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Antoni Martínez Bonet

Antoni Martínez Bonet

Escrit per Salvador Vendrell

Mala sort per a la fusta si naix violí, és el títol d’un dels catorze relats de diversa factura que componen el llibre amb què Antoni Martínez Bonet guanyà, l’any 2021, el 37é Premi de Narrativa Vila de Puçol. Un títol que Bonet deu haver tret d’un poema, Un tros de fusta, del poeta francés Arthur Rimbaud:

I si un tros de fusta descobreix que és un violí?

Que encegat per la por,
no escoltava la seua música interior,
¿No mereix l’esforç de ser tallat?
¿No ha de ser modelat
i trobar així la seua pròpia felicitat?

Així, conte a conte, ens podem entretenir amb les dèries d’uns personatges que formen part del nostre imaginari cultural i que, encara que la majoria són ja ben morts, tornen a viure amb les narracions de Bonet

No sé si els personatges coneguts del món de la literatura, de l’art o de la música que protagonitzen els contes de Bonet troben la seua pròpia felicitat. El que sí que mostren són les seues passions i els seus molt particulars caràcters. Així, conte a conte, ens podem entretenir amb les dèries d’uns personatges que formen part del nostre imaginari cultural i que, encara que la majoria són ja ben morts, tornen a viure amb les narracions de Bonet per presentar-nos aspectes significatius de la seua biografia o escenes molt particulars de les seues trajectòries.

Onada (2022)

Així, assistirem al moment en què Fernando Pessoa es va quedar enganxat a l’ham de l’enamorament com un peix decidit a tastar l’aire de l’atmosfera. I com escrivia versos infantils a la seua estimada. Versos de joc improvisat per enamorar una Ofèlia displicent, alegrement jove, a anys llum de la maduresa d’un home que encara s’havia de fer com a poeta, però que volava com una àliga omplint papers. O escoltar Robert Johnson tocar la guitarra hores i hores i bevent. O bevent i tocant, que és el mateix, amb el desig de convertir-se en un Faust qualsevol: “Si fos veritat que aquesta música és del dimoni, com asseguren els predicadors, jo ja m’hauria amerat de tota ella per ser un bon bluesman. Et jure, Mingo, que donaria l’ànima al diable si m’atorgués la capacitat d’enlluernar el món amb els meus dits i el meu cant”.

Podem llegir una carta de Miguel Hernández en què li vessa dels ulls el clam encés de la derrota. Acompanyarem la mare de Paul Verlaine al cau de l’amant del fill, Arthur Rimbaud, perquè ajude el seu fill tancat a la presó: “—Arthur! —diu mentre li espolsa de la pitrera un parell de burilles mortes—. M’has d’acompanyar. Tenen Paul tancat. Déu meu! Has de fer alguna cosa per a traure’l abans que el jutge dicte sentència”. Fins i tot podem accedir a conéixer l’expedient en què el metge de la presó detalla cada racó del seu cos com a proves irrefutables de la depravació de la qual era acusat.

Ens acostarem al críptic caràcter de Samuel Beckett o a l’introspectiu de Cesare Pavese. Podem passar pàgines i contes per on habiten personatges com ara Aleister Crowley que trenca tots els tòpics

Ens acostarem al críptic caràcter de Samuel Beckett o a l’introspectiu de Cesare Pavese. Podem passar pàgines i contes per on habiten personatges com ara Aleister Crowley que trenca tots els tòpics: “L’infern des de sempre, ha tingut mala fama. Ens l’han venut com una catàstrofe eterna de sofriment. Però, ho puc assegurar, resulta ser un poderosíssim establiment alliberador per on és agradós transitar, sense pena ni glòria, lluint una felicitat envejable”.

N’hi ha més, però. Hi ha tota una colla de personatges que no us deixaran indiferents en les històries que protagonitzen. Millor no tindre pressa. Són històries que cal llegir a poc a poc.

 

[Font: http://www.laveudelsllibres.cat]

Um romance empolgante e emotivo sobre a vida de Fernando Pessoa, através das mulheres que o influenciaram: da mãe, à irmã, das tias, às videntes e cartomantes e claro a sua namorada Ofélia.
Détails du titre pour O Quanto Amei par Sara Rodi - Liste d'attente

28 de novembro de 1935. Fernando Pessoa dá entrada no Hospital de São Luís dos Franceses, em Lisboa, acometido de fortes dores no abdómen. A cumprir o seu turno, a enfermeira Alice procura tratar-lhe não só das dores físicas, mas também das maleitas da alma, desafiando-o a recordar a sua história, tão marcada pela presença de tantas figuras femininas.

Fernando Pessoa viveu a vida inteira rodeado de mulheres – e, ainda assim, reclamando da sua inabilidade para lidar com elas. As mulheres da família, como a mãe Maria, que parecia carregar o mundo às costas; as irmãs, que devolviam a Fernando Pessoa a sua infância perdida; Dionísia, a avó louca; as tias-avós « generalas »; a tia Anica e as sessões espíritas que organizava na sua casa…

Também as mulheres com quem podia ter casado, como a eterna namorada Ofélia ou a inglesa Madge. As mulheres que o influenciaram, entre as figuras mais místicas do seu tempo e as escritoras que tentavam, tantas vezes em vão, afirmar-se. E as mulheres que o rodeavam: as empregadas, as vizinhas, as mulheres por quem morriam de amores os amigos…

Num tempo em que tanto se discutia o papel da mulher na vida pública e privada -, discussão que se arrasta até aos dias de hoje -, Fernando Pessoa é levado a questionar-se sobre a forma como cada uma das mulheres com quem se cruzou terá influenciado o seu percurso. A sua obra. O seu destino.

Sara Rodi traz-nos neste romance apaixonante um outro olhar sobre a vida e a obra do nosso grande poeta. Um olhar feminino, emotivo e empático, que põe a nu as maiores fragilidades da condição humana.

[Fonte: somerset.overdrive.com]

En Montevideo hay poetas, y uno de ellos es Leo Maslíah (Montevideo, 1954), aunque seguramente no sea esta la primera asociación que nos viene a la mente al escuchar el nombre de este gran compositor, pianista y narrador uruguayo.

Entrevista por Constanza Liebe

No nos referimos ahora a la poesía ínsita en su cancionero, ni a la poesía que subrepticiamente suele salpicar un texto narrativo, encubriéndose de prosa, sino a la escritura, específicamente, de textos poéticos, que podemos hallar en las recopilaciones y poemarios que desde el año 1983 ha ido editando, tanto en nuestro país como en Argentina.

Revista Vadenuevo conversó con él sobre su oficio y artificio de poeta, las convenciones del género y sus transgresiones, los juegos del lenguaje, su concepción no trascendente de la escritura, el “buen escribir” y su relación con su heterónimo académico y autor de contratapas, el Prof. Abraham Rivadeneira. 

Sos un artista que destaca en varios rubros (principalmente música, narrativa y teatro), pero no todos saben que también cultivás el oficio de poeta. ¿Esta vocación despertó en simultáneo con la de músico o fue posterior en el tiempo? ¿Cuánto hay de poeta en un músico que compone sus letras, y hasta dónde se trata de un oficio “otro”, con diversas exigencias?

No creo que exista propiamente “un” oficio de poeta, hay muchos enfoques, muchos abordajes distintos de la escritura, y el hecho mismo de preguntar si la escritura a secas de “poesía” es una actividad diferente de la de escribir cosas que vayan a llevar o lleven música implica por lo menos el uso de una doble vara para definir la poesía, ya que nadie dudaba de la condición de poeta de todos los que escribían versos en tantos siglos antes de Cristo y varios más después, siendo que en todo ese tiempo no existían versos no cantados.

¿Cuándo editaste tu primer poemario y cuándo el último? ¿Y cuántos libros de poesía publicados hubo en el medio? ¿Con qué editoriales te manejás? ¿Dedicás una porción determinada del día a esta actividad, metódicamente… o sos de esperar a que te sorprenda la musa? 

En 1983 la editorial Imago me publicó Hospital Especial, una recopilación de poemas y letras de canciones. En otros libros, predominantemente en prosa, incluí cosas en verso, algunas de las cuales pueden no ser poesía, del mismo modo que algunas prosas pueden ser poéticas. Así las cosas es la reunión de lo principal que escribí en materia de poesía. Incluye el sublibro del mismo nombre, junto a Pastor de cabras perfectas, que había salido en 1990 por la editorial Senda, de Bahía Blanca, y poemas sueltos que estaban inéditos o habían sido publicados en la columna que tenía en la segunda mitad de los 80 y en los 90 en el semanario Brecha. En los últimos años vengo trabajando con Criatura Editora, pero no publiqué todavía poesía con ellos.

Sobre lo de la porción del día que dedico a esta actividad, creo que es imposible de determinar porque no se trata de algo siempre ni predominantemente separable de otras actividades. Tampoco se puede decir que se trate de una sola actividad ya que, dependiendo del tipo de acumulación de palabras de que se trate, puede incluir cosas muy distintas como la de anotar algo que a uno se le ocurre en cierto momento, sin premeditación, y la de estar conscientemente buscando algo que cuadre con otra cosa, ya sea en cuanto a número de sílabas, a sonoridad, a sentido, etcétera; pero eso puede desarrollarse al mismo tiempo que uno espera en una cola de Abitab o está fregando platos.

¿Cómo es tu relación con el colectivo de escritores y poetas, la gente que en nuestro medio se dedica a la producción literaria? ¿Tenés algún sentido de pertenencia respecto a esa comunidad? 

No creo que exista eso de “dedicarse a la producción literaria”. Me gusta recordar esta frase de un personaje de Theodore Sturgeon: “Fui un pintor, seré un pintor, no soy un pintor”. Y siempre hay que ver si uno es o no destinatario calificado de estas palabras de Felisberto Hernández (en “Cartas a los muertos”): “Mi querido poeta: He sabido que Ud. va a publicar un nuevo libro. Y me apresuro a advertirle que Ud. no puede hacer eso. La razón que, en mi responsabilidad de médico, me asiste para hacerle esta advertencia, es muy sencilla. Sin embargo, yo sé que Ud. -como todos los que se encuentran en su caso- se obstinará en no quererla comprender. Pero debe saber, de una vez por todas, que hace ya bastante tiempo que Ud. ha muerto”.

¿En qué tradiciones literarias te sentís incluido, cuáles son tus influencias, tus referentes? O simplemente los autores que más te gusta leer y releer. 

Lo de los “referentes” me lo vienen preguntando desde hace unos años (antes no existía) y lo voy a poder contestar cuando me den una explicación de su significado que resista las objeciones que yo pueda presentar en cuanto a que tal significado pueda llevarse bien con la palabra. Sobre lo de las influencias, es muy común dar por sentado que una persona que hace algo artístico está por ello facultada para saber qué otras personas que lo hicieran antes influyeron en su modo de hacerlo, y creo que eso no es necesariamente así, por lo cual se puede dar que, involuntariamente, muchas respuestas dadas a esa pregunta por muchas personas sean falsas. La detección de las influencias que pudo haber tenido un escritor para escribir lo que escribe o para escribir como escribe debería estar a cargo de sicólogos muy especializados, y su campo de investigación debería abarcar no solamente la mente del escritor y sus lecturas, sino también la multiplicidad de discursos a los que haya estado expuesto a lo largo de su vida, incluyendo los de sus familiares, maestros y profesores, los de los programas de radio y televisión y los diarios y revistas, los avisos publicitarios y un largo etcétera, que adopta magnitudes “pesadillescas” desde que existen internet y las redes sociales. Podría contestar lo de los autores que me gusta leer, pero prefiero no colaborar con la identificación de esa pregunta con la anterior, ya que es demasiada la gente que las confunde y necesitamos más gente que milite por su diferenciación.

Quizás un equivalente de la palabra “referente”, o que sirva para alumbrar su sentido, sea el precepto inicial del famoso decálogo de Quiroga: “Cree en un maestro…”. Referente como faro, guía, maestro.

No me simpatiza la asociación de la idea de “maestro” con la palabra “referente”. Tengo la firme sospecha de que ese nuevo uso actual de la palabra “referente” viene del mundo de la publicidad, donde para “legitimar” una idea ante los clientes o ante sus jefes, los creativos publicitarios deben mostrar que tiene un paralelismo con (o es directamente imitativa de) alguna obra pictórica, literaria, cinematográfica (etcétera) consagrada por la “cultura”.

El sentido del humor y el absurdo están presentes en muchos de tus poemas, así como la parodia: “Puedo escribir las más feroces barbaridades esta noche…”, inicia uno de tus textos. ¿Creés que esa es una característica que atraviesa toda tu obra, una constante? En algunos textos, un registro “elevado” se mezcla con otra forma de decir más popular y lunfarda, de modo que parece consumarse cierta burla hacia el tono de pretensión académica. Incluso en una de tus novelas (Sagrado Colegio) se organiza un concurso literario liceal desopilante, en el que los poemas en competencia son crípticos y prácticamente ininteligibles (“Indeleble, sacra, / la cebra senil de / crin deseable, la / sirena del cable, / debe encallar si / blinda ese lacre / en carillas…”[1]). ¿Se trata de una denuncia a cierta forma de poetizar? 

Bueno, disiento en que los “poemas” de Sagrado Colegio sean ininteligibles. Todos están formados por frases que tienen sentido, y con la característica -generadora de frases de ocurrencia muy poco probables en textos o alocuciones que no la tengan- de estar formados cada uno por versos que contienen exactamente las mismas letras y en igual cantidad. Quizá resulte más claro verlo en este video donde leo uno de ellos: « Álgebra línea criolla ».

También disiento en lo del “sentido del humor” y en lo de “el absurdo”. Esta última expresión creo que debe provenir de una mala traducción del francés, que me parece que es el idioma en el que se empezó a usar a mediados del siglo pasado -aunque con muy poco tino- para aludir a cierto tipo de inverosimilitud o cierto grado muy bajo de probabilidad de que en cierto contexto dado por ciertas palabras o frases, aparecieran otras. En español debería haberse traducido como “lo absurdo” (pasó lo mismo con “imaginario”; los traductores -los mismos o los posmodernos de la generación siguiente- que inventaron la existencia de “el absurdo” inventaron la de “el imaginario”, haciendo creer a miles de incautos que existen cosas significadas por esas palabras), ya que, por más que “absurdo” pueda tener significado en ciertos contextos como sustantivo, el uso que tiene en tu afirmación no es el de esa acepción. De todos modos, ya sea como adjetivo o sustantivo, está mal usado, ya que, salvo descuido o errores de mi parte (que los hubo), no hay nada más absurdo en textos míos que lo que pueda haber en los de Rodó, Dostoievski o Lispector.

Sin embargo, y aunque disentís en cuanto a la presencia del sentido del humor en tus poemas, en el video que nos mostrás se escuchan risas… 

El sentido del humor es algo propio de las personas, no de las cosas. Recíprocamente, el llamado período azul de Picasso no fue un período en que él se hubiera vuelto de ese color.

En tu poemario Pastor de cabras perfectas hay un texto que puede interpretarse como un cuestionamiento a las convenciones del género y su poder. Lo transcribo: “esto / está / escrito / así / para que / vos / lo leas / más despacio / de lo que / lo / leerías / si / estuviera / escrito / normal”.[2]  ¿Separar un texto en versos puede asimilarse a incluir un objeto en un museo, al estilo del ready made de Duchamp? O sea, ¿es un procedimiento textual que nos condiciona a percibir lo escrito como arte, a asignarle valor poético? ¿Lo mismo sucede en el caso del uso de métrica y rima? 

Creo que, en general, una gran parte de lo que escribe la gente hoy en día fuera del circuito más comercial está viciado de religión, está asumido como ritual que invoca una significación trascendente, conferida por el lugar que nuestra cultura le da a las letras en el organigrama de las diferentes actividades. Pero suele tratarse de una religiosidad individual (o a veces de pequeños grupos), que se choca con la del prójimo que también escribe y compite con ella. Con la métrica y la rima creo que no pasa eso porque gran cantidad de gente que hoy escribe poesía no sabe medir cantidad de sílabas ni distribuir acentuaciones, ni sabe que no lo sabe. Los pocos que lo hacen bien tienen en común con aquellos que, aunque prefieran no hacerlo, sabrían cómo, un manejo y un dominio de la expresión literaria que les permite estar más allá de aquella religiosidad pueril.

Antes mencionaste el origen “no separado” de la poesía en relación a otras artes, en especial la música, con la que se encontraba fusionada (asociación que la palabra “lírica” pone de manifiesto). ¿No tiene que ver ese registro trascendente o religioso que percibís en la escritura de una gran parte de los cultores actuales del género con la asociación también original entre lo poético y lo mítico o sagrado? El re-ligare de un plano a otro, a través de la poesía.

Sí tiene que ver, pero está convertido a la religión predominante del mundo occidental actual, que es la de un dios hecho añicos para que cada individuo se sirva del añico que le toca para adaptar su magia (la del dios) a su conveniencia individual (la del individuo).

En algunos de tus textos explorás lo recursivo, el vértigo de las cosas que refieren infinitamente a sí mismas (como en la famosa etiqueta del pulidor Bao): “Era un actor que / representaba el papel de un / actor que representaba el papel / de un actor…”.[3] En otros, desarmás frases hechas o expresiones, desautomatizándolas. O se pone en evidencia la ambigüedad de una palabra, su doble sentido (“Así las cosas / y las solté”[4]). Has incursionado en la poesía visual, intentando una exploración del significante en su dimensión gráfica. Y encontré también entre tus poemas una página que refiere a sí misma, aludiendo al propio acto de leer y rompiendo la “ilusión” representativa del lector, en la línea del extrañamiento propuesta para el teatro por Brecht (“Página 54 informa la hora: / tiempo bueno y / sin faltas de ortografía”[5]). ¿Cuánto de intención lúdica hay en todo esto? ¿Además del placer del juego, qué es lo que querés poner de manifiesto en estos textos? 

Toda escritura que no cumpla una función periodística, educativa, científica, filosófica, legal (o algunas otras de ese tipo que se me estén escapando) es un juego, o es varios juegos, lo cual no le quita la posibilidad de incidir o tener resonancias en la modelación de la sensibilidad de la gente y su forma de percibir su entorno, su pasado, sus aspiraciones, etcétera. Quienes solo ven lo lúdico en los juegos que no están acostumbrados a jugar están en la misma situación de ingenuidad que los que creen que el Norte está arriba y el Sur está abajo. Y hay mucha gente que cree que ciertas obras literarias no fueron escritas para decir lo que está escrito en ellas sino otras cosas más importantes, y pasan sus tristes días sin que se les ocurra preguntarse por qué los autores no escribieron esas otras cosas más importantes en vez de escribir lo que escribieron. Muchos hasta cobran por especular sobre cuáles pueden ser aquellas cosas importantes. No existe eso de “poner de manifiesto” algo. En la expresión artística, a diferencia de lo que ocurre en otras, la forma y el contenido son indistinguibles.

las cosas como son 

las cosas ¿cómo son? 

las cosas, ¡cómo! ¿son?[6]

En este breve poema podemos encontrar implícita, siguiendo las variaciones de los signos de puntuación y del acento, una pequeña historia de la filosofía o condensación de algunas de las respuestas más relevantes que esta ha dado sobre lo “real” y las posibilidades del conocimiento (realismo, duda metódica, escepticismo). Como en el ejemplo ya clásico, no es lo mismo decir “vamos a comer niños” que “vamos a comer, niños”. ¿Cómo te llevás con el desinterés contemporáneo por esa clase de signos, internet y WhatsApp mediante? ¿Creés que el arte del “buen escribir” va quedando progresivamente limitado a un círculo reducido, a una cierta casta de gente, te preocupa esa “evolución”?

Más que preocuparme, me interesa, y sin dejar de tener en cuenta que los defensores del “buen escribir”, en general, no son conscientes de que no están defendiendo un escribir tan bueno, porque en relación con la cantidad de cosas significantes que entran en juego en el lenguaje hablado, el buen escribir está más lejos de poder registrarlas que lo que el escribir mal está de él.

¿Tenés algún heterónimo, a lo Pessoa? ¿Quién es el Prof. Abraham Rivadeneira y qué relación tiene con vos? Si es que en este momento se encuentran en buenos términos y nos podés comentar. 

Yo lo tuve de profesor en el Instituto de Ciclos Básicos y él siempre me alentó a publicar lo que escribía, pero hace poco descubrí que no hacía esto porque mi trabajo le gustara, sino para tener contratapas en las que plasmar sus propias ocurrencias. Me utilizó.

 

[1] Maslíah, L. (2014). Sagrado Colegio. Montevideo. Criatura.

[2] Maslíah, L. (2015). Pastor de cabras perfectas. Buenos Aires. Ediciones En Danza.

[3] Maslíah, L. (2015). Así las cosas. Buenos Aires. Ediciones En Danza.

[4]  Ibid..

[5]  Ibid..

[6]  Ibid..

 

 

[Fuente: http://www.vadenuevo.com.uy]

O Movemento Aú deu inicio neste ano 2022, tras a recuperación no pasado 15 de xaneiro da festa tradicional galega de Amaro Navegante, na freguesía de Santo Amaro, que levaba 111 anos sen se celebrar.

No Largo do Carmo, Movemento Aú en Lisboa

No Largo do Carmo, Movemento Aú en Lisboa

O Movemento Aú realizou un percorrido ás 16h30 este pasado sábado cun grupo de 60 persoas polo centro de Lisboa para falar da historia da comunidade galega nesta cidade. A subir e a baixar as típicas costas alfacinhas, explicaron como a presenza da Galiza é fundamental para entender a evolución da capital portuguesa « xa desde o século XII e cunha forza especial no XVIII e na primeira metade do XIX, cando 20% da poboación lisboeta chegou a ser directamente galega; neses momentos, se a comunidade galega parase a súa actividade, Lisboa pararía ».

Alberte Campos e Carlos Callón foron os representantes do Movimento Aú que guiaron o roteiro. No inicio do seu percorrido, explicaron a razón do nome do colectivo e todas as persoas participantes rodearon as bocas coas súas mans para exclamaren un sonoro « Aúuu! ». O son ten a orixe entre 1700 e 1850, cando uns 3.000 galegos encargábanse de levar a auga polas casas en Lisboa. Cando chegaban a unha rúa gritaban: « Auuuuuga fresquiña! Auga! Aúuuuuu! », de maneira que este último grito se terminou por converter nun distintivo.

Durante o percorrido detivéronse a falar da importancia da emigración galega no mundo da restauración. « Podémolo ver na historia de moitos restaurantes e bares, mais tamén en aspectos tan emblemáticos como a ginjinha, que é considerada a bebida máis típica de Lisboa, mais que foi creación dun galego: Francisco Espiñeira Couziño », sinala Alberte Campos. « Ademais, hai restaurantes de galegos que foron clave para algúns movementos fundamentais da literatura portuguesa, como o antigo Irmãos Unidos do Rossio, onde naceu a revista Orpheu dirixida por Fernando Pessoa », explica Callón. « Ademais, un dos fundadores desta publicación e familia dos donos do restaurante, foi o poeta galego-portugués Alfredo Guisado, que dedicou algúns dos seus textos a Castelao, colaborou co agrarismo e co nacionalismo galego e tentou impulsar un Banco Galiza-Portugal », observa.

As persoas que participaron no roteiro tamén repetiron a coro as primeiras palabras que, segundo as crónicas, dixo Fernando I, o último rei común galego-portugués, cando foi recibido con grande apoio popular na cidade da Coruña. Este monarca está enterrado no Convento do Carmo.

No percurso falouse tamén dunha grande dama do teatro portugués, Manuela Rey, nada en Mondoñedo; de como Celeste Caeiro -filla dun casal galego- foi a que distribuíu as primeiras flores que deron nome á Revolução dos Cravos; dos nomes de rúas que foron distintivos da comunidade galega e moito máis. Como concluíu Alberte Campos, « mulleres e homes de Galicia teñen un papel destacado en todos os grandes momentos da Historia de Portugal e da Historia de Lisboa ».

O Movemento Aú deu inicio neste ano 2022, tras a recuperación no pasado 15 de xaneiro da festa tradicional galega de Amaro Navegante, na freguesía de Santo Amaro, que levaba 111 anos sen se celebrar. O colectivo quere agradecer o asesoramento de persoas que lles achegaron información para a elaboración deste percorrido e para as súas actividades de recuperación da memoria galega en Lisboa, em especial a Isaac Lourido, Carme Saborido, Xurxo Souto, Gabriel André e Elias Torres.

 

[Imaxe: Movemento Aú – fonte: http://www.galiciaconfidencial.com]

guia de portugal.jpg

UMA VIAGEM MÁGICA

 

O “Guia de Portugal” constitui uma obra fundamental, escrita sob o impulso de Raul Proença, a partir de 1924, reeditada e completada na sua versão original pela Fundação Gulbenkian, graças a Santana Dionísio com o grafismo de Raul Lino. O país descrito é muito diferente do atual, mas a colaboração de personalidades marcantes da cultura portuguesa faz dos seis volumes, divididos em oito tomos, um precioso instrumento para a compreensão das raízes portuguesas. Jaime Cortesão, Miguel Torga, Jorge Dias, Aquilino Ribeiro, Reinaldo dos Santos, Teixeira de Pascoais, Vitorino Nemésio, Ferreira de Castro, Egas Moniz, Rodrigues Miguéis, Afonso Lopes Vieira e António Sérgio são os autores de textos essenciais que mantêm atualidade. E Proença cita Unamuno: “Estas excursões não são só um consolo, um descanso e um ensinamento; são, além disso e porventura sobretudo, um dos melhores meios para encontrar apego e amor à pátria”.

Se refiro o “Guia de Portugal” como pequeno monumento pátrio, é para salientar a importância do conhecimento e da compreensão do património cultural, como realidade aberta e viva. Quando lemos a “Viagem a Portugal” de José Saramago, compreendemos como esse percurso tem subjacente o exemplo deixado por Raul Proença. “Ver o que não foi visto, ver outra vez o que se viu já”. Eis o que está em causa. Se fomos mundo afora, temos de conhecer o que temos dentro. E quando hoje se exige um esforço sério e determinado para a recuperação económica – num tempo em que o trabalho cultural foi seriamente afetado pela pandemia, como pela crise financeira, urge delinear uma ação capaz de ligar os objetivos de desenvolvimento sustentável e de recuperação do atraso. A reforma que se nos exige é assim educativa, profissional, científica, cultural e artística. Não falamos de medidas avulsas ou de uma visão centrada no consumismo e no curto prazo. A qualidade na aprendizagem, a exigência e o rigor são mais importantes que nunca. Só poderemos recuperar e avançar se cuidarmos de adequar os objetivos e os meios. E, na introdução histórica, ao “Guia”, António Sérgio salienta a necessidade de conhecer melhor a história, de impulsionar os estudos científicos e de favorecer a fixação e o investimento reprodutivo, reformando o organismo da produção.

Pôr a cultura no centro das nossas preocupações não é a considerar como mero ornamento, mas como catalisador, numa palavra, como um incentivo ou um impulso criativo e inovador. E assim as artes e a investigação científica tornar-se-ão naturalmente complementares, tendo em vista a equidade, a eficiência e o progresso. Eis por que razão por exemplo o turismo cultural, pedagógico e científico e a mobilidade das pessoas devem ganhar em rigor e qualidade. Valorizemos a relação com a natureza e a paisagem, as artes tradicionais, o artesanato, a gastronomia, mas também a capacidade inovadora dos cientistas, pensadores e artistas contemporâneos. O turismo literário é apenas um exemplo e permite-nos usufruir do talento e da sensibilidade dos nossos escritores. E as qualidades da natureza, do clima e das gentes serão fatores de enriquecimento da qualidade de vida e da criatividade. Poderíamos falar de outros artistas e de outras artes, mas lembremo-nos de Eça de Queiroz, de Camilo Castelo Branco, de Guerra Junqueiro, de Teixeira de Pascoais, de José Régio, de Fernando Pessoa, de Miguel Torga, de Aquilino Ribeiro, de Agustina Bessa Luís, de Fernando Namora, de Orlando Ribeiro ou de Ruben A. – e a riqueza dos roteiros que podemos construir em torno da sua memória, das suas casas, numa integração natural, enriquecida pelo talento literário…  O património cultural é vida. Sejamos capazes de ligar com imaginação essa referência à capacidade de sermos mais exigentes, de modo a recusarmos o fatalismo e a inércia.

O célebre quadro de José Malhoa «Praia das Maçãs» (1926) constitui a ilustração do que dissemos. Aqui está o mar e o encontro da terra. Estamos no limite do Mediterrâneo no Atlântico. Como compreender Portugal sem esta ligação que torna a Península Ibérica base para a aventura do mundo?

praia das maças.jpg

 

GOM

 

[ligação original: https://e-cultura.blogs.sapo.pt/cada-roca-com-seu-fuso-1252933%5D

Publicado por Carles Domènec

La novela negra portuguesa es uno de esos grandes tesoros ocultos. No estamos hablando de un botín de grandes cantidades de doblones de oro o de piezas de a ocho capaces de motivar la imaginación de cualquier moderno filibustero obsesionado por la cantidad de piezas recobradas en el pecio descubierto, sino de esas joyas literarias buscadas con el afán de quien se consagra a la caza y captura de la esmeralda perfecta. El proceso de ocultación tiene mucho que ver, desde la perspectiva hispánica, con el discurso tradicional de menosprecio hacia el país vecino, un país capaz de colocar a candidatos al premio Nobel cada año y de seducir a los lectores de medio mundo con sus propuestas literarias, como testimonian los nombres de José Luis Peixoto, Walter Hugo Mãe, João Tordo, Dulce Maria Cardoso o Gonzalo M. Tavares entre los más jóvenes, y la santísima trinidad formada por Saramago, Cardoso Pires y Lobo Antunes entre los seniors, amén de los africanos Mia Couto y José Eduardo Agualusa entre los asimilados de la literatura africana, pero con un proceso de recepción muy escaso en España. La inmensa mayoría tienen pocas o ninguna traducción al español y en cambio cosechan los mayores galardones literarios franceses y centroeuropeos, amén de una pléyade de lectores en el mundo entero.

Tavares © Fotografía de Carles Domènec

Gonzalo M. Tavares – fotografía del autor

Pues bien, la novela negra portuguesa padece en España de un doble proceso de ocultación: en primer lugar el ya comentado de la escasa recepción de la literatura lusa; en segundo lugar el propio proceso de menosprecio hacia la literatura de género que se encuentran sus autores en el propio Portugal: aún hoy en día la literatura negra (lo mismo que la histórica y la casi inexistente erótica) se considera una subliteratura por parte de editores, críticos literarios y sobre todo por la academia, a pesar de que se han detectado algunos cambios en los últimos tiempos.

 

Jose Saramago © Fotografía de Carles Domènec

José Saramago – fotografía del autor

Pero no siempre ha sido así. Eça de Queiroz y Ramalho Ortigão trajeron de cabeza a los lectores del Diario de Noticias cuando en 1870 publicaron en su primera versión O Misteiro da Estrada de Sintra (la definitiva en libro seria en 1884) en sus páginas. Otro clásico como Camilo Castelo Branco publicó el monumental Os Misterios de Lisboa en 1854, título que recordaba y de alguna manera emulaba al clásico de Eugène Sue, Les Mystères de Paris publicado solo doce años antes. Es decir, la literatura portuguesa se había incorporado con total normalidad y rapidez a las propuestas de la literatura policíaca surgida a mediados del siglo XIX.

De todas maneras, los avatares históricos –los 48 años de dictadura entre 1926 y 1974- comportaron un atraso notable en la evolución del género en Portugal. En este proceso las similitudes son notables con el caso español: dos dictaduras que intentan crear la imagen de seguridad en el territorio nacional y que, por tanto, prohíben o relegan la publicación de novelas negras (cuyo componente social era lo que realmente molestaba a ambas dictaduras) y condenan a los autores y editores a iniciar el camino del seudónimo en el primer caso y la ambientación de las historias normalmente en escenarios no nacionales. En este sentido cabe destacar entre los autores portugueses la figura de Dick Haskins (cuyo nombre real es Antonio de Andradre Albuquerque), que inicio su trayectoria en 1959, publicó más de 20 novelas negras y además ejerció como director literario y editor de todo tipo de colecciones y que obtuvo un notable reconocimiento internacional. Otros autores destacables son Dinis Machado (Denis Mc Shade); António Damião o Roussado Pinto (Ross Pynn).

Claro que el género en Lusitánia había tenido sus momentos de gloria. En los años 20 se consolidaron las parodias de las obras de tipo anglosajón de Reinaldo Ferreira, conocido como el Repórter X. Mientras tanto, el escritor portugués más conocido de todos los tiempos, Fernando Pessoa, gran lector de novela policiaca, creaba los cuentos protagonizados por el singular detective Quaresma, que no se publicaron hasta el 2008, pero que acompañaron al escritor desde la época de su prosa inglesa hasta el final de sus días en 1935.

La llegada de la revolución de 1974 y de la consecuente democracia podría haber traído una cierta normalidad a la literatura de género portuguesa, pero en aquellos momentos se consideraba como una literatura poco seria, poco profunda y de evasión y por tanto pasó también a ser poco considerada por los sectores intelectuales más de izquierdas, que abogaron por una literatura más aferrada a la realidad inmediata de la sociedad portuguesa y que intentaron promover la novelización de la resistencia contra la dictadura y la novelización de la brutalidad de la guerra colonial, además de dedicar numerosos esfuerzos a la edición de ensayos de orientación marxista-leninista, que en muchos casos habían sido prohibidos, y a la traducción de los grandes libros de la literatura universal, que también habían sido prohibidos o censurados. A la novela negra le tocaba esperar.

LOS AÑOS OCHENTA

En los años ochenta empieza un ligero atisbo de normalidad. El hecho más destacable es que los escritores solo hacen esporádicas incursiones en el género como la que realizó José Cardoso Pires –uno de los grandes nombres de la literatura portuguesa- en 1982 con Balada da Praia dos Cães, una novela ambientada en los años 60 que muestra a la perfección el clima de opresión de la sociedad salazarista y cuyo argumento es una alegoría del asesinato real del general Humberto Delgado, el gran opositor interno al régimen, liquidado en Villanueva del Fresno (Extremadura) en 1965. Cardoso Pires ya había experimentado algunos recursos de la literatura policial con anterioridad en O Delfim. Pero no debemos leer la novela de Cardoso Pires como un intento de normalizar el género negro en Portugal, sino como lo que es, la herramienta que más perfectamente le permite indagar sobre la propia historia portuguesa.

Es en este campo en el que tenemos que enmarcar otras obras puntuales de escritores portugueses de reconocido prestigio que utilizaron fórmulas y estructuras rayanas en la novela negra para desarrollar sus ficciones de interrogación sobre la reciente historia portuguesa. Y así, y tal como explica Briones (2007: 267-280) debemos destacar O rio triste de Fernando Namora (1986); Square Tolstói, de Nuno Bragança (1981); Adéus, princesa, de Clara Pinto Correia (1985); e incluso Eugenia e Silvina, de Agustina Bessa Luis, publicada en 1987.

En paralelo hay que destacar que existen otros creadores con objetivos más prosaicos. La obra más paradigmática y de mayor éxito popular de la década es la Cronica dos bons malandros, de Mário Zambujal, publicada en 1980 y con más de 35 ediciones hasta el momento e incluso una película (muy mala) de 1984. En español no se ha traducido, pero si en catalán (Crònica dels bons trinxerarires, Alrevés). El libro entronca con la tradición de la narrativa picaresca y nos presenta a una banda de ladrones extremadamente desgraciada a la que le han encargado, a través de un contacto internacional, un gran atraco. La novela se centrará en cada uno de los componentes de esta singular banda y con ellos podremos radiografiar el Portugal contemporáneo.

Hasta finales de la década no nos encontraremos con un creador de los que, decididamente, apuestan por el género negro, intentando aportar la pátina de normalidad a la literatura portuguesa. Es el caso de Francisco José Viegas, nacido en 1962, que en 1989 publica Crime em Ponta Delgada y abre una serie protagonizada por el inspector Jaime Ramos. El mismo año es también cuando se inicia la producción de Ana Teresa Pereira, aunque su corpus lo asimilemos más a la tradición de la novela enigma y a la hibridación y al juego con referentes cinematográficos. El precedente de ambos podría haberlo establecido en 1987, el poeta, editor y periodista Orlando Neves, que también se dio a conocer en el género, llegando a publicar cuatro novelas negras. Hasta el momento todo habían sido incursiones sin continuidad, como la de Maria Estela Guedes en 1984 y la de otros autores que en esta década se animaron a intentar escribir novela negra gracias a la convocatoria del premio que otorgaba la editorial Caminho. Son escritores como Modesto Navarro, Maria do Céu Carvalho o Ana Nobre de Gusmão que hicieron incursiones puntuales en este género motivados por la convocatoria.

En este sentido la escritora Felipa Melo, artífice de la renovación en el nuevo mileno, explica (Melo: 2005: 112) lo siguiente:

Tengo la convicción de que, sobre todo cuando se la compara con la de otros países europeos, no existe una escuela o corriente original de literatura policíaca oriunda de Portugal. Únicamente existen ejemplos de obras o de autores que, de forma singular, adoptan el género o sus subgéneros a partir de modelos extranjeros o como soporte para el desarrollo de un estilo literario particular.

Así pues, la novela negra portuguesa se basa, como hemos visto, más bien un conjunto de aportaciones individuales, en muchas ocasiones de una sola obra, y no como en otras literaturas de un grupo de autores nutrido que persevera en el género (con las excepciones de Viegas y Pereira antes comentadas). Y esta tendencia se mantendrá también en el nuevo milenio.

 

LOS PUNTOS DE INFLEXIÓN CONTEMPORÁNEOS

A mi entender tenemos dos puntos de inflexión que marcarán nuevos caminos, posibilidades y perspectivas para la novela negra europea, todas ellas procedentes de las incursiones puntuales pero de extrema calidad realizadas por escritores portugueses. Son las esmeraldas de las que hablábamos al principio del texto.

El primero lo marca la aparición de Este é o meu corpo, de Filipa Melo, en 2001. Nacida en Angola en 1972, forma parte de la misma generación de los autores jóvenes portugueses que ahora están causando furor en todo el mundo (y que incomprensiblemente no se han consolidado en España). Este e o meu corpo era su primera novela y obtuvo el premio Revelación de la Feria del Libro de 2001, así que una novela negra conseguía uno de los premios más prestigiosos de la literatura portuguesa y abría el camino para apartar del aura de literatura menor al género negro, un camino en el que todavía tendrá que trabajarse mucho.

La novela de Melo narra una autopsia a un cuerpo desconocido acabado de encontrar desollado cerca de un río en una ciudad de provincias y que sirve como analogía del propio Portugal contemporáneo. Melo cosechó un notable éxito de ventas y las críticas fueron unánimes en Portugal (en España, cuando el libro apareció en 2004, no hubo esa unanimidad) y para nuestros intereses lo que debe remarcarse es que su libro abrió perspectivas nuevas sobre la calidad de la literatura de género y acabó con algunos preconceptos: de repente, los lectores en Portugal leían masivamente una novela negra escrita originalmente en portugués, de una escritora joven, y con críticas favorables que se leían en blogs, en prensa diaria e incluso en las publicaciones de tipo universitario.

El segundo gran punto de inflexión es el marcado por Antonio Lobo Antunes en 2007 cuando publicó O meu nome é legião. El internamiento en el género negro de uno de los grandes –Lobo Antunes ha sido candidato al premio Nobel en múltiples ocasiones- no se producía desde hacía 25 años y en esta ocasión la novela no sirvió para rendir cuentas con el pasado, sino para internarse en la realidad y en el presente más lacerante del Portugal contemporáneo. En esta obra seguimos a ocho delincuentes de un barrio deprimido de Lisboa (inciso, de cada vez son más) y a Gusmão, el policía que les persigue. El punto de vista de la narración es el informe policial, pero donde se mezclan, como no podía ser de ninguna otra manera tratándose de una obra de Lobo Antunes, las hazañas de los delincuentes, cargadas de crueldad y violencia, con los sentimientos, los comentarios y los monólogos interiores que son uno de los rasgos definitorios de la literatura de Lobo Antunes. Estamos ante una indagación en el infierno del desamor, del desarraigo y de la soledad extrema que entusiasmó a lectores y a crítica. Una novela negra extraordinaria, que rompe con todos los esquemas del género y que se nutre de los grandes recursos narrativos para abrirnos nuevas posibilidades, nuevas opciones.

Entre medias nos quedan buenas propuestas, sólidas e interesantes que han llegado los últimos años: Pedro García Rosado; José Prata y sobretodo las novelas de Fernando Sobral –muy recomendable su L.Ville, de 2012- y O Bairro da Estrela Polar, de Francisco Moita Flores, otro gran éxito con película y serie de televisión basada en esta novela de 2012 que nos explica también la historia de una banda marginal en un barrio del extrarradio de Lisboa. El camino abierto por Lobo Antunes empezaba a dar fruto con obras más cercanas a la ortodoxia canónica.

Sea como sea, y a modo de conclusión, podemos afirmar que la novela negra en Portugal, a pesar de los esfuerzos y de la popularización de su consumo en versión nacional y también en versión traducida, aún es un género repudiado en muchos ámbitos: está desprestigiado desde el punto de vista académico; faltan colecciones, una apuesta editorial y una mayor visibilidad para los títulos que se publican, y sobretodo falta que los autores que hacen incursiones puntuales apuesten definitivamente por la novela negra y tengan una continuidad en su trayectoria.

Ahora bien, quedémonos con la parte positiva. En los últimos tiempos se está hablando mucho sobre la crisis de la novela negra, sobre el encasillamiento de sus modelos y sus maneras de hacer. Creo sinceramente que los autores portugueses de los últimos 15 años –igual que sus congéneres de los años 80- han propuesto soluciones narrativas imaginativas, muy interesantes y de mezcla e hibridación de géneros que podrían abrir nuevos caminos siempre y cuando la recepción de las obras fuese la correcta, sin el prejuicio de la superioridad y con la mente abierta a dejarse arrollar por una literatura de extrema calidad. Su lectura es imprescindible si queremos que el género negro tenga nuevos modelos en los que indagar. Son la rara esmeralda del tesoro más preciado: la originalidad.

BIBLIOGRAFÍA

-BRIONES, A.I (2007). “Género policial e contragénero. Tópicos do Romancde policial na narrativa portuguesa dos anos oitenta como via de reflexão histórica”. Revista de Fiolología Românica 15, pp 267-280.

-MELO, Filipa (2005). “En el lugar del muerto (la novela negra portuguesa)”. En Primer encuentro europeo de novela negra. D.Barba (ed) pp 111-117. Barcelona: Planeta.

-PINHEIRO SILVA CARDOSO MENDES, M.do Carmo (2011). “Las novelas negras de Ana Teresa Pereira”. En Género negro para el siglo XXI. J.Sánchez Zapatero y À.Martín Escribà (eds), pp 113-122, Barcelona: Laertes

 

 

[Fuente: http://www.revistabearn.com]

Escrit per Xavier Montanyà

La personalitat veritable dels autòcrates sol restar a l’ombra dels seus personatges públics, creats pels aparells de propaganda i la censura dels seus règims. Penetrar en la seva psicologia i en les zones d’ombra de les seves vides és il·luminar episodis mai prou coneguts de la història col·lectiva. Cal fer una feina intensa, polifònica i rigorosa per descobrir allò que s’ha volgut amagar, per donar forma i sentit a les tenebres que volgudament envolten les seves vides i molts episodis de la seva acció de poder.

De tots els del segle XX, un dels més enigmàtics i poderosos va ser l’home que va dirigir els destins de Portugal i del seu imperi colonial durant quaranta anys. El periodista italià Marco Ferrari (La Spezia, 1952), a La increíble historia de António Salazar, el dictador que murió dos veces (Debate, 2022), narra la cara oculta de la història de Portugal del segle XX submergint-se en els clarobscurs de la misteriosa vida de l’enigmàtic dictador.

L’autor confegeix un relat que omple de sentit algunes de les incògnites del segle XX a la península Ibèrica i a Europa. António de Oliveira Salazar (Vimieiro 1889, Lisboa 1970) fou un dels homes més poderosos del seu temps. Jugà un paper important en les relacions amb Hitler, Mussolini, Franco i en l’equilibri internacional, en temps de la guerra del 1936-1939, la Segona Guerra Mundial i els anys de la guerra freda. Els seus pactes amb americans i britànics influïren en la geopolítica internacional i en la seva obstinació per a mantenir el seu imperi colonial. Obsessió que, de retruc, va acabar formant el moviment dels militars opositors que van derrocar el seu règim, l’any 1974.

L’escriptor culmina amb aquest assaig amè molts anys de passió per a saber la història del país que ell va descobrir fent amistat amb exiliats portuguesos a Itàlia i, sobretot, a partir de l’esclat de la Revolució dels Clavells, el 25 d’abril de 1974. Marco Ferrari, com tants joves més de la seva generació, ha viscut marcat per les ànsies de llibertat i de justícia que va causar aquella revolta.

Fascinació per la Revolució dels Clavells

Immediatament, va agafar un vaixell de Gènova a Barcelona i fent autoestop via Madrid, va aconseguir arribar a una Lisboa esclatant, després de gairebé mig segle de dictadura feixista, repressió i asfixia política, econòmica i cultural. Fruit d’aquella experiència va escriure la novel·la A la revolució en un dos cavalls, fidel aproximació a l’esclat d’il·lusions polítiques i humanes que van despertar amb la caiguda del règim. Aquest llibre és l’origen del film del mateix nom que va guanyar el Festival de Cinema de Locarno el 2001, en què va fer el darrer paper de la seva vida l’actor Paco Rabal.

La primavera del 1974, entre la gent que es manifestava alegre pels carrers de Lisboa, Marco Ferrari va creure percebre una ombra inquietant i desconeguda, el fantasma de l’home que havia instituït l’Estado Novo, l’estat feixista a la portuguesa, potser el més malèfic, tancat i durador del continent europeu. De l’home que havia governat el darrer imperi colonial de la història –de Cap Verd i Guinea Bissau a Goa, passant per Angola, Moçambic i Macau–, se’n sabia ben poc. Ferrari s’ha passat mitja vida viatjant a Portugal, investigant als arxius, llegint llibres i informes i entrevistant-se amb gent del seu entorn i de l’oposició.

Despengen un retrat de Salazar durant la Revolució dels Clavells (fotografia: Eduardo Gageiro).

El millor retrat de les tenebres d’aquella dictadura, la censura, la repressió i les conseqüències del mal impregnat al moll de l’os de la societat portuguesa, el va escriure l’italià Antonio Tabucchi a la novel·la Sosté Pereira. El vell periodista protagonista és el símbol d’un patiment interior que ha marcat l’ànima portuguesa. Ara, un altre italià, el periodista Marco Ferrari ha escrit una crònica apassionant d’aquells temps i de l’home que va idear i construir el sistema repressiu que va causar tant de mal i patiment interior a Pereira i a milions de portuguesos i d’habitants de les colònies durant quaranta anys llargs.

L’home que es va morir dues vegades

La fi de Salazar és patètica i prou significativa del poder que havia creat al seu entorn durant dècades. En una visita del callista a la seva residència d’estiu, el Forte de Santo António da Barra, a Estoril, el dictador va caure quan seia en una cadira de lona. L’accident va derivar en danys cerebrals que en un principi semblaven mortals, però que amb les intenses i diverses cures mèdiques que va rebre aconseguiren allargar-li la vida un parell d’anys.

Pensant el pitjor, el president de la república va decidir de destituir-lo de primer ministre per raons de salut i nomenar en el seu lloc Marcelo Caetano. Però, sorprenentment, el vell misantrop es va recuperar força, tot i que no prou per a governar. De tota manera, per no contrariar-lo, les màximes autoritats del país van escenificar a la perfecció la farsa que ell continuava governant com sempre els territoris portuguesos ibèrics i d’ultramar. Cada dia rebia unes quantes personalitats a casa seva: ministres, governadors, confidents, caps de la PIDE. Van arribar a fer-li un exemplar especial per a ell del Diário de Notícias, que confegia personalment cada nit el director, com també vídeos i enregistraments de noticiaris televisius i radiofònics.

En un estat mig vegetatiu, el vell dèspota continuava signant ordres, aconsellant ministres i enviant missatges als seus subalterns arreu del món. Es va morir sense haver descobert la pantomima més gran mai viscuda per qualsevol poder polític o institució. Aquest final diu molt de la seva història. Té similituds amb el de Haile Selassie, el Negus, l’emperador d’Etiòpia. Quan va ser destituït per Mengistu Haile Mariam, confinat en un dels seus palaus, va continuar creient fins que es va morir que ell era l’emperador.

Caricatura de De Alba publicada a The Washington Daily News

Rural, misantrop, irònic i cruel

De la mà de Ferrari descobrim la seva vida, de la infantesa rural, el pas pel seminari i els estudis universitaris a Coïmbra, fins que accedeix al poder. El lema “Déu, pàtria i família” va ser la base per a fundar l’Estado Novo i la seva font d’inspiració per a governar durant tants anys. Era l’ombra del terror, gairebé no compareixia en públic, obsedit pel manteniment del seu imperi colonial amb mà de ferro.

Estava casat amb la pàtria. Va ser solter tota la vida. No era del tot misogin, atès que li són atribuïdes unes quantes relacions –reals o imaginàries– gairebé secretes amb dones del seu entorn. Era un misantrop que cedí un gran poder a la seva governanta, Dona Maria, que intercedia i manava en assumptes fins i tot fora del domini domèstic. Evitava els avions i no suportava entrevistar-se amb més dirigents polítics estrangers, especialment si eren més incultes que ell.

Una de les definicions més interessants de l’enigmàtic dictador la va fer, segons que cita l’autor d’aquest assaig, el gran Fernando Pessoa: “És, de fet, el producte d’una fusió d’estretors: l’ànima camperolament sòrdida del pagès de Santa Comba només es va ampliar en petitesa amb l’educació al seminari, amb tot l’inhumanisme llibresc de Coïmbra, amb l’especialització rígida del seu destí desitjat de professor d’economia.”

Els dos darrers dictadors feixistes d’Europa

Salazar no va viatjar mai, excepte unes quantes vegades a Espanya, per trobar-se amb Franco, a qui tant ell com Portugal ja havien ajudat amb efectius militars i soldats durant la guerra del 1936-1939. La fòbia visceral al comunisme els uní tota la vida. Tot i que tots dos dictadors ibèrics eren molt diferents, no van tenir més remei que entendre’s. Franco era un militar de pocs estudis i gusts vulgars. Salazar era culte. Havia estudiat dret i economia a la Universitat de Coïmbra, en què també exercí de professor abans de dedicar-se de ple a la política. Era un apassionat dels llibres d’història i de les biografies. Llegia i parlava francès i anglès. A més dels conceptes de Déu, pàtria i família, també va fer promoció del futbol, especialment del Benfica, del fado i de les miraculoses aparicions de Fàtima.

Va ser un home hàbil per a moure els fils de la diplomàcia a favor seu. Sembla que va convèncer Franco que no entrés a la Segona Guerra Mundial. Sostenia que la cosa millor per a la península ibèrica era mantenir-se neutral. Tot i això, va saber jugar les seves cartes. Amb la mà esquerra cedia les Açores perquè s’hi instal·lessin bases aliades i, amb la dreta, venia material als nazis, especialment tungstè. En aquells anys, Lisboa va esdevenir un cau d’espies internacionals de tots colors, nacionalitats i tendències polítiques.

El terror de la repressió

El llibre treu a la llum tot l’entramat del terror repressiu que es va construir durant dècades entorn de la policia política PIDE (Policia Internacional i de Defensa de l’Estat). Salazar era el vèrtex superior del triangle de l’estat que tenia a la base la policia política, en un costat, i el partit únic, la Unió Nacional (UN), en l’altre.

El servei d’intel·ligència de l’Estado Novo era omnipresent, visible i invisible alhora. Tenia molt de poder i carta blanca per actuar sense escrúpols. Solament dues persones estaven sobre la PIDE, el seu director, José Silva Pais, i António Salazar. El dictador, que no havia viatjat mai, deia que tenia al cap tot l’imperi colonial. Ara sabem que, a més, sense sortir del seu auster despatx, tenia al cap les cares, els noms i les activitats clandestines dels seus opositors més importants a Portugal o a les colònies. Cada dia estudiava meticulosament els expedients que li portaven els caps de la PIDE.

L’home que es va morir dues vegades.

Per Salazar, les tortures de la PIDE eren “reaccions mentals saludables”. El dictador va mantenir un contacte estret amb la Gestapo, fins al punt de convidar el nazi Josef Kramer, la “bèstia de Belsen”, a fer un curset d’especialització en tortura. Kramer havia estat el comandant de la SS dels camps de Natzweiler-Struthof, Auschwitz II-Birkenau i Bergen-Belsen. Tot i això, Salazar havia mostrat certes reticències als mètodes nazis, ell preferia sistemes més autòctons i clàssics com ara la tortura de la son i la de l’aigua.

L’aparell repressiu era subtil i criminal. Ferrari s’ha submergit en els arxius de la PIDE per fer-nos un esbós dels mètodes i tècniques habituals. Sessions de tortura en calabossos inhumans, morts, desapareguts, perseguits i detinguts, amb motiu o sense, delators, informadors, militars i paramilitars, escamots feixistes, etc. També descriu el funcionament de les presons i del tristament famós camp de presoners de Tarrafal a l’illa de Santiago (Cap Verd). Allà, tal com cita, hi va haver empresonats il·lustres opositors i activistes independentistes de les colònies com ara l’escriptor angolès José Luandino Vieira, un dels grans de la literatura portuguesa.

Luandino va ser detingut una primera vegada per la PIDE l’any 1959 pel fet de ser del Moviment Popular d’Alliberament d’Angola (MPLA). I en acabat, es va passar una dotzena d’anys a la presó, del 1961 al 1972, internat primer a Luanda i, després, deu anys al terrible camp de concentració de Tarrafal. Vaig explicar la seva història fa un parell d’anys en aquesta secció.

L’assassinat d’Humberto Delgado

A Salazar l’obsessionaven els seus enemics. Una de les seves tècniques preferides era apartar els opositors de les mirades de la gent sense assassinar-los. Era més discret i efectiu. Però sovint se saltava la seva norma sense escrúpols. Un dels casos més cèlebres va ser l’assassinat del general Humberto Delgado, l’home que havia donat suport al segrest del transatlàntic Santa Maria l’any 1961. Una acció comanada pel DRIL (Directorio Revolucionario Ibérica de Liberación), un grup mixt d’antifeixistes portuguesos i espanyols, principalment gallecs.

Un error important del llibre, en la línia de la historiografia portuguesa, és atribuir el comandament de l’acció solament al capità portuguès Henrique Galvao. En realitat, l’operació havia estat ideada per l’intel·lectual nacionalista gallec Pepe Velo i qui pilotà la nau fou l’ex-militar republicà, també gallec, Jorge de Sotomayor. Galvao hi va figurar més perquè li agradava i el transatlàntic era portuguès. L’acció contra les dues dictadures ibèriques fou un èxit mundial de propaganda, tot i que no van assolir el seu objectiu d’arribar a les costes africanes de Guinea Equatorial i Angola per començar la lluita d’alliberament colonial. Diuen que Salazar no va poder dormir durant els tretze dies i tretze nits que va durar el segrest.

Humberto Delgado s’havia exiliat al Brasil per denunciar públicament la manipulació d’unes eleccions en què ell es presentava de candidat a la presidència de la república. Després de donar suport al segrest del Santa Maria, un gest que el va afavorir per a donar-se a conèixer internacionalment com a opositor de Salazar, tot i que estava completament al marge del pla operatiu, no va parar de conspirar i planejar més accions de lluita i es va convertir en una amenaça per al règim portuguès.

Els cadàvers d’Humberto Delgado i de la seva secretària, Arajaryr Moreira Campos, es van trobar mig soterrats en calç viva a l’estat espanyol, a la regió d’Extremadura, prop de la frontera portuguesa, el 24 d’abril de 1965. Cal suposar que la policia político-social de Franco no ho ignorava. Salazar, home de paraula, complia novament la seva amenaça: “Sabem tot això que passa. Us farem callar. Serem durs i implacables fins a la crueltat.”

La tomba discreta del cementiri de Vimieiro

L’imperi colonial, el principi de la fi

Als anys cinquanta, per a evitar l’onada d’independències colonials que s’acostava, Salazar va substituir la paraula “colònies” per “províncies d’ultramar”. Va idear el “lusotropicalisme” en un intent d’emmascarar el colonialisme explotador i racista amb una mena de simbiosi entre cultura europea i civilitzacions locals. Val a dir que la idea fou copiada per Franco i Fraga per a endarrerir la concessió de la independència a Guinea Equatorial, que no va arribar fins el 1968.

Salazar va resistir a força de guerres colonials i molta repressió. Mai no va concedir cap independència. L’any 1961 començà la guerra colonial a Angola. Després, es revoltaren Guinea Bissau, el 1963, i Moçambic, el 1964. El malestar dels soldats que lluitaven i es morien a les colònies i el descontentament de les famílies que vivien a la metròpoli va anar augmentant. L’any 1973 es creà el Moviment das Forças Armadas, que el 25 d’abril de 1974 va derrocar el règim instaurat per Salazar, encapçalat els darrers anys per Marcelo Caetano.

António de Oliveira Salazar no va veure la fi del seu imperi i del seu estimat Estado Novo. Es va morir el 1970. Està enterrat en una tomba humil i senzilla del seu poble de Vimieiro. Res més lluny de la grandiloqüència arquitectònica feixista de Franco al Valle de los Caídos.

L’admiració que el dèspota gris i misteriós de Portugal va suscitar entre els franquistes, inclosos els anomenats reformistes, era notòria. Manuel Fraga Iribarne, després de visitar-lo un estiu en qualitat de ministre d’Informació i Turisme espanyol restà impressionat. Fraga escriu a Memoria breve de una vida pública (Planeta, 1980): “Ningú no va suportar la solitud del poder com Salazar; sense muller, sense fills, amb molt pocs amics; sense viatjar ni veure gairebé ningú; amb les seves vacances en un fort antic d’Estoril, sense finestres, ni res més que la seva vida interior.”

 

 

[Font: http://www.vilaweb.cat]

 

 

Na cerimónia de entrega dos Prémios APOM 2021 a Casa Fernando Pessoa foi chamada ao palco duas vezes: o Prémio Melhor Museu Português e a Menção Especial pelas Leituras ao Ouvido distinguiram a qualidade do projeto e a capacidade de renovação.

Após obras de remodelação, a Casa Fernando Pessoa reabriu ao público em agosto de 2020, requalificada e mais acessível, com uma nova exposição de longa duração sobre Pessoa. A coleção está agora disposta de forma a acompanhar e envolver o visitante desde o primeiro registo escrito que se conhece de Pessoa aos 6 anos, até chegar à última frase que redigiu na véspera da sua morte.

A biblioteca especializada em poesia, foi renovada e o auditório, transferido para o piso térreo, encontra-se agora mais bem equipado.

O projeto de remodelação da Casa beneficiou da Linha de Apoio ao Turismo Acessível do Turismo de Portugal. O projeto de arquitetura é da autoria de José Adrião Arquitectos, o de museografia foi feito pelos designers Nuno Quá e Cláudio Silva, em articulação com a direção da Casa, a partir de uma proposta de curadoria de Paulo Pires do Vale. Ana Carvalho foi a museóloga responsável pela apreciação do projeto de museografia. A Acesso Cultura foi consultora em matéria de acessibilidades.

As obras tornaram o edifício mais acessível e sustentável, melhoraram a circulação dos visitantes e permitiram aumentar a área expositiva. A Casa tem uma nova e única entrada, espaços reorganizados e trajetos mais fluidos.

Na relação com o público, a Casa trabalha diariamente para ter uma oferta diversificada e para constituir-se como um espaço acolhedor – do ponto de vista físico, social e intelectual – para pessoas com diferentes perfis e com diferentes níveis de conhecimento sobre Pessoa e sobre literatura.

Nas Leituras ao Ouvido, desde março 2020, diariamente, a equipa da Casa Fernando Pessoa faz chamadas telefónicas para leitura de poemas ou textos curtos. Para fazer estas chamadas contámos com a colaboração de colegas de outros equipamentos e dos serviços centrais da EGEAC que se voluntariaram para fazer telefonemas. Na nossa equipa estão diariamente envolvidos profissionais das diferentes áreas da Casa Fernando Pessoa, num contacto de proximidade com quem está do outro lado do telefone.

Este programa foi distinguido com a Menção Especial para entidades e projetos museológicos relevantes durante a pandemia.

Para o Prémio de Melhor Museu Português, nas palavras de João Neto, presidente da APOM (Associação Portuguesa de Museologia), a Casa Fernando Pessoa destacou-se entre mais de 200 projetos candidatos: “Um museu que se reformulou, que achou que era capaz de mudar para uma outra dimensão”.

A equipa da Casa Fernando Pessoa agradece estas distinções!

 

 

[Fonte: http://www.casafernandopessoa.pt]

On la surnomme l’«amie fidèle» et la légende veut qu’il existe mille et une façons de la cuisiner. Quel est ce lien si particulier qui unit le Portugal au «bacalhau», pêché dans les eaux froides de l’Atlantique nord ?

La morue et le Portugal, un lien comme il n’en existe nulle part ailleurs. Johan Ricou

Écrit par Johan Ricou

À l’origine de la relation unique entre le Portugal et le bacalhau (morue en portugais), il y a la volonté du régime de Salazar (État nouveau, 1933-1974) de parvenir à l’autonomie alimentaire, notamment au moyen d’une pêche massive du cabillaud dans les eaux froides et hostiles de Terre-Neuve ou du Groenland. Une priorité pour l’État dictatorial de ce pays, qui importait 90 % de ce qu’il consommait. Les pêcheurs de tout le littoral furent alors massivement mobilisés et envoyés dans l’Atlantique à bord de navires mères, d’où ils étaient largués au milieu des vagues et des icebergs, dans de minuscules embarcations en bois appelées dori. La propagande de l’État nouveau fut mise au service de cette cause nationale, avec en point d’orgue une messe annuelle organisée au Monastère des Hiéronymites, à Belém, clin d’œil appuyé à la glorieuse période des découvertes maritimes, que le régime rêvait de retrouver.

Présentés comme des héros, les pêcheurs étaient même exemptés de conscription et échappaient aux guerres coloniales en Afrique. Il fallait bien cela pour les convaincre de s’aventurer dans la mission aussi éprouvante que dangereuse de « Rapporter à la patrie le pain des mers ». Sous l’impulsion de Salazar, qui organisa sa pêche et son commerce, le bacalhau est ainsi peu à peu devenu « l’ami fidèle » d’une population nécessiteuse, « la viande des pauvres » que l’on trouvait à toutes les tables et à toute occasion. Un poisson dont le lien avec la nation n’existe nulle part ailleurs. Voici nos quelques conseils pour apprécier au mieux son histoire et sa gastronomie, à table, sur le pouce, en conserve, au musée ou dans vos valises !

À table

Règle nº 1 pour apprécier la morue : en manger, encore et encore ! Terra Nova – Populi

Le meilleur moyen de découvrir la morue est… d’en manger ! Le plus possible. Car ne croyez pas qu’une rapide dégustation vous permettra d’en apprécier tous les contours : en carpaccio ou tartare, en beignet, en tapas (petisco), bouillie, rôtie, grillée à la braise, frite, en filet ou effilée, au quotidien ou à Noël, en tartine (tiborna), entrée ou plat principal, à la mode de Lisbonne, de Porto ou de Braga, au curry ou confite… Il existe bel et bien mille et une façons de préparer cet ex-libris de la cuisine du pays, comme l’affirment fièrement ses habitants.

Et comme pour le cochon, dans la morue, tout est bon ! Ne vous étonnez donc pas de retrouver à certaines cartes des plats composés de joues (bochechas) ou de têtes (cara) de bacalhau, ou de parties de son estomac (bucho) ; les langues (linguas) de bacalhau se savourent cuisinées avec du riz ou panées ; quant à ses œufs, frais ou fumés, ils constituent d’excellentes tapas.

Sur le pouce

Tradition ou modernité ? À vous de choisir ! Casa do Bacalhau

Vous voilà pris d’une soudaine fringale lors de votre visite du centre historique parfois escarpé de Lisbonne ? Rassurez votre estomac : « l’amie fidèle » se déguste à toute heure, sous la forme d’un beignet semblable aux acras antillais (mais sans piment), le pastel de bacalhau (bolinho de bacalhau dans le nord du Portugal). À base de morue, de pomme de terre et de persil, sa recette date de 1904 et d’un traité de cuisine d’un officier de l’armée portugaise. Vous en trouverez dans tous les cafés du pays, ou presque, mais avec un petit bémol : pour ne rien perdre de son croustillant, il doit se manger chaud, ce qui est rarement le cas.

Depuis quelques années, une mode à fait son apparition, loin de faire l’unanimité : le beignet de morue au fameux fromage crémeux Queijo da Serra. Les uns y voient un sacrilège, un affront fait à une formule immuable. Les autres apprécient cette alliance de deux produits emblématiques de la gastronomie portugaise. Traditionaliste ou avant-gardiste ? Essayez les deux et forgez-vous votre avis ! Si vous vous sentez l’âme conservatrice, la Tasca Estrela d’Ouro (quartier de Graça) propose d’excellents beignets classiques. Mais si la modernité a votre préférence, ruez-vous sur les polémiques beignets de la Casa Portuguesa do Pastel de Bacalhau, à l’origine du concept et qui dispose désormais de nombreux points de vente. Ils y sont préparés devant vous et servis chauds.

En conserve…

Les assortiments de conserves font office de cadeau idéal. Maël Sandro Ricou

Lisbonne est connue pour ses incroyables conserves de poisson et parmi les sardines, saumons, lamproies, poulpes et maquereaux, la morue est elle aussi mise en boîte depuis les années 1930. La « viande des pauvres » s’apprécie alors grillée ou bouillie, avec de l’huile de l’olive et de l’ail. Ses œufs fumés sont également un grand classique. À Lisbonne, les deux conserveries historiques de la capitale sont situées à quelques mètres l’une de l’autre, à deux pas de la Place du Commerce, dans la bien nommée « Rua dos Bacalhoeiros » (rue des marchands de bacalhau).

La Conserveira de Lisboa, la plus ancienne (1930), a préservé le charme désuet des boutiques et des emballages typiques du début du XXe siècle. La Conserveira Comur, née dans la ville d’Aveiro en 1940, propose pour sa part un packaging au design bien plus moderne, aux couleurs vives, composant de magnifiques rayons. Dans les deux cas, vous y trouverez des produits de qualité et de délicieux souvenirs gastronomiques à offrir à votre entourage. Les assortiments sont toujours très appréciés.

… ou au musée

Découvrez l’histoire du bacalhau au musée qui lui est consacré. Turismo de Lisboa – Lismarketing – CIHBacalhau

C’est en 2020 que le Centre d’interprétation de l’histoire de la morue a ouvert les portes de son exposition consacrée à l’amie fidèle du Portugal. Situé en plein centre-ville de la capitale, sur la grande Place du Commerce, il retrace en quelques salles thématiques (saga, vie à bord, propagande, à table…) l’histoire d’un poisson intimement associé à la culture du pays ; celle de ses pêcheurs qui bravaient autrefois les mers hostiles de l’Atlantique nord sur de frêles barques en bois ; ou de la politique du régime de Salazar, qui éleva la pêche du cabillaud au rang de priorité nationale.

Les plus petits apprécieront la reconstitution de l’expérience de ces valeureux Portugais, dans une pièce spéciale à la température très fraîche, assis dans un bateau en mouvement, entourés d’images de forte houle et de dangereux icebergs… À la sortie, une superbe boutique vous permettra de prolonger l’aventure. Peluche bacalhau pour les enfants, morue de l’Atlantique vendue en emballage scellé, conserves, vaisselle ou t-shirts thématiques : si vous souhaitez mettre un peu de morue dans votre vie, précipitez-vous-y ! Un regret : les éléments audio et les sous-titres des vidéos ne sont pas traduits en français. Sans maîtrise de l’anglais ou du portugais, point de salut.

Praça do Comercio | Tous les jours, de 10 h à 19 h | Adulte, 4 € ; 6-15 ans, 2 € ; + 65 ans, 3 € ; Lisboa Card, gratuit.

Rapporter de la morue dans la valise

Boutique spécialisée dans la vente de morue, en centre-ville historique de Lisbonne. Johan Ricou

Vous mourrez d’envie d’épater votre famille ou vos amis en leur préparant une recette de bacalhau typiquement portugaise, découverte pendant vos vacances ou votre week-end au pays de Fernando Pessoa ? Rien de plus simple : il existe de nombreuses échoppes spécialisées dans la vente de morue, entière ou à la découpe, en morceaux ou effilée, en conserves ou en sachets hermétiques faciles à transporter, y compris en avion (pour ceux qui n’y ont jamais été confrontés, sachez que les effluves dégagés par ce poisson salé sont proches de l’insoutenable pour les narines les plus délicates).

La Rua do Arsenal (qui part la Place du Commerce) pullulait autrefois d’odorantes boutiques traditionnelles de morue. Deux ont résisté, l’épicerie Rei do Bacalhau et la Pérola do Arsenal. La célèbre et ancienne Mantegaria Silva, dans le centre de Lisbonne, est aussi reconnue pour la qualité de son bacalhau depuis 1956. Son excellent jambon fumé (presunto) vaut également le déplacement. À défaut, les grandes surfaces disposent toutes d’un rayon consacré à la morue.

 

[Source : http://www.lefigaro.fr]

 

 

 

 

 

 

O novo álbum do fadista Camané, « Horas Vazias », a sair no próximo dia 29, inclui poemas de Amália Rodrigues, David Mourão-Ferreira, Fernando Pessoa, Jorge Palma, Júlio Dinis e Pedro Abrunhosa, entre outros.

Novo disco de Camané tem saída prevista para o dia 29

Novo disco de Camané tem saída prevista para o dia 29.

« Horas Vazias » sucede ao álbum « Aqui Está-se Sossegado » (2019) que o fadista gravou com o pianista Mário Laginha, chegará ao mercado a 29 de outubro, será precedido de um ‘single’, no dia 22, com um fado da autoria de Pedro Abrunhosa, surge seis anos depois do último álbum de inéditos do criador de « Sei de um Rio », e pode ser encomendado a partir de hoje, de acordo com a editora Warner Music.

A escolha do fadista neste álbum foi pelo fado tradicional, tendo gravado o Fado Rosa, de João David Rosa, no qual canta um poema de Sebastião Cerqueira, « Às Vezes Há um Silêncio », o Fado Bica, de Jaime Santos, para um outro poema de Cerqueira, « Amar não Custa », ou a escolha de uma conjugação entre o Fado Menor e o Maior, para interpretar « As Ilhas Afortunadas », de Fernando Pessoa, autor habitual no ‘repertório camaniano’.

O fado « As Ilhas Afortunadas » é dedicado, por Camané, ao guitarrista e estudioso do fado José Pracana (1946-2016).

Do repertório de Amália Rodrigues (1920-1999), o fadista gravou « Aves Agoirentas » (David Mourão-Ferreira /Alain Oulman).

Este é o primeiro álbum de Camané sem a direção do músico José Mário Branco, falecido em novembro de 2019, que todavia marca presença, assinando a música para um poema inédito de Amália Rodrigues, « Tenho Dois Corações ».

A produção do álbum é do músico de jazz Pedro Moreira, o que levou à introdução do saxofone de Ricardo Toscano, do acordeão de João Barradas, e de um sexteto de cordas, mas também a contar com o contrabaixista Carlos Bica, que há muito faz parte da equipa de músicos de Camané, que não se desvia, neste CD, do mapa fadista.

Camané volta, neste álbum, a cantar Sérgio Godinho, « O Fado que em Tempos te Cantei », assim como Jorge Palma, « Noite Transfigurada », e ainda Pedro Abrunhosa, « Que Flor se Abre no Peito », Amélia Muge, « Se a Solidão Fosse », e Vitorino, « Marcha de Alcântara », um original do músico do Redondo gravado em 1988.

O fadista estreia-se na interpretação de uma composição de Carminho para « Nova Vénus », um poema de Júlio Dinis, autor que se estreia no repertório fadista, e há ainda uma composição de Miguel Amaral para um poema de Sebastião Cerqueira, « Meu Amor ».

De Maria Rosário Pedreira, Camané gravou « Falsa Partida », com música de Mário Laginha.

Camané, como habitualmente, é acompanhado pelos músicos Carlos Manuel Proença, à viola, e José Manuel Neto, na guitarra portuguesa, que assina, com Carlos Lopes, a música de « Quem És », um poema de João Monge.

Camané, 54 anos, com o disco « Camané Canta Marceneiro », venceu, em 2018, o Prémio Manuel Simões para Melhor Disco de Fado, e tem já no seu palmarés um Prémio Amália para Melhor Intérprete e o Prémio Europa – David Mourão-Ferreira, atribuído pela Universidade de Bari, em Itália.

Camané, de seu nome de registo Carlos Manuel Moutinho Paiva dos Santos, nasceu em Oeiras, no distrito de Lisboa, e começou a cantar ainda menino.

Aos 13 anos venceu a Grande Noite do Fado de Lisboa, na categoria de Juniores, iniciando um circuito de várias atuações, principalmente em casas de fado. Aos 18 anos, a convite do fadista Carlos Zel (1950-2002), atuou na RTP e fez parte do elenco da casa de fados Senhor Vinho, em Lisboa, de Maria da Fé e do poeta José Luís Gordo.

Em 1995, publicou o álbum « Uma Noite de Fados », início de uma parceria com José Mário Branco que perdurou até à morte deste músico, produtor e compositor.

[Foto: Reinaldo Rodrigues/Global Imagens – fonte: http://www.jn.pt]

Josep Igual

Josep Igual

Escrit per per Jesús M. Tibau

Un sant Jordi de tants, travesso sense parar massa compte la pujada de Sant Blai de Tortosa, farcida de parades relacionades, més o menys, amb la diada. Al voltant de La 2 de Viladrich s’hi acumula un núvol de gent atrafegat a complir amb el deure moral de comprar el llibre que toca. De lluny, distingeixo sota la carpa rostres coneguts, amigues i amics de lletres que coincidim, com astres tossuts, en aquesta mena de jornades. Josep Igual fa cara de patir l’espectacle amb dosis relatives d’estoïcisme, mentre una mà furga la butxaca on amaga el tabac; li endevino els pensaments. Saludo tothom, ens donem ànims. «Com va?», pregunto més per a encetar la conversa que per desconeixement. Igual em somriu. «He dedicat un llibre teu aquesta tarda!», m’explica, divertit. «I això?», pregunto. «Una dona m’ha demanat si li podia dedicar un llibre teu, i ho he fet, és clar». La meva cara de sorpresa demana més detalls. «No puc deixar que Tibau perdi una venda», diu que ha pensat. Somriem, ell més amb els ulls que amb els llavis, però comprenc la seva forma irònica i subtil d’expressar-se. Ens diverteix que sovint ens confonguin. No és estrany, tots dos escriptors, amb ulleres, barba, calvície, un vici per la literatura breu que no té cura, ans al contrari, i unes afinitats que no es busquen, però es troben.

Les trobades amb Josep Igual sempre aporten alguna cosa, perquè el seu enginy no en té prou amb les pàgines que escriu; vessa per tots els costats i esdevé atmosfera. Recordo la primera, en una acte que pretenia unir autors del Camp i les Terres de l’Ebre. Quan arribo a la plaça de la Font de Tarragona, el veig a la terrassa d’un bar, a certa distància de tot el que l’envolta; després sabré que és la talaia des d’on observa el món amb aguda mirada. M’hi acosto, ens presentem i m’assec al costat. Iniciem una conversa banal, amanida amb dosis d’esperança literària per actes com aquest. Intueixo que el desig és compartit, i que els anys d’experiència que em porta d’avantatge en aquest ram li esgarrapen la gola.

Ai, l’esperança! Diuen que és l’últim que es perd. No sé fins a quin punt Josep la donava per perduda. Els seus escrits i les xerrades compartides evidenciaven un aire de fatalitat, potser heretat de les lectures d’Arbó, o de fados escoltats en algun local de Lisboa. En tot cas, una fatalitat activa, no abocada a la renúncia a seguir lluitant. Josep era conscient que certs compromisos individuals amb un estil propi i una irrenunciable exigència, no eren el camí més ràpid, ni més fàcil, cap a la incerta glòria. Josep no escull el camí planer, però no el veig com a masoquista cultural assegut a la queixa constant. Sibarita intel·lectual, sabia gaudir dels millors, i com a bon deixeble, o profeta, ens feia de guia precís. La seva forma d’entendre la literatura no era una elecció, sinó una responsabilitat que vivia sense remei. Allunyat de capelletes que es miren obsessivament el melic, se sentia còmode a la perifèria física i mental, valencià del nord, català del sud, sempre a fregar d’aquesta imposada barrera que ens col·loca lluny de tot arreu, fins i tot dels nostres veïns de ratlla invisible.

Josep era conscient que certs compromisos individuals amb un estil propi i una irrenunciable exigència, no eren el camí més ràpid, ni més fàcil, cap a la incerta glòria

No soc neutral ni objectiu, potser l’afecte enterboleix les meves paraules, però aviat vaig entendre que em trobava a la vora d’un dels grans. El seu estil no és fàcilment imitable; cal un bagatge immens, intel·ligència afilada, precisió de cirurgià, domini generós del vocabulari, i una mirada capaç de despullar la vida, o de vestir-la, i no és casual que el dietari sigui el seu gènere per excel·lència, tot i que va brillar en tota la resta. Gerard Vergés el va descriure com un escriptor de raça, i l’obra de tots dos comparteix les meves lleixes.

Tot just aquella nit de març de trista notícia, vaig sentir la necessitat de fer alguna cosa, quelcom que amb impotència intentés llimar la tristesa. Els últims anys, des de les Terres de l’Ebre, hem escrit llibres d’homenatge a diversos autors, com ara a Gerard Vergés o Víctor Canicio, entre altres, i voldria proposar alguna cosa semblant. A les quatre de la nit ho veig amb claredat: un dietari. Un dietari col·lectiu de gent que l’admira i que l’estima, un dietari per a reviure moments compartits amb Igual, un dietari en temps present, que ompli els inevitables buits de la memòria, però amb l’essència veritable de l’emoció. I aquest setembre el llibre ha vist la llum, gràcies a Editorial Petròpolis, amb el nom de Josep Igual i els dies.

Petròpolis (2021)

Des de la seva absència, després d’alguna actitud ridícula o patètica que envolta el món cultural, he imaginat el sarcasme de Josep que amaga el dolor davant la confirmació d’una situació fatal. Potser hauria buscat refugi en Pessoa, Pla, Fuster o Bach. Però també sé com hauria acabat reaccionant: persistir, continuar amb aquest vici estrany, aquesta fatalitat que ens enamora encara d’escriure.

Llegim Josep Igual; és aprendre a mirar els dies amb tota la seva esplendor.

 

 

[Font: http://www.laveudelsllibres.cat]

Escrito por Manuel Mora Morales
 
Los portugueses le dicen, simplemente, Porto, es decir, Puerto. Y nadie puede presumir de conocer la ciudad si antes no ha cruzado sus puentes sobre el río Duero y subido los casi 250 fatigosos escalones de la Torre de los Clérigos para contemplar los tejados que componen un maravilloso tapiz bermejo bajo el cual bullen el arte, la literatura, el vino, la gente, el bacalao asado y, naturalmente, los famosos callos de Oporto.
Me refiero a los mismos callos que nombra trece veces Antonio Tabucchi en su novela La cabeza perdida de Damasceno Monteiro. Siendo italiano, a Tabucchi le dio por escribir historias situadas en Portugal: Sostiene Pereira la desarrolló en la Lisboa fascistoide de los años treinta y La cabeza…, en el Oporto de la última década del siglo XX.
Firmino reflexionó e intentó tomar aliento. Hubiera querido decir que a él Oporto no le gustaba, que en Oporto se comían sobre todo callos al estilo de Oporto y que a él los callos le provocaban náuseas, que en Oporto hacía un calor muy húmedo, que la pensión que le habían reservado sería sin duda un lugar miserable con el baño en el rellano y que se iba a morir de melancolía.
La redacción de la novela y el caso real del cual Antonio Tabucchi extrajo la historia pertenecen a la década de 1990. El asunto que conduce al protagonista, un periodista llamado Firmino, a Oporto es la aparición de un cuerpo humano sin cabeza, encontrado por un gitano cuando había salido a mear por fuera de su chabola, en la orilla del río Duero. No hay rostro y, por tanto, el misterio y la noticia están servidos. El plumilla odia a Oporto y se aloja en la pensión de doña Rosa, por recomendación impositiva del director de su periódico.
La cena era a las ocho, y aquella noche el plato era callos al estilo de Oporto.
[…] Eran casi las dos de la tarde. No tenía ganas de ponerse a buscar un restaurante. Quizá pudiera comer algo en la pensión de Doña Rosa. Siempre que el plato del día no fueran callos.
El italiano Tabucchi es –más bien era, porque murió el 25 de marzo de 2012– poseedor de una prosa ágil, cercana al lenguaje cotidiano de sus lectores, capaz de arrastrar al lector, página tras página, hasta el final de cada historia sin que el libro se le caiga de las manos. Tabucchi no se hace pesado ni cuando maneja, de forma reiterativa, tópicos como el de los famosos callos de Oporto.
Firmino colgó y marcó inmediatamente el número del periódico, mirando las notas que había tomado en el cuaderno. Preguntó por el director, pero la telefonista le pasó con el señor Silva.
—Alló, Huppert —respondió Silva.
—Soy Firmino —dijo Firmino.
—¿Están ricos los callos? —preguntó en tono sarcástico Silva.
—Escuche, Silva —dijo Firmino subrayando bien el nombre—, ¿por qué no se va a tomar por culo?
Al otro lado hubo un silencio, y luego el señor Silva preguntó con voz escandalizada:
—¿Qué has dicho?
—Ha oído usted bien —dijo Firmino—, y ahora póngame con el director.
Ya he mentado la Torre de los Clérigos, que no puedo recordar sin asociarla a la catedral de San Pedro, en el Vaticano, a la catedral de Ulm, en Alemania, y a otros monumentos criminales que me han torturado las pantorrillas con cientos de escalones dispuestos con las más aviesas intenciones contra los pobres visitantes. También Tabucchi, en su metódico acercamiento a la ciudad, menciona esta singular edificación.
Compró un platito de barro cocido en el que una mano ingenua había pintado la torre de los Clérigos. Estaba seguro de que a su novia le iba a gustar.
A veces, el interés de una ciudad, incluso de una ciudad con tantos tesoros arquitectónicos como Oporto, puede estar en un humilde balcón del que cuelgan unas humildes prendas.
La verdad era que Oporto conservaba ciertas tradiciones que en Lisboa se habían perdido: por ejemplo, algunas vendedoras de pescado, pese a que fuera domingo, con las cestas de pescado sobre la cabeza, y además las llamadas de atención de los vendedores ambulantes que le trajeron a la memoria su infancia: las ocarinas de los afiladores, las cornetas graznantes de los verduleros. Atravesó Praga da Alegria, que era en verdad alegre como su nombre rezaba. Había un mercadillo de tenderetes verdes donde se vendía un poco de todo: ropa usada, flores, legumbres, juguetes populares de madera y cerámica artesana.
Por Oporto tuvo que pasar mi ilustre paisano Antonio Ruiz de Padrón, camino de Cádiz, para tomar posesión como diputado doceañista, en el mes de diciembre de 1811. Ruiz de Padrón sería el adalid de aquellas Cortes gaditanas para la abolición de la Inquisición española. En el mismo libro, Tabucchi no resiste la tentación de traer a colación el tema inquisitorial.
Dio un enorme suspiro y un caballo respondió con un respingo de fastidio.
—Hace muchos años, cuando era un joven lleno de entusiasmo y cuando creía que escribir servía para algo, se me metió en la cabeza escribir sobre la tortura. Volvía de Ginebra, entonces Portugal era un país totalitario dominado por una policía política que sabía cómo arrancar una confesión a la gente, no sé si me explico. Tenía bastante material autóctono para estudiar completamente a mi disposición, la Inquisición portuguesa, y empecé a frecuentar los archivos de la Torre do Tombo. Le aseguro que los refinados métodos de los verdugos que han torturado a la gente durante siglos en nuestro país tienen un interés muy especial, tan atentos a la musculatura del cuerpo humano que fue estudiada por el noble Vesalio, a las reacciones a las que pueden responder los nervios principales que atraviesan nuestros miembros, nuestros pobres genitales, un perfecto conocimiento anatómico, todo ello hecho en nombre de una Grundnorm que más Grundnorm no puede serlo, la Norma Absoluta, ¿comprende?
—¿O sea? —preguntó Firmino.
—Dios —respondió el abogado—. Aquellos diligentes y refinadísimos verdugos trabajaban en nombre de Dios, de quien habían recibido la orden superior; el concepto es básicamente el mismo: yo no soy responsable, soy un humilde sargento y me lo ha ordenado mi capitán; yo no soy responsable, soy un humilde capitán y me lo ha ordenado mi general; o bien el Estado.
O bien: Dios. Es más incontrovertible.
—¿Y no escribió nada después? —preguntó Firmino.
—Renuncié.
Las antiguas estampas nos muestran el auge de este puerto comercial en siglos pasados, cuando salían innumerables buques cargados de aceite de oliva, frutos secos y, sobre todo, el famoso vino de Oporto que llegaba a gran parte de Europa y América.
Será porque en un tiempo me dediqué a escribir guías turísticas, pero lo cierto es que no las soporto. El estilo soso, propio de un inspector de hacienda o del secretario de un obispo, con que redacta la mayor parte de los autores de guías (probablemente, mal que me pese, debería incluirme yo mismo en este saco) tiene la virtud de ponerme los nervios de punta. Convierten los lugares en cadáveres literarios que terminan por perder todo el encanto que podría haberles encontrado descubriéndolos por mí mismo que es, al fin y al cabo, para lo que se visitan las ciudades.
Prefiero mil veces perderme y dejar de conocer el museo más importante de una urbe a saber, antes de subirme al avión, lo que voy a encontrar a la vuelta de todas las esquinas. Cuando visito una nueva ciudad, ninguna lectura me gusta más que una novela que se deslice por sus calles, plazas, comidas, costumbres, anécdotas,… de una manera viva, palpitante, chispeante, amable o sarcástica, como hizo mi apreciado spaguetti literario, el desgraciadamente desaparecido don Tabucchi. He aquí dos párrafos de una de las crónicas enviadas por Firmino a su diario de Lisboa, en la que utiliza el vino para introducir un cadáver:
“El escenario de esta triste, misteriosa y, podríamos añadir, truculenta historia es la alegre y laboriosa ciudad de Oporto. Efectivamente: nuestra portuguesísima Oporto, la pintoresca ciudad acariciada por suaves colinas y surcada por el plácido Duero. Por él navegan desde los tiempos más remotos los característicos Rabelos, cargados con barriles de roble, que llevan a las bodegas de la ciudad el precioso néctar que, elegantemente embotellado, emprenderá camino hacia los lejanos países del mundo, contribuyendo de esta manera a la fama imperecedera de uno de los más apreciados vinos del planeta.
Y los lectores de nuestro periódico saben que esta triste, misteriosa y truculenta historia se refiere nada menos que a un cadáver decapitado: los miserables restos mortales de un desconocido, horrendamente mutilados, abandonados por el asesino (o por los asesinos) en un terreno agreste de la periferia, como si se tratara de un zapato viejo o de una olla agujereada.”
El protagonista de La cabeza perdida de Damasceno Monteiro, como se dijo, odiaba Oporto; pero su creador le va cocinando el gusto a fuego lento, como si se tratara de una olla de callos, hasta que termina por enamorarse de esta ciudad espléndida de puentes, castillos, iglesias y estaciones de ferrocarril.
Descubrió un viejo libro que hablaba de cómo la ciudad, un siglo antes, se comunicaba con el mundo. Echó una ojeada al capítulo que trataba de los periódicos y de los anuncios publicitarios de la época. Descubrió que a principios del siglo XIX existía un periódico que se llamaba O Artilheiro donde aparecía este curioso anuncio: «Las personas que deseen enviar paquetes a Lisboa o a Coimbra utilizando nuestros caballos, pueden depositar la mercancía en la estafeta de Correos situada frente a la Manufactura de Tabacos». La página siguiente estaba dedicada a un periódico que se llamaba O Periódico dos Pobres y en el que aparecían gratuitamente los anuncios de las casquerías, puesto que estaban consideradas de utilidad pública. Firmino sintió un arrebato de simpatía por aquella ciudad hacia la que había experimentado, sin conocerla, cierta desconfianza. Llegó a la conclusión de que todos somos víctimas de nuestros prejuicios y que, sin darse cuenta, a él le había faltado espíritu dialéctico, esa dialéctica tan fundamental a la que Lukács daba tanta importancia.
En fin, no es mi intención convertir esta página en un anuncio de los libros portugueses de Tabucchi, por mucho que me gusten sus obras.
Sin embargo, he de confesar que la combinación de Oporto y Tabucchi me entusiasma de igual manera que Lisboa y Pessoa, Buenos Aires y Borges o La Habana y Carpentier. Las ciudades y los escritores forman casales en las mentes de los viajeros con afición a la lectura, de igual manera que los músicos y los grandes festivales en el imaginario de los melómanos.
 
[Fuente: manuelmoramorales.wordpress.com]

 

 

[In: Ilustração Portuguesa, nº 832, Lisboa, 28/I/1922, p. 86.]

Escrito por  MAURIZIO BAGATIN

Un caminar rimbaudiano o aquel de Ceronetti, reviviendo las horas de Leopold Bloom. El viaje de Roberto Calasso inicia en el vientre de su madre, en donde ya estaba leyendo los mitos que al hombre siguen siendo necesarios. Útiles. Donde sea, el hombre de ellos se ha nutrido.

Salen frases cortas y silenciosas, un barco que recorre toda la Mitteleuropa, el Edipo de Freud y la poesía de Wisława Szymborska, los elzevirios de Karl Kraus; siguiendo el eco de una voz trágica, el coro de la tragedia griega, el idealismo en la música y en la filosofía, el pragmatismo en el derecho y en la racionalidad, amar Atenas y Roma, sobre todo Grecia. Y, luego proseguir el camino, las huellas de los pasos del Magno Alejandro hasta la orilla del Ganges, un Nirvana, Gilgamesh, más allá el misterioso poder del Shangri-La.

El viaje de Roberto Calasso es el viaje de Bobi Bazlen, los libros de los demás, los libros que nunca fueron escritos, los nunca leídos, la palabra aún ausente, y la última. El libro de todos los libros. Sentándose en el paraíso de Borges, en la Babel de un imposible esperanto, dialogan el filósofo de una teología escandalosa y el gnóstico tenaz; el pensamiento que no derrotó Auschwitz y el Ecce Homo. Seguimos andando, en el silencio de oro miramos la biblioteca de Alejandría, toda aquella belleza que es el decurso de la ética, un cuadro de Tiépolo, los sueños, las alegorías, los símbolos de Kafka, todo su misterio aún intacto. Miles y miles de leyendas hasta la noche de la sola leyenda.

Es Cioran, Naipaul, Valéry, pero también Pollan, Morselli y Giordano Bruno, Roberto Calasso fue el editor del buen gusto, desafiando todas las modas. Como un perro que huele las trufas en los bosques, el ratón de biblioteca que evitó al topo de Marx, andando siempre en dirección obstinada y contraria, en los momentos muertos de un día de canícula del verano o frente a una ardiente chimenea en el profundo invierno, agarrando un libro y viajando, encontrando lo que otros no encontraron, no quisieron encontrar y ni siquiera olieron o vieron de lejos.

Adelphi, es muerte y renacimiento, es el color pastel y la gráfica del voluptuoso Aubrey Vincent Beardsley, una escena de La grande belleza, otro papel. Desde su inicio, la fábula fueron eros y psique, el abrazo del logos con el mythos. Roberto Calasso nos invitó en ordenar los libros por nuestro amor a los libros… todos sus misteriosos personajes, que eran nuestras necesidades, las efímeras y las empíricas, las estéticas o las hedonísticas, iban a salir de a poco a poco, así un revés de Thomas Bernhard, una multitud de Pessoa o un epígrafe de Canetti… por la cultura, ofrecer y ofrecerse, un darse siempre, contar y contarse sentados como Flaubert, caminando como Nietzsche.

Tengo un retrato silencioso de él, del silencio de oro que tanto amaba; a los 13 años ya había leído toda le Recherche de Proust, y enamorarse del olor de un libro recién salido de la imprenta, que necesita al lector, igual que el pan recién salido del horno necesita del hambre. El conocimiento y el estómago, la mente y el cuerpo… mientras en la brousse africana me deleitaba leyendo Ka

 

 

[Fuente: sugieroleer.blogspot.com]

Pep Tosar uneix literatura, música en directe, audiovisuals i circ a l’espectacle ‘El fingidor’.

Pep Tosar ha escrit i dirigeix 'El fingidor', un espectacle sobre Fernando Pessoa. © Martí Fradera

Pep Tosar ha escrit i dirigeix ‘El fingidor’, un espectacle sobre Fernando Pessoa.

Escrit per Ana Prieto Nadal, investigadora teatral

En el marc del Festival Grec –i en coproducció amb el Teatre Principal de Palma de Mallorca i la companyia Oblideu-vos de nosaltres– s’ha estrenat, al Teatre Sagarra de Santa Coloma de Gramenet, el darrer espectacle de Pep TosarEl fingidor, una filigrana multidisciplinària –literatura, música en directe, document audiovisual i circ– que homenatja el poeta portuguès Fernando Pessoa.

El títol, extret d’un poema del Cançoner de Pessoa titulat Autopsicografia, remet als coneguts versos: “O poeta é um fingidor / Finge tão completamente / Que chega a fingir que é dor / A dor que deveras sente”. El dispositiu escènic posa al centre l’equip artístic –situat rere el tul o pantalla transparent de projeccions– i la biografia del poeta en tota la seva complexitat i heteronímia. Pep Tosar, dramaturg –amb Evelyn Arévalo– i director de la proposta, recita poemes i al·ludeix a cartes i retalls biogràfics o assagístics. La paraula, curosa, harmonitza amb el cant de Joana Gomila i el piano d’Elisabet Raspall, que interpreten un reguitzell de temes –del But Not For Me de Gershwin al Nowhere Man de The Beatles, passant per Amália Rodrigues i Simon and Garfunkel– i desgranen sonoritats portugueses més enllà del fado. És de gran rellevància l’apartat documental, bastit a partir d’entrevistes realitzades per Agustí Torres a diferents especialistes, biògrafs i traductors de l’obra de Pessoa –Perfecto E. Cuadrado, Nicolau Dols, Maria José de LancastreJerónimo Pizarro i Richard Zenith–, i també a la neboda del poeta, Manuela Nogueira, que contrapunteja les reflexions dels estudiosos amb records familiars plens de tendresa. I, si en espectacles biogràfics anteriors com Federico García –dedicat a Lorca, és clar– es recorria a la dansa per il·lustrar sensibilitats afins i acordades, aquí, extremant la càrrega metafòrica, es vincula l’equilibrisme circense al joc ingràvid del poeta amb els seus heterònims: Tomeu Amer s’enfila a l’escala lliure o maniobra amb la roda alemanya i Griselda Juncà es gronxa al trapezi mentre es projecten suggeridores imatges de Lisboa.

Tant la disposició dels fragments d’entrevistes com la selecció literària i documental segueixen un ordre cronològic que permet traçar un recorregut biogràfic i que abasta els episodis vitals més representatius del poeta: el naixement al número 4 de Largo de Sâo Carlos, la infància truncada per la mort del pare, un món de tietes protectores i l’entranyable figura de l’oncle Cunha, el viatge en vaixell a Durban, l’educació exclusivament anglesa a Sud-àfrica –s’aporten fotos seves d’adolescent, el testimoni del seu company de pupitre i cartes dels familiars–, el retorn a Lisboa amb disset anys, les tertúlies als cafès, el suïcidi del poeta Mário de Sá-Carneiro, la relació amorosa amb Ofélia Queirós, la mort. A través de cites minuciosament escollides i combinades, l’espectacle traspua una mena de neopaganisme i panteisme sentimental. També s’insinua un eros ambigu, així com s’assenyalen l’esoterisme –“tot és símbol i analogia”, cita Tosar del Faust– i l’impuls messiànic que animaven Pessoa, en especial a través de la profecia del supra-Camões i l’autoimposada, megalòmana missió de renovació de la poesia portuguesa.

Poesia, música i circ a 'El fingidor', un espectacle sobre Fernando Pessoa. © Martí Fradera

Poesia, música i circ a ‘El fingidor’, un espectacle sobre Fernando Pessoa.

Un dels punts culminants de la peça és l’assenyalament de la data –8 de març de 1914– que Pessoa xifra per al naixement, certament novel·lat o idealitzat, dels seus heterònims, que ell considerava independents de la seva personalitat fins al punt de dotar-los d’una biografia i d’una poètica definides. Sens dubte, hi ha la temptació, expressada per més d’un especialista, d’enllaçar aquesta proliferació d’alter egos poètics amb els personatges imaginaris que Pessoa s’inventava ja de nen –el primer heterònim el va crear amb sis anys i es deia Chevalier de Pas–. Aquesta explosió de personalitats múltiples, que casa amb una declarada “tendència orgànica a la despersonalització i a la simulació”, s’orienta a la finalitat última de poblar la literatura portuguesa de poetes que inaugurin nous moviments i avantguardes. Tosar ens fa un tast de poemes dels tres heterònims pessoans més representatius: el sensorial i objectivista Alberto Caeiro; l’epicuri i neoclàssic Ricardo Reis; l’avantguardista i tumultuós Álvaro de Campos. Més tardà és el semiheterònim Bernardo Soares, autor d’El llibre del desassossec, obra magna que, malgrat la posteritat que aportarà al poeta, funciona com una mena de conjur de desaparició –ja apuntat al poema Lisbon revisited, que també s’invoca a l’espectacle–.

A la proposta, exquisida, hi tenen cabuda un enginyós joc de dobles entre rapsode i equilibrista, un brindis pel saudosisme i la proclamació del fingiment com a veritat suprema. Dos dels moments més potents i captivadors de l’espectacle són la breu ruptura de la quarta paret i el testimoni al trapezi de l’únic amor conegut del poeta, Ofélia de Quirós –assumida per l’acròbata Griselda Juncà–, que retrata el poeta com un tímid excèntric i absent. Els artistes de circ performen en clau acrobàtica la malenconia i el desassossec d’un artista a qui la vida –i la imaginació!– li va doldre sempre. I Pep Tosar, somiat per Antonio Tabucchi, convida Pessoa a un “llenguado interseccionista” en  un restaurant postmodern. Tot plegat, una delicada experiència estètica.

Dibuix a aquarel·la sobre l'espectacle de Pep Tosar 'El fingidor'.

Dibuix a aquarel·la sobre l’espectacle de Pep Tosar ‘El fingidor

[Fotos: Martí Fradera – font: http://www.nuvol.com]

Por Paulo Nogueira Batista Jr., economista, foi vice-presidente do Novo Banco de Desenvolvimento, estabelecido pelos BRICS em Xangai, e diretor executivo no FMI pelo Brasil e mais dez países. Lançou no final do ano passado, pela editora LeYa, o livro « O Brasil não cabe no quintal de ninguém: bastidores da vida de um economista brasileiro no FMI e nos BRICS » e outros textos sobre nacionalismo e nosso complexo de vira-lata.

Twitter: @paulonbjr Canal YouTube: youtube.nogueirabatista.com.br

Inspirado na poesia de Fernando Pessoa, o economista Paulo Nogueira Batista Jr. faz uma ponte entre o espírito português das Grandes Navegações e a situação atual e prospectiva do Brasil.

A obra de Fernando Pessoa é a inspiração do economista, que encontra na poesia uma lembrança viva do que foi esse grande espírito português de reconquista e que pode ser uma bússola para o futuro do Brasil.

 

[Fonte: http://www.terapiapolitica.com.br]

 

Escrito por Paulo Nogueira Batista Jr.

Já disse, e repito hoje: não sou um sonhador. Cético de temperamento, parece-me até meio ridícula, ligeiramente demagógica e sentimental, a frequente referência a sonhos e à necessidade de sonhar. E, no entanto, …

Manoel Bomfim, um dos grandes pensadores brasileiros (injustamente esquecido como são muitos grandes brasileiros – enquanto, diga-se de passagem, não poucos trastes e mediocridades são celebrados intensamente), Bomfim dizia que uma nação precisa inventar os seus próprios sonhos, sonhar os seus sonhos plausíveis.

Sonhos plausíveis – inspirados de alguma forma, ainda que tênue ou não tão evidente, na realidade histórica e atual da nação. Temos que sonhar nossos sonhos, sonhados por nós, cultivar nossas próprias imagens, nossas próprias noções de beleza, verdade e valor, dizia ele por outras palavras.

Bonito. Mas aí é que se abre o alçapão. Sonhos podem ser perigosos. Certo tipo de sonho, justamente os plausíveis que desejava Bomfim. O sonho possível carrega em si a possibilidade da decepção e do sofrimento.

E, por essa via, chego ao verdadeiro assunto desta pequena crônica – um outro gênio da nossa raça, este verdadeiramente monumental. Refiro-me, leitor, ao grande, imenso, gigantesco Fernando Pessoa. A poesia, como sabemos, resiste tenazmente à tradução. Se Pessoa tivesse escrito em francês ou inglês (até escreveu nesta última língua, mas pouco), seria conhecido e venerado no planeta inteiro. Ele deixa na poeira, a meu ver, muitos luminares da literatura francesa ou anglo-americana. Quantos deles parecem realmente minúsculos ao lado do poeta português!

Não só por sua poesia, que é fulgurante, mas também por sua prosa. E dela retiro uma observação acurada sobre dois tipos de sonhos. Vamos passar a palavra a ele diretamente. Diz Pessoa, ou o heterônimo Bernardo Soares, no Livro do Desassossego:

“Tenho mais pena dos que sonham o provável, o legítimo, e o próximo, do que dos que devaneiam sobre o longínquo e o estranho. Os que sonham grandemente, ou são doidos e acreditam no que sonham e são felizes, ou são devaneadores simples, para quem o devaneio é a música da alma, que os embala sem lhes dizer nada. Mas o que sonha o possível tem a possiblidade real da verdadeira desilusão. Não me pode pesar muito o ter deixado de ser imperado romano, mas pode doer-me o nunca ter sequer falado à costureira que, cerca das nove horas, volta sempre à esquina da direita. O sonho que nos promete o impossível já nisso nos priva dele, mas o sonho que nos promete o possível intromete-se com a própria vida e delega nela sua solução. Um vive exclusivo e independente; o outro submisso das contingências do que acontece.”

Maravilhoso, não? A relação ambivalente com o sonho permeia a sua obra, também a poética. Por exemplo, no lindo poema Manhã dos outros!, que sei de cor e cheguei a tentar, quando morava em Washington, traduzir para o inglês para benefício de alguns amigos estrangeiros:

“Manhã dos outros! Ó sol que dás confiança/ Só a quem já confia! / É só à dormente, e
não à morta esperança/ Que acorda o teu dia.”

E aí vem o verso cintilante:

“A quem sonha de dia e sonha de noite, sabendo/ Todo sonho vão, / Mas sonha
sempre, só para sentir-se vivendo/ e a ter coração.
A esses raias sem o dia que trazes, ou somente/ Como alguém que vem/ Pela rua,
invisível ao nosso olhar consciente, / Por não ser-nos ninguém.”

Em inglês, ficou assim o verso central:

“To those that dream by day and dream by night, knowing / that all dreams are vain/
But go on dreaming, just to feel what it´s like to be alive/ And to have a heart”

Falei em “amigos estrangeiros”. Não queria dar pinta de quem explora a poesia para fins espúrios e extrapoéticos. Mas a verdade é que a tentativa de tradução foi para uma namorada estrangeira, linda, linda, mas por desgraça totalmente ignorante da bela língua portuguesa.

Mas volto ao poema. Vê-se, claramente, que a morta esperança não está tão morta assim. E que continua sonhando de dia e de noite, sonhando sempre, mesmo declarando todo sonho vão, por saber que a vida e o coração deixam de existir propriamente sem a capacidade de sonhar.

Já estou resvalando para uma defesa meio ingênua do sonho. Na verdade, o mais interessante, tanto no texto como no poema de Pessoa, é o embate, dentro da mesma alma, entre o impulso de sonhar e a resistência a ele. Ou em outros termos, talvez mais precisos: o conflito entre a vontade de sonhar e a incapacidade de fazê-lo plenamente, com o coração inteiro. A sua obra está eivada de paradoxos ou hesitações desse tipo, sempre muito carregadas de conotações emotivas.

Dou outro exemplo, também retirado do Livro do Desassossego, este do âmbito da política, sobre a dualidade sincero/insincero ou ilusão/realismo prático:

“O governo do mundo começa em nós mesmos. Não são os sinceros que governam o mundo, mas também não são os insinceros. São os que fabricam em si uma sinceridade real por meios artificiais e automáticos; essa sinceridade constitui a sua força, e é ela que irradia para sinceridade menos falsa dos outros. Saber iludir-se bem é a primeira qualidade do estadista. Só aos poetas e aos filósofos compete a visão prática do mundo, porque só a esses é dado não ter ilusões. Ver claro é não agir.”

Raramente encontrei um parágrafo tão brilhante, tão iluminado por paradoxos certeiros! Não são os sinceros nem os insinceros que lideram. A sinceridade do estadista é fabricada e real ao mesmo tempo. E, contrariamente ao senso comum, a visão realista do mundo não é do estadista, mas do poeta e do filósofo, cuja clarividência, entretanto, impede a ação. Enfim, repito, um gênio da nossa raça.

Talvez me esteja perdendo do assunto inicial. Mas nem tanto. Em relação a sonhos, cabe a mesma ambivalência. Os sonhos plausíveis de Bomfim são fonte de equívocos, desastres e decepções. Mas sem eles o que sobra da vida? Ela não se esvazia? Sonhar não pede coragem? E o ceticismo pode ser, no fundo, sintoma de perda de vitalidade. Talvez uma forma de covardia.

E, assim, continuamos. Mesmo sabendo ou proclamando todo sonho vão, vamos sonhando, de dia e de noite, sonhando sempre, para sentirmo-nos vivendo e a ter coração.

 

[Fonte: http://www.terapiapolitica.com.br]

Escrito por Claudio Ferrufino-Coqueugniot
Un texto de Ramón Rocha Monroy más un artículo del Times sobre Fernando Pessoa obligan a una pequeña disquisición.
Sobre las viejas paredes de Lisboa, en stencil, la triste mirada del poeta parece contemplar un mundo que ni imaginó. O tal vez sí, y por eso se ocultó en múltiples seudónimos y heterónimos, para permanecer indomable, fiel a sí mismo, incógnito.
Huyó, más que esconderse, del amor, porque el amor es cálido como las emanaciones del lodo, agradable, tibio en la penumbra, y vergonzante a la luz, cuando se observa la cruda faz de la melancolía.
Vivir solo, atisbando desde el orificio de los ojos la inagotable caducidad del ser, su ánimo esparcido y cansado en arrebatos de poder, de nimia superioridad e insulsos juegos que desembocan en la nada.
Los descendientes de Pessoa, ahora y según el Times, desean subastar la correspondencia -que poseen- del autor portugués con Alistair Crowley, místico, nigromante inglés que ejerció un aura de influencia hasta muy lejos de su tiempo (está en la tapa de Sgt. Pepper). Este negocio, triste fin para unos papeles que rezuman sin duda la efervecencia poética de Pessoa, sus ilusiones, sus dudas, el malentendido y único amor que tuvo (especulo), no tiene el beneplácito del gobierno portugués que considera el objeto patrimonio nacional. Brega entre comerciantes sobre los despojos vivos de un poeta muerto. A eso se reduce la creación y el dolor, a que se toquen las canciones de Jim Morrison en comerciales de autos, a que se subaste entre millonarios la tristeza de un autor recóndito como fuera de quien hablamos.
Pessoa representa aquel deseo del portugués en general de pasar inadvertido (de acuerdo a los que estudian tales fenómenos). Curioso, ya que hablamos de gente que fundó imperios, cuyos estertores finales aún se contemplan en Goa, India, o en el Macao comunista chino. Lo consiguió. Sus letras, famosas hoy porque la fama es como una moda, quizá jamás sean comprendidas, ni siquiera por aquellos que comparten su espacio vital. Pessoa pertenece al reino de los desconocidos, es un maldito tranquilo y penante, penoso también. Si pudiera -porque los espíritus no quedan, no hay alma alguna, ni la de Pessoa- mirar lo que sucede con las frases que tal vez consideró impertinentes, sonreiría.
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[Publicado en Opinión (Cochabamba), julio 2008 – imagen: Fernando Pessoa, por Jacob Porat – reproducido en lecoqenfer.blogspot.com]
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Comentário sobre o livro de Alípio Freire

Hans Hofmann, Combinable Wall I and II, 1961

Escrito por WALNICE NOGUEIRA GALVÃO*

No livro que a editora Expressão Popular anuncia, Alípio Freire arroja-se a inéditas aventuras estéticas, exercitando-se no verso livre de uma sequência de poemas de tamanho variado. Ou, para dizer de outro modo, um poema longo disposto em partes – ciclo, rapsódia ou suíte.

São assim convocados os principais mitos da civilização ocidental, e particularmente os luso-brasileiros, como o título do livro já sugere. Do rebate a contraluz da trajetória de D. Sebastião emana a aura que impregna esta lírica, mesmo quando não trata diretamente do tema. Sem a égide de D. Sebastião, muito ficaria por entender.

Mais que aos brasileiros, este mito pertence aos portugueses, com conhecidos reflexos nestas plagas: a começar pelo topônimo daquela que foi durante séculos a capital do Brasil e é até hoje seu cartão postal, a Mui Heróica e Leal Cidade de São Sebastião do Rio de Janeiro, assim batizada em homenagem àquele que era então o rei. Sem falar nos numerosos afloramentos do sebastianismo, que cá e lá repontaram.

Tudo isso começou em Alcácer-Quibir, em 1578. Pois, ao tombar nessa batalha no norte da África, em que capitaneava uma impensada e anacrônica cruzada contra os mouros, o jovem D. Sebastião não passava dos 24 anos. Seu cadáver nunca foi encontrado, esse desastre mergulhando o país numa catástrofe sem precedentes. Com ele pereceu a fina flor da nobreza cuja idade regulava com a sua. Na falta de herdeiros da linhagem real, Portugal perdeu sua independência, passando à coroa de Espanha. Só em 1640, e a muito custo, recuperaria a autonomia.

Como o rei não morrera oficialmente, mas apenas desaparecera, começou-se imediatamente a tecer o mito de seu regresso. Agora ele era O Encoberto, oculto pelas brumas de que ressurgiria um dia, para reconduzir a nação a um destino triunfal.

Mas a ferida era profunda. Foi assim que nasceu o sebastianismo, deixando marcas indeléveis no corpo social e na literatura lusitana. Falsos D. Sebastião apareceram sucessivamente, arrastando o povo que lhes dava fé e acorria a seu apelo. As famosas Trovas do Bandarra – um sapateiro vidente – foram lidas não como quimeras populares, mas como reatualizações de Nostradamus; e tanto em Bandarra quanto em Nostradamus era possível decifrar indicações da volta do messias. Essa forma peculiarmente luso-brasileira de messianismo – quando, em tempos de crise, o povo incorpora um salvador – resultou em surtos de sebastianismo que dilaceraram a história de Portugal e do Brasil.

De fato, a morte de D. Sebastião encerra, com estrondo, o grande período das navegações e descobrimentos, fase áurea que terminou abruptamente, entrando desde então a nação portuguesa em gradual decadência, da qual não mais se recuperaria. Tanto basta para criar um mito e suas irradiações.

Em Portugal, resultou em alta literatura e inspirou os maiores escritores, desde os presságios funestos de Os Lusíadas até a utopia do Quinto Império do padre Vieira. Este, nascido e crescido sob domínio espanhol, tentou convencer o rei D. João IV de que cabia a Sua Majestade assumir pessoalmente a missão d`O Encoberto. Sinais como esses impregnam a obra de Fernando Pessoa, especialmente Mensagem, quando, no poema “D. Sebastião, rei de Portugal”, atribui a El Rei estas palavras: “… onde o areal está/ Ficou meu ser que houve, não o que há.”. Ao fazer o elogio da loucura, a que se deve o desatino da empreitada e por isso mesmo sua grandeza, termina por notáveis versos: “Sem a loucura que é o homem/ Mais que a besta sadia,/ Cadáver adiado que procria?”

Tal é o vasto pano de fundo histórico e mitológico que alimenta o imaginário destas páginas: as ressonâncias não se resumem ao título, mas se disseminam por todo o ciclo poético. Os dois primeiros poemas, um médio e outro curtíssimo, “Cântico” e “Recomeço de século”, formam um introito e constituem uma incitação à continuidade das vidas e dos processos existenciais.

O cunho central desta rapsódia vem a ser seu alcance universal. O poeta estaca e, a partir de um olhar panorâmico, em gesto inaugural convoca a história do mundo e a trajetória da humanidade. A registrar, a inspiração surrealista, que apreende e transfigura em palavras um material riquíssimo, multicultural, numa meditação sobre nossas origens.

Nota-se de saída o manejo da intertextualidade e o diálogo com a grande tradição literária da “última flor do Lácio”: Fagundes Varela, Oswald de Andrade, Fernando Pessoa, Carlos Drummond de Andrade, Manuel Bandeira, Mário de Andrade e muitos outros, entre os quais Omar Khayam. Mas também pululam as citações pop, provenientes de ditados e frases feitas, ou então pinçadas em canções: “se oriente, rapaz” e “vou navegando, vou temperando”. Sublinham a presença do ready-made, em incrustações das mais diversas procedências, inclusive o latim escolar (“Morituri te salutant”). A fusão entre erudito e popular vinca o discurso, que faz bom uso do coloquial.

Outro registro a ressaltar, e que não poderia ser de somenos neste poeta, é o humor, em várias gradações, que vão do mais deslavado ao mais insidioso. A intromissão do lúdico, do infantil, até do tatibitate, só vem a acentuar o humor. Efeito para o qual concorrem a enumeração caótica e o pendor para a “palavra puxa palavra”, seja por paronomásia seja por afinidade de sentido. A opulência vocabular ganha relevo extraordinário.

Entretanto, o surrealismo talvez seja o filão mais rico em que esta suíte se abebera, aparecendo já saliente em Marco zero, com suas homenagens a Oswald, em Mourarias da Nau Catarineta e em Cordel da senhora rainha dona Tareja. Neste último, diferindo do verso livre predominante na suíte ao utilizar a redondilha maior típica do gênero, o poeta interroga a mãe de D. Afonso Henriques, fundador da nação portuguesa. Este, como se sabe, expulsou o invasor mouro e se desentendeu com a mãe, mandando pô-la a ferros, como dizem os cronistas coevos. O poeta tenta deslindar o enigma do mito – mais um mito luso a compor a matéria literária –, já que a reputação da rainha acolhe várias versões.

Todas essas características fortalecem a Romança da Cadela Dourada, poema extenso que ocupa mais da metade do conjunto. Ali vêm convergir harmoniosamente os elementos que se vinham acumulando: o surrealismo, os jogos vocabulares, as fontes históricas. No jorro incoercível da imaginação, o poema é visionário, profético, sibilino, exemplar de poesia invocatória. Não é casual que as alusões bíblicas sejam tantas.

Nesta instância, as fontes tornam-se ainda mais remotas: não mais as sagas apenas lusitanas, mas sim as orientais, hebraicas, árabes e gregas. O leitor tem sua suspeita atiçada e dirigida pelas notas ao final dos poemas, indicando em que latitudes foram compostos.

Em livro anterior, Estação Paraíso, belo volume dado à luz pela editora Expressão Popular, Alípio Freire recolheu parte de seus poemas, criados ao longo de muitos anos e que, caso raro no país, privilegiam a política.

Escritos em memória de um passado militante, celebram a crônica da resistência à ditadura e os que nela tombaram. Predominam amplos voos líricos, numa dicção a muitos graus de elaboração, que se quer chã e despretensiosa. A exemplo de Das brumas de Alcácer-Quibir, trazem um diálogo aberto com nossa tradição poética, a todo momento irrompendo interpelações a outros vates, que vieram antes e que impressionaram este.

Na arte deste combatente sem esmorecimento não há desencanto, só esperança e propósito de prosseguir na luta, arrostando perdas, ostentando cicatrizes. Seus temas, apesar de tudo, não roubam o brilho ao raio de sol desferido pelo humor, que ilumina com certa frequência o panorama de Estação Paraíso – outro elemento em comum com o presente livro, não poupando o leitor da garra do autor.

No livro anterior ainda se observava uma certa contenção. Agora, o estro rompeu as amarras e alçou voo livre, libérrimo.

No entanto, o credo do poeta, que nunca se desmente, já fora plantado (ou chantado, como se escrevia no tempo de D. Sebastião) num padrão de pedra, nessas páginas que vieram antes. Como ele mesmo bem sabe, ao explicitá-lo no que poderia ser o lema de seu brasão, ainda que brasão proletário por convicção:

Com a memória em 64
os pés em 22
a cabeça em 68
e o coração sem tempo

E não poderia ser mais precisa a formulação. O ano de 1964 efetuou a ruptura de nossos destinos, ao interromper a trajetória democrática brasileira mediante a brutalidade de uma ditadura militar. Em 1968 nossas vidas se definiram perante o AI-5, quando as perspectivas se cerraram tendendo a zero e as trevas tombaram, soando a dobre de finados das esperanças de toda uma geração. Mas a fé na utopia forjou a resistência e teve guarida em posições políticas de confronto, encontrando suporte estético nos ideais libertários e de vanguarda da Semana de Arte Moderna de 1922: façanha de que só é capaz um coração que fique suspenso acima do tempo. Sem isso qualquer sobrevivência seria em vão; é o que diz este poeta, que ora nos empresta sua voz.

*Walnice Nogueira Galvão é professora emérita da FFLCH da USP. Autora, entre outros livros, de Lendo e relendo (Senac/Ouro sobre azul).

 

[Fonte: http://www.aterraeredonda.com.br]