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Comeza o Congreso Internacional de Toponimia no Camiño de Santiago

«Avieira como símbolo dos viaxeiros, da peregrinación, é unha creación da lingua galega. Só en galego conflúen nunha mesma palabra o substantivo que designa a cuncha do bivalvo e o adxectivo relativo ás vías dos camiños», proclama o académico Gonzalo Navaza. O Congreso Internacional de Toponimia no Camiño de Santiago arrincou onte a súa andaina na Facultade de Filoloxía da USC (Universidade de Compostela) cunha indagación das relacións dos nomes de lugar cos relatos xacobeos lendarios e reais.

Foi Navaza quen abordou na conferencia inaugural as etimoloxías xacobeas, dende o inexistente campo de estrelas de Santiago ata o nacemento de Viana do Bolo e da Coruña. Ao longo de tres días, o congreso reúne especialistas de Galicia, a Península, Italia e Francia. O encontro cobrará hoxe pulo musical con Germán Díaz, que ofrecerá (ás 19.30 horas) un concerto aberto ao público sobre a zanfona e a ruta xacobea.

No comezo do congreso, organizado pola Real Academia Galega (RAG) coa colaboración da USC e a Asociación Galega de Onomástica (AGON), e o apoio da Deputación da Coruña e da Xunta, o presidente da RAG, Víctor F. Freixanes, quixo pór de relevo a importancia deste encontro, que, anotou, «confirma a Academia e o mundo académico galego en xeral como un dos centros da toponimia, non só pola enorme riqueza que ten a nosa terra en nomes de lugar, senón pola tradición dos estudos de toponimia».

A académica Ana Boullón, organizadora do congreso xunto coa académica correspondente e presidenta de AGON, Luz Méndez, sinalou que o obxectivo é impulsar as novas investigacións sobre os nomes de lugar en Europa, a través dunha chamada á sistematización dos estudos científicos neste eido relacionados coas rutas xacobeas. «Queremos —di— que o europeísmo e tamén a multidisciplinariedade percorran as xornadas: a aplicación das novas tecnoloxías, a historia, a cartografía, o turismo ou a rehabilitación do patrimonio serán outros dos distintos eixes do proxecto».

O de Compostela foi un dos nomes abordados por Navaza, exemplo que dá conta da pegada na toponimia das crónicas do Camiño, lendarias e reais. Lembrou que é o diminutivo do resultado común galego do participio do verbo latino componere, con diversos significados, dende compoñer e construír ata adornar. «Quizais ten que ver con que a basílica de Santiago acabouse de construír a finais do século IX, o que explica a tardía aparición deste topónimo», suxire o profesor da Universidade de Vigo.

A crenza tan estendida de que Compostela quere dicir «campo de estrelas» ten en calquera caso moito de etimoloxía xacobea. Baséase nunha das lendas recollidas no libro cuarto do Códice Calixtino, o Pseudo Turpín (século XII), a crónica mítica da presenza de Carlomagno en Galicia. «Nos primeiros textos do Códice Calixtino menciónase a claridade cando se fala do lugar onde apareceu o sepulcro do apóstolo, pero non as estrelas. Estas non aparecen ata o Pseudo Turpín, no episodio en que Carlomagno soña que as estrelas o guían ata Santiago. Daquela, seguindo o camiño das estrelas, prepara a expedición na que irá deixando o Camiño libre de infieis. Este material lendario incorporouse ao Códice a partir da tradición da traslatio, a que explica como chegaron os restos do Apóstolo a Galicia ata o porto fluvial de Iria Flavia, que aparece nas fontes documentais con posterioridade á da inventio, a referida á descuberta do sepulcro do Apóstolo», detalla.

Malia ser o Pseudo Turpín un texto rexeitado pola ortodoxia católica, a lenda transmitiuse. No XV a estrela xa formaba parte da iconografía popular xacobea e no XIX chegou a oficializarse dalgún xeito cando o bispo López Ferreiro tivo por certa esta etimoloxía, dando comezo a unha serie de polémicas dentro da propia Igrexa, engade Navaza.

É un exemplo das etimoloxías fantásticas que imperaron durante séculos, antes de que se procurase o rigor científico. «Durante moito tempo a arte etimolóxica foi unha especie de rama da filosofía que consistía en ver o que esconden as palabras, en revelar a íntima realidade que designan, dicíase. E a través dela consolidáronse moitas ocorrencias e lendas», argúe Gonzalo Navaza.

Sobre Santiago, Liberum Donum, Libredón, Crunia, Faro e Brigantium

O outro elemento do topónimo da capital galega, Santiago, ten tamén unha clara orixe medieval asociada ao achado do sepulcro do apóstolo. «A aglutinación de santo ao nome non atopa equivalencia noutras linguas romances, agás no castelán porque o recibe do galego», indica Gonzalo Navaza, que aclara que formas como Xacobe non son completamente equivalentes a Santiago. A primeira refírese ao patriarca do Antigo Testamento, Iacob en latín; e Santiago é a forma aplicada aos apóstolos de Xesús a partir da forma latina Iácobus. Si son variantes de Santiago Iago ou Tiago, mentres que Diego, malia o que se adoita dicir, non garda relación.

Pero como se chamaba antes Santiago de Compostela? O Chronicon Iriense (século X) e a Historia compostelá (XII) rexistran a denominación en latín Liberum Donum, e só posteriormente aparece a correspondencia romance Libredón, que fai referencia ás terras seguramente doadas polas autoridades a raíz da descuberta do sepulcro e que gozaban da protección da coroa. «Isto explica outra etimoloxía xacobea, a do Milladoiro e outros lugares da zona co mesmo nome, porque as sucesivas doazóns de terra arredor do sepulcro iríanse marcando con miliarios».

O da Coruña é outro dos topónimos xacobeos estudados por Navaza que non proceden da tradición local, senón que foi tamén asignado polo rei don Afonso inspirándose nas crónicas carolinxias do Códice Calixtino, segundo propón o filólogo. Antes de pasar a chamarse Crunia no ano 1208, lembra, a cidade coñecíase como Faro, nome que á súa vez substituiría o antigo Brigantium.

Tono Arias, fotógrafo, vén de participar no XII Encontro de Artistas Novos levado a cabo na Cidade da Cultura cun relatorio sobre a súa experiencia. Arias fala do seu espazo, Dispara, e da evolución da industria fotográfica ao longo da súa carreira, agora centrada no documental porque, como el di, « ás veces conta máis o tendal dunha casa que o propio retrato da familia ».
O creador Tono Arias leva case corenta anos no mundo da fotografía. (Foto: Nós Diario)

O creador Tono Arias leva case corenta anos no mundo da fotografía.

Publicado por LAURA VEIGA

—Como foi a experiencia no XII Encontro de Artistas Novos?
Non participara nunca. Para min sempre é interesante mesturarme con artistas, aínda que non me sinto integrado no termo. Si que fago cousas como libros, fotografías ou exposicións; véxome máis como creador que como artista. Conteilles o meu traballo desde que comecei na prensa até o que fago agora con Dispara na Estrada. Ao final é unha traxectoria que comezou en 1984 e diría que teño unha experiencia importante.

—Pasou por moitos ámbitos dentro deste mundo.
A todo o relacionado coa fotografía póñolle boa cara. Se me chaman para facer unha voda, aínda que non é algo que me interese moito, vou encantado porque sempre atopo un recuncho para o meu espazo como creador; alén das fotos que se necesitan dunha voda, fago imaxes para o meu traballo documental. Gústame sobre todo facer cousas relacionadas coa contorna, co meu territorio e co que constrúe e destrúe a xente. A prensa dáche a aprendizaxe de saberte colocar e xa sei como se pode producir unha imaxe nun momento dado. Ás veces falla, claro, mais tes esa experiencia e esa enerxía de estar atento.

A prensa cambiou moito, mais na época na que eu traballaba era necesario capturar un instante que os teus compañeiros non puidesen ter, había bastante competencia entre nós e iso queda no teu ADN para aplicalo despois. Agora fago un traballo máis documental, mais sigo buscando esas imaxes. A min non me interesa sacar o que acontece nun momento e que todo o mundo pode ver, quero capturar o que ocorre detrás del, antes ou despois.

Nestes momentos os fotógrafos temos competencia con todo o mundo en xeral, porque todas as persoas sacan fotos. Se quero achegar algo á fotografía teño que darlle á xente cousas que non pode ver. E para iso non podes estar onde están todos os cidadáns; ás veces conta máis o tendal dunha casa que o propio retrato da familia, ou o lixo que tiramos. Isto é utilizar unha linguaxe en chave co lector, que poida imaxinarse e conectar dunha forma que non sexa moi obvia.

—Os encontros e o intercambio de experiencias son tamén a motivación de Dispara.
Si. Tamén pretende ser un espazo no rural, co que significa instalarse aí porque é difícil atopar público e participación. Ademais non temos orzamento, financiamos todo coas persoas que veñen mercar un libro ou que se apuntan a un taller. Ao mellor, con 600 euros montamos unha exposición. Non é algo que sexa rendíbel economicamente, mais creo que precisamos ter esta enerxía totalmente independente.

É un certo luxo a estas alturas estar facendo cousas e que ninguén che diga por onde tes que ir. Significa que vas estar sempre instalado nunha precariedade, mais unha vez que te acostumas non hai problema.

—Cales son os cambios máis salientábeis que percibiu desde os seus inicios?
É complexo. Hai algunha xente que esta é a súa forma de vida e outra que está nunha situación moi precaria. Até que comezou a fotografía dixital compensaba ser fotógrafo porque despois de revelar no laboratorio só había que entregar as copias. Agora hai que retocar todas as imaxes e inclusive engadir cousas ou persoas que non estaban. O traballo duplicouse e non se cobra nin a metade do que se cobraba.

Tamén hai moitas pequenas empresas que teñen unha certa despreocupación pola imaxe e a institución é a primeira que non respecta o sector. Non pode ser que apareza o logo da Xunta nun libro feito por unha editorial importante e que o fotógrafo sexa un afeccionado que non está dado de alta nin cobrando unha tarifa mínima. As institucións públicas deben preocuparse de traballar con profesionais porque senón estamos financiando a precariedade dun sector.

[Fonte: http://www.nosdiario.gal]

 

L’eveniment foguèt l’escasença d’escambiar per pensar amassa a de nòus mejans per reviscolar las lengas minorizadas

L’occitan foguèt plan representat al 3n Congrès Internacional de Revitalizacion de las Lengas Indigènas e Minorizadas, que se debanèt la setmana passada a Perpinhan e a Girona (Catalonha). I aguèt divèrsas comunicacions scientificas pertocant la lenga nòstra e sa practica dins la societat e l’escòla, son estatut e sas representacions dins los estats francés, italian e espanhòl, e mai una conferéncia plenièra de Jaume Costa que se tenguèt tota en occitan. De soslinhar que l’occitan èra una de las lengas de trabalh e se podiá traduire simultanèament. Las autras lengas èran lo catalan, l’espanhòl, lo portugués, lo francés e l’anglés.

L’eveniment se debanèt del 13 al 16 de setembre. Pendent aquelas quatre jornadas, de cercaires en lingüistica e sociolingüistica participèron a mai de 110 conferéncias, obradors e comunicacions scientificas sus las lengas e situacions sociolingüisticas dins lo Mond entièr.

Foguèt l’escasença de presentar de recèrcas e de descobrir d’autras investigacions del Mond, e d’escambiar per pensar amassa a de nòus mejans per revitalizar las lengas minorizadas.

Lo Congrès a prepausat, principalament, tres tòcas: difusar d’aspèctes educatius e de recèrca restacats al plurilingüisme, far conéisser d’accions en favor de la  revitalizacion de las minorizadas e divulgar las recèrcas sus d’aspèctes lingüistics, socials, politics e culturals en relacion amb las lengas indigènas e minorizadas. L’an organizat l’Universitat de Girona, l’Universitat Via Domitia de Perpinhan e lo Smithsonian Center for Folklife and Cultural Heritage.

[Sorsa: http://www.jornalet.com]

Alcarràs conta l’istòria de la darrièra culhida de frucha d’una familha dins un domeni de la vila d’Alcarràs, près de Lhèida

Lo filme Alcarràs, de la realizaira catalana Carla Simón, concorrerà als 95ns Oscars que se tendràn lo 12 de març de 2023 a Los Angeles (Estats Units), çò anoncièt dimars setmana l’Acadèmia del Cinèma espanhòla.

Rodat integralament en catalan, Alcarràs conta l’istòria de la darrièra culhida de frucha d’una familha dins un domeni de la vila d’Alcarràs, près de Lhèida, abans que los proprietaris i installen de panèls solars. L’istòria s’inspira d’un episòdi de la vida de Simón, que sa maire es originària d’Alcarràs. La realizaira a dedicat lo filme “a totas las petitas familhas d’agricultors que trabalhan la tèrra cada jorn per que la frucha pòsca arribar dins nòstras siètas”.

La distribucion del filme es integralament compausada d’actors non professionals engatjats dins los camps del país. Un total de 9000 agricultors participèron al casting.

En febrièr passat, Alcarràs emportèt l’Ors d’Aur de la 72a Berlinale, lo festenal internacional de cinèma de Berlin.

Manipulacion de Wikipèdia del Ministèri de la Defensa estant

Tanlèu anonciada la participacion del filme Alcarràs als Oscars, un usatgièr de Wikipèdia modifiquèt l’intrada consagrada a la vila d’Alcarràs, dempuèi una adreiça IP del Ministèri de la Defensa espanhòl, per eliminar e modificar las referéncias als faches que se passèron lo 1r d’octòbre de 2017. Aquel jorn, mentre que s’i debanava lo referendum d’independéncia de Catalonha, la polícia espanhòla ataquèt qualques centenats de personas que defendián pacificament las urnas, en causant un bilanç de 20 personas nafradas.

La modificacion, segon çò que se pòt veire dins la quita intrada, se faguèt qualques oras après l’anóncia de l’Acadèmia del Cinèma espanhòla, e s’eliminèt la frasa ont se disiá que “la polícia espanhòla carguèt contra los manifestants per n’evitar la realizacion”, e s’i apondèt lo mot “illegal” al costat de “referendum”.

Aquela manipulacion foguèt ça que la lèu detectada, e durèt solament 13 minutas.

[Sorsa: http://www.jornalet.com]

El pasado domingo, día 11, murió el director de cine Alain Tanner (1929-2022). Artífice de una obra profunda que renovó el cine suizo, retrató la sociedad centroeuropea de la segunda mitad del siglo XX con moderadas dosis de esperanza, certificando sus dificultades para adaptarse a la voracidad del sistema y sus crecientes atrocidades.

El realizador suizo Alain Tanner, en París, en 1985. Foto: Pierre Perrin/Gamma-Rapho (Getty Images)

Escrito por Ramón Ayala

El director suizo Alain Tanner, nacido en Ginebra en 1929, se formó como economista. Tras un período trabajando en empresas de transportes, funda junto a Claude Goretta el cineclub universitario de Ginebra en 1952. Ambos pretendían poner de manifiesto, por medio del cine, la realidad histórica y social de un país. Un retrato oculto por la moral o por las pintorescas imágenes turísticas de una falsa felicidad que, muchas veces, se identifica con el alto nivel de vida helvético. Este proyecto resulta casi imposible de realizar en una Suiza oficialmente indiferente al séptimo arte e industrialmente anémica en lo audiovisual.

Siempre acompañado por Goretta, Alain Tanner va a Londres, frecuenta a realizadores del free cinema, trabaja para el British Film Institute y rueda con su compañero un cortometraje, “Nice Time” (1957), que es galardonado en el Festival de Venecia. De vuelta a su ciudad natal, filma películas por encargo y, finalmente, realiza su primer largometraje, “Charles, vivo o muerto” (1969), tras un paso por París donde frecuentó los círculos de la Cinémathèque de Langlois y se empapó de primera mano del primer espíritu de la nouvelle vague. Tras ganar el Leopardo de Oro de Locarno, la buena fama de este debut –donde un ejecutivo se rebela contra el capitalismo al que sirve– permitirá el nacimiento de un cine nacional suizo junto con otros realizadores como Michel Soutter, el citado Claude Goretta, Jean-Louis Roy y Jean-Jacques Lagrange. Su segunda obra, y primera en la historia subvencionada por el estado suizo, es “La salamandra” (1971), con Bulle Ogier como protagonista, escrita a cuatro manos con el escritor inglés y teórico de la estética John Berger, con quien también firmará “El centro del mundo” (1974) y “Jonás, que cumplirá los 25 años en el año 2000” (1976).

“Charles, vivo o muerto”, nostálgica e intimista, se convertirá en una especie de película fetiche de toda una generación marcada por la década de 1960. En estas primeras obras Tanner sitúa a los personajes centrales sintiéndose al margen de una sociedad que intenta estandarizarlos: mientras que el Charles de la primera verá abrirse ante él las puertas del asilo psiquiátrico, la Rosemonde de “La salamandra” evoluciona de la laxitud existencial a la rebelión contra la vida ordenada, incluso mentalmente.

Alain Tanner con Catherine Rétoré y Clementine Amouroux en el rodaje de “Messidor” (1979). Foto: Getty Images

Alain Tanner con Catherine Rétoré y Clementine Amouroux en el rodaje de “Messidor” (1979). Foto: Getty Images

La obra de Tanner concentrada en la década de 1970 muestra una Suiza lejos de sus antiguas virtudes paradisíacas que se descubre, con estupor, vulnerable, sometida a tensiones que no pueden camuflar las coartadas de la neutralidad. Su “nuevo” cine le permitió una toma de conciencia; rompió los tabúes para dejar aflorar verdades profundas, en un movimiento estético y ético ferviente que basta para explicar la audiencia inesperada que convocó. Una audiencia que ya había vivido la contracultura y el Mayo del 68 en el país vecino. Hijo de su época, el cine de Tanner es paradigmático del cine político europeo, flirtea con la utopía, la denuncia, al señalar al rey desnudo y otorgar una profundidad psicológica de innovadora complejidad a los roles femeninos. De un didactismo brechtiano y un realismo desencantado, el cine de Tanner visto hoy supera la ingenuidad ideológica para seguir siendo relevante en sus retratos humanos, dirigidos con gran psicología aunque con cierta planicie estética. Aprisionados en un presente determinado por el pasado y con un futuro desesperanzado, sus personajes se valen tan solo de sueños para defenderse de un retrato determinista. Sus criaturas son antagonistas de un villano siempre invisible, pero que las rodea las 24 horas. Una lección aprendida décadas después por Laurent Cantet o Nicolas Klotz.

Algunos títulos, al igual que los temas que sustentan las obras de Tanner, clarifican esta problemática del enclaustramiento cobarde y del profundo aunque inútil deseo de liberarse: “Vuelta de África” (1973), “El centro del mundo”, las utopías pedagógicas de “Jonás, que cumplirá los 25 años en el año 2000”, la imitación de Ícaro que persigue el adolescente de “A años luz” (1981), la puesta entre paréntesis de “En la ciudad blanca” (1983) con el marino suizo en Lisboa interpretado por Bruno Ganz, deseoso de desaparecer.

El cine que Tanner deja es una obra en cierta manera de evasión, más deseada que vivida. Un cine de utopías poco optimistas. Más ideológico que político. Es testimonio de una Europa en la que, como último veneno de las guerras mundiales y la barbarie, queda la corriente de insatisfacciones de una juventud demasiado idealista para ser feliz en tiempos de pragmatismo y cinismo. ∎

Póquer de Tanner


“La salamandra”
 (1969)
Un periodista y un novelista investigan un incidente para la televisión suiza. Supuestamente un hombre se disparó a sí mismo limpiando un rifle, pero hay que dilucidar si fue su sobrina Rosamonde (Bulle Ogier) quien apretó el gatillo. La Rosamonde de Tanner –quijotesca, libre y salvaje– se introduce en la vida de los dos y cataliza un cambio social en ambos: los exilia de la “normalidad”. Contra la búsqueda de argumentos para comportamientos atípicos.


“Jonás, que cumplirá 25 años en el año 2000”
 (1976)
Ocho personas que vivieron juntos el Mayo del 68. Entre ellas un editor desencantado, una cajera que ofrece descuentos a los mayores, una estudiosa del sexo tántrico, Jonás que tiene seis años y una mirada ingenua sobre el mundo. La cinta es paradigmática de una retórica ideológica muy fechada, pero, precisamente, como un mosquito en ámbar, es un documento valioso: libertad sexual, generosidad y consideración, fe en el intelecto contra el reduccionismo político, ateísmo ilustrado, espíritu comunal. Si Jean Eustache expresó un desencanto dandi hacia el Mayo del 68 y Jean-Luc Godard flirteaba con la lucha armada y la propaganda subido a un deportivo, Tanner se reservó la utopía.


“Messidor”
 (1979)
Antes de “Thelma y Louise” (Ridley Scott, 1991), estuvo esta película. Dos amigas, una estudiante y una dependienta, un viaje en autoestop sin destino concreto, una violación, una pistola robada, el reverso del paisaje pintoresco suizo. La promesa de ser libres. Pero la libertad acaba cuando se acaba el dinero. Tanner sitúa a sus personajes en una hipótesis utópica y deja que la realidad conduzca la dramaturgia hacia un realismo pragmático sin rastro de ironía. No hay suicidios heroicos sobre el Gran Cañón. Tan solo la vida en el vacío en una pantalla blanca.


“En la ciudad blanca”
 (1983)
Para salir de la sociedad establecida, Paul (Bruno Ganz) decide parar. Y bajar del barco donde trabaja en Lisboa, alquilar una habitación, pasear, rodar películas en Súper 8 que envía a su pareja suiza, enamorarse de una camarera, hacer nada en absoluto. La película más estéticamente potente del suizo tiene a su favor esconder el subtexto político en algo más sutil y universal, la capital lusa como un plató en estado de gracia y una escritura que dirige la mirada a una hermosa fantasmagoria a pleno sol. ∎

Estes establecementos están en auxe desde a chegada da crise

A Vella Librería, local en Pontevedra dedicado ao comercio de libros usados que dirixe Paula.

Escrito por CARLOS PORTOLÉS

A crise mingua as carteiras. E as carteiras, canto máis minguan, menos invisten en cultura e entretemento. Son (con razón) os primeiros gastos sacrificados en tempos de frugalidad. Viuse coa necesidade de crear bonos de consumo cultural por parte das Administracións. E é que o esencial é encher a neveira e o tanque de gasolina.

Esta situación fai que, por exemplo, non se compren, coa mesma alegría, libros en papel. Non todo o mundo ten a posibilidade de gastar vinte ou trinta euros nun exemplar noviño da última novela do escritor de moda. Por iso o sector das librerías de segunda man preséntase, cada vez máis, como unha alternativa alcanzable. Unha ponte aberta cara ás letras. Vendendo volumes a prezos máis que razoables, estes establecementos serven tamén para darlle unha nova vida a tomos esquecidos de bibliotecas mortas.

Rafael Díaz leva á fronte da librería Incunable da Coruña case catro decenios. Desde 1984, ano moi literario. O local foi fundado pola súa nai. Leva tanto tempo tras o mostrador que foi testemuña e partícipe dos mil cambios recentes do sector. Algúns foron abafadores, como a chegada de Internet e as súas revolucións. «Se queres, hoxe podes montar unha librería completamente virtual desde a túa casa. Agora as cousas son distintas», admite.

Rafael é un dos moitos que loitan por manter vivo un mundo que xa non está (ou que, como mínimo, cada vez está menos). A arqueoloxía literaria, a veneración polo manuscrito atopado e polas páxinas amareladas de data antiga son cousas cada vez máis pequenas e remotas. «Algúns libros antigos que antes se vendían a 90 euros agora hai que vendelos por 20».

No entanto, os libreiros son unha dúctil estirpe, acostumada navegar o cambiar dos tempos. Por iso, Rafael tamén é capaz de dar un paso atrás e admitir algúns dos beneficios da dixitalización. «O electrónico tamén lle fixo un ben á literatura. Permite acceder de forma remota e libre a libros moi antigos que en físico son practicamente imposibles de atopar».

A de libreiro é unha das profesións máis románticas e romantizadas. Os tópicos, ás veces, fúndanse sobre verdades. Ante a pregunta «¿Que é o que máis lle gusta de vivir entre libros?», todos deixan entrever o seu lado máis sensible. Ese que os empurrou a dedicar os seus días e esforzos ao oficio das letras, e non a outros máis lucrativos. O borda a resposta de Rafael: «A min o que máis me gusta é que sempre se aprende algo e sempre che namoras de algo. Unha edición rara dun Shakespeare, un As mil e unha noites…».

No corazón de Pontevedra hai unha entrañable libreira. Chámase Paula, pero o seu alcume é a Vella. Un sobrenome cariñoso que a portadora leva con orgullo. Non é un insulto, é que é a dona da Vella Librería, un dos locais de compra-venda de libros clásicos da cidade.

A desta libreira é outra historia de vocación. «Este mundo é para os que nos gusta moito o libro en papel, lograr unha oportunidade de darlles unha segunda vida», conta. É aberta e atenta. Por iso ten tantos clientes fieis que confían no seu criterio e discuten con ela as súas últimas lecturas.

Tamén aproveita para desmontar algúns mitos inxustos. «Á tenda vén moita xente nova en busca de literatura de calidade. Deses títulos que aparecen en todas as listas de clásicos universais. Non é cuestión de idade, ás librerías veñen os que gustan de ler», argumenta.

Non só compran libros, tamén aceptan doazóns. Pero o diñeiro que sacan coa venda dos exemplares cedidos é abonado a dúas asociacións benéficas. Unha de rescate de animais e outra de loita contra o cancro. «Ademais, aquí —engade cunha voz calmadamente alegre— teño o privilexio de atopar tesouros todos os días». Falando con libreiros, deseguido se atopa unha constante. A case todos lles gusta dialogar e coñecer. Son curiosos como o son todos os ratos de biblioteca.

Javier Fita rexenta a librería Nigraponte, tamén en Pontevedra. Asegura que o que máis goza do seu traballo é «o espazo conversacional que se crea co cliente». Pero vai máis aló. Ve a súa tenda como algo a metade de camiño entre «un sofá psicoterapéutico e un negocio». Concíbeo así porque, no seu recuncho do mundo, as persoas entran para «falar sobre ideas e libros».

A lectura é unha testemuña que pasa de xeración en xeración. Así o confirma Fita, que observa a diario con satisfacción a «pais que veñen buscar libros para os seus fillos». Estas tendas son unha sólida liña de defensa para o papel. Ese a o que sempre matan pero nunca morre. Porque son moitos os seus usos e as súas vidas.

De franquías, bibliófilos, vocacións e feiras

En Galicia hai decenas de librerías de segunda man distribuídas ao longo e ancho das catro provincias. Mesmo hai algunhas cadeas, como Re-Read. É unha franquía que ten locais por toda España. En Galicia teñen puntos de venda en cidades como A Coruña, Vigo, Santiago e Ourense.

Pero para atopar exemplares máis raros e antigos, é mellor pasearse por sitios como Valín, en Lugo. É unha pequena pero moi recargada estancia. Os libros alagan cada esquina. Amontóanse aquí e alá. Un punto máis que interesante para bibliófilos. No entanto, José Manuel Valín, o dono, sinala que «está a baixar moito a venda do libro antigo». E que cousas que antes interesaban amplamente como edicións ben conservadas do século XIX, xa non teñen case saída. Achácao a un «cambio xeracional». Pero algo no que coinciden todos os entrevistados é en que uno non se mete neste negocio para facerse de ouro. «Nunha cidade non moi grande, como é Lugo, se che dedicas a isto é porque che gusta. Un ten que decidir que facer coa súa vida. Eu decidín dedicar a miña aos libros», referenda Valín.

Actualmente, a 31.ª Feira do Libro Antigo e de Ocasión de Galicia está a piques de acabar o seu itinerario. Como todos os veráns, este evento leva, durante uns días, a venda de libros de segunda man e de exemplares descatalogados a puntos céntricos das principais cidades galegas. Ata o 4 de setembro estivo aberta nos Xardíns de Méndez Núñez da Coruña. Levaba desde maio facendo xira. Pasou, como todos os anos, por Santiago, Ferrol, Vigo e Lugo. É unha cita que ofrece tantas pezas singulares para coleccionistas como exemplares de reventa máis modernos e baratos. O libro, cada vez máis facilmente accesible. Xa non hai escusas.

 

[Imaxe: RAMON LEIRO – fonte: http://www.lavozdegalicia.es]

Pour sa 79e édition, le prestigieux festival de cinéma propose plusieurs longs métrages bienveillants et respectueux permettant de mieux comprendre les enjeux de la transition de genre.

D'une extrême pudeur, le film Monica évite tous les écueils auxquels on pourrait s'attendre. | Capture d'écran Screen International via YouTube

D’une extrême pudeur, le film Monica évite tous les écueils auxquels on pourrait s’attendre. | Capture d’écran Screen International via YouTube

 

Écrit par Anaïs Bordages — édité par Natacha Zimmermann

Du Père Noël est une ordure à Tomboy, les œuvres de cinéma qui parlent de transidentité existent depuis longtemps, même si elles ne le font pas toutes de manière égale. La façon dont les minorités sont représentées à l’écran peut souvent solidifier des clichés et perpétuer, dans la vraie vie, un regard intolérant ou biaisé.

Par exemple, le fait d’attribuer des rôles de femmes trans à des acteurs masculins –comme Melvil Poupaud dans Laurence Anyways ou Jared Leto dans Dallas Buyers Club– est une habitude fréquemment critiquée, car elle vient renforcer le cliché selon lequel les femmes trans ne seraient que des hommes déguisés en femmes.

Fini les clichés, place au respect

Beaucoup de personnes trans et militants LGBT+ regrettent aussi la propension à se focaliser sur les parties génitales des personnages trans, comme si ce qui se trouve entre leurs jambes était ce qui permettrait de les définir –une critique à laquelle le film Girl, de Lukas Dhont avait par exemple été soumis.

Sans parler de la tendance à faire des personnages trans des psychopathes (Le Silence des agneaux), ou des figures au destin tragique (de Boys Don’t Cry à Dallas Buyers Club) –des clichés déshumanisants et particulièrement prévalents dans les représentations LGBT+.

Heureusement, comme l’analysait très bien le documentaire Disclosure (disponible sur Netflix), les représentations évoluent depuis quelques années. À la Mostra de Venise 2022, une des plus belles surprises a été de découvrir la diversité et la richesse des regards sur la transidentité.

Des récits pudiques, sensibles et bouleversants, qui réussissent à ne jamais essentialiser ou déshumaniser leurs protagonistes. Des propositions de cinéma fortes, qui portent un regard aimant, bienveillant et respectueux sur leurs personnages, et qui permettent de mieux comprendre les enjeux de la transidentité. Fait notable, plusieurs de ces films sont en compétition pour le Lion d’or, le prix le plus prestigieux du festival.

«Monica», récit pudique mais puissant

Parmi eux, il y a Monica, une des propositions les plus fortes et les plus émouvantes de cette édition vénitienne. Le film d’Andrea Pallaoro suit Monica, une femme trans américaine qui se rend au chevet de sa mère malade. Cette dernière, jouée par une Patricia Clarkson impeccable, n’avait pas vu sa fille depuis sa transition et ne la reconnaît pas. Mais une intimité touchante se développe entre les deux femmes.

D’une extrême pudeur, le film évite tous les écueils auxquels on pourrait s’attendre dans ce genre de récit. Le mot «trans» n’y est pas prononcé une seule fois, mais les dialogues, ainsi que l’identité de l’actrice principale (l’excellente Trace Lysette, découverte dans la série Transparent) permettent au public de comprendre tous les enjeux du film.

À aucun moment la mère de Monica ne mégenre son enfant, ni ne l’appelle par son deadname (le prénom que les personnes trans ont reçu à la naissance et ont décidé de changer lors de leur transition). Si Monica ne subit aucun acte de transphobie, cela ne l’empêche toutefois pas de ressentir une multitude d’émotions puissantes et contradictoires au cours du film.

Dans un rôle très interne et presque silencieux, Trace Lysette livre une des performances les plus mémorables du festival. La réalisation superbe, en format carré, enferme visuellement l’héroïne et masque souvent son visage dans la première partie, traduisant l’étouffement psychologique que la jeune femme subit, son incapacité à se montrer entièrement. C’est un film d’une grande réserve, dénué de tout sensationnalisme, un beau portrait de femme qui aborde la transidentité, sans en faire l’unique caractéristique du récit ou de son personnage.

La voix des personnes trans

En compétition à la Mostra, on trouvait aussi L’Immensità, dans lequel Penélope Cruz incarne une mère tourmentée dans la Rome des années 1970. Écrasée par un mari violent et par les conventions étouffantes de la société italienne de l’époque, elle trouve son seul salut dans la relation aimante et complice qu’elle entretient avec ses trois enfants.

Le film s’ouvre sur l’aîné, Andrea, en train de prier les cieux. Un gros plan sur les poupées Barbie désarticulées avec lesquelles jouent son frère et sa sœur offre un premier indice sur la thématique du film. Cheveux courts, tenue masculine, flirt avec une fille du voisinage: on part immédiatement du principe qu’Andrea est un garçon, jusqu’à ce que ses parents se mettent à l’appeler «Adriana» et à le genrer au féminin. On comprend alors que le petit Andrea ne se reconnaît pas dans le genre féminin, mais qu’il ne dispose pas vraiment des mots pour formuler ce qui lui arrive.

Le film est raconté du point de vue de l’enfant, perdu face à la féminité parfaite de sa mère et la culture patriarcale mortifère à laquelle souscrit son père. La présentation à Venise de L’Immensità a revêtu un sens tout particulier lorsque son réalisateur, l’Italien Emanuele Crialese, a profité de la conférence de presse pour faire son coming out trans«C’est inspiré de mon enfance et de ma propre histoire. Je suis né biologiquement femme», a affirmé le cinéaste, en activité depuis vingt-cinq ans.

C’est aussi à la Mostra que Sébastien Lifshitz est venu présenter son nouveau documentaire, Casa Susanna, dans la sélection Giornate degli Autori. Dans ce film, le réalisateur d’Adolescentes et de Petite Fille donne la parole à plusieurs femmes trans, qui racontent comment elles se réunissaient clandestinement dans la campagne américaine, loin du regard des autres, dans les années 1950 et 1960.

C’est un documentaire bouleversant, qui entremêle images d’archives et témoignages précieux pour raconter à quoi ressemblait la vie de la communauté LGBT+ il y a plus d’un demi-siècle.

Une thématique proche de celle qu’on trouve dans le documentaire italien Le Favolose, présenté dans la sélection parallèle Notti Veneziane. Le film de Roberta Torre montre un groupe de femmes trans qui se retrouvent pour les funérailles d’une amie, enterrée dans des habits masculins choisis par sa famille.

Enfin, du côté de la Semaine de la critique, la thématique est aussi abordée de manière plus allégorique dans le film allemand Aus meiner Haut (Skin Deep), où des couples échangistes se rendent sur une île et finissent par carrément échanger leurs corps.

Une multitude de récits queer

Au-delà des récits trans, la Mostra a fait la part belle aux histoires queer dans toute leur diversité, que ce soit avec le héros gays de The Whale, l’histoire vraie d’un procès homophobe dans l’Italie des années 1960, racontée dans Il Signore Delle Formiche, ou encore l’héroïne lesbienne de Tár jouée par Cate Blanchett, qui déjoue subtilement nos attentes.

L’une des propositions les plus marquantes du festival restera sans doute All the beauty and the bloodshed de Laura Poitras (Citizenfour). Ce nouveau documentaire époustouflant retrace la carrière de la photographe bisexuelle Nan Goldin, ainsi que son combat contre la famille Sackler, qui a commercialisé l’OxyContin et est accusée de s’être enrichie grâce à la crise des opioïdes.

À travers la vie et l’œuvre de la photographe, le film nous plonge dans l’histoire de la contreculture queer américaine et entremêle de nombreuses thématiques, pour arriver à un message bouleversant sur la nécessité de l’art et du militantisme pour survivre.

Les Français ne sont pas en reste: à la Semaine de la critique, on a aussi pu découvrir le très charmant Trois Nuits par semaine, premier film de Florent Gouëlou. Cette romcom raconte comment un jeune homme a priori hétéro tombe amoureux d’une drag queen (incarnée par la vraie star du drag parisien Cookie Kunty) et remet en cause son propre rapport au genre et à la sexualité.

Derrière sa structure très conventionnelle, le film réinvente des images classiques du cinéma romantique, en mettant en leur centre une figure queer: la superbe Cookie Kunty, filmée et sublimée comme une Marilyn Monroe moderne.

Avec ses personnages gays, bis, séropositifs, masculins ou efféminésTrois Nuits par semaine prône la tolérance et montre qu’il est possible (et peut-être même souhaitable) de transcender les étiquettes. Preuve de cette diversité narrative plus riche que jamais, dix-neuf films de la Mostra sont éligibles au Queer Lion cette année.

 

[Source : http://www.slate.fr]

Unhas xornadas na cidade do Porto conmemoran o centenario do nacemento de Agostinho Neto, poeta, médico e líder do Movimento Popular de Libertação de Angola (MPLA) que foi o primeiro presidente do país tras a independencia.
Agostinho Neto, en 1975. (Foto: Rob Mieremet)

Agostinho Neto, en 1975.

Esta sexta feira e máis o sábado, na Faculdade de Letras da Universidade do Porto e no Museu Militar da mesma cidade, terán lugar as xornadas internacionais de debate ‘Sou um dia em noite escura: centenario de Agostinho Neto (1922-2022)’, nas que se celebra o centenario do que foi o primeiro presidente da República de Angola, así como a súa obra poética e a loita política do médico e revolucionario angolano.

O coloquio contará coa presenza do embaixador de Angola, o doutor Carlos Alberto Fonseca, e de varios investigadores que debullarán diversos aspectos da obra poética de Neto, como, entre outros, Ana Maria Martinho, que falará sobre ‘Poesía e Revolução’; Ana Ribeiro, sobre ‘A mulher na poesía de Agostinho Neto’; Pires Laranjeira, cunha intervención titulada ‘Como Agostinho Neto antecipou Frantz Fanon: a renúncia impossivel de ser negro’; ou Roberto Vecchi, que disertará sobre ‘O principio esperança: poesia e sobrevivência en Agostinho Neto’.

Agostinho Neto (1922-1977) fixo parte da xeración de estudantes africanos que tiveron un papel decisivo na independencia dos seus países na Guerra Colonial Portuguesa. Desde moi novo, converteuse nunha figura dentro dos movementos nacionalistas angolanos. Foi un dos primeiros membros do Movimento Popular de Libertação de Angola (MPLA) e asumiu a presidencia de Angola en novembro de 1975, cando o país obtivo a independencia.

En paralelo á súa actividade política, desenvolveu unha moi  notábel carreira literaria, especialmente no campo da poesía.

[Foto: Rob Mieremet – fonte: http://www.nosdiario.gal]

Emilia Mernes, Cazzu y Nathy Peluso completan el grupo de figuras que juegan en las grandes ligas; quién es quién y cuál es el secreto detrás de un fenómeno que pasó de YouTube y Spotify a los escenarios de América y Europa 

Escrito por Guadalupe Torres

Están al tope de lo más escuchado en Spotify. Las entradas para sus shows se agotan en tiempo récordCada vez generan más repercusión en el exterior y son buscadas por cantantes consagrados para lanzar temas juntos. Como nunca antes, las artistas mujeres de nuestro país están pisando fuerte a nivel internacional y encabezan un verdadero fenómeno para la música argentina en particular y la de habla hispana en general. Ya es difícil saber quién encendió la mecha, pero lo cierto es que produjo un big bang que las puso a ellas en las pantallas de celulares de toda una generación. Tini, Lali, Cazzu, Nathy Peluso, Nicki Nicole, María Becerra y Emilia son las siete magníficas del pop actual

La música urbana, término que engloba al nuevo pop latino, el reggaetón y el trap -entre otros géneros-es en Argentina la que registra un mayor número de reproducciones en distintas plataformas y la más consumida en términos masivos por los jóvenes. Y ellas lo saben. Cada una impone un estilo y todas lograron descifrar con inteligencia y espontaneidad el clima de época y cómo ser la voz de su generación. Cada vez que alguna de ellas anuncia un nuevo show –acá o en cualquier ciudad de América Latina o España– se llegan a registrar filas virtuales que serían eternas en el mundo real. Y una de las claves de este fenómeno son las colaboraciones. Lejos de competir entre sí, las chicas lanzan canciones juntas y el éxito de una es también el de la otra.

Lali Espósito junto a Nicki Nicole. Lejos de competir entre sí, las chicas lanzan canciones juntas y el éxito de una es también el de la otra

Lali Espósito junto a Nicki Nicole. Lejos de competir entre sí, las chicas lanzan canciones juntas y el éxito de una es también el de la otra.

Lucila Bruno, licenciada en Artes especializada en música, analizó para LA NACION la nueva dinámica de colaboraciones como un signo de época que pisa cada vez más fuerte: “Por un lado estas colaboraciones responden a una necesidad comercial: lanzando juntas una canción tienen más llegada que una artista sola. Y por otro lado, rompen con el paradigma de la rivalidad entre mujeres que estaba instalado muy fuertemente en la música. Ellas en vez de disputarse quién es la reina del pop -como pasaba con Madonna, Britney Spears y Christina Aguilera- optan por trabajar juntas generando un lindo mensaje, más difusión de sus trabajos y más espacio para nuevas cantantes”. Replican una especie de hermandad entre colegas que resguarda una fórmula de éxito.

María Becerra: de subir videos a YouTube a protagonizar un boom

“Si hago canciones y las escuchan solo dos personas, daré clases de canto o lo que sea. Pero la música es lo que realmente me llena y, por eso, me tiré de lleno”, señaló María Becerra a LA NACION

“Si hago canciones y las escuchan solo dos personas, daré clases de canto o lo que sea. Pero la música es lo que realmente me llena y, por eso, me tiré de lleno”, señaló María Becerra a LA NACION.

Nació en Quilmes bajo el nombre de María de los Ángeles Becerra y a sus 22 años ya se perfila como una artista con fuerte proyección internacional. Empezó subiendo videos graciosos a YouTube y, para cuando tenía 15 años, ya había ganado una buena cantidad de seguidores. Creció de golpe y a los 19 años dejó su casa de Quilmes para irse a vivir sola a un monoambiente en Capital. La vocación por entretener luego viró hacia el terreno de la música y así fue como nació “High”, el hit que la catapultó y le permitió evolucionar de youtuber a artista, su gran anhelo.

La versión remix de esa canción junto a Tini Stoessel y a la española Lola Índigo fue la que le abrió las puertas de la industria de la música. En sus primeras 24 horas, este tema superó las 4 millones de visualizaciones en YouTube y las 750.000 reproducciones en Spotify. Luego sumó otra colaboración con Tini: “Miénteme” y ahí su carrera terminó de dar el salto y le abrió las puertas del mercado hispanoparlante.

"Miénteme", el hit que comparten María Becerra y Tini fue furor y consolidó la amistad entre ambas
« Miénteme », el hit que comparten María Becerra y Tini fue furor y consolidó la amistad entre ambas

En septiembre de 2020, entrevistada por LA NACION, Becerra contó que fue víctima de violencia de género y que la música fue uno de los refugios que encontró para sobreponerse, además de la escritura y de la comunidad que logró construir en YouTube. “Sufrí mucha depresión y, por mucho tiempo, fui muy sumisa y me creía inútil”, señaló. En esa etapa se dedicó a escribir cuentos y canciones y, de a poco, comenzó a publicar el material en su canal. De esa forma, se dio cuenta de que su música era bien recibida y entendió que “no quería ser famosa, sino artista”.

Nicki Nicole: “la niña mimada del trap” que llegó al programa de Jimmy Fallon

Su participación en el programa de Jimmy Fallon le abrió definitivamente las puertas del mercado norteamericano

Su participación en el programa de Jimmy Fallon le abrió definitivamente las puertas del mercado norteamericano. Natacha Pisarenko – AP

La música urbana tiene que ver con una forma de producir y consumir música a través de computadoras, celulares y otros dispositivos digitales. Cualquier dormitorio adolescente puede devenir en estudio de grabación. Ese fue el caso de Nicki Nicole, quien subió a YouTube una canción que grabó con un celular que le regalaron cuando cumplió 15 y consiguió millones de reproducciones, sin discográficas de por medio y sin intermediarios.

Con una estética muy vinculada al hip hop, la chica rosarina que filmó su primer videoclip con un celular donde se la veía andar en bicicleta en su Rosario natal no tardó en conquistar las audiencias internacionales. Su vida antes de “Wapo traketero” se puede resumir sin grandes sobresaltos: es la menor de cuatro hermanos y se crio en Echesortu, un barrio de clase media de Rosario. Cazzu, siguiendo la lógica de las colaboraciones, la invitó al Teatro Ópera a cantar su primer hit a dúo, en el hoy lejano agosto de 2019.

En apenas dos años, Nicole Denise Cucco moldeó una carrera que le hubiera llevado décadas construir a un artista de cualquier otra época. En abril, Nicole cantó su hit “No toque mi naik” junto a Lunay en una participación histórica en The Tonight Show de Jimmy Fallon, y el público terminó de caer rendido a sus pies. La visita de la trapera al ciclo de la televisión norteamericana no hizo más que confirmar su proyección internacional y posicionarla como una de las artistas nacionales del momento.­

Cazzu: de Jujuy a ser “la jefa del trap”

La jujeña Cazzu, más conocida como la "jefa del trap", logró hacerse un lugar en un género preponderantemente masculino

La jujeña Cazzu, más conocida como la « jefa del trap », logró hacerse un lugar en un género preponderantemente masculino.

Julieta Cazzucheli nació rodeada por los sonidos de Fraile Pintado, un pueblo de 13.000 habitantes de la provincia de Jujuy. Sus inquietudes artísticas comenzaron a los 10 años, con el punk y el reggaetón. Pero cuando se mudó a Tucumán para estudiar cine armó su banda de cumbia, Juli K, donde ya desplegaba sus dotes de líder dentro de un grupo de hombres.

Su disco debut, Maldade$, la puso en el ojo de varios artistas y productores. Así fue que logró participar en el hit de Khea, “Loca”, la canción bisagra de su carrera –y del trap como género en la Argentina– con más de 500 millones de reproducciones. No pasó mucho tiempo hasta que se hizo de dos amigos claves: el puertorriqueño Bad Bunny y el colombiano J Balvin, dos de las figuras más importantes de esta era dorada de la música latina. Hoy es una de las máximas exponentes femeninas del género y sigue proyectando una carrera internacional trabajando con distintos productores y artistas extranjeros de música urbana.

Lali: la estrella juvenil que invirtió sus ahorros para iniciar su carrera musical

Lali, en un show del Disciplina Tour

Lali, en un show del Disciplina Tour

La artista que comenzó a actuar de niña en diversas producciones de Cris Morena se reconfiguró en su adultez como cantante pop y logró convertirse en una estrella internacional. Si bien su foco está puesto en su carrera musical, mientras graba y canta con grandes figuras no abandona ni la actuación ni el entretenimiento televisivo. Su protagónico en la serie de Netflix Sky Rojo le abrió las puertas de España. Próximamente protagonizará El fin del amor, una serie original de Amazon Prime Video basada en el best seller de Tamara Tenenbaum. Pero son muchas las Lalis que la engloban y hay un par más: la histriónica y divertida jueza de La Voz Argentina (Telefe) y, claro, la nueva “Madonna” que encabeza el Disciplina Tour, una serie de shows de alto voltaje. La gira tuvo ya dos paradas porteñas en el Luna Park y tendrá una tercera en el Movistar Arena.

Muchos la consideran una artista 360°, atenta a todos los detalles de sus shows. Le gusta pensar el concepto de sus espectáculos y no titubea a la hora de autoproducirse y gestionar su carrera: busca impactar y lo consigueAbiertamente admiradora de Madonna, Beyoncé y Lady Gaga, Mariana “Lali” Espósito busca que la narrativa y estética que la atraviesan tengan contenido. Eso sí: aún no se dio la colaboración con Tini, algo que los fanáticos que crecieron con ellas vienen pidiendo hace tiempo.­

Tini, la precursora: de ídola teen a cantante pop

Tini en el Movistar Arena
Tini en el Movistar ArenaIgnacio Sánchez – LA NACION

A sus 25 años, ya tiene en su haber más de una década dentro de la escena artística y cientos de shows a sus espaldas, Tini Stoessel a pasos firmes y acelerados se consolida cada vez más como cantante pop.

La ídola teen dio sus primeros pasos en la escena pública protagonizando la exitosa tira de Disney, Violetta, hasta que dio el salto de la actuación a la música. Dejó atrás el perfil de chica Disney para mostrar su cara más sensual y urbana. Al enfocarse en su faceta musical, sus plataformas estallaron con millones de visualizaciones y el público no hizo más que acompañarla. En 2018 estrenó un sencillo junto con Karol G “Princesa” que fue disco de Oro en la Argentina y bajo su nombre artístico, Tini lanzó “Quiero volver” y los éxitos no hicieron más que multiplicarse. TINI Tour 2022 es la tercera gira musical de quien ya se afianzó como una de las cantantes más famosas de la Argentina. Con el inicio de esta gira en el Hipódromo de Palermo, Tini se convirtió en la artista con mayor cantidad de conciertos en este recinto, con seis funciones agotadas y más de 100.000 entradas vendidas.

Emilia: la cantante que sin haber lanzado un disco deslumbró en el Lollapalooza Argentina

 Emilia Mernes: “Comía por la ansiedad. Después me sentía mal, pero me encerraba a comer. Y después no salía porque me daba vergüenza que la gente me vea y viera que estaba más gorda”, contó en diálogo con el streamer Coscu a través de la plataforma Twitch

Emilia Mernes: “Comía por la ansiedad. Después me sentía mal, pero me encerraba a comer. Y después no salía porque me daba vergüenza que la gente me vea y viera que estaba más gorda”, contó en diálogo con el streamer Coscu, a través de la plataforma Twitch. Gentileza Sony Music

La cantante Emilia Mernes que acumula millones de reproducciones en las plataformas digitales y deslumbró con un show en el festival Lollapalooza Argentina de este año tenía una asignatura pendiente: lanzar un disco. En su caso, primero aterrizaron los hits y después, el álbum.

Nicki Nicole y Emilia Mernes. Su éxito musical se evidencia en las actuaciones y en las plataformas musicales, donde sus temas cuentan con miles y miles de reproducciones en Spotify y Youtube

Nicki Nicole y Emilia Mernes. Su éxito musical se evidencia en las actuaciones y en las plataformas musicales, donde sus temas cuentan con miles y miles de reproducciones en Spotify y Youtube. Gentileza Sony Music

La entrerriana de 25 años cuenta con colaboraciones con FMK (compositor de “Intoxicao”, el hit que canta con Nicki Nicole), Rusherking (“De enero a diciembre”), Duki (“Si no me importara”) y Lit Killah y Sebastián Yatra. La joven artista saltó a la fama tras incorporarse como cantante a la banda uruguaya de cumbia-pop Rombai en 2016, de la que se separó dos años después. El 8 de marzo de 2019 lanzó su primer tema como solista, “Recalienta” y ese fue el punto de partida para una carrera que no para de crecer: fue nombrada “Latin Artist on The Rise” (artista latina en ascenso) por la revista Billboard y este año, para alegría de sus fans, lanzó su primer disco Tú crees en mi?

Nathy Peluso: una artista con sello propio que se transformó en un ícono de la música urbana

Nathy Peluso: la BZRP Session #36 que hizo con el productor Bizarrap, el artista argentino más escuchado en las plataformas digitales, le abrió las puertas del circuito mainstream del trap local y, sobre todo, fue un hit global

Nathy Peluso: la BZRP Session #36 que hizo con el productor Bizarrap, el artista argentino más escuchado en las plataformas digitales, le abrió las puertas del circuito mainstream del trap local y, sobre todo, fue un hit global.

Nathalia Beatriz Dora Peluso, más conocida como Nathy Peluso, se convirtió en un ícono de la música urbana actual: con sus canciones que fusionan rap, trap, salsa, soul y swing logró conquistar el corazón de miles de fanáticos en el mundo. Pero no fue solo su talento musical la que la condujo a la fama internacional, sino también su personalidad hipnótica arriba del escenario, en las entrevistas y en las redes sociales, que suele impactar a todo el que la sigue.

Nació en Luján, pero se crio en el barrio de Saavedra hasta que sus padres tomaron la decisión de irse a vivir a España. Sus inicios fueron subiendo covers a YouTube, generalmente interpretando canciones de jazz, hasta que descubrió el hip hop y con su particular impronta alcanzó mucha popularidad. Tiene tres discos: Esmeralda (2017), La Sandungera (2018) y Calambre (2020); y se presentó en los festivales más importantes de Europa. La BZRP Session #36 que hizo con el productor Bizarrap, el artista argentino más escuchado en las plataformas digitales, alcanzó más de 300 millones de reproducciones en YouTube y se convirtió en el hit más grande de su carrera.

[Fuente: http://www.lanacion.com.ar]

Le président israélien Isaac Herzog était l’invité d’honneur de la commémoration du premier Congrès Sioniste mondial qui avait eu lieu à Bâle il y a 125 ans, marquant un tournant décisif dans l’histoire du sionisme.

Theodor Herzl en 1901, sur le balcon de l’hôtel „Drei Könige“ à Bâle

Organisée par la World Zionist Organization (WZO), la manifestation, à laquelle ont participé plus de 1 000 invités, s’est tenue 125 ans après la conférence sur trois jours de 1897 au cours de laquelle Theodor Herzl a parlé devant plus de 200 délégués et « fondé l’État juif ». À l’occasion de cet événement, la ville avait pris des mesures de sécurité drastiques. Parmi les orateurs, citons Miriam Adelson, l’ancien chef du Mossad, Yossi Cohen, qui dirige aujourd’hui les opérations de la Softbank en Israël, le président de l’Agence juive, Doron Almog, le chef de l’Anti-Defamation League (ADL), Jonathan Greenblatt, le ministre de la Diaspora, Nachman Shaï, et la baronne Ariane de Rothschild, présidente du groupe Edmond de Rothschild.

Durant son séjour, Isaac Herzog a rencontré des membres du gouvernement de la confédération, dont le président Ignazio Cassis, ainsi que des membres du gouvernement cantonal de Bâle et des membres de la communauté juive. La rencontre entre Isaac Herzog et Ignazio Cassis doit déboucher sur un « accord révolutionnaire » entre les fondations pour la science israélienne et suisse.

Le premier congrès sioniste était d’abord censé se dérouler à Munich. Il n’y a pas eu lieu à cause du refus très ferme de l’association rabbinique allemande et du comité directeur de la communauté israélite de Munich. La ville de Bâle fut donc choisie comme alternative et le congrès, organisé par David Farbstein, un proche de Theodor Herzl et futur conseiller national suisse, s’y tint du 29 au 31 août 1897. Dans le programme formulé il y a 125 ans, on peut lire entre autres : « Le sionisme vise à établir en Palestine une patrie qui soit garantie par le droit public pour les Juifs qui ne peuvent ou ne veulent pas s’assimiler ailleurs ».

[Photo : Ephraim Moses Lilien, gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2209998 – source : israelentreleslignes.com]

Um concerto de Nick Cave é o mais perto de experiência religiosa que um não crente poderá ter. Esta noite, no Parque da Bela Vista, o músico australiano e os seus fabulosos Bad Seeds reconquistaram uma Lisboa que não os via há uns longos 14 anos

Escrito por Mário Rui Vieira

Foi com pontualidade australiana – algo, certamente, herdado do período colonial britânico – que Nick Cave irrompeu pelo palco do MEO Kalorama adentro. Às 21h em ponto, um portentoso rufo de bateria empurrou o grito sentimentalão de ‘Get Ready for Love’, resgatado a “Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus”, de 2004. As duas horas que se seguiram, além de uma verdadeira ode ao amor, porque ninguém escreve e canta o amor (especialmente aquele de contornos mais trágicos) como Nicholas Edward Cave, foram o mais perto de experiência religiosa que um não crente poderá vir a ter. Em momento de encerramento de digressão, o músico e os seus incríveis comparsas Bad Seeds atiraram-se a um alinhamento com muito poucos desvios àquele que o público do NOS Primavera Sound assistiu em junho passado, viajando até aos longínquos anos 80 para, por exemplo, um lancinante ‘From Her to Eternity’ e detendo-se num presente vivido entre a beleza sensível de ‘Bright Horses’, de “Ghosteen”, e a explosão de ‘White Elephant’, da aventura extra com o parceiro Warren Ellis “Carnage”.

Que Cave é, além de um magistral escritor de canções, um feroz animal de palco, toda a gente que algum dia se cruzou com ele sabe, mas o mais inacreditável é que as suas atuações continuam a surpreender até os admiradores mais apaixonados. Concerto após concerto após concerto, a sua voz vai mostrando novas cavidades e rugosidades que não lhe conhecíamos, o seu corpo vai-se arriscando mais e mais para junto do seu adorado público, no qual não se coíbe de tocar com toda a ternura. No MEO Kalorama, fê-lo num passadiço montado perto das grades, caminhando corajosa e provocadoramente junto aos admiradores de primeira fila, onde chegou a dar autógrafos e se cruzou com Paula, uma aniversariante a quem acabaria por dedicar uma contemplativa ‘O’Children’ – a terceira de três incursões por “Abattoir Blues”, depois de ‘There She Goes, My Beautiful World’. “É o teu aniversário? Fuck… Não sei o que dizer… Parabéns! Esta chama-se ‘O’Children’ e é para a Paula, é o aniversário dela”. Bonito.

Ora correndo para os braços dos seus fiéis súbditos (“é demasiado divertido, aqui em baixo”), ora subindo ao palco para sentar-se ao piano – onde nos cantou, ao ouvido, com voz aveludada, ‘I Need You’ –, Cave foi estirando as suas canções até aos limites que bem lhe apeteceu. Porque pode e porque sabe como o fazer sem nos perder. “Lisboa. Este é o nosso último concerto de uma digressão de três meses”, explicou a dado momento da atuação, justificando, talvez, a entrega total. A “terrível e aterradora história de um amor que correu mal”, porque a tristeza cabe toda na sua voz, de ‘Jubilee Street’, a trovoada de ‘Tupelo’, uma diabólica ‘Red Right Hand’ e ‘The Ship Song’, com o vigoroso trio coral em grande destaque, ajudaram a compor um bouquet de momentos inesquecíveis deste primeiro concerto de Cave em Lisboa em 14 anos. Foi, contudo, uma intensíssima ‘Higgs Boson Blues’, o seu sonho com Miley Cyrus a flutuar numa piscina, que elevou a experiência a um nível inimaginável de entrega, seguindo logo com a cavalgada de ‘City of Refuge’, que atraiu o coro até ao passadiço para cumprimentar o público. “Veem? Eu bem vos disse que era divertido!”.

Ainda queriam um hino? Pois tiveram-no. ‘Into My Arms’, de um incontornável “The Boatman’s Call”, foi servido, num curto mas intenso encore, com toda a emoção – dedicado a Beatriz Lebre, jovem assassinada e atirada ao rio Tejo em 2020 que, segundo informação revelada pela sua mãe a Cave, adorava a canção. Ao piano e com os Bad Seeds recolhidos. Antes de pedir ajuda ao público para ‘Ghosteen Speaks’, convida todos a entrarem no ‘Vortex’, “onde vocês pertencem”, despedindo-se, momentos mais tarde, com a história de embalar ‘The Weeping Song’, colorida a palmas de uma sempre participativa audiência. “Obrigado. Muito obrigado por virem ver-nos. A sério. Não vos posso dizer o quanto isso significa para nós”, confessou Cave, chamando a banda para junto de si e do adorador público, “vocês são lindos”. Ver dois concertos memoráveis de Nick Cave com um intervalo de quase 20 anos pode não parecer nada de extraordinário… Mas é. Especialmente para quem admira, entende e respeita, mas não venera o bardo mais iluminado de terras australianas.

 

[Foto: Rita Carmo – fonte: http://www.expresso.pt]

Charnel et troublant, le film de Claire Denis capte la circulation des émotions d’une femme et un homme dont l’amour est traversé par les multiples signaux du monde, du passé, des zones d’ombre de chacune et chacun.

Sara (Juliette Binoche) et Jean (Vincent Lindon), couple heureux au défi d'un monde plus grand que lui. | Ad Vitam

Sara (Juliette Binoche) et Jean (Vincent Lindon), couple heureux au défi d’un monde plus grand que lui. | Ad Vitam

Écrit par Jean-Michel Frodon — édité par Thomas Messias 

Regardez l’affiche. Il y a ces deux profils, une femme et un homme. Et ces deux mots, amour, acharnement. Par jeu, on pourrait se demander si elle, qui semble attentionnée, est l’amour, et si lui, qui paraît regarder au loin d’un air déterminé, est l’acharnement.

On pourrait reprendre la vieille formule «regarder ensemble dans la même direction», pour tout de suite percevoir que même en ce cas, ce n’est pas du même regard, ni pour voir la même chose. Ils ont l’air figés dans une posture, cette Sara et ce Jean, et de fait, lorsque le film commence, ils le sont. Dans la posture du bonheur, du couple heureux.

La séquence est magnifique de simplicité modeste, de frontalité assumée. Ce pourrait être une vidéo de vacances tournée au téléphone portable par un ami, ce pourrait être une publicité pour un séjour à la plage. C’est une publicité, limpide comme l’eau claire de la mer où ces deux-là s’étreignent.

Cela est posé bien en évidence. La beauté singulière du film qui vient sera de déployer combien il y a autre chose, beaucoup, beaucoup d’autres choses, entre elle et lui et tout autour, sans renier ce moment inaugural.

Le quinzième film de Claire Denis ne raconte pas la crise d’un couple. Il ne raconte pas non plus l’étendue du désir, du désir d’une femme au-delà d’un cadre que pourtant elle aime. En tout cas, il ne raconte pas seulement ça.

Il rend sensible, de manière intuitive et selon des approches qui ne cessent de se diversifier, l’épaisseur, la richesse, la pluralité parfois paradoxale, parfois contradictoire, souvent juste composite, de ce qui agite les humains, un par un et ensemble.

La scène d’ouverture au bord de la mer n’existe pas dans le roman de Christine Angot Un tournant de la vie dont le film est une adaptation –livre où le personnage masculin est par ailleurs bien moins développé que dans le film.

Cris et chuchotements

Cette séquence travaille pourtant tout le film, qui contrairement à la quasi-totalité des innombrables fictions du couple dont nous ont abreuvé la littérature et le cinéma, n’oppose pas les sentiments entre eux, n’oppose pas les comportements et les approches, mais laisse affleurer combien leur diversité fait… ben, vous savez, fait ce qu’on appelle la vie.

Avec amour et acharnement est un film palpitant de vie, dans les glissements, déplacements, recouvrements, cris et chuchotements, tentatives de contrôles et abandons choisis ou subis, autour de ces deux figures, sous l’effet de l’irruption d’un troisième, qui fut l’amant de Sara et l’ami de Jean.

Sara et François (Grégoire Colin) dans le clair-obscur de leur désir présent, et passé. | Ad Vitam

Lui, François, vient de leur passé. Celui qui l’interprète, Grégoire Colin, vient aussi du passé, des films précédents de Claire Denis, chez qui c’est sa huitième apparition. Le nouveau film se regarde très bien sans autre référence, mais il est aussi habité d’une mémoire longue. François, le motard fantomatique et roué, existe d’emblée aussi comme mémoire du Boni de Nénette et Boni, du Sentain de Beau Travaildu Noé de 35 Rhums.

Tout comme la présence de Juliette Binoche (après Un beau soleil intérieur et High Life) et celle de Vincent Lindon (après Vendredi soir et Les Salauds) mobilisent moins leur statut de têtes d’affiche du cinéma français que les traces subliminales que leurs précédentes présences chez la cinéaste ont laissées, même si les contextes fictionnels et les registres de jeu ne sont plus du tout les mêmes.

Cette fois, Juliette Binoche trouve, séquence après séquence, un alliage improbable et émouvant de sensualité physique exubérante, de fragilité quant aux choix devant lesquels se trouve Sara, recroisant, profondément troublée, le chemin de François sans avoir cessé d’aimer Jean, et d’énergie née de la fusion entre le parti pris de son désir, la dépendance à ses impulsions et les décisions inexorables et insolubles auxquelles elle fait face.

Vincent Lindon distille, lui, une sorte de minéralité fêlée, quelque chose de buté, de possiblement violent à la mesure des faiblesses qui le rongent, faiblesses montrées sans jugement ni condescendance. Une part d’enfance, élan de machisme, un mixte d’égoïsme, de lucidité et de maladresse.

Un territoire à explorer

Évidemment elle n’est pas «l’amour» ni lui «l’acharnement», qui sont plutôt deux pôles d’une électricité qui aurait aussi comme signes plus et moins, parfois le masculin et le féminin, parfois le passé et le présent, parfois les mots et les actes, parfois le conscient et l’inconscient. Avec tant de polarités multiples, constamment re-combinées, ce n’est plus du courant alternatif qui irrigue le film, mais un orage d’interférences qui en fait une galaxie supraconductrice.

Le nouveau film s’inscrit dans une veine particulière du cinéma de Claire Denis, exploratrice par les moyens de la mise en scène des confins les plus intimes comme des écarts plus évidemment matérialisés par les distances entre les lieux et les cultures. En 2022, elle aura ainsi proposé à quelques mois d’écart deux films qui se font écho tout en se situant dans deux registres différents, la proximité et les lointains.

Tout comme, en 2009, avec le (apparemment) très local 35 Rhums et le (apparemment) très global White Material, l’un dans une famille en banlieue, l’autre traversé des explosions de l’héritage colonial en Afrique, Claire Denis semble constamment changer d’échelle.

Cette année aura en effet vu se succéder Avec amour et acharnement, crise intime située à Paris entre trois protagonistes comme on peut en croiser chaque jour au coin de la rue (récompensé d’un Ours d’argent au Festival de Berlin en février) et Stars at Noon, situé au Nicaragua, tourné en anglais et en espagnol avec des interprètes anglo-saxons (Grand Prix du jury au Festival de Cannes en mai).

L’important ici n’est pas seulement l’exploit créatif et la richesse d’inspiration, mais la manière dont ces écarts, comme ceux entre les genres, du film d’horreur (Trouble Every Day) au film de science-fiction (High Life) ou à la comédie (Un beau soleil intérieur), soulignent l’ampleur du territoire exploré.

Ce territoire est tout autant temporel que spatial ou thématique et stylistique. Claire Denis est cette cinéaste qui a fait réapparaître trente-huit ans après le petit soldat de Jean-Luc Godard en officier de la Légion étrangère dans Beau travail, qui a fait ressurgir un voyage aux antipodes du début des années 1960 dans L’Intrusqui convoquait le souvenir d’un film d’Ozu de la fin des années 1940 chez un conducteur de RER dans 35 Rhums

Aucune nostalgie dans ces opérations de voyage dans le temps grâce à la mise en écho avec d’autres films, mais une manière parmi d’autres de donner accès à la multiplicité des rapports à la réalité, aux effets du passé dans le présent, de la mort dans la vie.

«Quand on a aimé quelqu’un ça ne disparaît jamais complètement», cette réplique du film dit aussi le trouble des résurgences, et l’incertitude, qui peut devenir violence, trahison, destruction de soi ou des autres. Puisqu’il y a des autres, aussi.

Une botanique émotionnelle

Même si leur appartement cossu semble d’abord un cocon, Sara et Jean ne vivent ni hors de la ville ni hors du monde. La terrasse semble dominer la cité, elle sera la scène où les actes et les émotions venues de multiples sources (la mère et le fils de Jean, son passé marqué par des épreuves, ses zones d’ombre) viennent se matérialiser, tandis que le branchement de Sara sur le monde, concrétisé par son travail de journaliste à Radio France International, fabrique là aussi un extérieur à sa seule relation avec les deux hommes.

Son activité professionnelle, pas plus que le milieu où Jean essaie de se réinsérer, le recrutement de jeunes sportifs professionnels, ne valent caution sociologique, cet emplâtre si souvent anecdotique et folklorique qui sert d’habillage aux «ressorts psychologiques» de tant de fictions. Ici, ni ressort ni emplâtre, ni folklore ni clé explicative ou moralisante.

Exactement comme les nappes sonores que déploie, superpose ou dissout sur la bande son le vieux complice de la cinéaste qu’est le musicien Stuart Staples, les actes, les mots, les signes apparaissent et s’effacent, ou surgissent et saturent brutalement, ou imprègnent en douceur avant de muter.

À Paris sur Seine comme dans la brousse camerounaise ou à Managua, l’enjeu est toujours de prendre acte de ce que l’existence est irrémédiablement individuelle, privée, creusée de gouffres intimes, et simultanément inscrite dans les infinies moirures d’une diversité des autres humains, des autres êtres vivants et morts, des multiples manières d’être au monde.

Par l’alchimie des gros plans et des ellipses, des pénombres et des panoramiques filés, un tableau au mur, une grosse Mercedes, la grille d’un pavillon de banlieue, une intonation de voix engendrent des bouffées de sens, toute une botanique émotionnelle, parfois brutale, parfois sensuelle et rieuse, parfois profondément triste, toujours au moins en partie mystérieuse.

La beauté organique du cinéma de Claire Denis circule là, dans cette fluidité qu’aucune résolution, aucune révélation, aucune trahison ne saurait circonvenir, encore moins expliquer. Quelque chose vibre et palpite, qui ne s’arrêtera pas.

Avec amour et acharnement

de Claire Denis

avec Juliette Binoche, Vincent Lindon, Grégoire Colin, Bulle Ogier

Séances

Sortie le 31 août

Durée: 1h56

 

[Source : http://www.slate.fr]

 

 

 

Madalena Gamalho, cantante e compositora, presenta o seu primeiro disco en solitario, ‘Invento’, no que mostra a súa propia evolución vital así como as conexións coa música e a cultura lusófonas. Gamalho fala do proceso de creación xunto con Iván Barreiro, produtor do proxecto, e das reflexións emocionais nadas, como ela di, « de observar as persoas e como reaccionan ante determinadas circunstancias, tamén como unha aprendizaxe sobre min mesma ».

A artista Madalena Gamalho inspírase na música lusófona para crear o seu estilo.

Escrito por LAURA VEIGA
—Como xorde Invento?
Na época de pandemia, tiña algunhas cancións feitas que quería enviar a diferentes produtoras, mais falando con Iván Barreiro suxeriume que agardara e facer algo. Desde que nos coñecemos sempre tivemos moi boa sintonía á hora de traballar, así que comecei a mandarlle ideas e el ía facendo os arranxos.

Foi un disco que naceu progresivamente a través de videoconferencias, aínda que eu sempre quixera facer un traballo en solitario, era unha idea que xa estaba na miña mente. Supoño que facer algo así require de certa valentía, de verse preparada e de ter as ferramentas e a experiencia para facelo.

—Cal é a palabra que define o estilo do disco?
Ecléctico. Hai trazos de pop, rock, músicas do mundo, funky e inclusive rap. Nalgúns destes xéneros si que me movía ou adoitaba escoitalos, pero outros son máis novos. Por outra banda, unha das características que ten o disco é que canto con fonética portuguesa e a inspiración que recibín de moitos nomes da música lusófona como Mayra Andrade, Mariza ou João Afonso. A partir de todo isto fun experimentando e así foi como xurdiu o estilo do proxecto.

—Nas cancións destaca moito a cuestión emocional. De onde vén?
Diría que é pola miña personalidade, de observar ás persoas e como reaccionan ante determinadas circunstancias, tamén como unha aprendizaxe sobre min mesma. Son unha persoa moi reflexiva e vexo as emocións como algo intrínseco dos seres humanos; creo que é vital entendelo para a procura da felicidade, iso que imos buscando todas as persoas. Alén disto, é unha maneira de reaccionar a tantas noticias negativas que deixan o ser humano como o peor. Obviamente hai cousas malas no mundo, mais tamén é certo que no noso día a día, no noso contexto máis achegado, podemos atoparnos con persoas marabillosas que nos axudan, polo menos na miña experiencia. Ter esa confianza na persoa descoñecida coa que podemos acabar tendo unha conversa marabillosa.

—O disco está composto por seis cancións propias, tres poemas musicados e unha versión de Teresa Torga de José Afonso. Por que decidiu facelo así?
Como dicía, o proxecto foi nacendo progresivamente. Algunhas das cancións xa estaban creadas, aínda que precisaban dunha vestimenta, dun arroupo musical; e outras, como Todas as pessoas, non existían e xurdiron no medio deste proceso. Unha das poesías quería incluíla no álbum porque foi a finalista nos premios Musicando Carvalho Calero 2020, e ao final decidimos que ía ser un álbum moi completo con dez cancións, incorporando tamén outro poema seu. A versión foi un tema que sempre me fixo vibrar pola figura de Teresa Torga e porque son unha grande admiradora da música de José Afonso. É unha canción que simboliza a loita feminista, ou polo menos eu vívoo así, e representa iso en Portugal tamén, por iso foi incluída no disco cun arranxo que a fai totalmente diferente á orixinal.

—Agora cal é o plan a futuro?
Queremos seguir a xira das presentacións. Este 26 de agosto imos estar en formato dúo acústico no Festival da Revolta do Umia en Cuntis e o 16 de setembro en Santiago na Gentalha do Pichel. Non é por desmerecer o disco, mais os directos son totalmente diferentes, como unha meditación. Meditar ao final é ter a atención plena en algo, para algunhas persoas pode ser fechar os ollos e respirar, pero para outras pode ser calcetar ou cociñar.

Un concerto é un momento no que estás vivindo a música, espertando emocións moi bonitas. A música en directo é fundamental, mais hai que apostar por ela.

 

[Fonte: http://www.nosdiario.gal]

Il y a de ça 25 ans, naissait une filiale du PEN international, le PEN club des écrivains cubains en exil. Ce samedi, pour marquer l’évènement, un livre sortira sur l’histoire de l’organisation. Un anniversaire qui réveille les « stigmates » liés à son statut « d’organisation politique » financée par les États-Unis. D’après le poète Luis de La Paz, son président; cette situation « est un sophisme ».

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Écrit par Fasseur Barbara

Luis De La Paz l’explique à l’agence EFE : « Notre organisation répond aux statuts du PEN international des écrivains, mais ces 25 dernières années, nous avons dû lutter contre une agressive campagne du gouvernement cubain : il nous qualifie d’écrivains de “seconde classe”, d’organisation politique et d’être financé par la CIA ainsi que le gouvernement américain. »

Une histoire riche

« C’est lors du 64e Congrès international du PEN, qui s’est tenu en 1997 à Édimbourg en Écosse, que par un vote unanime, la création du PEN Club des écrivains cubains en exil dont le siège est à Miami, la capitale de l’exil cubain, a été approuvée », se souvient de La Paz, également journaliste basé en Floride.

Pour l’auteur cubain Rolando Morelli, « le PEN Club en exil doit être considéré, à proprement parler, comme la prolongation de celui fondé par [Jorge] Manach ». Le journaliste aurait en effet amorcé en 1945 un regroupement des auteurs de l’île. Auteur de l’une des biographies les plus controversées sur la figure politique de José Marti, intitulé Martí el apóstol, il développa cette branche, dont l’action fut interrompue durant de « longues années », assure De La Paz.

Et pour cause : le gouvernement de Fidel Castro s’installa et mis sur pied des institutions culturelles, telles que la Casa de las Américas, propriété de l’État, ou encore l’Union des écrivains et artistes de Cuba. Des structures qui auront « remplacé » la branche cubaine du PEN Club. « La censure a commencé et beaucoup ont pris le chemin de l’exil » , explique son président.

Le PEN cubain, selon De la Paz, cessa ses activités en raison des mesures prises par le gouvernement sur la base des Paroles des intellectuels. Ce discours prononcé par Castro à la Bibliothèque nationale en 1961, peu après son arrivée au pouvoir, contient notamment la phrase : « Dans la révolution tout, contre la révolution rien. »

Défendre l’avenir

En septembre prochain, De La Paz et Morelli se rendront à Uppsala, en Suède, à l’occasion du 88e Congrès du PEN international – du 27 au 1er octobre. Ils y présenteront une résolution où « l’emprisonnement arbitraire d’écrivains et d’artistes plasticiens et la persécution croissante des intellectuels seront dénoncés ».

Luis De La Paz  précise : « En exil, nous n’avons pas de problèmes majeurs avec la liberté d’expression, mais nous plaidons pour son absence sur l’île. Des artistes comme Tania Bruguera et Yunior García Aguilera sont contraints à l’exil. Le gouvernement cubain essayait de vous empêcher de partir ; maintenant il vous invite à quitter l’île et ne vous laissera pas revenir, c’est ce qui se passe aujourd’hui. »

En attendant, De La Paz présentera ce samedi à Miami un livre qui rassemble toute l’histoire du PEN Club en exil, intitulé, Patrie et culture, 25 ans de PEN, écrit par la poète Sara Martínez.

 

[Photo : Alexander Kunze / Unsplash – source : http://www.actualitte.com]

O grupo de 42 indígenas da etnia yanomami colou grau no último final de semana, em São Gabriel da Cachoeira, município é composto por 23 etnias, que comportam 97% dos indígenas do Brasil.

Formatura foi realizada em São Gabriel da Cachoeira, o município mais indígena do Brasil. — Foto: Divulgação/Ufam

A formatura foi realizada em São Gabriel da Cachoeira, o município mais indígena do Brasil.

O município de São Gabriel da Cachoeira (AM), considerado o mais indigenista do Brasil, passou a contar com 42 professores de língua indígena formados pela Universidade Federal do Amazonas (Ufam). O grupo é da etnia yanomami e colou grau no sábado (20). O município é composto por 23 etnias, que comportam 97% dos indígenas do Brasil.

A cerimônia foi realizada no próprio território yanomami, aos pés do Pico da Neblina, o ponto mais elevado do Brasil. Segundo a Ufam, além deles, os baniwa, os tukano e os de língua yêgatu também concluíram o curso nos meses de julho e agosto e tiveram suas cerimônias de outorga de grau igualmente em terra indígena.

Para chegar até o local foi preciso enfrentar horas de voo e uma travessia de barco regada por uma chuva torrencial. Nessa época do ano, de agosto até setembro, é inverno na região do Alto Rio Negro, portanto, é quando mais chove. O acesso às comunidades é facilitado e o rio está mais volumoso, mas isso não torna a viagem mais segura, já que os riscos são iminentes.

Além dos Yanomamis, outras etnias também tiveram colações de grau. — Foto: Divulgação/Ufam

Além dos yanomamis, outras etnias também tiveram colações de grau.

Concluída a travessia, a comitiva da Ufam chegou ao local já no início da noite. Além de representantes da universidade, a cerimônia contou com membros das Forças Armadas e representantes da Federação das Organizações Indígenas do Rio Negro (Foirn), parceira da universidade na execução do projeto, além de outras associações indígenas.

Os até então formandos homenagearam com o nome da turma o cacique Joaquim Figueiredo e os tuxauas Daniél Góes e Osvaldo Lins, já falecidos.

Familiares participaram da cerimônia. — Foto: Divulgação/Ufam

Familiares participaram da cerimônia.

Em sua fala, o reitor da Ufam, Sylvio Puga, mencionou a Constituição Federal de 1988 pelo qual o Estado brasileiro passou a incorporar a concepção de diversidade étnico-cultural, implicando dizer que os povos tradicionais estão, nos termos da lei, com os direitos resguardados.

« Na prática, o desafio de implementar políticas voltadas a esses povos é do tamanho da nossa região. É difícil promover conhecimento de forma que as etnias não se desassociem da cultura, de seu valor de pertencimento étnico, de sua língua materna, ao passo que se insira nos processos de aprendizagem », observou.

« Além da educação diferenciada, entendemos que o pleito de vocês vai muito além: saúde, agricultura ambientalmente responsável e espaço de fala onde a instrução científico-tecnológica pode ajudá-los dentro do que nos compete, e nós iremos ajudar a traçar essa caminhada », disse Pulga.

Lideranças indígenas também participaram da cerimônia — Foto: Divulgação/Ufam

Lideranças indígenas também participaram da cerimônia.

A professora Iraildes Caldas Torres, estudiosa, pesquisadora de gênero há mais de duas décadas, das mulheres sateré-mawés e tikunas, de Maués, estava alegre ao ver que dos 42 diplomas emitidos 13 seriam conferidos a mulheres yanomamis.

« Estou academicamente feliz por vê-las emancipando-se, o que também é resultado do que observemos através do intervalo de tempo a contar de 1952. Mais recentemente, há 30 anos as terras yanomamis foram demarcadas e vocês têm buscado equilibrar empoderamento diante do mundo e cultura. Hoje, vocês têm um novo capítulo, uma nova conquista, que é importantíssima: a educação. É a educação o grande movimento do desenvolvimento humano », considerou.

Para o representante da Foirn, Dário Cassimiro Baniwa, quem ganha com o acontecimento é o povo indígena.

Indígenas são da etnia yanomami. — Foto: Divulgação/Ufam

Indígenas da etnia yanomami

« Três momentos marcantes na história passam por vocês: o primeiro na década de 1970, com a construção da Perimetral Norte; nos anos 1980 e início dos de 1990, o conflito contra centenas de garimpeiros em balsas que invadiram o território; e mais recentemente, a demarcação das suas terras. Desde os anos de 1970, os yanomamis sofrem com intervenções e ameaças, quer seja pelo avanço dos não índios próximo às suas aldeias, mineração, extração ilegal, bem como por doenças e reversão de direitos. É preciso ficar atento sempre. Mas, nem tudo é lamento. Esta é a oportunidade de festejar, e também lembrarmos daqueles que muito contribuíram », salientou.

[Fotos: Ufam – fonte: g1.globo.com]