había encontrado la síntesis del género crónica. Me explico: el ceo del género Jon Lee Anderson se había emperrado en que Vida de una vaca, de Juan Pablo Meneses, no era una crónica. ¿Por qué?

Porque el autor no vivía literalmente con una, aunque la había observado, analizado sus humores cambiantes en cornadas, narrado hasta las ubres, como buen cronista que era. Pero Anderson insistía en que era una ficción –Caparrós y él habían coincidido como jurados en un concurso de crónicas–. Cuando me contaba el affair vaca durante una charla que sería publicada en la revista Otra parte, se acordó de Robert de Niro, de cuando se entrenaba para encarnar a un homeless en una calle pesada de Nueva York adonde lo visitó el británico John Gielgud. De Niro le explicaba que se alimentaba con sobras, no se bañaba, dormía cubierto de diarios viejos y hasta estaba a punto de conseguir el típico pie de trinchera, todo para identificarse con el personaje. Gielgud lo miró fijo y le dijo lacónicamente ¿y por qué no lo actúa?

Estábamos de acuerdo. Despotricábamos contra los cronistas que sufrían el totalitarismo del gran tema –vida de una travesti, un tsunami, los pobres haciendo de pobres– y lo escribían a la qué me importa, confiados en su mera fuerza efectista.

A Caparrós no le importaba que el viejo Kapuściński se hubiera encontrado o no a Lumumba en un camino de África, sino que contara África como nadie.

A comienzos de la democracia, los géneros del periodismo cultivados por algunos militantes que regresaban del exilio, ponían el eje en la investigación y, dentro de esta, la de las violaciones a los derechos humanos. La estrella pasó a ser el cronista comprometido con el cumplimiento de la ley jurídica, donde el periodismo se homologa al periodismo político, la verdad coincide con la sentencia y el estilo instala un ademán ascético y apolíneo. Pero hubo un grupo de escritores autodenominado Shangay integrado por dandis de izquierda, como Martín Caparros, Jorge Dorio, Luis Chitarroni, Alan Pauls y Daniel Guebel, que reivindicaba la autonomía literaria y cuya divisa era una frase de Pío Baroja: “En literatura la sangre solo sirve para hacer morcillas”. Martín Caparrós explicaba: “Al referenciar, al hacer chistes, bah, al escribir, se funciona del lado de la cultura, pero si se hace lo que hay que hacer para evitar un nuevo golpe militar no se hace en términos de novelística sino firmando manifiestos, saliendo a la calle, metiéndose en los medios”. Sin embargo, en 1997 su intervención literaria fue decididamente política. Escribió junto a Eduardo Anguita los tres tomos de La voluntad. Allí se diferenció de los argumentos de los organismos humanos rectores, para contar las historia de los detenidos desaparecidos en su calidad de militantes armados y no de –esa palabra tan compleja, encubridora y católica con que se intentó salir al cruce del por algo habrá sido–“inocentes” y la épica se matiza en la reivindicación de los ideales de la militancia, enmarcándolos en la vida cotidiana y en sus cruces con las vanguardias estéticas y contraculturales.

Si en Larga distancia Caparrós se quejaba de que ya no hubiera territorios vírgenes para la crónica, de que cada partícula de continente ya hubiera sido conquistada por la mirada de los cronistas de las grandes potencias, obligándolo a recrear constantemente su propia tradición, también debía marcar su diferencia con los cronistas de la democracia, de sesgo épico-político.

En La guerra moderna, entre los efectos de estilo y la divisa de hacer de la mirada, pretendidamente neutra del reportero, arbitrariedad y capricho, desplegó una suerte de cronista bufo, cobardón y autodenigratorio, contracara clownesca del investigador comprometido y siempre al borde del episodio político-policial: se empecina en contar cómo no llegó a tiempo cuando la policía estaba reprimiendo manifestantes, que se escondió detrás de un árbol cuando vio una travesti, que estuvo a punto de pegarle a un hombre en el museo del Holocausto, como si dijera “¡Agarrame, que lo mato!”. Ese recurso paródico alcanzó su máxima expresión en una nota que Caparrós publicó en la revista Ego donde reconstruía el viaje del periodista Henry Stanley en busca del explorador David Livingston en el corazón peligroso de África, solo que saltando en una sola pierna, luego de la quemadura de un coral.

En la biblioteca que recorre junto a Cristian Alarcón se nota el tono zumbón de los amigos. Fue la memoria viva de una obra titánica –incluye 13 novelas, 8 libros de crónicas, 7 de ensayos y una biografía–  apoyada por las apostillas del autor que experimentó desde el soneto hasta el tarareo. Con su estilo desenvuelto y un tanto condescendiente, hace que la silla de ruedas en que anda desde que le fallaron las piernas, parezca una litera. Piglia, Fontanarrosa, Borges también mostraron que, lejos de cualquier mito de autosuperación, la literatura se impone soberana, pertenece a una economía distinta a la de la salud, donde la merma y la desdicha física brillan por su ausencia.

 

[Fuente: http://www.revistaanfibia.com]

 

 

Canas: a començat la 76a edicion del festenal internacional del cinèma

Ongan, an plaçat 833 camèras de videosusvelhança, un milièr de policièrs e de gendarmas e 256 pòstes de contraròtle a causa del malcontentament social

Comencèt dimars la 76a edicion del Festenal de Cinèma de Canas. Un an de mai, fins al 27 de mai, la vila de Vencenc ven la capitala mondiala del cinèma. 21 filmes concorreràn per obténer la Palma d’Aur fàcia a una jurada ongan presidida pel realizaire suedés Ruben Östlund, ganhaire dos còps d’aqueste prestigiós guierdon. Fòra competicion se poirà veire, entre plan d’autres, lo darrièr cortmetratge de Pedro Almodóvar, lo darrièr filme d’Indiana Jones e la darrièra produccion de Pixar.

Lo conegut tapís roge del Palais del Cinèma, sus la passejada de la Croseta, lo trepejaràn ongan de celebritats coma Harrison Ford, Martin Scorsese o encara Michael Douglas qu’en aquesta escasença ten la Palma d’Aunor.

Almens 40 000 personas vesitaràn ongan l’eveniment, segon las previsions de la comuna de Canas.

L’edicion d’ongan se debana jal mitan d’un malcontentament social contra la deriva autoritària del govèrn de França e, per tant, an desplaçat un milièr de policièrs e de gendarmas e establit 256 pòstes de contraròtle e 833 camèras de vidèosusvelhança.

[Imatge: Joachim Tournebize / FDC – sorsa: http://www.jornalet.com]

Desde los Andes ecuatorianos llega Humazapas con el single «Hana Chagra»

Desde hace años, ZZK es un sello de referencia en la vanguardia de la música latinoamericana. Y para sus ediciones con el foco cercano a las músicas más folclóricas creó AYA Records. Así, desde Ecuador llega ahora Humazapas con el tema Hana chagra que será parte de su nuevo LP Sara nama.

Hana chagra es una composición al ritmo de «chimbapura» donde las mujeres le cantan al travieso pájaro virakchuro, quien se come los primeros granos de maíz. Es la época de la abundancia en las comunidades Cotacachi de Ecuador, una fiesta de de los granos tiernos.

La banda Humazapas transmite la vida en común de los territorios andinos del Ecuador, donde el respeto a la madre tierra, a los sagrado de la agricultura y la crianza es la base de la nacionalidad kichwa kutakachi.

El tema viene acompañado por las imágenes rodadas y dirigidas por Luis Bonilla Simba, productor audiovisual de Anta Records, y que propone el encuentro de los dos territorios ecuatorianos, desde los Andes la nacionalidad kichwa kutakachi; y desde la costa, el pueblo afroesmeraldeño.

La convivencia entre los patrones rítmicos de Hana chagra con el pueblo afroesmeraldeño en el bambuco demuestra que existe una mistura de danzas y cantos, de tradición musical en definitiva, entre los dos pueblos fundacionales de Ecuador.

El tema sirve como adelanto para el álbum Sara mama que se editará en junio de 2023 publicado por ZZK Records y que promete ser uno de los más interesantes de las nuevas músicas del mundo en este curso.

ENLACES RELACIONADOS:

• Instagram

 

[Fuente: http://www.zonadeobras.com]

La vie extraordinaire du champion de natation Alfred Nakache

Dans ce récit du destin d’Alfred Nakache, le romancier et biographe Pierre Assouline rend hommage au « nageur d’Auschwitz » et à son exceptionnelle résilience.

Écrit par Anne COUDREUSE

Pierre Assouline connaît bien les années noires de l’Occupation et ce passé qui ne passe pas, comme il l’a admirablement prouvé dans ses romans Lutetia (2005) et Sigmaringen (2014). C’est sur cette période tragique qu’il revient dans Le Nageur, où il retrace la vie d’Alfred Nakache (1915-1983), né à Constantine en Algérie dans la communauté juive.

L’ascension fulgurante d’un nageur solaire

Le Nageur, de Pierre Assouline – 2023 Gallimard – 256 pages

Même s’il nage « foutraque » à ses débuts, après un premier bain forcé pour récupérer ses chaussures dans une rivière alors qu’il avait peur de l’eau, Alfred Nakache est vite repéré par les entraîneurs de sa ville natale et envoyé en Métropole, au lycée Janson-de-Sailly et au Racing Club de France.

Dès 17 ans, il participe à son premier championnat de France. On le surnomme Artem (poisson en hébreu) et le légendaire Jean Taris est son protecteur. Doué d’un véritable charisme et d’un réel don pour la vie et pour les relations avec les autres, il est tout le contraire de son rival, Jacques Cartonnet, qu’il rencontre à son deuxième championnat en 1934 et contre qui il remporte le 100 mètres nage libre. Il est choisi pour représenter la France aux Jeux olympiques de Berlin en 1936. L’auteur s’est beaucoup documenté pour raconter l’ascension de ce nageur exceptionnel, 15 fois champion de France et double recordman du monde, comme en témoigne la longue « reconnaissance de dettes » qui figure à la fin du livre.

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Jacques Cartonnet, son éternel rival dans les piscines, grand blond jouisseur qui adhéra au parti fasciste de Jacques Doriot, collabora à « Je suis partout », le journal antisémite, et s’engagea dans la milice, eut sa revanche en le dénonçant à Toulouse, où Alfred Nakache entraînait de jeunes résistants juifs avant leur départ pour le maquis. Arrêté par la Gestapo en novembre 1943, il fut déporté à Auschwitz en janvier 1944, avec sa femme Paule et sa fille de deux ans, Annie, qui furent gazées dès leur arrivée au camp, ce qu’il n’apprit que bien plus tard.

Même dans cette usine de mort, il nageait, dans le réservoir de rétention d’eau, victime de la cruauté des SS qui lui jetaient des objets en lui ordonnant pour l’humilier : « Va chercher, Artem ! Allez, le grand nageur, ramène ! » Transféré en janvier 1945 à Buchenwald, il survécut aux « grandes marches », mais perdit son poids et sa masse musculaire de champion, et surtout son élan vital.

« Si je le revois je le tue »

C’est par cette phrase que s’ouvre ce récit, à Rome en 1960, quand le nageur rescapé retrouve la trace de son ennemi, devenu « direttore della piscina », au Foro Italico, un vaste complexe sportif au nord de la ville. L’auteur suit ensuite un ordre chronologique très clair, en rythmant son récit par des chapitres dont les titres sont les noms des lieux où se déroule la vie d’Alfred Nakache. Grâce à l’humanité et au charisme de l’entraîneur Alban Minville, il se remet à nager après la guerre.

« Nager pour ne pas couler. Considérer que c’est là une question de vie ou de mort. Il n’y a pas d’autre solution. Ce qui ne va pas de soi pour celui qui aura passé deux ans sans s’entraîner, hormis une parenthèse irréelle et brève qui n’eut rien d’enchanté. Depuis sa jeunesse, Artem a vécu plus souvent dans l’eau que sur terre. Le destin l’a séparé de son élément naturel depuis des mois qu’il foule cette terre haïssable. L’eau lui fait signe à nouveau. »

Il participe même aux Jeux olympique de Londres en 1948. « Il ne monte pas sur le podium mais il n’a rien d’un dieu déchu. Sa présence suffit. Il ne s’est pas battu contre le chronomètre mais contre la barbarie qui n’a pas réussi à l’abattre. »

Ce très beau récit centré autour d’une véritable figure de héros dans la vie tient en une phrase : « il est né, il a nagé, il est mort. » Il s’agit d’une leçon de vie et de courage, très utile dans notre période troublée et qui semble parfois sans mémoire. Pierre Assouline met son livre sous la protection du poète Paul Celan et rappelle la nécessité pour chacun de « stehen » : « tenir, se tenir, résister ».

 

[Source : http://www.nonfiction.fr]

Víctor Jara eterno

Escrito por Mario Amorós

«Canto, qué mal me sales / cuando tengo que cantar espanto. / Espanto como el que vivo, / como el que muero, espanto / de verme entre tantos y tantos / momentos de infinito / en que el silencio y el grito son las metas / de este canto.»

Víctor Jara es uno de los símbolos universales de la canción revolucionaria en su sentido más profundo. Nacido en Santiago de Chile el 28 de septiembre de 1932, sus primeros años transcurrieron en el mundo rural, en las proximidades de la ciudad de Chillán, donde su padres, Amanda y Manuel, trabajaron durante varios años como campesinos en condiciones de servidumbre casi feudal. Posteriormente, se trasladaron a la localidad de Lonquén, cerca de la capital. Durante aquel tiempo su madre, que interpretaba las canciones campesinas transmitidas por la tradición oral, le inculcó la devoción por la música folclórica y el amor a la guitarra. Así, cuando en agosto de 1970 le preguntaron por “las raíces de su obra”, afirmó que residían “en el canto del pueblo”…

Llegó a vivir a Santiago de Chile hacia 1943, en un momento histórico en el que el Gobierno del Frente Popular había desarrollado una política cultural que favoreció la creación del Teatro Experimental de la Universidad de Chile, en cuya escuela ingresó en abril de 1956 después de pasar dos años en un seminario católico y de realizar el servicio militar. En los años 60 fue uno de los principales directores de la escena nacional, con su trabajo en Ánimas de día claro, La remolienda, El círculo de tiza caucasiano o Viet-Rock, estrenada en mayo de 1969. “Es hora de que nuestro teatro encarne escénicamente la violencia de la lucha de clases en Chile”, declaró en aquellos días. “No quiero montar un espectáculo burgués para seudointelectuales. El teatro en Chile debe tomar partido claramente”.

Al mismo tiempo, si su carrera musical se inició entre 1958 y 1962 como miembro del conjunto folclórico Cuncumén, desde 1965 cantó como solista en la Peña de los Parra y empezó a grabar sus primeros discos, con una gran acogida. Junto con Patricio Manns, Isabel y Ángel Parra y Rolando Alarcón, fue protagonista del desarrollo de la Nueva Canción Chilena, y entre 1966 y 1969 dirigió al conjunto Quilapayún. Uno de sus fundadores, Eduardo Carrasco, ha escrito que las primeras enseñanzas que les transmitió fue el rigor, la concentración y la seriedad en el trabajo. “Establecimos horas estrictas de comienzo y término de los ensayos y una serie de pequeñas normas que no nos han abandonado desde esa época y son las bases más importantes de nuestro trabajo. Una norma de oro, por ejemplo, es que el punto de partida de la música debe ser el silencio”.

En enero de 1970, ante la campaña electoral que finalmente llevaría a Salvador Allende a La Moneda, Víctor Jara relegó de manera definitiva su trabajo teatral y se volcó con su guitarra y sus canciones en el apoyo a la Unidad Popular. Entre 1969 y 1973 grabó sus principales discos: Pongo en tus manos abiertas (su homenaje a Luis Emilio Recabarren, fundador del Partido Comunista de Chile), Canto libre, El derecho de vivir en paz (su tributo a la lucha heroica del pueblo vietnamita), La población y las canciones del póstumo Manifiesto, que su esposa, Joan Jara, publicó en 1974 en Inglaterra. La Discoteca del Cantar Popular (DICAP), el sello discográfico creado por las Juventudes Comunistas en 1968, publicó el primero, el tercero y el cuarto de esos trabajos.

Asimismo, entre 1971 y 1973 viajó a México, Venezuela, Costa Rica, Argentina, Cuba, URSS o Perú. Acompañado de su inseparable guitarra, en aquellos recitales interpretaba sus canciones, singularmente “Te recuerdo Amanda”, tema que compuso durante su estancia en 1968 en Inglaterra para profundizar en su formación como director de teatro. “A mí me estremece siempre cantar ‘Te recuerdo Amanda’; me produce un estado de emoción que, aunque la cante mil veces, mil veces la siento igual”, señaló en 1973.

A principios de aquel año, participó activamente en la campaña del Partido Comunista de cara a las elecciones legislativas, en las que la UP logró una victoria moral. En los meses siguientes, su labor creadora se consagró a alumbrar un conjunto de canciones que dejaron constancia de la altura ética, estética y política de su compromiso, esculpida en aquellos versos de “Manifiesto”: “Mi canto es de los andamios / para alcanzar las estrellas”. En su recorrido por Perú, en los últimos días de junio y las primeras semanas de julio de 1973, tras conocer Cuzco y Machu Picchu, quedó conmovido ante la verdadera profundidad, cultural e histórica, de “las raíces del canto”. El 4 de septiembre, en la última y multitudinaria manifestación de la UP, sostuvo junto con sus compañeros una pancarta que proclamaba: “Trabajadores de la cultura en contra del fascismo”. En aquellos días tuvo en sus manos el último disco suyo que llegó a ver, Canto por travesura (DICAP), una auténtica travesía de retorno a la pureza del folclore que acompañó su infancia.

El 11 de septiembre de 1973, cerca de las once de la mañana, llegó a la Universidad Técnica del Estado (UTE), en cuya Secretaría Nacional de Extensión y Comunicaciones trabajaba desde 1971, tras escuchar el llamamiento a los trabajadores del presidente Salvador Allende desde La Moneda y recibir las instrucciones de la dirección de las Juventudes Comunistas, a cuyo Comité Central pertenecía desde hacía un año. Por la tarde, cerca de mil personas se quedaron allí encerradas, al entrar en vigor el toque de queda decretado por la Junta Militar, y cercadas por los militares golpistas. Al amanecer del día siguiente, aquella universidad fue bombardeada y asaltada por diferentes agrupaciones del Ejército. Centenares de personas, entre ellas Víctor Jara, fueron obligadas a permanecer tumbadas, boca abajo y con las manos en la nuca, en los patios o canchas deportivas, mientras los militares registraban como salvajes el recinto.

Hacia las tres de la tarde, se inició el traslado en autobús de los prisioneros de la UTE al Estadio Chile (denominado hoy Estadio Víctor Jara), situado a apenas un kilómetro y medio de distancia. Cuando se disponía a ingresar en este pabellón polideportivo, fue identificado por un oficial, según ha declarado Boris Navia. “Ese miserable me lo traen para acá”, gritó; dos soldados lo llevaron ante él y, “desaforado e histérico”, empezó a propinarle golpes y puntapiés por todo su cuerpo, uno de ellos en pleno rostro, en medio de una catarata de insultos y palabras llenas de odio hacia sus canciones y su compromiso político. Privado de alimentos y agua, posteriormente fue golpeado, vejado y torturado por oficiales y soldados, vestidos todos en uniforme de combate.

Hacia el mediodía del 13 de septiembre pudo enviar el último mensaje a su esposa con un compañero, Hugo González, que iba a ser puesto en libertad. Le confesó su temor de no volver a ver a su familia y le rogó que no le creara falsas expectativas acerca de un posible plazo para su libertad. Y, cuando una lágrima recorrió su rostro y cayó sobre su camisa, le indicó: “Hugo, diles que estoy bien. No menciones los golpes, no hables sobre lo que están haciendo conmigo. No quiero que ellas lo sepan”. Aquella tarde, pudo unirse a un grupo de prisioneros vinculados a la UTE y las Juventudes Comunistas; caminaba con mucha dificultad, tenía algunas costillas rotas y la cara llena de moratones y ensangrentada, al igual que la ropa.

A lo largo del 15 de septiembre, el recinto se fue quedando vacío según avanzaba el traslado de los “prisioneros de guerra” hacia el Estadio Nacional. Pero, casi en el último momento, Víctor Jara fue apartado de esas filas y conducido al subterráneo, donde fue acribillado por oficiales del Ejército, condenados en 2018 por la justicia chilena pero aún hoy en libertad, al igual que el abogado comunista Littré Quiroga. Horas antes, había podido entregar a sus compañeros su poema “Estadio Chile”, que quedó inconcluso y que el Partido Comunista logró sacar del país dos semanas después. En su parte final expresó: “Canto, qué mal me sales / cuando tengo que cantar espanto. / Espanto como el que vivo, / como el que muero, espanto / de verme entre tantos y tantos / momentos de infinito / en que el silencio y el grito son las metas / de este canto. / Lo que nunca vi, / lo que he sentido y lo que siento / hará brotar el momento…”

En el testimonio entregado para mi biografía, el trovador cubano Silvio Rodríguez evoca su viaje de 1972 a Chile, junto con Pablo Milanés y Noel Nicola, para participar en el VII Congreso de las Juventudes Comunistas. “Un año después lo asesinaron con saña, pero aquella vileza no fue lo que lo inmortalizó”, señala. “Ya Víctor era un cantor eterno por la exquisita calidad estética y ética de sus canciones”.

 

[Fuente: http://www.rebelion.org]

Harka : une interprétation intense et saisissante (en DVD et VOD)

Note artistique : (3/5)

Synopsis

Ali, jeune tunisien rêvant d’une vie meilleure, mène une existence solitaire, en vendant de l’essence de contrebande au marché noir. À la mort de son père, il doit s’occuper de ses deux sœurs cadettes, livrées à elles-mêmes dans une maison dont elles seront bientôt expulsées. Face à cette soudaine responsabilité et aux injustices auxquelles il est confronté, Ali s’éveille à la colère et à la révolte. Celle d’une génération qui, plus de dix ans après la révolution, essaie toujours de se faire entendre.

• Titre original : Harka
• Support testé : DVD
• Genre : drame
• Année : 2022
• Réalisation : Lofty Nathan
• Casting : Adam Bessa, Najib Allagui, Salima Maatoug Ikbal Harbi, Khaled Brahem, Hsouna Heni, Jamel Madani, Mohamed Ouni
• Durée : 1 h 24? mn
• Format vidéo : 16/9
• Format ciné : 2,39/1
• Sous-titrage : français
• Pistes sonores : Dolby Digital 5.1 et 2.0 arabe/français
• Bonus : interview de l’acteur Adam Bessa (16 mn 05)
• Éditeur : Blaq out

LA SUITE APRÈS LA PUB

 

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Commentaire artistique

Récompensé par le prix de la meilleure performance dans la section «Un certain regard» (Cannes, 2022), l’acteur tunisien Adam Bessa incarne Ali Hamdi le protagoniste aux abois de Harka écrit et réalisé par Lofty Nathan. Le cinéaste américain d’origine égyptienne s’était fait connaitre par un documentaire sur les rodéos urbains à Baltimore : 12 O’Clock Boys (2013). Pour sa première fiction, il change de sujet pour s’intéresser aux effets du Printemps arabe en Tunisie et revenir sur le suicide par immolation de Mohammed Bouazizi en 2010, un vendeur ambulant de Sidi Bouzid. Cet acte désespéré avait provoqué la colère des habitants de la bourgade agricole et, malgré la répression, le mouvement de contestation s’était étendu rapidement pour atteindre Tunis : ce fut l’amorce des manifestations insurrectionnelles qui conduisirent au départ de Ben Ali en janvier 2011. Le scénario de Harka, qui signifie « brûler » et « migrant » en argot, analyse, selon une fiction particulière et poignante ancrée sur la terre tunisienne, les facteurs qui ont conduit un individu au suicide et les populations à la révolte. Le film s’attache à décrire les conditions économiques désastreuses qui vont entrainer Ali Hamdi dans une spirale tragique. Ne pouvant compter sur aucune aide des pouvoirs en place (gouverneur) et contraint, par la mort de son père et l’expulsion de sa famille, à subvenir à la vie de sa mère et de ses deux sœurs, il doit faire face grâce à sa débrouillardise et au trafic d’essence. Confronté à son impuissance, malgré toute sa bonne volonté de soutien de famille, Ali se laisse habiter par une colère envahissante et une souffrance intolérable. Il faut souligner la composition saisissante d’Adam Bessa à incarner cette rébellion qui gronde chez ce jeune homme qui parvient à conserver une vraie bienveillance pour son entourage, notamment pour sa jeune sœur Alyssa (Salima Maatoug). Cette rage contenue, exaspérée par les magouilles et la corruption des petits profiteurs qui s’enrichissent sur son dos, finira par s’extérioriser tragiquement et servir de révélateur à tous ces déshérités d’un système économique en faillite. Dans une veine plutôt naturaliste, Harka a profité d’un tournage à Sidi Bouzid en décors réels et d’une très belle photographie de Maximilian Pittner. En documentariste accompli, Lofty Nathan va profiter d’un casting non-professionnel et saisir l’opportunité d’une réelle manifestation locale pour une séquence. La terrible réalité du fait divers évoqué dans le film ouvre sur une dimension plus universelle qui dépasse le Printemps Arabe tunisien. Elle rejoint les colères exprimées dans tous les pays dans lesquels les populations subissent jusqu’à l’exaspération les vexations et les misères des systèmes politiques corrompus en place. Sans doute un peu inégal et parfois trop démonstratif avec ses allusions appuyées aux flammes, Harka est dominé intégralement par l’interprétation saisissante d’Adam Bessa qui mérite, à elle seule, la vision. Poignant.

 

Commentaire technique

Image : copie SD, très belle définition et piqué correct, texture argentique discrète (tournage en 35 mm avec caméra Arricam LT, Master Format 4K), contraste réaliste, images lumineuses aux noirs soutenus, étalonnage naturaliste, colorimétrie nuancée aux teintes réalistes sans dominante, tons saturés

Son : mixage arabe/français 5.1, dialogues clairs et équilibrés, excellente dynamique sur les ambiances (manifestation, trafic essence en voiture) et sur la musique d’Eli Keszler, spatialisation naturaliste convaincante aux effets surrounds immersifs, LFE ponctuellement efficace

Notre avis

Image : (4/5)
Mixages sonores : (4/5)
Bonus : (2,5/5)
Packaging : (2,5/5)

IMDb : https://www.imdb.com/title/tt9317274/

 

[Source : http://www.on-mag.fr]

Lo Novèl An Amazigh, nòva fèsta nacionala de Marròc

La reconeissença èra una anciana revendicacion del movement amazigh

Lo Novèl An Amazigh, nòva fèsta nacionala de Marròc | Magharebia

Lo Novèl An Amazigh serà jorn de fèsta en Marròc a partir de 2024, après qu’o a decidit aital lo rei Mohammad VI lo dimècres 3 de mai. Lo cambiament arriba après que lo movement amazigh l’a revendicat pendent plan d’annadas. Marròc es lo segond país a reconéisser lo Novèl An Amazigh coma fèsta publica, après Argeria qu’o faguèt en 2017.

Segon un comunicat del gabinet reial marroquin, l’inclusion de la fèsta dins lo calendièr oficial se ten dins l’encastre de la reconeissença de l’amaziguitat coma “compausant essencial de l’identitat marroquina”.

La fèsta, sonada Yennayer o Innayr en amazigh, se festeja a l’entorn del 13 de genièr e correspond al primièr jorn del calendièr julian, lo meteis que s’empleguèt en Euròpa fins a la reforma del papa Gregòri XIII. Lo Yennayer —nom que deriva del nom del mes de genièr en latin, ianuarius— es una de las celebracions mai importantas del pòble amazigh.

 

[Sorsa: http://www.jornalet.com]

O legado fílmico inédito de Iván Zulueta poderá verse no festival (S8)

A Mostra Internacional de Cinema Periférico proxectará máis de 60 pezas do arquivo persoal do artista que non saíran á luz ata que foron adquiridas por Filmoteca Española, no seu esforzo por preservar e difundir o patrimonio cinematográfico do noso país.

Still de ‘A/Z Zulueta inédito’

O arquivo fílmico inédito de Iván Zulueta inaugurará a décimo cuarta edición do (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico, o vindeiro 26 de maio. Será a primeira dun total de sete sesións que o festival dedicará a proxectar o legado do mítico cineasta.

Materiais fílmicos rodados entre os anos 30 e 80 do século pasado, vinculados á súa vida persoal, aos movementos culturais do Estado durante a transición e á vangarda cinematográfica, que foron adquiridos en 2021 por Filmoteca Española e estruturados, tras un profundo traballo de investigación e conservación, no ciclo A/Z: Zulueta inédito.

Cineasta, debuxante, ilustrador, realizador, decorador, actor e fotógrafo, Zulueta desafiou as barreiras entre as disciplinas artísticas, e precursor do cinema underground e experimental.

O ciclo, que poderá verse na Coruña da man do (S8), inclúe. entre outras pezas, películas familiares e primeiros rexistros e curtametraxes de Zulueta, filmacións de festas con amigas e coñecidos que reflicten o ambiente cultural da Movida a finais dos setenta -entre as que figuran imaxes dunha das primeiras manifestacións no Estado en apoio aos dereitos das persoas LGBT-, e materiais inéditos rodados durante a creación da súa longametraxe Arrebato (1979), un dos filmes cume da cinematografía. Materiais que se crían perdidos ou dos que non se tiña constancia da súa existencia, e que permiten ampliar o coñecemento sobre un dos creadores imprescindíbeis do cine estatal.

O ciclo A/Z: Zulueta inédito desenvolverase ao longo da Mostra e continuará durante todo o mes de xuño como parte da programación estendida do (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico na Filmoteca da Galiza.

 

[Fonte: http://www.nosdiario.gal]

 

Première conférence sur les champignons sauvages en Israël : les intoxications par les champignons sont fréquentes

Une nouvelle étude, présentée lors de la première conférence israélienne sur les champignons sauvages et publiée dans la revue Mycologia, montre que les intoxications par les champignons sont fréquentes en Israël. Entre 2010 et 2020, on a enregistré en effet 614 cas. Depuis la pandémie de coronavirus, ce chiffre a connu une hausse importante, car les promenades dans la nature ont beaucoup augmenté pendant cette période. Sur les 614 cas, 41 pour cent concernaient des adultes de plus de 18 ans, 39 pour cent des enfants (jusqu’à 6 ans) et 15 pour cent des enfants et adolescents entre 6 et 18 ans. Par ailleurs, le nombre d’hommes concernés par ces empoisonnements était supérieur à celui des femmes.

Toutefois, par rapport à d’autres pays, Israël s’en sort plutôt bien. Si, en Terre Sainte, seuls 0,17 pour cent des cas d’empoisonnements sont dus à la consommation de champignons vénéneux, le chiffre passe à 1,7 pour cent en Suisse. Il est cependant vraisemblable que cela est dû au très faible nombre de forêts classiques en Israël. D’après une enquête de la Société pour Champignons sauvages en Israël, on compte dans le pays 750 variétés de champignons sauvages. 135 sont consommables, environ 600 se situent entre consommables sous certaines conditions ou vénéneuses ou insuffisamment connues, trois variétés renferment des hallucinogènes et trois des toxines causant des dommages hépatiques et susceptibles de causer la mort en cas d’ingestion.

Israël est un pays semi-désertique, si bien que par rapport à d’autres contrées le nombre de champignons y poussant est relativement faible. L’importance de réserves naturelles pour assurer la protection des champignons est donc primordiale, comme l’explique le Dr Dalia Lewinsohn, une mycologue du Shamir Research Institute : « Sans les réserves naturelles, dans lesquelles il est interdit de cueillir les champignons, le nombre de champignons serait probablement très nettement inférieur. Nous devons absolument sensibiliser l’opinion publique à la protection de la nature et amener les gens à moins cueillir les champignons afin qu’ils puissent aussi pousser ici dans les années à venir ».

Amanita ovoidea – ce champignon est comestible mais ressemble tellement à l’Aminata proxima, vénéneuse,  que même les experts les confondent souvent.

 

[Photo : TAMAR LEWINSOHN – source : http://www.israelentreleslignes.com]

Au Togo, le digital tente de mettre en valeur l’utilisation des langues nationales

Capture d’écran présentant les alphabets de la langue Ewe, prise sur de la chaîne  YouTube de Sena Gameli ^[1]

Écrit par Jean Sovon

Au Togo, la promotion des langues nationales hormis le français relève surtout d’initiatives personnelles en ligne, même si le gouvernement tente de promouvoir leur enseignement.

Alors que le français demeure la langue officielle du Togo, 53 langues ^[2] locales y sont parlées. Elles appartiennent principalement à deux groupes: les langues gour ^[3] parlées au nord, et les langues kwa parlées au sud. Les deux groupes sont rattachés à la famille linguistique nigéro-congolaise ^[4]. Parmi toutes ces langues, on distingue l’éwé ^[5], le kabyè ^[6], le tem ^[7], le moba ^[8], le peul. ^[9]Deux de ces langues sont reconnues comme langues nationales du pays ^[10] depuis 1975: l’éwé, qui domine au sud du pays, et le kabyè, pratiqué surtout au nord.

La reconnaissance de ces deux langues contribue théoriquement à leur insertion dans le système éducatif du pays, car elles sont non seulement parlées mais aussi écrites. Elles occupent toutefois une fonction relative car elles sont reléguées au rang de matières facultatives dans le système éducatif, et ce à partir du cours secondaire.

De plus, elles ne sont pas enseignées sur l’ensemble du territoire, et ne sont pas utilisées pour enseigner d’autres disciplines. En effet, malgré des déclarations d’intention fréquentes, comme ce symposium sur l’introduction du bilinguisme dans l’enseignement ^[11] tenu en juillet 2022 au cours duquel les autorités togolaises manifestent leur volonté d’introduire l’enseignement en langue éwé dans la région Maritime au sud du pays, et en Kabyè dans la région de la Kara au nord du pays, les enfants togolais ont rarement la possibilité de suivre des cours de langues nationales autres que le français.

Une mosaïque linguistique qui complique l’enseignement des langues

La situation n’est pas la même si on compare l’éwé et le kabyè. Le sud est plus homogène linguistiquement parlant, et la grande majorité des habitants parle l’éwé à la maison et dans la rue. Au nord, le kabyè ne domine pas le paysage linguistique de façon aussi marquée du fait de la réticence d’autres ethnies de cette partie du territoire à l’apprendre au détriment de leurs langues locales.

Dans une parution, le site icilome ^[11] pose les clefs du débat:

(…)Le kabyè et l’éwé étaient enseignés comme deuxième voire troisième langue, respectivement au nord et au sud du pays. Sans aucune réussite notable. Si l’éwé constitue la lingua franca dont l’enseignement était accepté sans conteste par la majorité des citoyens au sud, l’enseignement du kabyè l’était moins au nord, qui a un paysage sociolinguistique beaucoup plus varié(…)

Dans un post sur sa page Facebook, la plateforme Veille Citoyenne Togo ^[12], une organisation de la société civile togolaise, revient sur cette volonté des autorités en ce qui concerne l’enseignement de ces deux langues:

#VeilleCitoyenneTogo ^[13]

L’enseignement des langues nationales à l’école.

La réforme de l’enseignement au Togo en 1975 a introduit l’enseignement du kabyè et l’éwe dans les écoles publiques sur toute l’étendue du territoire national. L’enseignement de ces 2 langues était dans le but de renforcer l’unité nationale.

47 ans après, il est important d’apporter des améliorations à cette réforme parce que l’unité nationale ne saurait se faire avec 2 langues nationales.

Au Togo, il existe plus de 50 langues locales, mais chaque région a une langue dominante.

Il serait donc nécessaire, et dans le souci de l’unité nationale d’enseigner la langue dominante d’une région dans toutes les écoles publiques de ladite région.

En effet, le moba, qui est la langue dominante dans la région des savanes, doit être enseigné uniquement à tous les élèves inscrits dans les écoles publiques et privées dans cette région.

Le tem, qui est la langue dominante dans la région Centrale, doit être enseigné aux élèves de toutes les écoles publiques et privées dans cette région.

Par ces 2 exemples concrets, l’éwe et le kabyè doivent être respectivement enseignés dans la région Maritime et dans la région de la Kara.

Au Ghana, ce système a été adopté pour préserver l’unité nationale du pays.

Par ailleurs, dans le souci de l’unité nationale, il faut introduire une réforme qui modifie la loi qui fait de l’éwe et du kabyè les 2 langues nationales. Il faut élargir cette liste à 5 langues nationales correspondant aux 5 régions du Togo.

Le moba, le tem et l’ouatchi doivent être ajoutés à la liste des langues nationales au Togo.

À la télévision nationale et dans les médias publics, le journal en langue nationale doit se faire dans les 5 langues nationales cités ci-dessus.

Les commentaires sous ce post démontrent à suffisance la divergence des uns et des autres par rapport à la position des autorités.

Le digital au secours de l’enseignement de l’éwé

Un élément essentiel est en train de changer la donne : l’usage répandu des smartphones et l’accès à l’internet. Ainsi, la digitalisation de l’enseignement et de la pratique des langues locales devient une réalité.

Cette vidéo de TV5Monde ^[14] montre comment le smartphone est introduit comme support pédagogique grâce à une application développée au Togo et introduite dans certaines écoles :

Dans le contexte togolais, on peut citer l’exemple de Roger Mawulolo Lasmothey ^[15], un Togolais vivant au Sénégal, blogueur et passionné de cette langue. Il est l’initiateur de cours en ligne en langue éwe.

Sur son compte Facebook ^[16], il donne des indications pour apprendre cette langue, comme le montre cette capture d’écran :

Sur son compte Twitter, il explique le terme indépendance dans cette langue locale :

Le 27 avril est la date de la célébration de l’indépendance du Togo. Une occasion pour vous dire qu’en éwe, l’une des traductions du mot “ 𝗶𝗻𝗱𝗲́𝗽𝗲𝗻𝗱𝗮𝗻𝗰𝗲 ” est ”Ɖ𝗼𝗸𝘂𝗶𝘀𝗶𝗻ɔ𝗻ɔ”.

Bonne fête à tou.te.s les https://t.co/yzZD0GDlNg ^[17] 🇹🇬#ewe ^[18] #tɔɖiamawulolo ^[19] #Blog228 ^[20] pic.twitter.com/R9McECXzcj ^[21]

— Blogueurs togolais 🇹🇬 (@Blog228) April 27, 2023 ^[22]

Ces initiatives lui ont valu des nominations à des prix nationaux, comme la cinquième édition de Togo Top Impact ^[23], un évènement qui récompense les acteurs togolais qui ont impact grâce à leur engagement.

RT @DidierKissode ^[24]: Chers #TgTwittos ^[25] ! L’initiative “À L’ÉCOLE DE L’ÉWÉ” retenue pour la phase voting du JURY au @TogoTopImpact ^[26] et celà grâce à vous. RDV en Fév pour connaître la MEILLEURE SOLUTION DIGITALE 2022 au #Togo ^[27]. Merci à tous/toutes pour le souti… pic.twitter.com/yNduZ0DWH1 ^[28]

— Togo | Retweet (@leTogoRT) January 18, 2023 ^[29]

Une autre initiative est l’enseignement de la langue éwé, initié par Sena Gameli sur son compte YouTube ^[30]. Sena est un jeune togolais qui est né et a grandi en France mais qui veut rester proche de ses racines africaines.

Ici, une vidéo de ses leçons sur sa chaîne YouTube :

Il a ainsi permis à plusieurs personnes d’avoir des notions de bases tant à l’oral qu’à l’écrit. Des commentaires sous cette vidéo témoignent de son apport à l’apprentissage de cette langue auprès des Togolais de la diaspora. Selon des estimations de 2016, la diaspora togolaise ^[31] compte 1,5 à 2 millions de personnes dont 80% réside dans des pays africains comme le Ghana, le Nigéria, la Côte d’Ivoire, le Bénin, le Burkina Faso, et en Europe, principalement en Allemagne, France, Italie et Belgique.

Ces initiatives linguistiques en ligne démontrent un véritable appétit pour l’apprentissage et la pratique en ligne. La balle est désormais dans le camp du gouvernement qui devrait accélérer les moyens pour un enseignement moderne et efficace en ces langues.

Article publié sur Global Voices en Français: https://fr.globalvoices.org

URL de l’article : https://fr.globalvoices.org/2023/05/05/278779/

URLs dans ce post :

[1] YouTube de Sena Gameli: https://www.youtube.com/watch?v=qvDWzybR3dY

[2] 53 langues: https://fr.wikipedia.org/wiki/Togo#Langues

[3] les langues gour: https://fr.wikipedia.org/wiki/Langues_gour

[4] nigéro-congolaise: https://fr.wikipedia.org/wiki/Langues_nig%C3%A9ro-congolaises

[5] éwé: https://fr.wikipedia.org/wiki/%C3%89w%C3%A9_(langue)

[6] kabyè: https://fr.wikipedia.org/wiki/Kabiy%C3%A8_(langue)

[7] tem: https://fr.wikipedia.org/wiki/Tem_(langue)

[8] moba: https://fr.wikipedia.org/wiki/Moba_(langue)

[9] peul. : https://fr.wikipedia.org/wiki/Peul

[10] sont reconnues comme langues nationales du pays: https://assemblee-nationale.tg/wp-content/uploads/2021/05/constitution-consolidee-derniere-version.pdf

[11] symposium sur l’introduction du bilinguisme dans l’enseignement: https://icilome.com/2022/07/togo-enseignement-dans-les-langues-maternelles-kabye-au-nord-ewe-au-sud/

[12] plateforme Veille Citoyenne Togo: https://www.facebook.com/TogoVeille/posts/971372454261751/?paipv=0&eav=AfbcOOUcLdsIYvYa0vndcbR_cNU7PLIl4Bv_OmQAIHckhRGes_v-Br6qsTZ7tEERkFU&_rdr

[13] #VeilleCitoyenneTogo: https://www.facebook.com/hashtag/veillecitoyennetogo?__eep__=6&__cft__%5B0%5D=AZWz5GxYGDrmHsjs3dEZmZvQwp3d51fN2Nw9_JwLPI0bZ8o4lo_sZFew8yVZneIYzG5PeBw6jf65-b27CJR8CAren1xPC7ASNYn-SkaNv1kRLZEZtUz6Rh6ok8QZ9GV0buA&__tn__=*NK-R

[14] TV5Monde: https://www.youtube.com/watch?v=Yk0AjKB-vN8

[15] Roger Mawulolo Lasmothey: https://twitter.com/RogerLAS

[16] Facebook: https://m.facebook.com/mawulolo.las?eav=AfYIO40pdeZ4_7VNdt1QADMLB3-U7jD4utHhxCnkVwuw2LYxzEhJfMEhwnFyFKe0gm4&paipv=0

[17] https://t.co/yzZD0GDlNg: https://t.co/yzZD0GDlNg

[18] #ewe: https://twitter.com/hashtag/ewe?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw

[19] #tɔɖiamawulolo: https://twitter.com/hashtag/t%C9%94%C9%96iamawulolo?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw

[20] #Blog228: https://twitter.com/hashtag/Blog228?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw

[21] pic.twitter.com/R9McECXzcj: https://t.co/R9McECXzcj

[22] April 27, 2023: https://twitter.com/Blog228/status/1651548924178575361?ref_src=twsrc%5Etfw

[23] Togo Top Impact: https://twitter.com/TogoTopImpact?s=20

[24] @DidierKissode: https://twitter.com/DidierKissode?ref_src=twsrc%5Etfw

[25] #TgTwittos: https://twitter.com/hashtag/TgTwittos?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw

[26] @TogoTopImpact: https://twitter.com/TogoTopImpact?ref_src=twsrc%5Etfw

[27] #Togo: https://twitter.com/hashtag/Togo?src=hash&ref_src=twsrc%5Etfw

[28] pic.twitter.com/yNduZ0DWH1: https://t.co/yNduZ0DWH1

[29] January 18, 2023: https://twitter.com/leTogoRT/status/1615648703070572553?ref_src=twsrc%5Etfw

[30] Sena Gameli sur son compte YouTube: https://www.youtube.com/@Mawuakpe

[31] diaspora togolaise: https://publications.iom.int/fr/books/migration-au-togo-profil-national-2015

La nova estrella del còmic francés: Léa Murawiec amb «El gran buit»

Traducció de Marta Marfany

Escrit per Josep Ballester

Manel Naher és una xicota que treballa en un llibreria i sembla que fa una vida normal. En principi tot pareix d’una gran quotidianitat, però no res més lluny de la realitat. Descobreix que hi ha una famosa cantant que porta el seu mateix nom i cognom, això provoca que perille la seua existència perquè en aquest univers distòpic on viu, si ningú pensa en tu, desapareixes, deixes d’existir del tot. Un horitzó complicat i angoixant per als ciutadans ja que el seu únic interés és ser esmentats o que algú pense en tu. La necessitat permanent que et recorden o que algú pronuncie el teu nom. Aquest és en síntesi l’argument d’El gran buit, de Léa Murawiec, però és molt més des d’un punt de vista de la història que conta, com des d’un punt de vista de la tècnica utilitzada en les vinyetes. En el fons s’hi tracta d’una ficció amb trets característics que barreja assaig filosòfic i una bona dosi de crítica de la societat actual. En alguns moments és una visió hiperbòlica dels temps en el quals vivim, però en altres, sense cap remei possible, ja ho tenim a la cantonada. Una reflexió sobre el culte a l’ego i una advertència a tota mena de perills quan la individualitat s’ofega o desapareix sota la massa.

Finestres (2023)

Murawiec, aquesta jove dibuixant, autora i editora de còmics que s’acaba d’estrenar amb l’obra gràfica El gran buit, amb una gran acollida, tant de crítica com de recepció lectora, Premi del Públic al Festival Internacional de la Bande Dessinée d’Angoulême 2022. Va obtenir una beca d’estudis l’octubre de 2019 per fer una residència a la Maison des auteurs d’un any, durant el qual va treballar en el seu projecte Le Grand Vide, que s’ha convertit en el seu gran èxit. L’any 2013, mentre encara era estudiant a Estienne, va començar a publicar al fanzine Flǔtiste, editat per un grup d’estudiants de l’École nationale supérieure des arts appliqués et des métiers d’art, cada número del qual es basa en una limitació narrativa. Després d’unes quantes publicacions, va esdevenir editora del projecte col·lectiu que us recomanem per la seua originalitat. Així mateix, va gaudir d’una beca Erasmus per una estada a Xangai, que la va marcar en la manera de contemplar el món i amb una metamorfosi profunda  en el seu estil gràfic.

En una entrevista que li fa Clara Asín, la il·lustradora apunta contundent: “Donar massa importància a la presència en les xarxes socials és un risc perquè obeeixen a uns ritmes imposats per multinacionals”. És una de les possible branques temàtiques que suggereix aquesta novel·la gràfica, tanmateix, no l’única i precisament no la més interessant.

En El gran buit ens esbossa un món ben hostil i difícil d’assumir per la pressió que provoca allò que s’ha estipulat com la “Presència de les persones”, si ningú no diu el teu nom o pensa en tu, mors sense remei. En alguns moments ens recorda la pel·lícula The Lobser, de Yorgos Lanthimos, o algunes ficcions de Bioy Casares i, fins i tot, Kafka per les concomitàncies que s’hi produeixen en bastants de les escenes.

A nivell tècnic, Murawiec utilitza en el còmic tres colors d’una manera molt desimbolta i ben prenyada de significat. Tots tres colors sempre presents a l’espai exterior: la metròpoli angoixant. Una ciutat amb unes perspectives dinàmiques vistes des d’una gran diversitat d’òptiques, ja siga del punt més alt dels gratacels o des de la mirada a peu de carrer. En els interiors sols un color, llevat de la part final on s’hi introdueix, o millor dit, on s’escapa a El gran buit.

La dibuixant brandeix amb la paginació un gran bagatge de recursos, així no numera les pàgines fins a la dèsset com una espècie de preàmbul a la història, encara que forma part com una peça necessària del trencaclosques de l’argument. O quan en una sola vinyeta de dues pàgines senceres de la perspectiva de la metròpoli infinita vista des d’un plànol zenital  recull una mirada que inquieta. No cal que ens preguntem qui mira.

Juga magistralment en les il·lustracions amb tota mena de plans, enquadres i focalitzacions, però on es llueix per damunt de tot, és en els picats, els plànols zenitals o els contrapicats, on els trau punta amb una suggeridora càrrega simbòlica de la solitud o del neguit més insuportables. En aquestes perspectives sols mirem edificis infinits amb tot tipus de rètols de noms de persones. És l’única publicitat que hi existeix: noms i cognoms en neó allà on la mirada arribe. Un horitzó impossible farcit de gratacels, rètols de neó, finestres o scalextrics que devoren la vida. Almenys d’aquells animalons kafkians que habiten aquell indret.

Caldria comentar que Léa Murawiec dibuixa amb tinta xinesa per no perdre el vincle amb el gest i el paper. Una qüestió gens fútil. Prenen nota que ha estat una de les grans sorpreses per qualitat dins de la narrativa gràfica del poc que portem de l’any 2023. Un desplegament gràfic ben original que ens arriba de la veïna França de la mà de Finestres.

 

[Font: http://www.laveudelsllibres.cat]

Sale a la venta el manuscrito de «Fervor de Buenos Aires», la primera obra de Borges

Entregada hace exactamente cien años a la imprenta Serantes, la pieza que consiste en 60 carillas escritas en tinta negra saldrá a la venta en las próximas semanas, según anunció su actual propietario, el reconocido anticuario Víctor Aizenman.

Escrito por CARLOS DANIEL ALETTO

El manuscrito del primer libro de Jorge Luis Borges, Fervor de Buenos Aires, entregado hace exactamente cien años a la imprenta Serantes, saldrá a la venta en las próximas semanas, según anunció su actual propietario, el reconocido anticuario Víctor Aizenman, quien comunicó esta decisión a través de las redes sociales de su librería, aunque no especificó el monto del preciado texto: « Lo único que puedo aclarar es que se habla de cifras millonarias pero está muy lejos de eso », aseguró a Télam.

Anunciado en la página de la librería anticuaria que lleva el nombre de su propietario como « extraordinario manuscrito integral de la ópera prima de JORGE LUIS BORGES. Pieza preciosa si las hay, su aparición coincide con la celebración del centenario de su publicación por la Casa Serantes Hnos. Impresores (1923) », se pone a la venta este valioso y único ejemplar. La página de Instagram señala, sin dar el valor de la pieza, que puede ser comprada por alguna biblioteca, institución, archivo y coleccionista que quiera poseer « esta piedra basal de la obra de su autor, cuya producción ulterior no sería, según sus propias declaraciones, sino una reescritura constante de Fervor de Buenos Aires« .

La puesta en venta de esta pieza que consiste en 60 carillas escritas en tinta negra sobre hojas de formato variable, contenidas en estuche y carpeta, no solo coincide con el centenario de la aparición de Fervor de Buenos Aires y del ciclo que se le dedica por estos días en la Feria del Libro, sino con la reciente muerte de la viuda del narrador, María Kodama, fervorosa perseguidora de coleccionistas y « falsificadores ». En sus celos de mantener íntegra la colección de la obra del escritor, la presidenta de la Fundación Internacional Jorge Luis Borges solía advertir a los medios sobre la existencia de falsificaciones del autor de Ficciones.

« Efectivamente hubo algunas falsificaciones en particular, no de manuscritos textuales, sino de ciertas dedicatorias apócrifas y mal hechas que Borges nunca había podido escribir, que no correspondían, e inclusive en fechas que no coincidían con las relaciones que tenía con los destinatarios de esas dedicatorias », explica Aizenman a Télam.

« Las ventas de material de Borges siempre se han hecho públicamente a través de catálogos de profesionales, a través de subastas, tanto locales como internacionales, de modo que ahí no hay nada misterioso », amplía el anticuario.

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En su momento, la última esposa del narrador recordaba la adquisición legítima realizada por la Fundación Martin Bodmer de Suiza del manuscrito original del cuento « Tlön, Uqbar, Orbis Tertius« , y un cuaderno escolar con tres ensayos literarios, en 2008, por los cuales se habían pagado 240 mil euros. Según se informó entonces, pertenecían al mismo anticuario, Aizenman. La Fundación Borges y la fundación Bodmer hicieron una gran edición facsimilar y crítica de ese manuscrito, a cargo de uno de los grandes especialistas mundiales en su obra, Michel Lafon. Una edición autorizada y prologada por Kodama.

« Los pocos manuscritos que están en la Fundación Internacional que dirigía Kodama, en su mayor parte proceden de mis colecciones », aclara el librero.

Aizenman manifiesta que los manuscritos de Borges circulan de una manera impredecible. Por un lado, salió al mercado material perteneciente al entorno familiar muy próximo. Por ejemplo, Leonor Acevedo, la madre del escritor, retribuyó servicios con manuscritos de su hijo. Además, cuando empezaron a valorarse aparecieron más documentos de esa índole.

Un punto clave fue cuando Estela Canto, amiga del escritor, mandó a remate el manuscrito de El Aleph. En ese momento Aizenman empezó a conformar una colección importante que llegó a tener cincuenta manuscritos de Borges entre los que se encontraban los de « La Lotería en Babilonia« , « La muerte y la brújula« , « Emma Zunz« , « Examen a la obra de Herbert Quain« , « Tema del traidor y del héroe » e « Historia del guerrero y la cautiva« .

A los 23 años, Borges publicó su primer libro, Fervor de Buenos Aires. El escritor nacido en Buenos Aires el 24 de agosto de 1899 retrataba en sus poemas las calles de Buenos Aires, describiendo lugares como « La Recoleta« , « El sur » y « La Plaza San Martín« . El manuscrito de esta obra, que fue entregado a la imprenta Serantes hace un siglo, es muy especial. Con anterioridad no figuraba en los catálogos.

La primera tirada de la obra tuvo solo 300 ejemplares y se imprimió en julio de 1923, antes de que Borges regresara a Europa el 21 de julio de ese año. El libro salió a costa del autor o, más bien, de su padre, que abonó 130 pesos. La Imprenta Serantes, conocida en su momento por haber difundido una revista pornográfica llamada Mimí, fue la encargada de imprimir los libros a partir del manuscrito, convirtiéndose en el primer libro ultraísta publicado en Argentina.

En su texto Borges menciona la supresión a último momento de unos poemas de los que nada recuerda, pero cuya ausencia del conjunto de manuscritos permite conjeturar que nunca fueron considerados. En cambio sí está presente el inédito « Índice« , con una corrección que modifica el orden de los poemas solicitado inicialmente y respetada en la versión impresa.

Estudiosos de los manuscritos del escritor reconocen que es casi imposible reunir el corpus íntegro de su obra. Hay centenares que se dividen en los primeros borradores manuscritos de trabajo, a los que se suman las sucesivas versiones, ya corregidas y por último las más próximas a la publicación, como es el caso de la versión puesta a la venta por Aizenman. Los estudiosos de la genética literaria a partir de todos estos documentos pueden ver las alternativas, los dilemas sintácticos y lingüísticos, y el modo gráfico de presentar de Borges. Incluso el autor de El Aleph inventaba signos (circulitos, cuadraditos) y usaba corchetes y paréntesis. Un claro ejemplo fue el manuscrito de « El sueño de Coleridge« , también vendido por Aizenman, que poseía múltiples y variadas alternativas para cada frase. Estos manuscritos y borradores son fundamentales para analizar la obra del narrador, ya que nunca hay un punto final en sus textos: Borges siempre está corrigiendo, incluso lo publicado sobre textos publicados, con versiones casi íntegramente nuevas. Para la crítica genética, es fundamental acceder a estos materiales.

El coleccionista, escritor y actual presidente de la Feria del Libro Alejandro Vaccaro, conocedor como pocos del tema, asegura que « el material es muy interesante, entre muchas cosas, porque entre los poemas está el Índice que no fue publicado ». Y agrega: « Ojalá que quede acá en la Argentina, que no se lo lleven. Y la verdad, en manos de un librero como Víctor Aizenman, está todo garantizado ».

En la red social de la librería anticuaria que se encuentra en avenida Las Heras 2153, en el barrio de La Recoleta, a la vuelta del célebre cementerio, se pueden ver las primeras hojas del manuscrito. Con un clip oxidado se ven las hojas del prólogo, con la inconfundible letra de Borges y un triángulo de papel que tiene el sello »A REVISAR« . También aparecen los poemas « Las calles« , « Llaneza« , « Vanilocuencia« , que comienza con el famoso verso « La ciudad está en mí como un poema », y por último « Arrabal », dedicado a su cuñado Guillermo de Torre.

El escritor escribía frecuentemente en cuadernos escolares, de hecho Cuadernos de San Martín lleva ese nombre porque fue escrito sobre la marca de cuadernos de tapas rosas con ese nombre. Cuando trabajaba en la Biblioteca Miguel Cané usaba los de tipo espiralados Avon, o los similares a los utilizados en administración o contabilidad.

Borges no mecanografiaba sus escritos, hacía distintas versiones en papel económico y no solía pedir opiniones a sus amigos escritores enviándoles sus borradores.

Las compras de este tipo de materiales como el que llegó a manos de Aizenman se realizan en Europa, Estados Unidos y en algunos casos, como este manuscrito de Fervor de Buenos Aires, desde la Argentina. El librero solía participar en la Feria del Libro Antiguo de París para llevarse manuscritos de Borges, que según confiesa era la única figura que le interesaba.

La cifra del precio del manuscrito que saldrá a la venta es un misterio: todos los coleccionistas y libreros consultados prefirieron ser cautelosos y no hablar. « Lo único que puedo aclarar es que se habla de cifras millonarias pero está muy lejos de eso », cerró enigmático Aizenman.

 

[Fuente: http://www.telam.com.ar]

Dezenas de personalidades associam-se ao projeto Cidadania da Língua portuguesa

O Dia Mundial da Língua Portuguesa é celebrado amanhã, 5 de maio, e dezenas de personalidades lusófonas juntaram-se para gravar um vídeo. Todos os depoimentos começam com a frase ‘Para mim a cidadania da Língua é…' »

O escritor moçambicano Mia Couto junta-se à iniciativa.

Dezenas de personalidades lusófonas associaram-se ao projeto Cidadania da Língua, uma iniciativa da Associação Portugal-Brasil 200 anos, que na sexta-feira divulgará as suas participações, disse hoje o presidente da direção da entidade.

Em 5 de maio celebra-se o Dia Mundial da Língua Portuguesa e « para marcar esta data tão importante para os países falantes da língua portuguesa, a Associação Portugal Brasil, em conjunto com os seus parceiros, propõe uma reflexão acerca do tema », disse à Lusa José Manuel Diogo.

« Para isso, convidou várias figuras marcantes, que têm como denominador comum a língua portuguesa, a gravar um vídeo em que partilhem a sua própria visão da Cidadania da Língua. Aliás o vídeo deverá começar com a frase ‘Para mim a cidadania da língua é…' », explicou.

Estes vídeos curtos, começarão a ser apresentados na sexta-feira, no Flipoços fazendo parte da programação oficial do Festival Literário Internacional em Poços de Caldas, estado brasileiro de Minas Gerais, « como parte de uma instalação permanente sobre a cidadania da língua que terá a sua estreia em Coimbra no dia 23 de junho, na Feira do Livro da cidade, no ciclo Cidadania da Língua ».

Entre as personalidades que já aderiram ao projeto, José Manuel Diogo destaca Mia Couto, galardoado em 2013 com o Prémio Camões, e ainda diplomatas, ministros, escritores, atores e produtores culturais.

Para José Manuel Diogo, a língua portuguesa « é uma cidadania ».

« É provavelmente a única língua que até hoje, neste tempo de conectividade global, um dos países criou uma lei que faz com que falantes dessa língua possam viver noutro país », acrescentou, numa referência ao acordo de mobilidade da Comunidade dos Países de Língua Portuguesa (CPLP).

« O acordo de mobilidade da CPLP, ao garantir autorização de residência em Portugal praticamente automática aos cidadãos dos países de língua portuguesa, é um instrumento revolucionário porque assenta na pertença a uma língua comum e não a uma geografia. Esta desmaterialização da cidadania é uma inovação civilizacional », defendeu. Portanto, continuou, « isso mostra que a língua está mais viva que nunca, é mais importante que nunca ».

O projeto Cidadania da Língua prossegue em 12 de outubro numa parceria ao abrigo de acordos assinados em 2022 pelo Senado Federal do Brasil e a Câmara Municipal de Coimbra com a inauguração da Casa da Cidadania da Língua que terá a missão de « estudar, pensar, pesquisar as novas vizinhanças, as periferias que chegam ao centro, novos atos culturais, novas maneiras de entender o mundo ».

O projeto é coordenado pela escritora brasileira Samantha Buglione e a cocuradoria do escritor também brasileiro André Augustus Dias e dos produtores culturais portugueses Carlos Moura Carvalho e José Manuel Diogo.

 

[Foto: João Carlos Santos – fonte: http://www.expresso.pt]

O deseño da Galiza, protagonista no Porto

O deseño galego será o convidado de honra da edición 2023 da Porto Design Biennale, o maior evento bienal de deseño da península ibérica. 

As Mariscadoras, de Luis Seoane,1969

A Galiza é a rexión convidada da edición 2023 da Porto Design Biennale, o maior evento bienal de deseño da península Ibérica. Colle así o relevo de Italia e Francia, territorios invitados das edicións 2019 e 2021, en recoñecemento ao traballo de impulso ao deseño que se está realizando no país.

A participación protagonista da Galiza no evento será coordinada por David Barro, asesor do programa Diferenza e director da Fundación Didac, como comisario do territorio convidado.

A programación incluirá unha exposición de gran formato que permanecerá aberta en Matosinhos durante toda a duración da Porto Design Biennale, na que se incluirá unha retrospectiva sobre deseño gráfico, de produtos, estratéxico ou especulativo na Galiza, e abranguerá todo o último século. Ademais, acollerá un proxecto editorial, conferencias e obradoiros, actividades todas elas centradas no deseño para a innovación e a artesanía con selo galego.

A Galiza xa colaborara en anteriores edicións da Porto Design Biennale, cunha mostra colectiva de deseño galego en Porto, no ano 2019, e a presentación do programa Diferenza na edición de 2021, ademais da acollida no CIS Tecnoloxía e Deseño (Ferrol) da exposición Arquivo da materia viva despois do seu paso por Matosinhos, dentro da bienal portuguesa.

Percurso polo pasado o presente e o futuro 

Segundo explica a web da propia Porto Design Biennale, a programación galega, co título Galiza. Processos e Formas, pretende trazar « um percurso pelo passado, presente e futuro do design a partir da perspetiva da Galiza, analisando, em primeiro lugar, os antecedentes a partir de uma série de empresas paradigmáticas na aposta que fizeram no design, através da apresentação de exemplos pioneiros no sector das pescas, no turismo termal e na comercialização de águas, na indústria farmacêutica, na indústria automóvel, na indústria têxtil ou nas telecomunicações, e que termina nas iniciativas de Luis Seoane e Isaac Díaz Pardo com a criação do Laboratório de Formas e a recuperação da fábrica de Sargadelos como principal paradigma do design como motor da inovação na Galiza ».

A bienal desenvolverase desde o vindeiro 19 de outubro até o 3 de decembro.

 

[Fonte: http://www.nosdiario.gal]

La mano que remueve el puchero es la mano que domina el mundo

Escrito por Enrique Alpañés

Los silencios sociales tienen distintas texturas y es importante aprender a interpretarlas, a pesar del vacío de sonidos, y saber si nace de la incomodidad, de la atención o del sopor. Cuando bajó del escenario del Basque Culinary Center, María Nicolau no supo cómo interpretar el silencio del público.

Había caído como un pesado telón que la separaba del patio de butacas. Y se había mantenido así durante toda la charla. «Jo, es un público difícil, ¿no? Estaban muy serios», dijo en tono cómplice a su interlocutor al terminar, mientras se liaba un cigarrillo. Lo cierto es que Nicolau calló bocas nada más abrir la suya. Sorprendió, escandalizó e hizo pensar. Fascinó.

Era una de las ponentes en Diálogos de Cocina, un encuentro interdisciplinario sobre gastronomía que se celebró el pasado marzo en San Sebastián. Cuenta con la presencia de algunos de los mejores chefs del panorama nacional (Dabiz Muñoz, Andoni Luis Aduriz y Vicky Sevilla en esta última edición). Ante este público, Nicolau arrancó afirmando que los grandes chefs son prescindibles. Que la cocina importante no es la que se cuece en fogones refinados ni en cocinas estrelladas, sino en las casas. Y que esa cocina se está perdiendo. «Se cocina en las revistas, en las webs, en los espectáculos de televisión, en los congresos», declamó María en el escenario. «La cocina como contenido, entretenimiento, consumo de masas. Pero mientras pasa todo esto, en nuestras casas cocinamos menos que nunca en la historia». Y se hizo el silencio.

Pocos días antes de dejar sin palabras al público de Diálogos de Cocina, María Nicolau hizo enmudecer a la prensa especializada anunciando que abandonaba su restaurante, El Ferrer de Tall, para dedicarse a otros proyectos. Estos pasan por comunicar, por explicar los entresijos de la cocina y cómo esta nos dice mucho de quienes somos. Ya lo hizo en su libro: Cocina o barbarie y lo hace en sus colaboraciones con TV3 y Catalunya Radio. «Ahora tengo más visibilidad, pero esto no es flor de un día. Llevo 40 años siendo quien soy y trabajando para que esto pase», explica.

Nicolau seguirá cocinando donde importa. En su casa. Y quiere que todo el mundo haga lo propio, que se levante del sofá, se ponga un delantal y meta las manos en la masa. «No saber freír un huevo es una forma de analfabetismo», sentencia la chef.

«Cocinar te da un mínimo de autonomía para no tener que depender de que una gran corporación te venda un paquete de plástico con instrucciones de recalentado. Si yo no sé apañar una cena sencilla, quedo a la merced de que una empresa me lo venda al precio que ella considere, tomando las decisiones empresariales que ella considere respecto a mi territorio, a mis futuras condiciones laborales, a las de mis hijos…».

De esta forma, Nicolau entiende la cocina como una forma de activismo de la que es imposible desentenderse, pues «puedes decidir no cocinar, pero no puedes decidir no comer».

María Nicolau es chiquitita y enérgica como una lagartija. Habla escupiendo titulares a velocidad de metralleta y sabe implicar a su interlocutor en un discurso apasionado que conoce al dedillo. Toda esta pasión por la cocina no le viene de familia. Quizá le gustaría contar que aprendió a hacer guisos de su madre, junto al amor de la lumbre, pero lo cierto es que ella comía en el colegio, cenaba cualquier guarrada e iba dos veces por semana junto a su hermana a comer platos combinados en el bar de su barrio, en Barcelona. Sus padres tenían mucho trabajo y veían la cocina como un engorro.

Quizá por eso, como una forma de rebelión pendular, empezó a amar la cocina. A valorar a quien le dedica tiempo y a criticar y desmontar lo que ella llama el «síndrome de no-tengo-tiempo». No quiere con esto buscar culpables, sino poner a la gente frente al espejo, explicar que hay margen de maniobra y que en hacer un caldo se tardan tres minutos, «no es que tengas que estar mirando la cazuela todo el tiempo».

En este momento, Nicolau tira de cultura pop y cita a Rigoberta Bandini. «¿Por qué dice en Ay, mamá eso de “tú que tienes siempre caldo en la nevera”? Porque la madre, la abuela, cocinan. Porque una vez que deshuesa un pollo, hace un caldo. No sabe para cuándo, pero lo congela y lo tiene». De esta forma, la chef reivindica el poder de las despensas y los congeladores, el tener un fondo de nevera como quien tiene un fondo de armario. Cientos de ingredientes y preparados que combinan estupendamente con todo y que nos pueden permitir «apañar un platazo en tres minutos».

María Nicolau es didáctica cuando explica, pero es divertidísima cuando se enfada. No es un enfado real, sino una indignación teatral que la lleva a mofarse de situaciones en las que todos podemos vernos reflejados.

«¿Tú tienes una buena despensa o caldo en tu congelador?», pregunta a su interlocutor. «No, lo que tienes es un montón de recetas de influencers en la pestaña de favoritos de Instagram», dice con una sonrisa, consciente de que ha dado en el clavo. «¿Y para qué te sirven? Para que el día que te apetece hacer manualidades, vayas a comprar cuatro cosas, y estés cuatro horas en la cocina para hacer unas putas cupcakes. Eso no es cocinar, eso es perder el tiempo».

Nicolau está en contra de las recetas tasadas, dice que son como ejercicios de caligrafía. Por eso decimos que la cocina lleva mucho trabajo, explica. «Es que partimos de un sitio equivocado, partimos de la receta. Y partir de la receta significa tener que ir a comprar los tres ingredientes concretos que te dice. Y cocinar no es eso. Cocinar es buscarse la vida, es solucionar. Partir de lo que tienes para saber qué vas a cocinar. Si conoces cuatro técnicas básicas y la posibilidad de combinarlas, es infinita. Eso es cocinar, el resto es hacer manualidades».

Ella incide mucho en la responsabilidad personal, pero sabe que en nuestra relación diaria con la cocina hay factores externos, sociales, empresariales que han ido haciendo que dejemos de cocinar. «Todo este discurso que te cuento las empresas lo saben, no son inocentes», apunta. «Y se dedican a mandaros mensajes de marketing como de que la cocina es muy laboriosa, de que la cocina es un engorro, de que luego encima tienes que limpiar… Y te dicen “estate tranquilo, yo te lo soluciono”. Como si la cocina fuese un problema».

La cocina, defiende María Nicolau, no es un problema. Lo es el ceder el cucharón de mando a empresas y a terceros, el desentenderse de lo que compramos al llegar al súper, el dejar de hablar con la pescadera o el verdulero para pasar brotes de lechuga en bolsas por cajas de autopago en grandes superficies. La cocina no es un problema, es una solución. Y su misión en los próximos meses es convencernos de que es importante involucrarse y ser conscientes de lo que compramos y comemos. De que la mano que remueve el puchero es la mano que domina el mundo.

 

[Ilustración:  Glez Studio – fuente: http://www.yorokobu.es]

O presidente da RAG defende no IX Congreso Internacional de la Lengua Española a pluralidade cultural e lingüística

O presidente da Real Academia Galega participa no IX Congreso Internacional de la Lengua Española que reúne dende hoxe en Cádiz máis de 300 congresistas de todo o mundo hispánico. Víctor F. Freixanes intervirá, canda os responsables das academias vasca, catalá e española, nun encontro no que defenderá a pluralidade lingüística e cultural como unha riqueza que debe ser apoiada por unha política común dende o Estado e dende as comunidades autónomas. O presidente da RAG reivindica o desenvolvemento de iniciativas que abrangan dende os medios de comunicación e o sistema educativo –con especial atención aos primeiros niveis­ ata o comercio, a administración ou a representación internacional, chama a atención sobre o desafío que significa combater os modelos uniformadores que entraña a globalización, e reclama o fortalecemento dos recursos económicos e técnicos para facer efectivas as actuacións necesarias.

Víctor F. Freixanes intervén no foro ‘Lenguas y culturas, un patrimonio común del Estado español’ xunto ao director da RAE e a presidenta do IEC

Víctor F. Freixanes tomará a palabra no foro titulado Lenguas y culturas, un patrimonio común del Estado español, que terá lugar o martes 28 de marzo (16:30 horas) no marco do congreso organizado pola Real Academia Española (RAE), a Asociación de Academias de la Lengua Española (ASALE), o Instituto Cervantes, o Ministerio de Asuntos Exteriores e o Ayuntamiento de Cádiz. Compartirá foro coa presidenta do Institut d’Estudis Catalans, Teresa Cabré; o secretario de Euskaltzaindia, Adolfo Arejita, e o director da RAE, Santiago Muñoz Machado. A sesión poderá seguirse en directo dende a páxina web do congreso.

O presidente da RAG afondará na súa intervención no espírito da declaración institucional que a propia Real Academia Galega, Euskaltzaindia e o Institut d’Estudis Catalans fixeron pública en 2021 arredor do debate público sobre a presenza das linguas cooficiais no sistema educativo. As tres institucións salientan en dito documento que a diversidade lingüística é unha riqueza que cómpre preservar e avogan polo respecto mutuo e a convivencia entre as comunidades lingüísticas e os/as falantes das diversas linguas do Estado español. “Éuscaro, catalán, castelán e galego forman parte da pluralidade cultural e institucional que nos define, e a pluralidade nunca pode ser un problema. Debemos considerala unha riqueza da cal todos nos sintamos orgullosos”, reitera Víctor F. Freixanes.

O responsable da RAG asistirá este mediodía á apertura do congreso, que contará coa presenza dos reis de España no Gran Teatro Falla. Durante a súa estadía na capital gaditana, acudirá tamén, entre outros encontros, á inauguración da exposición do Consello da Cultura Galega Inventio Mundi. Galicia nas viaxes transoceánicas, séculos XVI-XVII na Universidad de Cádiz, que será presentada hoxe ás 10:00 horas pola súa presidenta, a académica Rosario Álvarez, que participa tamén no congreso.

O programa conta ademais coa participación do académico correspondente Luciano Rodríguez, que protagonizará xunto aos directores do Instituto Cervantes, Luis García Montero; do Ramon Llull, Pere Almeda; e do Etxepare, Irene Larraza Aizpurua, un tributo á diversidade lingüística.

 

 

[Fonte: http://www.academia.gal]

Lluís Domènech i Montaner: un dels grans oblidats

Domènech i Montaner és considerat per molts el pare del Modernisme a Catalunya i un dels màxims exponents del catalanisme polític. És l’autor d’obres com l’Hospital de Sant Pau o el Palau de la Música, a Barcelona. Enguany es compleix el centenari de la seua mort.

Lluís Domènech i Montaner

Escrit per Aina Rabassa

Enguany se celebra el centenari de la mort de l’arquitecte català Lluís Domènech i Montaner. Nascut a Barcelona l’any 1849, va ser el quart fill del matrimoni burgès entre l’editor i enquadernador Pere Domènechi Saló i Maria Montaner Vila, que pertanyia a una família acomodada de Canet de Mar (Maresme).

A més d’arquitecte, la figura de Montaner també va destacar en altres disciplines com ara la història, la política i les arts gràfiques, sent considerat un dels pares del catalanisme polític i el precursor del Modernisme a Catalunya.

Obres com l’Hospital de Sant Pau de Barcelona o el Palau de la Música Catalana —ambdues considerades patrimoni de la humanitat per la UNESCO— són alguns dels vestigis per on encara avui suren les despulles de l’artista de Canet de Mar.

El llegat de Domènech és extens. Passejant pels carrers de Reus o de Barcelona és fàcil reconèixer les estructures diàfanes i l’ús modern dels bastiments de ferro i de maó vist, conceptes i tècniques arquitectòniques que va introduir l’autor trencant amb les tendències historicistes de l’època.

Les obres del geni modernista s’han d’abordar amb una mirada multidisciplinària, analitzant totes les cares de l’autor

El modernisme de Domènech també el trobem a la Casa Solà-Morales, a Olot (Osona), així com a la Casa Navàs de Reus (Baix Camp) o a la Casa Rull, també a Reus.

Altres edificis emblemàtics a Barcelona, on va desenvolupar la major part de la seva obra arquitectònica, són la Casa Fuster, la Casa Lleó i Morera o el Castell dels Tres Dragons. A Canet de Mar hi podem trobar la casa de la família Domènech i Montaner, un conjunt convertit en museu que agrupa la masia Rocosa, del segle XVI, i la casa Domènech, del 1910.

Casa Fuster / Josep Panadero, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Però les obres del geni modernista s’han d’abordar amb una mirada multidisciplinària, analitzant totes les cares de l’autor: « Estudiar a Domènech només com a arquitecte empobreix del tot la seva figura », explica Carles Sàiz, president del Centre d’Estudis Domènech i Montaner, « perquè ell és un personatge complet, en el sentit que utilitza altres camps per intentar complementar l’arquitectura. Quan aprofundim en la seva arquitectura, ens adonem que la segona pell que vesteix els seus edificis, que es conforma de la decoració, segurament no l’entendríem sense aprofundir abans en la seva vessant política, o en la del món de les arts gràfiques o en l’intel·lectual. Tant és així que, ignorant la seva faceta editorial, no comprendríem que les façanes dels seus edificis són com un llibre obert, que ens conviden a llegir-lo ».

Els seus deixebles (Antoni Gaudí, Josep Puig i Cadafalch, Manuel Joaquim Raspall…) han deixat una forta empremta en l’imaginari històric del modernisme català. Però, què va fer que un geni polifacètic com Domènech i Montaner, visqués a l’ombra sense rebre el reconeixement que mereixia?

Com a polític tampoc no es mourà dels seus posicionaments inicials, fet que farà que els seus mateixos companys acabin sent-ne detractors i li surtin enemics dins del seu partit

Aquesta manca d’apreciació cap a l’autor català es deu, principalment, a dos aspectes. Domènech es va resistir a abraçar el Noucentisme, aferrant-se amb força a l’estil que va forjar, indiferent als nous corrents noucentistes que començaven a gestar-se a principis del segle XX: « Mentre els seus coetanis assassinen l’estil anterior, i es declaren noucentistes, Montaner, gràcies a tenir l’oportunitat de fer obres de llarga duració com l’Hospital de Sant Pau, no sacrifica el que funda i segueix amb l’estil que creu que millor defineix i dona identitat al país », explica Carles Sàiz.

A més, com a polític tampoc no es mourà dels seus posicionaments inicials, fet que farà que els seus mateixos companys acabin sent-ne detractors i li surtin enemics dins del seu partit: « La poca evolució cap al liberalisme republicà incomodarà fins i tot els republicans. Amb l’arribada de la Segona República, l’any 1931, no reivindicarà ni el catalanisme conservador ni el republicà. El que sí que tindrà seran molts deixebles, que alguns l’acompanyaran i altres l’abandonaran. Puig i Cadafalch serà deixeble directe de Domènech i Montaner, però acabarà secundant les tesis de Francesc Cambó en la política, i hi haurà un trencament », assenyala Sàiz.

A més, el franquisme va tenir un paper cabdal en l’ocultació i extirpació de la figura de l’arquitecte, que veia l’herència de Montaner com la precursora del catalanisme i, per tant, responsable d’estendre aquestes idees entre la societat.

Casa Rull / Thierry Llansades

Rupturista

Com a arquitecte, Domènech i Montaner es va posicionar com el creador d’un corrent artístic estrictament vinculat a Catalunya. El 1878 publica l’article « En busca d’una arquitectura nacional », en el qual defineix les bases d’un nou estil eclèctic, que absorbeix tots els estils del passat per crear-ne un de nou. Però aquest estil té tanta força que agafa identitat pròpia i fa néixer el Modernisme català. En comptes de continuar amb la tendència arquitectònica de l’època, que es fonamentava en una arquitectura historicista basada en els estils del passat, Domènech i Montaner crea un nou estil com a síntesi de tots aquells gèneres identitaris catalans. Pel que fa a les arts decoratives, revoluciona el tractament decoratiu arquitectònic, tot impulsant i recuperant antigues tècniques com ara la vitralleria emplomada o l’esgrafiat.

Teòric i visionari

Domènech i Montaner va esdevenir un gran teòric de la política i l’arquitectura. L’any 1892 va presidir les Bases de Manresa, i ja teoritzava com havia de ser la Catalunya del futur: amb un autogovern, institucions i lleis pròpies. « Avui podríem dir que tots els partits polítics nacionalistes serien tributaris del seu passat, perquè va ajudar a fundar el catalanisme conservador i va posar els fonaments del catalanisme republicà o progressista », explica Sàiz.

Va iniciar la seva vida política molt jove, i el 1888 presidia la Lliga de Catalunya, sempre tenint present el catalanisme com a eix central de la seva vida i obra. També va fundar la Unió Catalanista, partit del qual va ser-ne el primer president, amb Enric Prat de la Riba com a secretari, i també va ser un dels signants del Manifest a la reina regent, del 1898. Va ser elegit tres vegades president de l’Ateneu Barcelonès, i també va presidir els Jocs Florals de Barcelona l’any 1895.

Intel·lectual

Després d’estudiar ciències fisicomatemàtiques, Domènech i Montaner va estudiar la carrera d’arquitectura a Barcelona, i ja des de petit la biblioteca immensa del seu pare es convertí en el santuari on Domènech passaria llargues hores llegint, fet que li permetria adquirir els coneixements necessaris per generar una estètica simbòlica en els seus edificis. A partir dels estudis sobre mitologia grega i romana, vesteix de simbolismes les seves obres. També va fer moltes aportacions en el camp de l’arqueologia romana i tardoromana a les comarques tarragonines, i és l’autor d’estudis molt pioners, com ara el de la « Barcelona Romana » o l’estudi sobre Tàrraco. Amb aquests elements patrimonials l’arquitecte buscava reivindicar el patrimoni català per intentar justificar la seva acció política.

 

[Font: http://www.eltemps.cat]