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El BCN Film Fest 2023 entregarà el premi d’honor al cineasta alemany

Escrit per Oriol Rodríguez

Wim Wenders és una de les figures més influents del cinema del segle XX, director de films icònics com El cielo sobre Berlín o París Texas. Un cineasta únic que veurà reconeguda la seva trajectòria amb el premi d’honor de la pròxima edició del BCN Film Fest, festival que se celebrarà del 20 al 28 d’abril d’aquest 2023, sumant així un nou guardó a un palmarès on destaquen set premis al Festival Internacional de Cine de Canes, quatre al Festival Internacional de Cine de Venècia i un al Festival Internacional de Cine de Sant Sebastià.

Un director sempre a l’avantguarda

Avui s’ha presentat als cinemes Verdi de Barcelona l’edició d’aquest 2023 del BCN Film Fest, festival que tindrà com a principal protagonista el cineasta Wim Wenders. El director alemany rebrà el premi d’honor d’un certamen que també dedicarà una retrospectiva dins de la seva secció #Imprescindibles a l’autor de films com Paris Texas, El cielo sobre BerlínTan lejos, tan cerca o La sal de la tierra. Conxita Casanovas, directora del BCN Film Fest, ha manifestat que és un dels directors més emblemàtics i importants del cinema europeu, reconegut a nivell mundial. “Un home que representa el cinema d’art i assaig dels 80 i que no ha deixat d’actualitzar-se, sempre a l’avantguarda a la cerca de noves possibilitats i gèneres”, ha destacat Casanovas, afegint que hi haurà més convidats destacats aquest any.

El BCN Film Fest 2023 entregarà el premi d’honor al cineasta Wim Wenders, director de Paris Texas.

Més reclams

Wenders, però, no és l’únic reclam del BCN Film Fest 2023, destacant entre la programació que s’ha desvelat aquest matí, títols com Alma & Oskar de Dieter Berner; El colibrí de Francesca Archibugi; El primer día de mi vida de Paolo Genovese, protagonitzat per Toni Servillo; Father & Soldier de Mathieu Vadepied; La uruguaya d’Ana García Blaya; Le voyage de Talia, de Christophe Rolin, o La impaciencia del corazón, adaptació de la novel·la homònima d’Stefan Zweig, dirigida per Bille August. Fora de competició s’ha anunciat els films El caso Padilla de Pavel Giroud i No bears de Jafar Panahi. Sica, de Carla Subirana, cinta que formarà part de la selecció de la 73a edició de la Berlinale, ha estat el títol seleccionat per cloure un festival en què també es podrà veure un avançament de Terenci, la fabulació infinita, una sèrie documental de Filmin, dirigida per Marta Layana, sobre el novel·lista coincidint amb el vintè aniversari de la seva mort.

 

[Font: http://www.elnacional.cat]

Sur le fil du rasoir. Voilà comment l’on pourrait résumer le rôle de Cate Blanchett dans le nouveau film de Todd Field, Tár. Elle y incarne une cheffe d’orchestre installée à Berlin. Le génie a sa part d’ombre. Il suffit de gratter la couche de vernis.

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Dans les coulisses, Lydia Tár prépare son arrivée sur scène. Pas de concert pour cette fois. Mais orchestrer, toujours. On l’attend pour une rencontre publique à l’occasion de la sortie de sa biographie. Le journaliste présente sa carrière, longue comme le bras: elle a dirigé les plus grands orchestres symphoniques, enseigné dans des conservatoires prestigieux.

En coulisse, son assistante (Noémie Merlant) s’assure que tout se déroule comme prévu. La séquence s’étend sur une dizaine de minutes. Les réponses de Lydia semblent spontanées, perspicaces. Mais plus on plonge dans la vie intime de Tár, plus on comprend qu’avec elle, rien n’est jamais laissé au hasard.

Un pendant féminin à Weinstein?

Actuellement en lice pour les Oscars, le film a déjà été salué par la critique. Cate Blanchett a obtenu le prix de la meilleure interprétation féminine à la Mostra ainsi que le Golden Globe de la meilleure actrice. Une reconnaissance loin d’être surcotée, tant Cate Blanchett fait corps avec cette femme brillante, et pourtant si proche du point de rupture.

Mais une reconnaissance qui en a aussi fâché plus d’un, notamment Marin Alsop: cette cheffe d’orchestre bien réelle s’est reconnue dans les différentes étapes de vie de Lydia Tár. Coïncidence des événements ou véritable inspiration libre? Le problème ne se poserait peut-être pas, si le personnage de fiction n’érigeait une femme abusant de son pouvoir pour obtenir des faveurs sexuelles et briser des carrières.

De plus, cette femme étant lesbienne, Marin Alsop – qui se reconnaît dans cette protagoniste – et d’autres voix se sont élevées pour accuser le réalisateur Todd Field… de lesbophobie. Selon elles, pour résumer, si le réalisateur a fait de son personnage lesbien une tyran, c’est parce qu’en fait, il n’aime pas les lesbiennes. Et la réflexion de se généraliser au genre féminin: on ne devrait pas représenter une femme abusant de sa position au lieu d’un homme dans l’ère post #MeToo.

Si le rôle principal est attribuée à une femme, il est inconcevable – toujours selon cette logique – qu’il s’agisse d’un personnage aussi ambigu. Alors que tout l’intérêt de ce film réside précisément dans cette complexité.

Nouvelle génération

Pourtant, ce n’est pas le genre ou l’orientation sexuelle qui est au centre du récit, mais la manipulation. Celle qui échappe aux évidences, celle que l’entourage préfère cautionner, sous le prétexte du génie colérique. Lydia Tár a une vie de couple, se consacre entièrement à sa musique. Rien ne semble dysfonctionner, sinon quelques refus de répondre à des mails, ou son franc parlé.

C’est par exemple le cas lorsque, lors d’un cours au conservatoire, elle recadre un étudiant qui renie les partitions de Bach pour ses choix de vie. La rhétorique de la cheffe d’orchestre fait mouche, mais c’est elle qui, quelque temps après, en subira les conséquences. Elle est filmée à son insu pendant la discussion. Les rushs feront l’objet d’un montage présentant des propos rafistolés, hors contexte, et finissant sur le Net.

C’est aussi à cette occasion que l’on comprend comment Lydia Tár, dans sa position de cheffe d’orchestre exigeante (elle n’est pas sans rappeler le personnage de Terence Fletcher dans Whiplash), ne peut que s’écrouler face à la nouvelle génération. Une génération qui refuse de céder aux caprices d’une hiérarchie sans morale et sans limites. À l’image de sa dernière proie, une jeune contrebassiste russe (Sophie Kauer), qui n’a que faire des appels du pied de la réputée cheffe d’orchestre ni de ses invitations à moitié voilées.

Hasard du calendrier, Divertimento, biographie d’une cheffe d’orchestre française, est également en salle actuellement. Le film s’ouvre sur le constat suivant: seulement 6% des chefs d’orchestre sont des femmes. Voilà, en tout et pour tout, la seule vérité que véhicule ce long métrage sur le métier, se noyant dans un optimisme gluant. Tár en est l’envers: rêche et rugueux sur le milieu. Todd Field réalise un véritable exploit.

 

[Images : Universal Pictures International Switzerland – source : http://www.leregardlibre.com]

Aquest divendres se celebra el Dia Internacional per a commemorar les víctimes de l’Holocaust. En el context de la Segona Guerra Mundial, l’independentisme català, encara que minoritari, va contribuir a l’evacuació dels jueus que estaven sent perseguits pel nazisme. Manuel Valls de Gomis en va ser el gran exemple.

Manuel Valls de Gomis, el primer a l’esquerra. A la dreta els membres del FNC Manuel Viusà i Gertrudis Galí, amb Octavi Viladrosa i la seua parella, Claude Hyzette | Arxiu Robert Surroca i Tallaferro

Amb la voluntat de rescatar de l’oblit els independentistes catalans de la primera meitat del segle XX i amb la premissa de divulgar “l’esperit de no rendició”, la Fundació Reeixida ha promogut un seguit d’actes que recorden les persones que, des d’aquesta militància política, van mirar d’intercedir en l’esdevenir europeu per a assolir els seus objectius polítics. Aquest divendres, 27 de gener, l’esmentada fundació organitza un acte al casal de les dones de Reus per a “recuperar la història de la resistència contra el feixisme organitzada per l’independentisme català durant la Segona Guerra Mundial”. El 27 de gener se celebra el dia de l’Holocaust, i és per això que serà el moment de reivindicar la figura de Manuel Valls de Gomis.

Nascut a Barcelona el 1914 i amb un destacat sentiment religiós, a inicis dels anys trenta va militar a les joventuts d’Unió Democràtica, quan el referent del partit era el malaguanyat Manuel Carrasco i Formiguera. Les seues dades biogràfiques són més abundants a partir de l’inici de la Segona Guerra Mundial, tot i que se sap que el mateix 6 d’octubre de 1934, dia de la proclamació fallida del president Lluís Companys, el conseller Josep Dencàs el va nomenar cap d’escamots. La seua detenció, previsible, va anar seguida del seu alliberament davant la impossibilitat que fora inculpat per manca de proves contra ell.

La situació convulsa que vivia Catalunya en aquells anys trenta va conduir Manuel Valls de Gomis a fundar la columna Pau Claris, creada per a defensar les institucions catalanes enmig de tantes agitacions i de tantes vulnerabilitats. Al servei d’aquesta estructura militaritzada va posar la seua finca familiar, ubicada a Santa Perpètua de Mogoda (Vallès Occidental). Tot i que els qui estan estudiant la biografia d’aquest independentista no ho han pogut contrastar del tot, hi ha indicis que fan pensar que Manuel Valls de Gomis va ser secretari del president Lluís Companys al Palau de la Generalitat i sotsdirector de la presó Model a Barcelona.

Manuel Valls de Gomis / Arxiu Robert Surroca i Tallaferro

Quan la guerra finalitzava i la victòria de Franco es feia imminent, a finals del 1938, va marxar de Barcelona i es va implicar, des de París, en el conflicte internacional que sacsejava el món sencer des del moment en què va poder. Abans va haver de passar pel camp de concentració de Sant Cebrià de Rosselló, d’on va escapar per refugiar-se a Perpinyà. Va ser a la capital nord-catalana des d’on a partir de 1940 es va implicar amb els aliats per derrotar el feixisme i el nazisme, que amenaçaven tot Europa. La seua tasca, segons indiquen des de la Fundació Reeixida, “consistia a dificultar el moviment de tropes franquistes a la frontera del Pirineu Oriental, creant un nucli d’ajuda a l’Estat francès anomenat León Brun, que es traduiria com Lluís el Bru, en referència al president Lluís Companys i al color de la seua pell”. Aquell seria el grup 1 de la xarxa Alibi-Maurice de la Resistència Francesa. Es tractava d’una xarxa d’intel·ligència que comptava amb vora mig miler d’agents distribuïts per a compartir informació amb el servei britànic d’intel·ligència i lluitar contra el nazisme. França, ocupada pel nazisme i controlada, a la meitat sud, pel règim titella de Vichy, vivia una situació d’emergència a la qual es va enfrontar tot un conjunt de demòcrates, entre els qui hi havia alguns independentistes catalans.

Les dades que es tenen sobre Manuel Valls de Gomis són molt més clares durant aquesta etapa. La situació exigia una reorganització per part de l’independentisme, que havia de desplegar amb èxit la seua estratègia europea que lligara la victòria aliada amb la derrota del franquisme i amb un nou estatus polític per a Catalunya enmig de la recomposició mundial del mapa de les nacions. L’històric Joan Cornudella, fundador del Front Nacional de Catalunya, va convidar Manuel Valls de Gomis –que va tindre el carnet número 2 del partit– a tornar al Principat per a lluitar des de l’interior, proposta que aquest va rebutjar, tot i que es va comprometre a col·laborar amb l’Estat francès amb la finalitat esmentada. D’aquesta manera, Manuel Valls de Gomis va convertir-se en l’enllaç amb els serveis secrets francesos, britànics i nord-americans, i més tard també amb organitzacions jueves de Bèlgica. Ell mateix s’encarregava de dissenyar xarxes d’evasió, d’oferir amagatalls per als fugitius, de controlar els passos de frontera, d’elaborar mapes, de marcar fortificacions, de localitzar les instal·lacions alemanyes i de tot tipus d’informació útil que havia d’arribar a Anglaterra, segons detallen des de la Fundació Reeixida, a través dels serveis francesos.

Carnet de la delegació a França de l’FNC / Robert Surroca Tallaferro

L’historiador Fermí Rubiralta explica que l’FNC va ser creat sis dies abans de l’entrada dels alemanys a França, al maig de 1940, “amb la qual cosa es va accelerar la decisió de passar una part de l’organització a l’interior del Principat, i a Perpinyà va quedar una mena de rereguarda. Manuel Valls de Gomis complia amb aquesta funció dissenyant itineraris que anaven de Suïssa fins l’Estat espanyol a través de diversos mitjans, en tren, en cotxe o a peu, depenent de les condicions de la ruta”. “Ell era el cap d’aquesta xarxa des de Perpinyà, que comptava amb tota una infraestructura militant que garantia l’èxit de l’evasió gràcies a l’acollida dels refugiats en pisos de militants independentistes a Barcelona, sobretot al barri del Raval”, aporta l’historiador Josep Calvet. Aquests fugitius solien anar de la capital catalana a Madrid i després a Portugal, i els militants de l’FNC que feien possible aquesta evasió van arribar a patir la repressió franquista.

Calia, evidentment, aprofitar la victòria aliada per enderrocar el règim franquista. I va ser amb aquesta intenció que, després de ser derrotades les tropes alemanyes de l’Afrika Korps, Valls de Gomis va insistir, a través de generals francesos, per convèncer el president De Gaulle que els aliats protagonitzaren un desembarcament a la badia de Roses, a l’Alt Empordà. Segons Rubiralta, “està comprovat que abans del desembarcament dels aliats a Sicília i del de Normandia, els serveis secrets van estudiar la possibilitat de desembarcar a la costa catalana. Els militants independentistes estudiaven aquesta zona, però per diferents raons es va preferir desembarcar a Sicília. Amb el desembarcament de Roses, la idea era acabar amb el franquisme, tal com demandava un dels estats aliats, la Unió Soviètica”, explica l’historiador.

Títol Just entre les Nacions atorgat per l’Estat d’Israel a Manuel Valls de Gomis / Arxiu Fundació Reeixida Memòria Nacional

Segons aquests dos investigadors, els independentistes que participaven en aquesta tasca no amagaven la seua militància, tot i que segons suggereix Rubiralta, “potser els aliats es van aprofitar de les pretensions d’aquests militants perquè contribuïren a la victòria militar i després de la guerra no foren tingudes en compte, més enllà dels agraïments”. I de fet, la militància de Manuel Valls de Gomis va continuar a l’exili francès, fins al punt que dècades més tard, a l’any 1979, quan formava part del Centre Català de Perpinyà, es va entrevistar amb el director del gabinet del ministre de Justícia francès per tal d’aturar la possible extradició de Manuel Viusà, acusat de pertànyer a l’Exèrcit Popular Català (EPOCA). Segons assenyalen des de la Fundació Reeixida, Manuel Valls de Gomis també va escriure cartes al president del Senat, als ministres d’Interior, de Justícia i d’Afers Estrangers i al president de la República Francesa, Valéry Giscard d’Estaing, amb aquest objectiu. El govern francès va denegar la sol·licitud de l’executiu espanyol.

Influïra o no la pressió exercida per Manuel Valls de Gomis, el cert és que ell mateix va ser reconegut pels estats de França i d’Israel, essent l’únic català que compta amb aquestes distincions. No debades, aquella xarxa va permetre el refugi de 800 aviadors, soldats aliats i jueus, fet que li va valdre la condecoració amb la Creu de Guerra francesa i amb la medalla de la Resistència. També va rebre el certificat de gratitud de Sa Majestat Britànica i la Medalla de la Llibertat amb palmes de plata, que entrega l’exèrcit nord-americà. L’estat d’Israel, pel seu compte, el va homenatjar al desembre de 1997 amb un acte solemne a Perpinyà. Manuel Valls de Gomis, que va morir a la capital nord-catalana el 2002, no va arribar a rebre la legió d’honor francesa perquè aquest estat no es va comprometre a actuar contra Franco. Es va negar a signar el decret que reconeixia aquesta distinció, atès que la seua lluita, tot i que va servir per acabar amb el feixisme i amb el nazisme a Europa, no va culminar amb la col·laboració dels aliats per acabar amb la dictadura franquista, la més longeva de l’Europa del segle XX.

Medalla de la Resistència Francesa / Arxiu Viusà Galí

 

[Font: http://www.eltemps.cat]

Le roman érotique français le plus célèbre au monde va connaître une nouvelle adaptation au cinéma. Après le succès du film Emmanuelle avec Sylvia Kristel en 1974, Audrey Diwan, auréolée d’un Lion d’or à la Mostra de Venise pour L’Événement, réalisera un film avec Léa Seydoux dans le rôle-titre. 

Écrit par Chloé Bergeret et Violaine Schütz

Léa Seydoux en Emmanuelle

C’est l’une des actrices les plus bankable du cinéma français. Et elle a réussi à séduire également l’étranger. Après avoir été vue dans Les crimes du Futur (2022) de David Cronenberg et Un beau matin (2022) de Mia Hansen-LøveLéa Seydoux se prépare à interpréter Emmanuelle, la célèbre héroïne du roman du même nom, paru en 1967. Publié sous le nom de plume d’Emmanuelle Arsan, Emmanuelle est l’un des romans érotiques modernes les plus célèbres de France, aux côtés d’Histoire d’O, de Dominique Aury. Il raconte l’histoire d’une jeune femme qui se lance dans une série d’aventures sexuelles avec plusieurs hommes et femmes sur fond de vie d’expatriée à Bangkok. Suscitant un scandale à sa publication mais une fascination immédiate, le roman s’est vu adapté de nombreuses fois, que ce soit au cinéma par Just Jaeckin en 1974, mais aussi à la télévision par Alain Siritzky dans les années 80 et 90.

Emmanuelle vue par Audrey Diwan

Et ce sera la réalisatrice française Audrey Diwan qui signera la nouvelle adaptation de ce roman dont le tournage débutera dans quelques mois. L’ex-journaliste a réalisé en 2019 L’Événement, tiré de l’ouvrage d’Annie Ernaux, film choc qui retrace le parcours du combattant des femmes qui voulaient avorter avant la légalisation de l’IVG en 1975. C’est une nouvelle fois une oeuvre écrite par une femme qu’elle a décidé de porter à l’écran, accompagnée dans l’adaptation du scénario de la réalisatrice française Rebecca Zlotowski. Si en 1974, le film avec Sylvia Kristel était en français, c’est une Emmanuelle en anglais qui devrait voir le jour. Interviewée par le Journal de Montréal le 16 janvier 2023, lors d’un événement Unifrance dédié à la promotion des films français, Léa Seydoux a déclaré que le long-métrage ne ressemblerait pas aux autres adaptations du livre d’Emmanuelle Arsan. Elle explique en effet : « Ce sera très différent et ça n’aura rien à voir avec les films Emmanuelle qui ont été faits dans le passé. Ce sera vraiment une Emmanuelle de 2023. Il y aura de l’érotisme mais ce sera abordé à travers un prisme féminin et à partir de son regard à elle. »

L’influence d’Emmanuelle dans la pop culture

L’influence du film Emmanuelle (qui avait réuni neuf millions de spectateurs dans les salles françaises à sa sortie en 1974) n’est plus à prouver et son impact dans la pop culture témoigne de la modernité du long-métrage. Une femme qui exprime son désir, l’assume et surtout le vit comme elle l’entend : un sacré choc pour la société des années 70. Malgré l’ouverture d’esprit à l’œuvre au moment de la sortie du film –  l’année 1974 est celle du remboursement de la pilule par la Sécurité sociale, et la promulgation de la loi Veil sur le droit à l’avortement date de janvier 1975 –Emmanuelle de Just Jaeckin porte encore les traces du male gaze et les influences d’une société patriarcale qui empêche les femmes de disposer de leur corps comme elles l’entendent. Espérons que l’adaptation d’Audrey Diwan offre enfin à l’héroïne Emmanuelle toute la liberté qu’elle mérite.

L’adaptation d’Emmanuelle par Audrey Diwan n’a pas encore de date de sortie mais devrait sortir au cinéma en 2024.

 

 

[Source : http://www.numero.com]

Christina Rosenvinge interpreta a Safo

Escrit per Enric Umbert-Rexach

Fa uns mesos vaig veure al Teatre Romea de Barcelona, dins el Grec 2022 Festival de Barcelona, una representació teatro-musical, molt kitsch per cert, sobre la poeta de la Grècia antiga Safo de Lesbos. La dramatúrgia la signava Marta Pazos, qui dirigia la companyia Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. L’actriu principal i directora musical, Christina Rosenvinge, va dir que Safo vindria a ser la Rosalia dels nostres temps, la cantant catalana que avui dia volta pels escenaris d’arreu del món. Aquesta comparació em va fer dubtar si era afortunada o no. I ara voldria sortir de dubtes.

Com a diletant de les belles arts que soc, i en especial de la disciplina literària, em proposo fer un breu exercici de literatura comparada que té el seu origen en les primeres troballes d’un papir a l’època de l’antiga Grècia i posar-lo en contrast amb les creacions literàries que en el moment actual flueixen de forma binària a través d’internet o de les xarxes socials. Dit d’una manera més concreta, a partir de l’admiració i l’entusiasme que professo pel món literari, pretenc capficar-me en les diferències i semblances entre dos punts separats per molts segles i en un terreny com és l’art de la paraula. I, per tal de delimitar l’ampli camp de treball que aquest estudi suposa, em centraré en el gènere literari de la poesia.

Imaginem-nos, per un moment, que ens trobem en un bell paratge de l’illa de Lesbos, pels volts de sis segles abans de la nostra era. Sota una olivera se senten uns versos que una poeta anomenada Safo recita acompanyada del so d’una lira, l’instrument que solia guiar les seves composicions i que tocava amb un plectre, el que ara en diem pua, i del qual es creu va ser ella la inventora. Poesia i música, germanes bessones sempre en harmonia. Per això Safo és reconeguda com a poeta d’extraordinari lirisme. Composicions que ens han arribat de forma parcial i molt fragmentària, ja que es calcula que no disposem ni d’una dècima part del que s’intueix que va arribar a compondre. Prova de la seva exquisidesa és que va ser considerada la desena de les muses inspiradores de la lírica al costat mateix d’Erato, qui representava la poesia amorosa o lírica i que sempre portava una lira entre les mans. És bo recordar, a més, que les nou Muses, filles de Zeus i de Mnemòsine, són, d’acord amb la mitologia grega, les protectores de les arts.

Curiosament, la poeta Safo va pujar a l’Olimp dins una societat on, malgrat la tolerància de l’homosexualitat, el masclisme imperava sense embuts. Safo de Lesbos, però, va ser una poeta que, més enllà de cantar l’amor lèsbic de forma monòdica, també protagonitzava comèdies obscenes i escrivia biografies fantasioses, motiu pel qual va ser titllada «d’amant insaciable i depravada o directament de prostituta», en paraules del filòleg Eloi Creus, frase que podeu llegir en la recent edició d’I desitjo i cremo publicada per Edicions Proa i de la qual em vaig fer ressò en aquesta tribuna. Potser per apaivagar els ànims, Safo també oferia cants corals anomenats epitalamis que festejaven noces de les seves amistats així com altres tipus d’himnes dedicats als déus que eren venerats de forma recurrent. Una revolucionària del seu temps que posava veu a fets quotidians sense miraments ni complexos. Desconeixem, com és lògic, la melodia dels cants que acompanyaven les creacions poètiques, però podem gaudir de la musicalitat dels seus versos gràcies a l’adaptació d’Eloi Creus a l’harmonia catalana actual. Els versos que ens han arribat de Safo segueixen una mètrica impecable a base de diferents peus que doten els poemes d’una melodia captivadora basada en la coneguda estrofa sàfica que consisteix en tres versos decasíl·labs i un quart vers tetrasíl·lab.

De què parla Safo?, quins són els seus temes més recurrents? Doncs parla de la impossibilitat de l’eterna joventut i del pas implacable del temps «el meu cos, que una vegada va ser tendre, ara la vellesa l’ha marcit». I de la passió amorosa i del desig: «i desitjo i glateixo amb ardor». També celebra les arts d’Afrodita, la deessa de l’amor i la persuasió, suplicant que li faci costat com a aliada en la seva particular lluita amorosa: «A qui fetillo aquest cop per tornar-la al teu amor? Qui et fa mal, Safo?», respon la deessa a un prec de la poeta. I, insisteix, que el més bonic del món es perseguir a qui s’estima: «Voldria veure els seus passos que encisen, / i l’espurneig que n’il·lumina el rostre». I altres invocacions a les divinitats i a les gestes de les deesses.

El rap és, en realitat, una cançó parlada amb base rítmica molt accentuada. El seu caràcter oral, la seva temàtica basada en la manifestació d’inquietuds i preocupacions, així com la manera de dirigir-se al públic, ha fet que el seu missatge es compari al dels joglars medievals

Fem un salt en el temps i situem-nos ara dins d’un ampli local nocturn amb un escenari il·luminat de llums alternants i farcit d’aparells musicals. És a dir, estem a l’altre extrem del bucòlic camp obert on escoltàvem refilar ocells com a fons musical. Situem-nos, doncs, en el referent oposat de la dialèctica que hem establert, amb la cantant Rosalía, de qui coneixem tots els detalls del seu art. Es tracta d’una cantant que mescla el flamenc tradicional amb estils moderns com ara el pop, el rap, el hip hop i la música experimental. Fórmules totes elles de recitació molt similar. Centrem el focus en un sol dels estils per concretar millor l’argumentació: el rap. El terme rap, el més icònic de tots, es refereix a l’art de rimar, acrònim de Rhythm And Poetry, o també, en el seu vessant castellanitzat, en l’apòcope de rapsode. Fins i tot, trobem a l’Oxford English Dictionary que el significat original de la paraula «rap» és «fer un so a conseqüència d’un moviment ràpid», atès que una de les característiques diferencials és l’àgil improvisació. El rap és, en realitat, una cançó parlada amb base rítmica molt accentuada. El seu caràcter oral, la seva temàtica basada en la manifestació d’inquietuds i preocupacions, així com la manera de dirigir-se al públic, ha fet que el seu missatge es compari al dels joglars medievals. Està classificada com un tipus de poesia molt visceral que es rebel·la contra totes les normes, i això fa que els rappers, s’expressin d’una forma molt directa. Però que sigui directa no desmereix la seva estructura poètica perquè les cançons d’aquest estil creen imatges en forma molt lírica per expressar la realitat que volen descriure. Com diu el conegut rapper Zenit: «Tinc un pacte amb la rima, ella m’estafa, jo l’acarono en la tarima i anem plegats al cim». Quan es va crear el rap? Si filéssim prim, i tenint en compte la base dialogada del gènere, podríem dir que el seu origen més atàvic es troba en la regueifa gallega, en els bertso-lari del País Basc, en el glosat menorquí, o en el trovo de Granada. Si ens situem ara en la més propera actualitat, hi ha un consens en el fet que l’origen de la cosa va ser a Jamaica. A mitjan dècada dels setanta es va traslladar a les festes més tronades dels barris perifèrics de Nova York, on vivien comunitats afroamericanes i llatines. Kool Herc és generalment reconegut com el pare de criatura, però el veritable honor és per a Rapper’s Delight, el primer amb veritable èxit comercial, les composicions del qual han fet, en poc temps, la volta al planeta.

L’estructura d’una cançó de rap sol ser sempre la mateixa: 2/3 versos, 1 tornada, 2/3 versos més i de nou tornada. Vers isosil·làbic basat en el predomini de monosíl·labs, en la cesura i en la rima. L’últim vers sempre ha de ser molt contundent. Bons exemples en podem trobar a youtube escoltant, entre altres, The Morning de Cruel Summer. Per conèixer quina és la temàtica o la lletra típica d’un rap, res millor que uns quants exemples. Diu el rapper Nach: «Els meus somnis són mentides que un dia deixen de ser-ho». I un altre del japonès Kase O: «Em beuré fins a les copes dels arbres, prendré de tot menys decisions». I si tornem a la nostra cantant Rosalia, podem llegir un fragment de la cançó Motomami, on es repeteixen uns versos que diuen«A cada copia que ves / tú dale tu bendición / y yo no quiero competir / si no hay comparación».

si un rapper és capaç de recitar respectant el tempo i el ritme, desgranant conceptes i metàfores a una velocitat considerable, no pot sinó considerar-se un veritable poeta, «un joglar dels nostres temps»

Dues propostes líriques tan allunyades en el temps tenen algunes coses en comú. Per una banda, si un rapper és capaç de recitar respectant el tempo i el ritme, desgranant conceptes i metàfores a una velocitat considerable, no pot sinó considerar-se un veritable poeta, «un joglar dels nostres temps», com afirma Enrique Santos Unamuno en la seva tesi: El resurgir de la rima: los poetas románicos del rap. Per altra, l’acompanyament de la recitació amb un instrument musical apropa encara més els dos singulars estils poètics. La rima en el cas del rap és molt més accentuada que la sàfica, segurament per incrementar el valor musical d’una recitació força monòdica. Es podria objectar que el rap té un component teatral, però res no sabem de com eren les representacions corporals a la Grècia de Safo. Seguim la comparativa: la variació tonal dels rappers és molt pobra i podem imaginar que en el cas grec també ho era degut a l’escassetat de cordes i la limitació de registres que conté una lira. Una diferència poc significativa seria que el rap acostuma a incorporar la tornada mentre que la poesia que coneixem de Safo, no. I un altra semblança: el rap té la seva gènesi a peu de carrer i en les classes baixes, es desfoga i vol combatre les injustícies, mentre que la poesia de Safo canta l’amor, els déus i parla de fets quotidians sense complexos.

La poesia culta, barroca o clàssica, modernista o post-modernista, abstracta o amb poc rigor rítmic, cal·ligramàtica o poètica del cos, totes elles queden lluny dels dos tipus de poesia que breument hem analitzat, la poesia sàfica i el rap. Ambdós estils aposten per l’exaltació dels sentiments de forma direca i molt rítmica. Per tant, per molt separats en el temps que estiguin aquestes dues escoles, es pot inferir que tenen molts punts en comú i m’atreveixo a reconèixer que, sovint, els extrems es toquen.

Potser ara s’entén millor el paral·lelisme que hi veu l’actriu Christina Rosenvinge entre la poeta Safo i la cantant Rosalia i que, qui sap?, potser és una idea amb molt de sentit. Un exercici de literatura comparada.

 

 

[ Foto: David Ruano – font: http://www.laveudelsllibres.cat]

Holy Spider

 

Escrit per Esteve Plantada

Meixad és una de les ciutats santes de l’islam i és l’indret on, entre els anys 2000 i 2001, un home, Saeed Hanaei, va assassinar setze prostitutes que contactava al carrer i que considerava moralment corruptes. Vet-ho aquí un dels quids de la pel·lícula: a ulls dels seus conciutadans, Saeed és un justicier o un assassí? Un psicòpata o algú que se sacrifica per complir un deure? El director danès d’origen iranià Ali Abbasi s’inspira en aquests fets a Holy Spider, obra que arriba quatre anys després de la sorprenent Border, on portava l’espectador a repensar els límits —i la percepció— d’allò que ens determina com a humans.

Abbasi va viure de primera mà els cas, quan estudiava a la universitat de Teheran. I tot plegat el va impactar, especialment la reacció de part de la població, expressada en manifestacions que reclamaven la llibertat de l’assassí. És la mostra d’una societat fracturada entre qui volia l’obertura i qui volia el tancament, emparat en la fe i la integritat religiosa. Els fets passen l’any 2001, però sonen rotundament oportuns i actuals, amb tot el que ha passat a l’Iràn al llarg dels darrers mesos i la reivindicació de les dones que es treuen el vel, en un passat que explica el present, excel·lentment relatat pel director de principi a fi, amb tots els matisos i ambigüitats necessàries. Tal com veiem ben clarament a l’inici, quan Rahimi, la periodista que s’infiltrarà per investigar el cas, arriba a l’hotel on ha reservat una habitació i no la volen acceptar perquè va sola i no és casada. La interpretació de Zar Amir-Ebrahimi li va valer el premi a Millor actriu a l’últim festival de Canes.

Coproduïda entre Dinamarca, Alemanya, Suècia i França, i rodada en persa, Holy Spider és una barreja de thriller, drama judicial i retrat social on llueix la misògina i el fanatisme en pro d’un suposat bé regulador. També mostra un sistema judicial corrupte, símptoma d’una justícia —i d’un estament policial que tampoc no en surt immune— que vol amagar la psicopatia d’un home que utilitza la religió com a excusa per saciar les ganes de matar. Per a molta gent, Saeed és qui ha deslliurat del pecat les prostitutes que “embrutaven” els carrers. Però també, és cert, encara hi ha qui se subleva per la igualtat i la llibertat, per tenir el dret a alçar la veu i exposar la injustícia que viu instal·lada als fonaments d’algunes societats que justifiquen l’injustificable.


Holy Spider

Direcció: Ali Abbasi

Guió: Ali Abbasi i Afshin Kamran Bahrami

 

[Font: http://www.eltemps.cat]

  • Shirampari, herencias del río fue grabado completamente en lengua ashéninka, en una de las zonas más remotas y mejor conservadas de la Amazonía peruana. Documental compitió contra 10 980 cortos para ser parte del prestigioso festival internacional de cine independiente.
  • Documental compitió contra 10 980 cortos para ser parte del prestigioso festival internacional de cine independiente.

Un reconocimiento más para el cine peruano. Shirampari: herencias del río, documental dirigido por la directora peruana Lucía Flórez, fue seleccionada para su proyección en el Festival de Sundance 2023, a realizarse del 19 al 29 de enero, en Park City, Utah (EE. UU).

Este corto documental –que aborda temas como la transmisión de conocimientos esenciales para la vida en la Amazonía, la importancia del territorio y la identidad– cuenta el viaje de Ricky, un niño de once años que debe superar sus miedos y atrapar un bagre gigante para emprender su viaje a la adultez.

Tras este nuevo reconocimiento de Shirampari, la cineasta Lucía Flórez señaló que este documental también representa una oportunidad para conocer las diversas manifestaciones culturales que existen dentro de nuestro territorio.

“En momentos en donde el país se siente tan fraccionado como ahora, son importantes las historias como la de Ricky, que nos recuerdan lo que nos hace iguales. Todos podemos conectar con esa inercia que lo lleva a hacerse mayor y la necesidad que tiene Arlindo (su padre) por dejar un legado”, afirmó.

Naturaleza y cultura en su máxima expresión

La producción que participará en uno de los festivales de cine independiente más importantes del mundo está hablada en su totalidad en idioma ashéninka, y fue filmada en la comunidad nativa Dulce Gloria, ubicada en el río Alto Yurúa, provincia Atalaya (Ucayali), cerca de la frontera con Brasil.

La comunidad se encuentra en el corazón de la Amazonía peruana, en uno de los bloques de áreas protegidas y territorios indígenas más grande y mejor conservado del Perú y el mundo, en la zona de influencia del Parque Nacional Alto Purús y de la Reserva Territorial Murunahua.

Para Chémi Pérez, productor de la película, “rodar en la Amazonía es uno de los mayores retos a los que un equipo de cine puede enfrentarse, pero a pesar de la situación pandémica y de las muchas complicaciones que encontramos por el camino, la comunidad de Dulce Gloria y la destreza de los miembros del equipo técnico hicieron posible que encontrásemos esos espacios mágicos en los que se rodó Shirampari”.

Por su parte, Diego Pérez, director de fotografía del cortometraje, comentó que grabar en estas áreas de alta biodiversidad significó una experiencia única, pero alertó que estos lugares viven en una constante amenaza debido a las actividades ilegales.

“Es un privilegio poder recorrer el Perú que casi nadie llega a conocer. Se trata de espacios que forman parte de inmensos bosques y culturas milenarias. Sin embargo, estas zonas están en riesgo porque hay carreteras que se acercan a la zona, las amenazas cada vez serán mayores, y personas como Arlindo, que son líderes de sus comunidades, ya están sintiéndose amenazados”, explicó.

Reconocimientos y recorrido internacional

Hasta el momento Shirampari: herencias del río ha sido seleccionado para ser parte de la programación oficial de una decena de festivales de cine de todo el mundo, en países como Alemania, Polonia, México, España, Brasil y EE. UU. Además de Sundance, figuran festivales de renombre como DOc NYC, Dok Leipzig, y CICFF. Vale resaltar que la película ha sido premiada como mejor cortometraje en Lima Alterna (Perú) y en Amazonia (Fi)Doc (Brasil).

La realización de Shirampari fue posible gracias a un fondo otorgado por la National Geographic y el apoyo de la Sociedad Peruana de Derecho Ambiental (SPDA), el Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo (PNUD), 10 Arts Foundation y el Servicio Nacional de Áreas Naturales Protegidas por el Estado (Sernanp).

Shirampari es una coproducción de El Taller.pe (Perú) y Cabo Sur (España).

 

[Fuente: http://www.spda.org.pe]

Une nouvelle année, c’est se projeter vers un avenir meilleur en espérant de nouvelles opportunités tant professionnelles que personnelles. Pour les Péruviens, cela passe par certaines coutumes.

Écrit par Guillaume FLOR

La célébration du Nouvel An a une symbolique forte au Pérou. La promesse d’une vie meilleure se fait à travers plusieurs rituels, dont chacun détient sa propre signification. Sur tout le territoire péruvien il existe une diversité de croyances et de traditions pour attirer la bonne fortune, la chance et les nouvelles opportunités. Beaucoup d’entre elles sont liées à l’histoire du pays et de ses cultures anciennes. Voici quelques-uns de ces rituels avec lesquels les Péruviens passent le réveillon du Nouvel An pour accueillir la nouvelle année de la meilleure façon possible.

Les lentilles de la fortune

Les lentilles sont liées à la prospérité et à l’abondance. Elles peuvent faire partie des plats servis pour le dîner du réveillon ou être utilisées comme amulettes. Les Péruviens mettent, par exemple, une petite poignée de lentilles dans une poche de leurs vêtements ou les laissent dans un verre sur la table de la salle à manger. L’intention est que dans la nouvelle année qui commence, l’argent ne manque pas et qu’il y ait toujours de l’abondance à la maison.

Des sous-vêtements jaunes pour donner de la couleur au futur

Ce rituel est l’une des plus répandues au Pérou et il y a toute une industrie autour d’elle. Tout au long du mois de décembre, il est courant de voir des magasins et des marchés dans le pays vendant des sous-vêtements jaunes. Dans certaines maisons péruviennes, la tradition consiste à en porter lors du réveillon du 31 décembre, pour symboliser la clôture de la vieille année et attirer la chance pour l’année à venir.

Promenade autour de son quartier

Voyager est l’un des vœux les plus courants au début d’une nouvelle année, surtout dans les circonstances très compliquées que nous connaissons depuis quelques années. Pour que ces futurs voyages se réalisent, les Péruviens ont pris l’habitude de faire le tour de leur quartier ou de leur urbanisation avec une valise. D’après eux, le rituel fonctionne mieux si vous faites ce parcours avec les personnes avec lesquelles vous souhaitez voyager.

Les douze raisins de minuit

Il s’agit d’une tradition d’origine espagnole mais, comme pour beaucoup d’autres pays, les Péruviens l’ont adoptée. La coutume indique qu’à minuit, au moment précis où commence la nouvelle année, il faut manger 12 raisins pour attirer la bonne fortune. Le rituel remonte au début du 20e siècle, ainsi dans le passé, les raisins étaient consommés au rythme des 12 coups de l’horloge de l’église dans chaque ville. Aujourd’hui, on n’entend plus les cloches, mais la tradition s’est maintenue au fil du temps.

Brûler des poupées de chiffon

Bien qu’elle ait déjà été interdite dans différentes régions du pays, cette coutume du Nouvel An existe toujours au Pérou. L’idée est de fabriquer une poupée à partir de vieux vêtements, que vous n’utilisez plus, et de la brûler pour chasser les mauvais souvenirs et les énergies négatives. Étant donné que brûler sur la voie publique n’est pas autorisé, beaucoup choisissent de remplacer ces poupées par des « piñatas » ou simplement des figurines décoratives qui remplissent le même objectif.

 

[Photo : Myriam Zilles – Unsplash – source : http://www.lepetitjournal.com]

Au plus proche du travail d’Isabelle Huppert puis de Fabrice Luchini, préparant tous deux leur entrée en scène, Benoît Jacquot révèle une aventure aux multiples échos.

Isabelle Huppert, en route pour affronter sur scène le texte qui lui échappe.

Écrit par Jean-Michel Frodon — Édité par Natacha Zimmermann 

Il est mort il y a bien longtemps –cent-dix-huit ans–, celui qui a écrit: «Le malheur me paraît tellement invraisemblable que j’en viens même à ne plus savoir que penser, je m’y perds.» Elle est intensément vivante, celle qui dit et ne dit pas cette phrase, la triture, la mâchonne, la murmure, la digère, la métabolise. Et bloque. Encore. Et encore.

C’est très bizarre, presque burlesque, ou un peu malsain, ce rapport obsessionnel d’Isabelle Huppert à une seule phrase, une réplique de La Cerisaie d’Anton Tchekhov, qu’elle va jouer le soir même sur une des scènes les plus célèbres du monde, celle du Palais des papes, en ouverture du Festival d’Avignon.

Problème trivial? Anecdotique? Chacun peut à bon droit le penser tant qu’il n’a pas vu ces séquences –dans le jardin, dans la voiture, dans la loge, sur le plateau pendant la dernière répétition. Parce que ce qu’on voit, ce qu’on perçoit, est à la fois bouleversant et infiniment troublant. Ce qui s’éprouve là, presque indépendamment d’à propos de quoi cela s’éprouve (jouer une pièce de Tchekhov), concerne la peur et le courage. Ce qui se ressent est au croisement d’un acte de passion au-delà de la raison et, du même mouvement, le travail. Le travail comme un acte qui engage tout entier.

Il n’est peut-être rien de plus émouvant au cinéma que, lorsqu’elles sont bien filmées (c’est rare), des personnes qui travaillent. Cela vaut pour un boulanger faisant des croissants ou un conducteur de RER, comme pour Mick Jagger on stage chantant «Satisfaction» pour la quatorze millième fois. Lorsque la caméra sait voir et faire voir l’investissement de toutes les facultés du corps et de l’esprit pour que quelque chose se fasse, que quelque chose existe, que quelque chose arrive. Pas comme un exploit unique, hors norme, mais comme un accomplissement quotidien, qui agit dans le monde et définit, au moins en partie, celui ou celle qui l’exécute.

Isabelle Huppert est une immense artiste. Au moment où Benoît Jacquot la filme, cela lui complique un peu plus la tâche qu’elle a à surmonter. Cette unique phrase de Tchekhov est-elle vraiment si cruciale pour elle, ou en fait-elle une manière de s’accrocher à quelque chose pour mieux prendre en charge l’ensemble du rôle de Lioubov? On ne le saura jamais. On ne peut pas le savoir. Sans doute elle-même ne le sait-elle pas.

L’inverse radical de la communication

Ce qu’elle sait, et que grâce au film nous voyons avec une intensité exceptionnelle qu’elle sait, est que «ça» passe par là. Ça quoi? Va savoir, disait Jacques Rivette, en titre d’un autre beau film où le cinéma se donne pour tâche d’approcher, avec ses moyens à lui –la caméra, le montage (qui consiste aussi à ne pas couper), la présence de traces du monde dans le cadre– ce qui s’active dans le théâtre.

En répétition sur le plateau de La Cerisaie, magnifiquement mise en scène par Tiago Rodrigues, au Palais des papes.

Benoît Jacquot est, avec Jean Renoir et Jacques Rivette, un de ceux qui se seront le plus et le mieux passionnés par ces enjeux. On se souvient de son Elvire-Jouvet 40, ou de La Fausse Suivante tourné dans un théâtre. Mais cette recherche attentionnée court tout au long de sa filmographie, de façon plus ou moins explicite, jusqu’à la récente et magnifique mise en écran de la pièce de Marguerite Duras, Suzanna Andler.

Au-delà du raisonnable

Au cours du film, la partie Luchini ne s’oppose pas tant à la partie Huppert, elles se stimulent l’une l’autre, par tout ce qui y contraste comme par tout ce qui s’y fait écho. L’immersion de l’actrice dans le matériau même de la langue, qui suscitait aussi tant de questions quant aux processus de la mémoire, résonne mieux encore avec l’exhaustion du texte et de lui-même que pratique Luchini, expliquant et discutant à haute voix ce qu’il cherche à faire.

C’est drôle, c’est fulgurant d’intelligence, c’est énervant, et au bout de cette traversée réinventée sur les traces de Nietzche, commencée en répétition et poursuivie devant les spectateurs, c’est très, très beau. Ces deux-là, Huppert et Luchini –et d’ailleurs aussi Jacquot, auquel il convient d’adjoindre les deux femmes à la caméra, Caroline Champetier et Inès Tabarin– sont folle et fou.

Ce qu’ils cherchent et leur manière de chercher va très loin au-delà du sens commun et des comportements raisonnables. Mais là, justement là, s’active quelque chose qui concerne non seulement les deux interprètes, les textes majeurs auxquels on les voit se consacrer et, au-delà, le travail d’acteur. À sa façon faussement minimaliste, Par cœurs met en lumière et en émotion ce qui rend humains les humains, et la promesse de renouveler ce qu’ils ont à partager. Cela, le vent ne l’emportera pas.

  

Par cœurs de Benoît Jacquot

avec Isabelle Huppert, Fabrice Luchini

Durée: 1h16

Séances

Sortie le 28 décembre 2022

 

[Photos : | Les Films du Losange- source : http://www.slate.fr]

Cada 15 de decembre, d’esperantistas de tota la planeta organizan d’eveniments restacats amb lor movement lingüistic e social

Coma cada 15 de decembre, los esperantistas del Mond entièr celèbran uèi lor fèsta. Atal, dins totes los cantons de la planeta, los locutors de la lenga internacionala organizan d’eveniments restacats amb lor movement lingüistic e social.

Aquela tradicion a sas originas dins los ans 1920 quand un grop d’escrivans e d’activistas esperantistas prepausèron coma celebracion la data de naissença de Ludwik Lejzer Zamenhof, l’iniciator de l’esperanto, que uèi auriá 122 ans.

Un gatge per la diversitat lingüistica

L’esperanto es una lenga planificada que permet la comunicacion entre las personas en condicions egalas. Pensada coma lenga auxiliara e nèutra, es un gatge per la diversitat lingüistica. Al delà, sa relativa facilitat la fa venir accessibla a quina persona que siá, independentament de sa posicion sociala o de sa cultura.

L’accion de l’esperantisme se fonda, normalament, sus l’aplicacion dels dreches reconeguts dins la Declaracion Universala dels Dreches Umans, dins la Declaracion Universala de la Diversitat Culturala, dins la Declaracion Universala dels Dreches Lingüistics e sustot dins lo Manifèst de Praga, sorgit dins l’encastre del movement esperantista.

Una data alternativa al 26 de julhet

Totun, lo jorn de l’esperanto per excelléncia es lo 26 de julhet, en commemoracion de la publicacion de l’Unua Libro (Primièr Libre) en 1887 a Varsòvia. Se tracta d’un manual que compreniá las 16 règlas de la lenga internacionala creada per Zamenhof, 900 raices de vocabulari, una letra e la traduccion en la nòva lenga de qualques versets de la Bíblia amb la pregària del Paternòstre. Se voliá nomenar la lenga tot simplament Lenga Internacionala o “Internacia Lingvo”, mas Zamenhof, per paur de la repression del tsar, signèt aquel primièr libre amb l’escaisnom de Doktoro Esperanto, es a dire, “Doctor qu’a d’espèr”.

Lo 26 de julhet es totjorn commemorat pels esperantistas, mas sembla que lo 15 de decembre siá una data melhora per organizar d’eveniments pel public.

 

[Imatge: Roger Sanjaume – sorsa: http://www.jornalet.com]

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jpt
Há já mais de duas décadas, o fascista e racista (e até negacionista do Holocausto) Jean-Marie Le Pen clamava que não se revia numa selecção francesa então campeã do mundo de futebol, devido à abundante presença de jogadores de origem « ultramarina » – da África, sobre e subsaariana… « Africanos », não franceses, entenda-se.
O argumento foi absorvido pela « esquerda » americanófila, fiel à ideologia « comunitarista », essa do « identitarismo » por lá dito « Woke ». E nesse eixo raci(ali)sta há alguns anos tornou-se « viral » (como se dizia antes do Covid-19) o vitupério do comediante sul-africano Trevor Noah – encarregue do Daily Show, espectáculo televisivo de militância do Partido Democrata americano -, também ele afirmando a primazia da excentricidade dos jogadores franceses de ascendência estrangeira que em 2018 se haviam sagrado campeões mundiais. Então contestado pela embaixada francesa em Washington, Noah viria a fazer um retórico ligeiro passo atrás quanto aos jogadores, mas embrulhando-o numa veemente crítica ao modelo social laico francês e elogio ao molde racialista americano (baseado no secularismo), seguindo exactamente as pisadas do miserável discurso do então presidente Obama após o atentado à Charlie Hebdo. As suas audiências, internas e estrangeiras, rejubilaram com essa sarcática negação da efectiva nacionalidade francesa dos praticantes de ascendência ultramarina (nem a Noah nem a Le Pen chocavam os Djorkaeffs ou Griezmanns, esses que de ascendências euroasiáticas).
E é interessante ver como agora em África, neste actual cume do entretenimento global que é o Mundial de futebol, se vai interpretando a equipa francesa. Principalmente hoje, quando ela se apresta a culminar a revalidação do título. Pois está amplamente disseminada esta visão raci(ali)sta: jogadores « negros »? São « africanos ». Selecção com jogadores « negros »? Selecção « africana ».
Enfim, o velho Le Pen (e decerto que também a sua filha, congénere e até conviva do nosso prof. Ventura) deve rir-se ao ver que se tornou global – e até com ajuda yankee -, num verdadeiro álbum « Le Pen en Afrique ».

[Fonte: delitodeopiniao.blogs.sapo.pt]

Un recorrido por las figuras más destacadas y los mejores momentos que dejó el festival musical en Madrid

Abdullah Ibrahim saluda al público durante el concierto que ofreció en JAZZMADRID 2022.

Escrito por Pedro Calvo

El flamenco y el jazz son los dos sujetos principales de la temporada musical otoño/invierno. Dos géneros esencialmente inclusivos, que permiten la expresión de multitud de individualidades de cualquier latitud. La última palabra de JAZZMADRID 2022 ha salido de las yemas de los dedos de Abdullah Ibrahim, un músico bendecido con un espíritu libérrimo y liberador. Y con unas manos mágicas. El público del teatro Fernán Gómez aplaudía y aplaudía, agradecido. Abdullah correspondió a tanto buen rollo con un canto desde lo más profundo. Concierto hermosérrimo y purificador, que el octogenario pianista de Ciudad del Cabo rubricó con los ojos cerrados, puesto en pie y con la mano derecha en la oreja para escuchar su propio canto. Un canto a capela que evocaba la tradición africana y que era en realidad un espiritual que hablaba de cruzar el río Jordán, de trabajar los campos de algodón… Y de volver a la casa donde se nació para encontrarse con que ya no hay nadie para recibirte. Abdullah Ibrahim tiene 88 años. Y es una torre del mejor jazz que ha parido el siglo XX y el XXI.

A Abdullah le hemos disfrutado antes en Madrid y otras ciudades a lo largo de cuatro décadas. En ocasiones ha venido flotando bajo largas, elegantes y vaporosas vestiduras africanas, blancas o azules. Pero la otra noche vino enfundado en un estiloso traje negro, con camisa y corbata del mismo color catafalco. La imagen es siempre la misma: un santo. Un santo que junta las manos a modo de oración para dar las gracias por el diluvio de aplausos que celebra su música. Y su música es una bendición: intensidad y delicadeza derramándose a placer. Una melancolía honda emana de los temas de Ibrahim. Es una melancolía rara, porque en su seno y su deriva tiene una alegría de vivir esperanzada y meditabunda. Triste, feliz y sonriente, ese es el retrato en movimiento de Abdullah Ibrahim. Dominador del sosiego.

Abdullah, hipnótico e imponente, irradia espiritualidad ecuménica. Se cambió el nombre al hacerse musulmán en 1968, abandonando aquel sonoro y quizá equívoco apelativo: Dollar Brand. Fue justo en el momento de descubrir revelaciones y rebeliones, las de los Black Panthers. Su música tiene la carga emocional de cuando tuvo que levantarse contra el apartheid. Es una celebración espiritual en la que se revuelve la imaginación con tradiciones sudafricanas, himnos religiosos holandeses, jazz, blues y demás músicas hermanas, incluyendo a toda la barra de los airados chicos del free jazz (con el argentino Gato Barbieri formó un dúo modélico). Delante tenemos a un apóstol del jazz. Su primer grupo con Hugh Masekela en los años 50 se llamaba The Jazz Epistles. A reglón seguido (y derecho), Abdullah y Duke Ellington tuvieron una epifanía mutua en el arranque de los años 60. Consecuencia inmediata: Ellington dejó que Abdullah se sentara algunas noches al piano de su mítica orquesta celestial. Thelonius Monk le entregó su marca de enigmas y divagaciones. Y Abdullah cose y recose con paciencia y precisión la memoria acumulada, las heridas y dulzuras del alma.

No sabemos qué saben unas de otras, pero la reciente composición Bolero Blue III –no es la única en ese tono de Ibrahim– viene del mismo sitio en el que están Solitude (Duke Ellington), Round Midnight (Thelonious Monk), Ode to Life (Don Pullen), All Alone (Mal Waldron) o Variaciones sobre un tema de Chopin (Frederic Mompou). Música desolada pero alentadora, callada pero despierta. El concierto madrileño siguió el formato de los dos últimos álbumes de Ibrahim, Dream Team (2019) y Solotude (2021). Son discos a piano solo: un reconcentrado de la obra de este grandísimo músico con pulsión mística. Un creador humanísimo que desnuda sus composiciones y las despoja de todo adorno. Su pócima cuece en una reducción de Abdullah Ibrahim. Implosión que enlaza sin pausa unos temas con otros durante 50 minutos. Y de la cabeza te saca cualquier mala piedra que puedas tener. Algunas piezas son un jugueteo minimalista con un ritmo de danza. Esqueletos bailando canciones de amor y lucha.

Sorprendido, agradecido y feliz, Abdullah dejó que las muchachas dijeran la última palabra. La elegancia de poseer la luz

Como todos los fuegos el fuego, todas las músicas la música. La música es políglota. La de Abdullah, muy políglota. Eché de menos alguna escapada hacia las impetuosas oleadas de Mannenberg y Soweto Is Where It Is At: dos temas de mediados de los años 70 que fueron dos himnos sin palabras y dos piezas de cabecera en el movimiento antiapartheid sudafricano. Ahora la expresión viene en modo austero y misterioso. En el espacio entre nota y nota da tiempo a respirar, a pensar y asimilar emociones bondadosas con resonancias secretas. Tras el espiritual a capela, nuevo chaparrón de aplausos. Y nueva propina: Abdullah se arrancó con otro cántico y en el patio de butacas se levantaron tres muchachas, presumiblemente compatriotas del sudafricano. Y comenzó a cantar ese tema con armonías de gran belleza. Sorprendido, agradecido y feliz, Abdullah dejó que las muchachas dijeran la última palabra. La elegancia de poseer la luz.

Surtido de lujo

Salgo de la posesión Abdullah. JAZZMADRID 2022, unido al ciclo “Villanos del Jazz”, nos ha permitido todos los días durante mes y medio dar la vuelta al día en ochenta mundos, según la expresión que cantaba el cronopio Cortázar. El jazz es esencialmente cosmopolita, un surtido de lujo y fantasía. La fiesta comenzó con Mark Guiliana, baterista prometeico y todopoderoso, que llegó con el también prometeico pianista Jason Lindner. Estos dos músicos fueron mitad y parte esencial de los pocos elegidos por David Bowie para construir su descomunal testamento discográfico Blackstar. Hizo Guiliana jazz para viciosos del ingenio.

El siguiente punto filipino de mi itinerario de temporada fue Kurt Elling en compañía del guitarrista Charlie Hunter. El vocalista de Chicago quizá sea el crooner del momento. Dijo que había escrito algunas letras para el último disco con Hunter, SuperBlue (2021), pero que no sabía bien lo que querían decir, que lo importante es que todas son para bailar. Elling sabe muy bien la función de cada palabra, la manera de encarnarse, como se pudo apreciar al cantar en un idioma apenas conocido: el castellano. Así le escuchamos una versión cristalina del bolero Si te contara. Se fueron Elling y Hunter metiendo fuego con un cosquilloso blues del siglo XXI que olía a siglo XIX.

Se agradece el cuidado en mostrar el jazz hecho por mujeres. No siempre fue así y hay que celebrarlo. Como el jazz es eminentemente inclusivo, Oumou Sangaré vino de Mali con su disco Timbuktu. Sincretismo de tradiciones del África Occidental con el folk y el blues. Esa vida común puede apreciarse en un tema tan demoledor como Wassulu Don, donde la voz de Oumou se revuelca con el boogie venenoso de John Lee Hooker. Lanzó un alegato contra la guerra y el público reaccionó con juerga agradecida. Y Sangaré respondió este piropo: “Por dentro sois black”. Noches antes, la chilena Melissa Aldana presentó su disco 12 Stars, donde se incluye Los ojos de Chile, himno de apoyo a la contestación política y las movilizaciones chilenas de 2019. Melisa es hija del saxofonista Marcos Aldana y nieta del postbebop. Su música suena compleja, alambicada y con cerebro de mujer.

Más mujeres del jazz. La saxofonista alemana Ingrid Laubrock vino en compañía de Andy Milne, pianista noruego. Una extraña pareja que hace free-jazz de aventura personal. Parecen escapados de la serie The Big Bang Theory, intelectuales con aire locuelo y pegada demoledora. Cyrille Aimée, criada en el mismo pueblo en que vivió Django Reinhardt, Samois-sur-Seine, entró en esto del jazz deambulando por el swing manouche, la bossa brasileña y la cosa latina. En el despegue colocó una versión elegante, delicada y musculosa de Petite Fleur, añejo tótem decó de Sidney Bechet. La cosa latina le viene a Cyrille por parte de madre, que es dominicana. Consecuencia: Aimée hizo su versión de Estrellitas y duendes, sentimentalismo de Juan Luis Guerra. Hizo una pieza doblando la voz y armonizándola con la maquinita looper. Mucho me gustó su enrollada versión de I’ll Be Seeing You, joya del American Songbook. Y me gustaron también sus palabras de despedida: “Gracias por venir a escuchar música en vivo”.

La variedad de propuestas jazzísticas ha venido creciendo desde hace más de un siglo a una velocidad de crucero. El violonchelo era un instrumento raro en el jazz o en el flamenco, ahora está ahí tan campante. Eric Friedlander, hijo del famoso fotógrafo musical Lee Friedlander, fraguó estilo en la vanguardia neoyorquina. Vino con un compañero al piano tanto o más sobresaliente: Dave Douglas. Eric maneja su violonchelo con la destreza de un grande multiuso. Crea suspense y te cuelga la próxima nota pasmosa o un acorde exultante. El futuro del jazz ya está aquí, con este sexagenario. Eric Friedlander lo mismo se lía con el torbellino John Zorn que le vende seda a Laurie Anderson.

De Steve Coleman soy devoto. Hace un jazz vanguardista, arriscado, multicultural, juvenil y… sexagenario. De Chicago, Steve es fundador del colectivo M-Base, tremendo cocedero de la vanguardia neoyorkina. No es un estilo más, sino otra forma de concebir la expresión. Una experiencia que puede enlazar la música del otro Coleman, Ornette (sin parentesco biológico), con el hip hop o la cosa latina. En Madrid salieron a golpe de batería y toque de clarín. La voz hiphopera de Kokayi MC aparece soberbiamente encastrada con la sección de metales: el saxo explorador de Steve y la trompeta locuaz y sugerente de Jonathan Finlayson. Una experiencia arrogante, arrebatada, turbulenta, superadora y feliz. Una explosión de energía que te enciende el pelo. Digo con melancolía que no pude asistir a otras maravillas de la programación 2022. Dejo aquí algunos nombres y varios dientes largos: Cecile McLorin, Paolo Fresu, Lizz Wright, Adam Ben Ezra, Aki Takase, Kenny Garrett, Billy Cobham, Al Di Meola, Melody Gardot, Steve Turre…

 

[Foto: cortesía de JAZZMADRID – fuente: http://www.ctxt.es]

 

 

 

 

Badalamenti compuso también las bandas sonoras de Terciopelo azul y Corazón salvaje y colaboró durante décadas con el director de cine

Angelo Badalamenti actúa en Los Ángeles en 2015 en un concierto benéfico.

Escrito por PABLO GIL

El compositor Angelo Badalamenti ha muerto a los 85 años, según ha comunicado su familia en redes sociales. El músico deja como legado una serie de bandas sonoras inolvidables, tan enigmáticas, ambiguas y subyugantes como las de la serie Twin Peaks o las de las películas Terciopelo azul y Corazón salvaje, todas ellas de David Lynch.

El músico neoyorquino, hijo de emigrantes italianos, fue uno de los mejores aliados en la carrera cinematográfica de David Lynch. Él fue quien tradujo a sonido las extrañas fantasías del director y gracias a sus sinuosas canciones y músicas propulsó innumerables escenas a la categoría de iconos del cine moderno.

Lynch, nueve años más joven que Badalamenti, es músico además de cineasta. Él mismo compuso la banda sonora de Cabeza borradora (1977) y siempre ha multiplicado el carácter onírico de sus escenas con la ayuda de la música: por eso encontrar a Badalamenti, un hombre que tradujo perfectamente sus fantasías a sonido, fue un elemento clave para él y para su desarrollo.

Si el cine de David Lynch alcanzó un carácter diferencial fue en parte gracias a Badalamenti, un creador de estilo muy particular, entre la modernidad y el clasicismo, entre el jazz, la música orquestal y la electrónica. Eran canciones que flotaban como espectros, canciones que siseaban como una serpiente bajo la cama, canciones perturbadoramente sensuales y canciones sensualmente perturbadoras, canciones que aceleraban junto a los acantilados y canciones dramáticas y enmarañadas como el pelo en una tormenta, canciones delicadas que resistían el viento y canciones poderosas que se podían romper como un cristal al caer contra un camino de baldosas amarillas. Todo un poco trágico, un poco misterioso, tan hermoso y terrible.

Y haciendo equilibrios en esa maraña de alambres hizo de todo el perspicaz compositor, que nació en 1937 en Brooklyn, hijo de un pescadero siciliano, y que llegó a obtener un máster en la Escuela de Música de Manhattan. No conoció a David Lynch hasta 1986, es decir, cuando tenía 49 años y ya había hecho media carrera en los márgenes del jazz, el cine y la televisión.

Fue en Terciopelo azul (1986) cuando fue contratado para ayudar a Isabella Rosellini a cantar el tema principal de la película, un Blue Velvet que fue el principio de una relación profesional de cuatro décadas.

La banda sonora que le dio más fama fue la de Twin Peaks, cuyo tema central se convirtió en un enorme éxito desde que se estrenó el primer capítulo de la serie, en 1990: recibió un premio Grammy en la categoría de Mejor Interpretación de Pop Instrumental. Gracias a ello se le invitó a participar en la música de la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92, para la que aportó el tema que acompañó la entrada de la antorcha olímpica en el estadio.

Badalamenti contaría en muchas ocasiones que compuso la herrumbrosa melodía improvisando mientras Lynch le contaba su idea de la serie. « Imagina que estás en un bosque oscuro con un búho al fondo, con nubes tapando la luna y los sicomoros meciéndose suavemente por el viento », le decía el director, y continuó hablándole de una joven, que aún ni tenía el nombre de Laura Palmer, « una hermosa muchacha en apuros que salía de ese bosque en penumbra… » Así surgió la melodía, sentados ambos junto al teclado. « No cambies una nota, es perfecta », dijo Lynch al terminar, y ese sonido aún es recordado por sus fans como uno de los momentos más emblemáticos de su carrera.

En los años 90, Badalamenti y Lynch volvieron a formar tándem en películas tremendas como Corazón salvajeCarretera perdida, la inusual Una historia verdadera y Mulholland Drive, estrenada ya en 2001, además de la propia película de Twin PeaksFuego, camina conmigo.

El éxito de esta estrecha y carismática colaboración hizo del compositor una figura muy demandada en el principio de siglo. No le faltaron proyectos de bandas sonoras para cine y televisión y también trabajó con cantantes como David Bowie y Marianne Faithfull, aunque su relación más duradera fue con Julee Cruise, a la que conoció igualmente en Terciopelo azul.

 

[Foto: Kevin WinterGetty – fuente: http://www.elmundo.es]

Susan Neiman fait de la question du mal le problème structurant de la philosophie moderne et explore les différents sens qui lui ont été donnés.

Écrit par Christian RUBY

La philosophe Susan Neiman se propose de comprendre l’histoire de la philosophie occidentale moderne à l’aune du concept de mal, dont elle juge qu’il en est un principe structurant. Son parcours se déploie entre deux événements marquants : le tremblement de terre de Lisbonne en 1755 et la création du camps de concentration d’Auschwitz au mitan du XXe siècle. L’un et l’autre ont en effet provoqué un trouble philosophique profond : dans le premier cas, l’idée d’un Dieu bienveillant apparaissait incompatible avec l’existence de catastrophes naturelles aussi dévastatrices ; dans le second cas, la valeur morale de l’être humain semblait s’effondrer face à des actes d’une telle atrocité.

Penser le mal. Une autre histoire de la philosophie Susan Neiman 2022 Premier Parallèle 475 pages

Afin de retracer l’histoire de ces questionnements, l’auteure identifie deux grandes traditions de pensée : l’une, allant de Jean-Jacques Rousseau à Hannah Arendt, s’efforce de rendre le mal intelligible ; l’autre, de Voltaire à Jean Améry, exige que nous le maintenions dans son absurdité. Cette catégorisation laisse de côté certaines pistes importantes (par exemple les réflexions de Spinoza, qui excèdent les bornes historiques choisies dans cet ouvrage). Mais Neiman ne cherche pas à produire un exposé exhaustif ni chronologique. Son approche est plutôt thématique, qui rassemble certains penseurs autour des réponses communes qu’ils proposent à la question de l’existence du mal. C’est ainsi que se compose ce qui est annoncé par le sous-titre du livre comme une « autre histoire de la philosophie ».

Rousseau : un tournant philosophique  

Le problème du mal a longtemps été débattu, et ce bien avant le tremblement de terre de Lisbonne. Mais l’auteure montre qu’entre Bayle ou Leibniz, d’une part, et Rousseau, d’autre part, on voit apparaître une rupture à l’occasion de cet événement. Alors que ceux-là l’abordaient dans une perspective théologique, Rousseau est le premier à retirer la responsabilité du mal à Dieu pour l’attribuer aux humains. Selon lui, si la catastrophe à été si dévastatrice pour la capitale portugaise, ce n’est pas du fait de la nature ou de Dieu, mais du fait des constructions humaines qui, parce qu’elles sont vulnérables à ces phénomènes, ont aggravé le bilan. Ce faisant, il opère une distinction nette entre le mal physique et le mal moral, qui n’avait pas lieu d’être dans la perspective théologique.

Ce retournement implique que nous ne sommes plus tenus de trouver des justifications supérieures ou de nier tout bonnement l’existence du mal (afin d’innocenter de toute faute le Créateur divin). C’est ce que proposaient jusqu’alors les défenseurs de la « théodicée » — cette doctrine soutenue notamment pas Leibniz, selon laquelle les manifestations du mal dans le monde sont des éléments nécessaires à l’accomplissement d’un plus grand bien, dont seul Dieu peut avoir la vision. Avec Rousseau, il est désormais possible d’intégrer l’existence du mal à un monde dont l’intelligibilité est, de surcroît, à notre portée.

En l’occurrence, le philosophe considère que la question doit être replacée dans une perspective historique : le mal a été introduit dans le monde par la civilisation, c’est-à-dire le long développement au cours duquel les humains se sont éloignés de leur véritable nature. En d’autres termes, Rousseau ne condamne pas l’être humain lorsqu’il lui attribue la responsabilité du mal : celui-ci n’est pas intrinsèquement pervers mais plutôt susceptible d’erreur et de corruption.

Or, en reformulant ainsi le problème du mal, Rousseau fournit en même temps la clé de sa résolution. Loin d’un péché originel, qui ne pourrait être corrigé que par la Grâce divine ou par les prières, c’est davantage de l’organisation de la société dont il convient de se soucier. Ainsi, la solution est politique : il est possible d’éradiquer le mal si les humains s’accordent sur de nouvelles règles collectives.

De Lisbonne à Auschwitz : un monde sans Dieu

Ces réflexions de Rousseau ont été rendues possibles par les discussions soulevées par le tremblement de terre qui a dévasté Lisbonne en 1755. C’est pourquoi Neiman pose cet événement comme la première borne de la pensée moderne sur le mal.

Le lien avec la seconde de ces bornes, qui met en quelque sorte fin à cette périodisation philosophique, est à première vue surprenante : comment justifier le rapprochement entre Lisbonne et Auschwitz ? Ces deux événements on en commun d’ébranler profondément notre sentiment que le monde a un sens. L’auteure montre ainsi que l’un et l’autre encadrent le déploiement du problème du mal en philosophie, quoique le premier permette de l’ouvrir, le second de le clore.

Le tremblement de terre de Lisbonne avait conduit Rousseau à marquer une distinction franche entre un mal naturel et un mal moral ; en ce sens, l’analyse des abominations commises dans les camps de concentration en termes exclusivement moraux s’inscrit dans la même logique réflexive (et en rupture avec les arguments théologiques qui la précédaient).

Cette rupture qui caractérise la modernité philosophique a une conséquence radicale : en assumant la responsabilité du mal, l’humain peut désormais se passer de Dieu. Ainsi Hegel formule le problème du mal en termes séculiers, y trouvant une solution dans le sens de l’histoire — tout en réconciliant les prétentions de la raison avec celles de la nature, comme le relève Neiman.

De même, l’auteure souligne la tentative de Marx d’expliquer le mal à partir des rapports sociaux — lesquels concernent à la fois les rapports à la nature et les rapports entre humains. Or, Marx avait lui-même fondé sa critique sociale sur une critique de la religion (et de la philosophie de ses prédécesseurs qui en faisaient encore le jeu, sous couvert de la démystifier). Il apparaît dès lors que cette critique de la religion sous toutes ses formes constitue la condition première de toute critique.

Une humanité « sans abri » 

Une différence de taille sépare toutefois les cas de Lisbonne et d’Auschwitz : le premier, pour dévastateur qu’il ait été, n’a pas provoqué une dévastation conceptuelle aussi profonde que le second. De telles distinctions sont nécessaires pour penser la spécificité du mal à chaque époque. C’est notamment ce que fait Günther Anders lorsqu’il met en parallèle Auschwitz et Hiroshima : si les crimes d’Auschwitz sont plus menaçants pour l’âme humaine, ce qui s’est passé à Hiroshima est plus menaçant pour l’humanité elle-même. De fait, écrit-il, il faut avoir le cœur plus dur pour pousser un enfant dans une chambre à gaz que pour lâcher une bombe sur ce même enfant — d’autant que cette bombe est lâchée à distance.

Neiman complète ce dossier des formes contemporaines du mal par une analyse précise de la thèse d’Arendt sur Eichmann, qu’elle révise sur la base des travaux de Bettina Stangneth. L’auteure s’appuie encore sur Nietzsche pour mettre en évidence l’ampleur des transformations que nous devons opérer pour résoudre le problème du mal que nous nous sommes infligés à nous-mêmes (évacuant une fois encore la perspective religieuse qui chercherait du côté de la rédemption).

Cette exploration des philosophies du mal redessine complètement la carte mentale de notre époque contemporaine. À cette époque, l’auteure attribue la qualité de « sans abri » — une situation similaire à la « mort de Dieu » annoncée par Nietzsche, où l’individu fait l’expérience de la perte des valeurs traditionnelles.

Mais cette cartographie nécessitait une mise à jour, puisque la première édition de cet ouvrage, en 2002, comportait des lacunes : à cette nouvelle édition en langue française, l’auteure ajoute une postface ouvrant la discussion sur des événements plus récents qui impliquent de renouveler notre approche du mal, comme le terrorisme, et en particulier les attentats du 11 septembre.

En affinant ainsi ses catégories, Neiman rappelle que l’existence de différentes formes de mal confirme que, comme beaucoup de notions fondamentales, le mal n’est pas réductible à une essence.

 

[Source : http://www.nonfiction.fr]

Ilustración:Alberto Caudillo

A Rohit Mehta,
porque le gustan Frank Sinatra y Bob Dylan

Escrito por Arturo Dávila

Quisiera iniciar esta reseña con adjetivos grandilocuentes y sonoros. Escribir dichosamente que asistí a un concierto espectacular del viejo Robert Allen Zimmerman, de 81 años. Celebrar que se bautizó como Bob Dylan hace 60 años, el 2 de agosto de 1962, cuando tomaba clases en la Universidad de Minnesota, asombrado ante los versos del bardo galés Dylan Thomas, uno de sus poetas favoritos. Repetir los elogios unánimes de los poseedores de más de 125 millones de discos (entre ellos yo mismo) del cantautor nacido un 24 de mayo de Duluth, Minn.

Pero no.

Esta nota comienza en una reunión de sesenteros y setenteros a la que asistí hace aproximadamente un mes. Tras varias rondas televisivas de partidos de futbol soccer, americano, baloncesto, programas de comentarios, análisis, repeticiones de las jugadas más sobresalientes, etc. sugerí de manera sutil que escucháramos música. Rohit Mehta, el anfitrión, empezó a proyectar en su televisor, vía YouTube (esa biblioteca global) videos memorables. Apareció el hijo de George Harrison, acompañado de Eric Clapton, Tom Petty, Ringo Starr, Sir Paul McCartney, y muchos más, en un concierto homenaje al padre del joven George. Varias baterías al unísono, guitarras que se desgarraban, y sendos cantantes alternándose las estrofas del clásico “While my Guitar Gently Weeps” [“Mientras llora mi guitarra”]. Un enorme concierto. Después, en otro tono, la escena musical se trasladó hacia los 1950, en blanco y negro, y desfilaron ante nuestros oídos, Dean Martin, Nat King Cole (su favorito), Ella Fitzgerald y Frank Sinatra, entre muchos otros. La letra de las baladas de aquellos años, muchas de las que yo no conocía, era clara, casi transparente. Entonces Rohit señaló, refiriéndose a Sinatra: “Nobody like him. He enunciates every single word when he sings” [Nadie como él. Enuncia cada una de las palabras al cantar]. Y era cierto. Quien se jacte de hablar y entender la lengua imperial, escuche a Frank o a sus coetáneos y sentirá un placer orondo en los labios al seguir sus canciones sin mengua. Su calidad oral es inigualable. Un deleite para los estímulos del aprendiz.

* * *

Vuelvo a Bob. Por razones de tráfico tuve que transitar por la avenida Telegraph en Oakland,  después de varios años. De repente, miré con asombro en la marquesina del Fox Theater el nombre de Bob Dylan. Estacioné el auto y me encaminé hacia la taquilla para comprar unos tickets. “¿Qué más da?”, me dije. Serendipity. Sincronía surrealista. Para bajarme los humos, me recibieron unas rejas y una ventanilla cerrada. Nadie a la redonda.

Me convertí en ciudadano del siglo XXI: abrí el internet, compré unos boletos digitales —con un precio altísimo por el servicio— y a los pocos minutos me mandaron un código QR con las entradas. Un rollo sin magia y hasta con estrés por saber si la compañía era legítima. La realidad destruyó al azar objetivo de mi encuentro con Bob, mis alucinadas concordancias surrealistas.

Los trucos del chamán

Ese sábado llegamos al teatro con un par de horas de anticipación. En la banqueta lateral, unos fans de edad avanzada encendían sus boom-boxes con CDs tocando la música de Dylan. Algunos llevaban cervezas en bolsas de papel. La calle olía a mota, no la medicinal sino la recreativa. Era la prefiesta de preparación en plena acera. Calentar motores. Se gestaba un concierto callejero antes del concierto estelar. Alcancé a escuchar “The Times They Are A-Changin’”, aparecida en 1964. Me pregunté de qué tiempos estábamos hablando. De la chaviza de hoy en día o de la momiza, que fue la chaviza hace sesenta años. Más de medio siglo. Hoy estamos más lejos de los años 1960 que en los años 1960 de los “Roaring Twenties” que cumplen un siglo. Es verdad, los tiempos han cambiado.

Al aproximarnos a la entrada, notamos que en la marquesina no aparecía el nombre de Bob Dylan. Aparecía “Rough and Rowdy Ways”, el apelativo del tour y de su nuevo álbum. “Sold Out”. Ningún registro de su pasaje por Oakland, Ca. Primer truco del chamán. Al entrar, nos pidieron los teléfonos para pasar la banda metálica, como en los aeropuertos. Colocaron el aparato en un recipiente de tela que nos regresaron al cruzar al otro lado. La sorpresa nos desubicó. La bolsita estaba sellada: “It´s a phoneless concert” aclaró un educado joven. El mago Dylan nos jugó la segunda broma. Si alguien había pensado que iba a documentar el privilegio de haber estado allí, esa templada noche de junio de 2022, se equivocaba. No chance para montar una selfie en Facebook, mandar un snapchat, colgar una foto instantánea en Instagram, compartir con el mundo los 15 segundos de fama que otorgan los medios sociales contemporáneos. “No photos, man. No taping, man. No nothing, man. Just Bob”, comentó alguien mientras subíamos la escalera.

Observé mi supuesto boleto. Un pequeño papel cuadrado, sin ninguna información sobre el concierto, sin fecha, sin especificaciones, salido de cualquier impresora. Escrito a mano, con letra manuscrita: sección, balcón, fila Z, asiento 13. Mis pretensiones fetichistas de guardar el preciado souvenir como un talismán para el recuerdo se desvanecieron. Tercer artilugio del hechicero octogenario y la industria musical que organiza estos eventos. Descubrí que la dichosa compañía nos instalaba hasta gayola. No obstante, el Teatro Fox es un antiguo cine que, abierto en 1928, proyectó películas hasta 1970. Ahora funge como sala de conciertos. Se ve bien de todos lados.

Fotografía: Arturo Dávila

Concierto “a la Dylan”

Una excelente banda abre con un virtuoso 12-bar blues de casi diez minutos, rítmico y acompasado. El escenario es sencillo y enigmático. Una tenue luz beige ilumina la parte posterior del proscenio y el piso de neón, a cuadros amarillos y blancos, enciende a los músicos. El resultado (otro truco de Bob) es que solo se ven sombras. Todo a contraluz. Dylan, uniformado con un traje negro, sombrero y lentes oscuros, es casi una pálida sombra. Una silueta incierta que gesticula detrás de un piano, desde donde a partir de la segunda rola, empieza a cantar y a enunciar unos acordes. En pocas palabras, no quiere que se le vea o que se le distinga bien. Ni fotografías ni videos ni nada. El concierto no existe o es un concierto opaco y misterioso. Otro de los ardides del roquero.

Media hora más tarde, después de unas cinco tandas (Dylan es extenso en sus composiciones), me doy cuenta de que yo, al menos, no he reconocido ninguna canción. Además, no entiendo nada de lo que Bob masculla. Su voz pastosa, de tenor demorado, inigualable, es extranjera para mi oído. Es digno de alabanza que no se vale de coros secundarios ni jóvenes cantantes que lo apoyen desde atrás. Será la lejanía, será la altura, la emoción. Yo, no puedo hilar sus palabras. Cuestiono a uno de los del grupo, sentado junto a mí. Declara lo mismo: él no entiende nada. Me culpo a mí mismo: “Debe ser mi inglés. No soy nativo. De lejos, pierdo las sutilezas de la lengua”. Maybe.

Otra media hora pasa y, finalmente, logro captar tres líneas: “It may be the Devil / It may be the Lord / But you’re gonna have to serve somebody”. ¡Ah!, respiro. Slow Train Coming (1979), su primer disco espiritual y probablemente el último que yo adquirí de Dylan. El que los críticos llamaron el primero de su madurez. Paul Williams señaló que esa rola era “la pieza que debía ser escuchada una y otra y otra vez, inagotable, esencial”. Jann Wenner, fundador y editor de Rolling Stone, la llamó “nada menos que las canción más madura y profunda de Dylan sobre América”.

En ese momento pienso que se inicia la tanda que esperamos, una sinuosa navegación hacia el pasado. De nuevo, no. Unos quince minutos más tarde, alcanzo a distinguir una pieza llamada “Key West”, ya que Dylan dice algo como down in Key West después de cada espeso monólogo. Según mi sentido de audición, habla sobre una prostituta con la que lo obligaron a casarse a los doce años y que todavía sigue siendo su amiga, down in Key West. Más tarde lo corroboré en YouTube. Unos muchachos, sentados junto a nosotros, líricos y nerviosos, salen y entran de la fila, disculpándose y lanzándose por más cerveza. “It´s the sixth time I see Dylan”. La sexta vez que asisten a uno de sus conciertos, me presume uno de ellos. Y probablemente la sexta cerveza que han deglutido en menos de una hora.

Noto que la mayoría de la gente del público es blanca. Hay gente mayor, adolescentes y hasta niños. Las familias fueron a ver al cantante, tal vez por última vez. Who knows? Los afroamericanos y los latinx brillan por su ausencia. A ellos les gusta el hip hop, el rap, la música de banda o los (narco)corridos. Ambos grupos celebran el reggaetón. Dylan pertenece a una entidad que ellos no reconocen: los anglos que muchas veces son sus enemigos. Sin embargo, alega mi conciencia, visitemos “Subterranean Homesick Blues”, de 1965, para encontrar un ejemplo magistral, precursor de los malabarismos lingüísticos de hoy:

Johnny’s in the basement
Mixing up the medicine
I’m on the pavement
Thinking about the government…

Uno de los primeros videos musicales que se produjo (con Allen Ginsberg in the back, me parece). Inigualable balada del mejor rap de la época.

Esa noche me doy cuenta de que hacía muchos años que yo le había perdido la pista a Dylan. Lo había congelado entre los años 1960 y 80 y me quedé con rolas como “It Ain´t Me Babe”, “Mr. Tambourine”, “Don´t Think Twice, It´s All Right”, “My Back Pages”, “Like a Rolling Stone”, “Just Like a Woman”, “Don’t Fall Apart on Me Tonight”, “Not Dark Yet”, and so on. Sus viejos clásicos. Los que siguen tocando en la radio y yo sigo cantando y admirando.

La última rola que tocan Dylan y su banda está teñida de alegres acordes de piano y unos instantes de armónica. La gente se prende. Las líneas finales decían algo como “And I hope I get some sleep / Tonight”.

Y así fue. Al terminar la canción, Dylan se levantó del teclado horizontal y presentó a la banda. Salieron juntos del escenario haciendo caravanas y, a pesar de varios minutos de aplausos y encores, no se les volvió a ver el pelo. Como ha sido su costumbre por décadas, acaba y se va. Decía que necesitaba dormir esa noche y, para cuando salimos del teatro, probablemente él y su banda ya estaban en el hotel donde pasaron esa noche en la que, como Dylan sentenció en su última línea, necesitaba dormir. Y ya.

Fotografía: Arturo Dávila

Sobremesa nocturna

La sobremesa en el bar al que nos dirigimos después de la función fue una experiencia enriquecedora. La noche era fresca y el aire limpio. Tiritaban las estrellas. Se podía respirar, sin cubrebocas. Yo necesitaba que alguien me explicara qué había pasado. En hora y media de “dylanazo”, no capté más de diez líneas y reconocí el ronroneo de una sola canción, y a medias. Se me dijo que Dylan recrea sus composiciones musicales de una manera distinta cada vez que las interpreta. “Ah, pensé. Eso explica por qué nadie cantó al unísono las rolas que el mago entonaba”. Al menos, yo no miré ni escuché a ningún fan seguir una pieza o tararearla o pararse a bailar o cualquier gesto de reconocimiento e inclusión. También se comentó que se trataba de “Spoken Word Poetry”, una especie de recital de poesía con el Nobel del 2016.

Confieso, de manera sacrílega, que no fui partidario de que a Dylan se le diera el Nobel. Sobre todo, cuando seguían vivos sus mayores: Ernesto Cardenal, Nicanor Parra, Saadi Yousef (agregue el lector y la lectora a los poetas de su predilección que merecían el premio de más de un millón de dólares tanto como el cantautor gabacho). El mismo Dylan casi no se la creyó y comentó que era similar a que estuviera parado en la luna. Así lo expresó: “If someone had ever told me that I had the slightest chance of winning the Nobel Prize, I would have to think that I’d have about the same odds as standing on the moon”. Tal vez la emoción le provocó crear esa alegoría cósmica. Sin embargo, no fue a Suecia y el premio lo recibió la embajadora de EE. UU.

Tampoco me molestó demasiado su designación. Un amigo roquero que festejó el premio me dio una razón histórica:

—Dylan le enseñó a toda su generación que se podían componer mejores rolas que “She Loves You, Yeah, Yeah Yeah”  o “I Wanna Hold Your Hand” o “I Can´t Get No Satisfaction”, etc. —Además, agregó mi amigo—, Dylan les dio su primer toque de mota a Los Beatles y los llevó a otra dimensión de la creatividad musical.

—De acuerdo, —le contesté. Recordé que Lennon sí aprendió la lección de Dylan. Regresó a Londres y compuso “I Am The Walrus”, un monólogo surrealista, pachequísimo, que toca las esferas de la poesía.

Todo esto se comentó en la sobremesa para justificar a Bob. Tal vez me convencieron. Cometí otro sacrilegio, esta vez de corte académico:

—A Dylan debieron haberle dado el primer Premio Nobel de Oralitura, es decir de la narrativa que intenta transcribir los discursos de la lengua hablada.

Algo así como el Romancero de la Edad Media o el género testimonial contemporáneo. En realidad, Dylan es un juglar, un rolling stone. Su poesía tiene que ser cantada, escuchada. Es oral más que escrita. Brilla más cuando se oye que en el papel. Me parece. La verdad, todos siguieron tomando su cerveza y no me hicieron mucho caso.

En otro momento de la sabrosa plática, hice una observación más atrevida diciendo que, si le concedieron el Nobel a Dylan, también se lo merecería Joan Manuel Serrat, por lo que hizo con Machado, con Miguel Hernández, con Joan Salvat Papasseit, y mucho más. Otro gran cantautor. No se inmutaron demasiado. Sin embargo, la propuesta no pareció tan descabellada. Finalmente, alguien dijo que era uno de los peores conciertos a los que había asistido. Otro asistente cerró la discusión y la noche: “No creo que pueda haber algo mejor que haber escuchado a Dylan. Fue una maravilla” Y, como calabazas, nos fuimos a dormir pasando la medianoche.

Reflexiones a posteriori

Llevo tres semanas pensando en el mentado concierto. O Dylan es un genio o es un embustero. O un embustero genial. Chamán o charlatán. Lo he estado escuchando en el Internet para comprender su evolución. Me doy cuenta de que sí entiendo sus rolas. No sé qué pasó esa noche. O Dylan ya está muy viejo o yo estoy chocheando y ya no oigo bien. Declaro que, en un momento dado, desde la soledad central de mi butaca, cerré los ojos, hice un caracol en la oreja con la mano, incliné la cabeza hacia adelante y traté, con toda voluntad y brío, de escuchar la vibración del viento y seguir alguna de sus canciones. Lo repetí varias veces durante su performance. La voz de Dylan y yo ya no somos compatibles. Non ho capito niente.

Sin embargo, en mi recorrido dylanesco por la red, me congracié con él. Le gusta mucho escandalizar a sus seguidores. Yo lo tenía enterrado en mi olvido. Me impuse la tarea de regresar a su magisterio. Encontré un concierto al alimón con Eric Clapton, el 30 de junio de 1999, en el Madison Square Garden de Nueva York. Quien dude de la habilidad de Dylan para requintear con y como los mejores, visite esa noche. Es excelente.

Todo se le perdona a ese “ser alado, ligero y sagrado”, como nombró Platón a quienes reciben el don de la poesía.

Asimismo, capté su calidad de formidable iconoclasta. Escuché algunas de sus versiones de la obra de Frank Sinatra. ¡Oh sorpresa! La verdad, qué manera de destazarlo. Solo Dylan y Sid Vicious, el de los Sex Pistols, en “My Way”, han logrado destruir de tal manera al artífice de la música de los 50, al divo mayor, al inigualable galán italoamericano, el señor de la voz melodiosa y cristalina, sin desdoro hasta el final de sus días. Quien no lo crea, chequee en el internet las versiones de “Stay With Me”, o el video musical “The Night We Call It A Day”, en el que Dylan actúa y superpone su presencia cinematográfica. Escuchen, también, su participación en los ochenta años de Frank, en 1995, cuando Dylan (des)entonó en su honor una de sus memorables rolas sesenteras “Restless Farewell”, que termina con las siguientes palabras: “So I make my stand / And remain what I am / And I bid farewell / And not give a damn”. Algo así como: “Mantengo mi posición /y sigo siendo el que soy/ y me despido / y me importa un carajo”.

 

La cámara solo se acerca una vez al rostro de Sinatra quien, desde su asiento, muestra un aspecto azorado, lleno de extrañeza y tal vez de incomprensión absoluta. Parecida a la que producen hoy en día (al menos en mí) las destrezas de Bad Bunny o Pitbull o Camilla Cabello. Escena difícil de interpretar. Dylan y Sinatra, dos generaciones que se alejaron a 180 grados de distancia. Ni más ni menos, sin posibilidad de retorno. Sigo tratando de atar los cabos, si es que se pueden enlazar. No lo he logrado.

Coda final

Me desdigo. Hace algunas noches prendí el televisor. Proyectaban un programa especial sobre la música de los 1950. La anunciaban como “eterna”, “prodigiosa”, “los clásicos de siempre”. Me pedían $251 dólares para apoyar a la televisión pública, en doce mensualidades, para recibir siete CDs que grabarían de manera imborrable en mi corazón el concierto celebrado en el Trump Taj Mahal de Atlantic City, en New Jersey. Sucedió en el año 2004. Aparecieron célebres cantantes —ellos y ellas— de la época, con sus tuxedos, sus vestidos policromados, sus corbatas de pajarita, sus joyas preciosas, sus movimientos laterales sincronizados, sus orquestas armoniosas y sus coros perfectos. Desfilaron ante mis pupilas The Four Aces, Patti Page, Johnny Horton, Pat Boone, The Platters, etc. You name it. No reconocí a ninguna de esas superestrellas musicales.

De repente, una dama cantaba al unísono con Patti Page, y lloraba de emoción. Luego un caballero, de pelo plateado y arrugas en las arrugas, entonó otra pieza, casi elevándose de su asiento y con lágrimas en los ojos. Una elegante cursilada. Patético. No acabé de ver el programa. Como en el túnel del tiempo, con el control en la mano, cambié de canal, navegué hacia las aguas de otra época. “Basta de viejos más viejos que yo”.

Entonces me cayó un rayo luminoso en el cráneo. Tal vez me explicó todo. Ese sábado mágico del 11 de junio de 2022, Bob Dylan me había salvado de convertirme en un ruco patético y cursi, entonando en mi asiento, con lágrimas en los ojos, las rolas que me conmovieron —a mí y a toda mi generación—, en aquella juventud de hace más de cincuenta años. Sí, hace medio siglo, o más. Simplemente me instaló en un antiguo cine, en una butaca de gayola, sin teléfono, sin internet, sin pantallas, sin coros ni nostalgias, sin grandes aspavientos, para oír a una banda tocando su música, y un auditorio concentrado solo en eso y nada más. Como se hacía en el siglo XX. Cada concierto era irrepetible, inigualable. Para bien o para mal, así fue esta presentación de Bob Dylan. No quedó ningún documento para la posteridad. Solo en la memoria de los asistentes.

Agradecí al chamán Dylan, por haberse ubicado a contraluz, detrás de un piano, un sombrero y unos lentes oscuros, en esa especie de caverna platónica, donde no se sabía si los seres que veíamos eran de verdad, o solo sombras de otros seres humanos que se movían tras el fuego. Oscuros y sombríos como los que los veíamos, como somos todos los entes que transitamos en este planeta. Sombras de otras sombras. Y Bob recitó, cantó, poetizó, tocó la armónica y el piano, como cuando era joven. En pocas palabras, hizo lo que le dio la gana. Y se fue.

Yo, al fin, comprendí que fui a rendirle pleitesía a uno de mis ídolos mayores, a darle mi tributo —es el concierto más caro al que he asistido— por haberme enseñado a tocar guitarra entonando sus rolas, por no dejarme caer en la cursilería y el patetismo de una generación que se había destazado en la Segunda Guerra Mundial, en Corea, y le pedía lo mismo a sus hijos en Vietnam. Una generación que vestía con fastuosa elegancia, tomaba martinis y güisquis, y le cantaba al amor correspondido o no, de las muchachas más níveas del planeta. Y ellas les contestaban, ataviadas con joyas espléndidos y todo el glamour de la época. A la vez, construían y tiraban bombas de napalm en los campos de arroz del sureste asiático.

Bob Dylan cantó contra la guerra, y alguna vez les espetó “Masters of War” a los mismos que lo premiaban, los creadores de la industria musical, adoradores de sus gélidos y gráciles cantantes. Desgarró su garganta y emitió gorjeos gangosos e incomprensibles contra las voces de almíbar de sus ancestros musicales. Entonó himnos contra la hipocresía que en aquellos lejanos tiempos lo —nos— rodeaba. Y tal vez todavía nos rodea. Yo, le doy las gracias por lo que me enseñó, por su desparpajo y su valentía, poque nos prendió el escorpión de la conciencia a través de la música. Quizás no debió haberlo hecho. La ignorancia es más feliz, como creía Unamuno. Gracias, maextro Bob Dylan: te odio con ternura.

* * *

Seguiré elucubrando durante mucho tiempo sobre esa noche memorable de junio, esa velada dylanesca. ¿Me gustó el concierto? ¿No me gustó? No lo sé. Antes pensaba que tenía buena intuición y seguía mis corazonadas. La vida me sacó las muelas del juicio. Ya no tengo ídolos. Solo puedo afirmar, como en la primera canción que le conocí a Bob Dylan, con la cual se hizo famoso y millonario, que “la respuesta está en el viento”.

—Oakland, Ca., verano del 2022

Arturo Dávila
Escritor, doctor en Lenguas y Literaturas Romances por la Universidad de Berkeley. Tantos troncos truncos (Casa Vacía, 2020) es su último libro de poemas.

[Fotos del autor – ilustración: Alberto Caudillo – fuente: http://www.nexos.com.mx]

Sin duda nuestro Uruguay tiene encantos varios a lo largo de su corta extensión, pero “La Heroica” y sus alrededores tienen un lugar privilegiado. Con menos de doscientos mil habitantes, este departamento ofrece una cantidad de alternativas para deleitarse, de las cuales hemos elegido un manojo para ustedes.

Atardecer desde la Meseta de Artigas

Escrito por Pablo Tronchon

Remontar una pandorga. Y hacerlo frente al río Uruguay preferentemente al atardecer. Este sitial referente es elegido por decenas de sanduceros que se dejan, junto a reposera y mate, perderse en las suaves ondas del curso de agua. El espectáculo lo completan las populares cometas, que los locales llaman mediante uno de los uruguayismos más curiosos de nuestro acervo lingüístico.

Puente camino a Saladero de Guaviyú

Estación de tren Queguay. Aunque sea publicitada con fervor como “la más linda del país” y nos permitamos desconfiar un poco de la hipérbole, sin dudas es un hermoso paseo acercarse a visitarla, no tanto por su destaque arquitectónico, sino por una cantidad de entrañables y fotogénicos vagones de madera en bastante buen estado de conservación, dentro de los cuales incluso parecería vivir gente por las antenas de televisión satelital adosadas a algunos.

Estación Queguay

Platos sanduceros. Acaso sus exponentes principales sean las queridas empanaditas rusas (piroshki) de variadas combinaciones y el emblemático postre chajá. A su vez, entre la tupida oferta para ir a comer, recomiendo darse una vuelta por Barriga Club, un particular restaurante que funciona a reserva, con menú reducido, pero selecto, y que posee una producción artesanal de panes de masa madre y mermeladas de frutos agroecológicos de alto nivel.

Basílica de Nuestra Señora del Rosario

Ruinas del saladero Guaviyú. A escasos kilómetros de la capital departamental y entre los palmares, este sitio, que fuera escenario del enfrentamiento entre las fuerzas del presidente Santos y las de los revolucionarios legalistas, es un infaltable de la visita. El derruido edificio es el residuo de uno de los impulsos industriales del Uruguay de finales del XIX, que hoy queda erigido para las fotos y para hacer acampada a su alrededor. Un singular detalle para no perderse la pequeña virgen negra que se encuentra en el camino, en recordatorio de la de Monserrat (Barcelona).

Virgen negra, de camino a Saladero de Guaviyú

Cruzar el puente internacional General Artigas. Con sus 2.355 metros, conecta los márgenes de Argentina y Uruguay, y se constituye en uno de los tres pasos de hormigón hacia el país hermano. Cruzar este aporte vial a la unión de las culturas litorales resulta un modo también de entender los vínculos entre ambas márgenes del Plata.

Monumento a Perpetuidad

Meseta de Artigas. Esgrimiendo las vistas más espectaculares sobre el límite fluvial de nuestro país, es un punto especial para disfrutar de un atardecer mágico, degustando típicas tortas fritas y, si lo hacemos en turismo, maravillarse con la regata homónima, que se realiza desde hace más de setenta años y convoca alrededor de cuarenta veleros por edición. Sobre la barranca se emplaza la soberbia y centenaria escultura del prócer envejecido, en un pedestal de granito rosado de 32 metros, junto a los pabellones nacionales. Allí es donde se arrojaron las cenizas del general Seregni en 2004.

Los Iracundos

City Tour. La ciudad invita a recorrerla y son varios los mojones en los que recalar: la plaza Constitución alberga el mausoleo de Leandro Gómez, quien resistió hasta la muerte la invasión colorada, argentina y brasileña de 1865, y donde se encuentran también cartas y objetos de su pertenencia. Enfrente se alza la basílica de Nuestra Señora del Rosario, que sobrevivió al Sitio de Paysandú, y engalana este punto neurálgico de la urbe. A pasitos, la estampa otrora neoclásica del Teatro Florencio Sánchez, que fuera honrado con la actuación de artistas de la talla de Luis Sandrini o Carlos Gardel. Finalmente, el Monumento a Perpetuidad es una joyita de las necrópolis, en desuso desde finales del XIX. Allí, entre cipreses, panteones, iconografía masónica y delicadas esculturas en mármol importadas de Italia, se encuentran los restos de los caídos en la Revolución del Quebracho y de miembros de lo más encumbrado de la sociedad local decimonónica.

Lagartear en las termas de Guaviyú. Este complejo termal ofrece moteles, zona de camping, restaurantes y centros comerciales para quienes gusten de disfrutar del relax de las aguas terapéuticas y del bullicio de las familias.

Semana de la Cerveza. Este famoso evento cultural, que se desarrolla en semana de turismo, combina una feria de productos artesanales, diversas propuestas gastronómicas, juegos de kermesse y una interesante agenda musical, a precio bastante accesible, de artistas consagrados de uno y otro margen del Plata, en el Anfiteatro del Río Uruguay. A lo largo de 55 años se han presentado artistas destacados, nacionales e internacionales, de todos los géneros musicales, que convocan año a año a miles de visitantes. El broche de oro es visitar el Chucho’s Vintage Bar, para tener una experiencia lisérgica en uno de los lugares con más identidad y tradición noctámbula del pago.

 

[Fuente: http://www.revistadossier.com.uy]

De la ville de Nice au musée du Louvre en passant par l’aéroport de Marseille, bien des institutions ne respectent pas la loi Toubon. Une association les poursuit en justice… et obtient des résultats.

Écrit par Michel Feltin-Palas

Sur le papier, cela ressemble à une très jolie liste : l’Elysée ; la tour Eiffel ; l’Assemblée nationale ; le parc national des Calanques ; le musée du Louvre ; la grotte de Lascaux 4 ; le musée Granet d’Aix-en-Provence ; la ville de La Ciotat ; l’aéroport Marseille Provence, le Défenseur des droits… Énumération un brin désolante, en réalité, car toutes ces institutions ont pour point commun d’être ou d’avoir été l’objet de procédures pour non-respect de la loi Toubon sur la langue française. Leur initiateur ? Observatoire des libertés, une association qui a notamment pour objet de défendre « la liberté de s’exprimer dans sa propre langue » (1). Celle-ci a adressé fin novembre une première salve de requêtes à certaines de ces structures – un tir groupé destiné à recueillir un maximum d’écho dans l’opinion publique. Une seconde salve sera de nouveau déclenchée contre une quinzaine d’autres organismes en début d’année prochaine.

De fait, trois des articles de la loi Toubon concernant l’anglais sont régulièrement contournés. Le premier prescrit que « toute inscription ou annonce apposée sur la voie publique […] doit être formulée en langue française » (article 3). Ce qui n’empêche pas la ville de Nice de communiquer avec le slogan « I love Nice » …

Le deuxième prévoit que, lorsque ces inscriptions font l’objet de traductions, « celles-ci doivent être au moins au nombre de deux » (article 4). Une disposition décisive pour préserver la diversité linguistique car, bien évidemment, s’il n’y en a qu’une, c’est toujours la langue la plus puissante du moment qui est choisie. Or, toute la signalétique du musée du Louvre – pourtant placé sous l’égide du… ministère de la Culture – est traduite en anglais et seulement en anglais. Il en va de même pour les panneaux d’information qui entourent les travaux de la cathédrale Notre-Dame-de-Paris, pour les publicités de la Fête des lumières de Lyon ou encore pour le musée archéologique de Gergovie, censé en théorie exalter la résistance gauloise face à l’envahisseur étranger…

Le dernier prohibe l’octroi par les collectivités de subventions aux manifestations qui ne respecteraient pas la loi Toubon (article 15). Qu’à cela ne tienne, le Salon parisien Viva Technology – avec un y, bien sûr – croule sous les deniers généreusement versés par diverses régions, dont l’Île-de-France. Tandis que la ville de Marseille accorde une aide de 60 000 euros à une association organisant un événement intitulé – sans la moindre traduction – Freestyle cup.

Ne croyez pas que les procédures engagées par Observatoire des libertés soient de simples coups d’épée dans l’eau. L’association a déjà obtenu plusieurs victoires significatives en contraignant diverses institutions de renom à se plier à ses injonctions. À commencer par… l’Elysée, qui a purement et simplement retiré la version anglaise de son site Internet. Celui de l’Assemblée nationale était naguère bilingue français – anglais ? Après avoir été menacé d’être traduit en justice, il utilise désormais une dizaine de langues. Quant à la signalétique de la tour Eiffel, qui n’était traduite qu’en anglais, elle dispose maintenant d’une version espagnole. « L’identité d’un pays est dite par sa langue. Or l’anglo-américain tend à se substituer au français comme langue d’usage. Nous attendons de ces grands acteurs une conduite exemplaire, et non qu’ils fassent le lit d’un colonisateur appliqué à nous imposer ses valeurs via sa langue », commente Louis Maisonneuve, le président d’Observatoire des libertés.

Le mal, de fait, semble profond. Car rappelons-le : il ne s’agit pas ici de pointer un accès d’anglomanie auquel céderait une poignée de jeunes désireux de paraître « modernes », mais bien de décisions prises par des organismes publics en infraction avec la législation. Même la Cité internationale de la langue française de Villers-Cotterêts a dressé des panneaux traduits uniquement en anglais – je n’invente rien. Il a fallu que des associations l’interpellent avant qu’elle ne se décide à respecter la loi…

Il est peut-être temps, en effet, de réagir…

[Source : http://www.lexpress.fr]