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imatge de condiments alimentaris

El TERMCAT publica una actualització del Glossari de sabors del món, un recull terminològic de 100 termes relatius a productes alimentaris (verdures, fruites, begudes, pans) i elaboracions gastronòmiques (aperitius, plats a base de carn o de peix, salses, dolços i postres) d’arreu del món: productes i elaboracions de la cuina xinesa, japonesa, coreana, índia, armènia, turca, de tot l’Orient Mitjà, del Pròxim Orient, del Magrib, de l’Àfrica occidental o de l’Amèrica Central i del Sud.

El diccionari, fruit de la col·laboració amb el Centre de Normalització Lingüística L’Heura del Consorci per a la Normalització Lingüística, té l’origen en els termes treballats amb motiu de les diverses edicions de la mostra gastronòmica Els sabors del món, que va tenir lloc entre els anys 2012 i 2019 a Santa Coloma de Gramenet i els objectius de la qual eren la promoció del comerç local, la cohesió social i el foment del català com a llengua comuna. Més enllà de la mostra que el va originar, el Glossari de sabors del món continua alimentant-se amb la incorporació de nous termes, ja que està concebut com un projecte obert.

Aquesta actualització incorpora bàsicament noms de verdures i de bolets de la cuina xinesa; per exemple, s’hi han incorporat termes com ara brot de bambúarrel de lotusflammulina i escap d’all. Com a novetat, aquests nous termes presenten l’equivalent en xinès i van acompanyats d’una il·lustració. Cada fitxa conté la denominació en català, equivalents en castellà, francès i anglès, principalment, àrea temàtica, definició i, sovint, notes complementàries.

El Glossari de sabors del món forma part de la col·lecció Diccionaris en Línia del TERMCAT, que ofereix actualment prop de 160 títols dedicats a diversos camps d’especialitat.

 

 

[Foto: CC-BY 4.0 – font: http://www.termcat.cat]

La cantautora veracruzana publicó el primer sencillo de Un canto por México Vol. 2, el proyecto que rescata grandes canciones de la música popular de su país.

Luego del éxito de crítica que cosechó por su álbum Un canto por México Vol. 1, Natalia Lafourcade publicó el primer sencillo que anticipa el lanzamiento del segundo volumen de este proyecto en el que rescata lo más destacado del cancionero popular mexicano.

Cien años es el título de la canción que la cantautora mexicana grabó junto al músico y productor Pepe Aguilar. La canción también tiene su videoclip, con la dirección e ilustraciones de Daniel Barreto y la realización de Juan Pablo López-Fonseca.

Natalia Lafourcade

En el comunicado de prensa del lanzamiento, comparte sus sensaciones al haber trabajado en este álbum: «Ha pasado un buen tiempo desde aquel día en que compartimos con gente maravillosa en el Auditorio Nacional de la ciudad de México», dice la cantante, «un concierto que nació con la intención de recaudar fondos para la reconstrucción del Centro de documentación del son jarocho y que, en un intento por nunca olvidarlo y dejarlo registrado para siempre, nos empujó a grabar las canciones que con detalle y cariño preparamos y entregamos».

Gracias a Un canto por México Vol. 1, Lafourcade obtuvo el Grammy al Mejor Álbum de Música Regional Mexicana y dos Grammy Latino (Mejor Álbum del Año y Mejor Canción de Regional Mexicana).

Un canto por México fue realizado en beneficio de la reconstrucción del Centro de Documentación del son jarocho (música tradicional de la región de Veracruz), que fue gravemente afectado por un terremoto en 2017. Aquel sitio sirve para formar músicos, bailarines y para capacitar en la industria textil, la alfarería, el arte culinario y otros saberes del pueblo veracruzano.

 

 

[Fuente: http://www.zonadeobras.com]

La Romanó Kher, dirigida per Seo Czmich, es vol convertir en la casa de la cultura i la memòria gitana a Barcelona. Treball social i cultural a favor de la cohesió i la convivència.

Escrit per Sònia Pau

La pandèmia no ha permès fer la inauguració oficial del local de la seu, en ple Gòtic, a Barcelona, però les il·lusions de l’equip que hi treballa no s’han enfonsat. Ni molt menys. Romanó Kher (Casa romaní) és un espai d’activisme gitano. En el sentit ampli d’activisme. Volen que hi càpiga activitat d’acompanyament social i cultural. El dirigeix Seo Cizmich i té una dèria: la llengua, és a dir, el romanó o llengua romaní.

Persecució ètnica i cultural, intents de genocidi i polítiques d’assimilació travessen els sis segles de presència del poble gitano a l’Estat espanyol. Per Cizmich, recuperar la llengua romaní és un deute històric i “un procés de reparació”. “L’antigitanisme està molt actiu en tots els camps de la societat, de la política, de l’acadèmia i en la vida quotidiana -constata-. L’antigitanisme ens impedeix avançar i això ha de canviar”.

Acostumat per força a ser vist amb desconfiança i a situacions d’aïllament, la seva idea és que tota activitat que es faci al Romanò Kher serveixi per apropar-hi també les persones no gitanes. I precisa, en un concepte molt extens del que és militància, que fins i tot les famílies del poble gitano que no estan en el teixit associatiu fan militància, perquè viuen la seva forma de vida i és una manera de protegir-se. O sigui, que el dia a dia ho és, de militància.

Fa pedagogia: “El romaní s’ha barrejat amb les llengües dels llocs en els quals hi ha persones gitanes”. A Catalunya existeix el caló, sorgit el contacte del romaní amb les llengües del territori. “El caló deriva del romaní i a hores d’ara no té suficients paraules per establir un diàleg sobre determinats temes”, assegura.

Cobrir les necessitats bàsiques

Hi ha poca gent que parli el romaní. En el cas de Catalunya, explica que el parla sobretot la població migrant i, a més, la majoria no el saben escriure. “Més que de recuperació, m’agrada parlar de reparació i calen els compromisos dels governs”, indica Cizmich, que té el romaní com a llengua materna. És el penúltim fill dels deu fills d’una família croata migrada a Itàlia. Ell va néixer i créixer en un campament gitano de Gènova. Sap de què parla. El primer que reivindica, de fet, és un sistema educatiu en què el jovent gitano s’hi impliqui i també unes polítiques que cobreixen les necessites bàsiques de tothom.

“No crec que hàgim de recuperar el romaní des del pla acadèmic, sinó des del sentiment, des de la gitanitat. La llengua és una causa”, no es cansa d’insistir el director del Romanò Kher.

De moment, hi ha un parell d’eixos engegats: un nou ‘Vocabulari en imatges català-romaní’, editat pels departaments de Cultura i de Treball, Afers Socials i Famílies, i la posada en marxa de classes de romaní. El ‘Vocabulari en imatges català-romaní’ ha estat traduït per persones gitanes de les associacions Rromane SiklovneAssociació de Joves Gitanos de Gràcia i Ternè Roma Action Barcelona. Conté més d’un miler de paraules en les dues llengües associades a una il·lustració. S’estructura per capítols temàtics referits a espais del dia a dia com ara l’habitatge, els aliments o espais exteriors. Al final del llibre hi ha una guia breu de conversa.

El Pla integral del poble gitano, que té en marxa el govern, també impulsa cursos de romaní, que es duen a terme als barris de Sant Cosme (Prat de Llobregat), el Gornal (Hospitalet de Llobregat) i a Gràcia (Barcelona). Al Romanò Kher s’estan enregistrant classes en vídeo i es posaran a disposició de l’alumnat, que també tindrà la possibilitat de comunicar-se amb un professor en directe dos cops per setmana. “Necessitem gent que l’aprengui i llavors aquestes persones seran dinamitzadores en escoles i altres espais”, avança Cizmich.

“Haver de lluitar cada dia contra l’antigitanisme no ens permet treballar altres temes del poble gitano”, insisteix. Alhora, però, està convençut que mantenir viva la seva llengua és una eina més per combatre’l.

 

[Font: http://www.xarxanet.org]

Isela Xospa presentó Conetamalli, libro trilingüe para primeros lectores, inspirado en la gastronomía tradicional

Foto

El ejemplar es publicado por Xospar Tronik. Foto tomada del perfil de Facebook del sello.

Escrito por Alondra Flores Soto

Isela Xospa, escritora e ilustradora nahua, observó el menosprecio por la lengua, los saberes y los alimentos de los pueblos originarios, por lo que decidió dignificar la cultura de los niños con la creación de un personaje que dijera a los primeros lectores que sus historias y lo que comen son importantes, no lo tienen que menospreciar. Así nació un pequeño tamal, con masa, envuelto amorosamente en hojas de maíz.

Acompañada por la lingüista Yásnaya Elena A. Gil, presentó el pasado miércoles el libro Conetamalli: bebé tamal, baby tamale, libro para bebés en edición trilingüe (náhuatl, español e inglés), inspirado en la gastronomía tradicional para contar cómo nacen los bebés tamales. Además de la narrativa, las ilustraciones son un cuarto lenguaje.

Hubo una estrategia orquestada desde el Estado para tener vergüenza y rechazo alrededor de hablar una lengua indígena, vestir de alguna manera, incluso comer, fue parte de la conclusión para crear al Bebé Tamal, refirió Xospa.

Yásnaya Elena A. Gil, quien hizo una versión con la traducción del libro a lengua mixe, señaló que su contenido demuestra que se pueden resignificar los referentes culturales. Mantener la tradición es alimentar el fuego, no conservar las cenizas, citó, por lo que implica poner contextos nuevos.

Estamos hablando de algo tan fundamental y tradicional de la cultura mesoamericana: el tamal, del que hay gran variedad. Pero con una historia que lo inserta en la actualidad, que da una potencia de la ternura, poética y hermosa, sobre el nacimiento de un bebé, una especie de recetario con los pasos de la preparación. También destacó un soporte con dignidad y belleza, de una escritura, como la lengua náhuatl, que fue truncada. Ahora muchas personas son primeros lectores, sin importar la edad.

El libro nació de una experiencia migrante, explicó Isela Xospa durante la charla que se transmitió por Facebook. En 2013, cuando la autora e ilustradora vivía en la ciudad de Nueva York, se enfrentó con cuestionamientos sobre las lenguas originarias de México, preguntándose de dónde venía el desprecio y por qué parece no importar su desaparición.

Originaria de Milpa Alta, alcaldía en el sur de la Ciudad de México, creció con los nombres de las calles y los volcanes en náhuatl, pero ninguno de los niños lo hablaba. Al preguntar a su abuela por algunas palabras, le decía haber olvidado, aunque la veía mantener conversaciones con su abuelo. También creció en la ritualidad de hacer tamales, los festejos y la importancia de la milpa.

Las memorias de Luz Jiménez fueron una revelación para la diseñadora, pues narraba lo que ocurría en 1905, cuando criticaba a quienes vestían y hablaban lenguas indígenas, con esa idea se dejó de enseñar a los niños; seguramente lo que ocurría con la abuela de Isela. Continuó con la política de Vasconcelos, para unificar una nación múltiple y diversa, con muchas lenguas, quisieron volvernos uno solo y hubo castigos.

Con la creación de Ediciones Xospa Tronik, en 2014, desde un proyecto autogestivo propone libros en lengua indígena para enseñar a los niños que vale la pena aprender su lengua, estar orgullosos de ella y resistirse a perderla.

Los primeros que arroparon al bebé tamal fueron niños en Nueva York, de padres migrantes. Algunos ya ni si quiera hablan castellano; en cambio, siguen reconociendo los tamales, que aún preparan en casa para los festejos.

La publicación más reciente es un libro impreso en hojas de cartón robusto, con tintas vegetales y puntas redondeadas, encuadernado de manera artesanal, sin grapas ni hilos. En su interior, se cuenta la historia de estos bebés, con ilustraciones con fuerte estimulación visual de trazos simples, grandes y llamativos. Además, también se creó un juguete de felpa con la forma del tamal, con una mantita para arroparlo, el cual está a la venta por separado. El libro se puede adquirir en la cuenta de Facebook de Xospa Tronik, con envíos nacionales e internacionales.

La autora destacó: Me preocupaban muchos esas representaciones, que tienen que ver incluso con el racismo y la construcción de estereotipos. A muchos niños, por ejemplo, nahuas de Milpa Alta, se nos enseñaba con estereotipos de lo originario, la ridiculización en el acento, en la manera de hablar y una construcción del menosprecio a nuestra cultura.

 

[Fuente: http://www.jornada.com.mx]

Máis de catrocentos cantares en lingua galega constitúen as Cantigas de Santa Maríaunha das obras máis importantes da lírica medieval europea, escritas vai preto de oito séculos baixo o padroado do rei Afonso X. Este conxunto único da cultura medieval chegou a nós en catro códices elaborados nos tempos do propio rei, no s. XIII.

Un dos volumes, o Códice de Toledo, atópase na Biblioteca Nacional de España e pode consultarse no sitio web da institución. Outro permanece na Biblioteca Nacional Central de Florencia (Italia), tamén está dispoñible na Rede. Os outros dous atópanse na Biblioteca de San Lorenzo de El Escorial. Trátase dos chamados Códice dos Músicos e Códice Rico, este último o máis célebre polas súas espléndidas ilustracións.

Estes dous últimos non se atopan abertos ó publico. E é por isto polo que neste ano 2021, no que se conmemora o 800 aniversario do nacemento de Afonso X o Sabio, a Real Academia Galega reclamoulle a Patrimonio Nacional que siga os pasos doutras moitas bibliotecas en materia de difusión dos seus fondos e comparta na Rede os dous códices deste patrimonio cultural da humanidade custodiados no Escorial.

Ilustración das cantigas de Santa María / foto: PD Wikimedia

Edicións antigas ou de luxo

E é que, tal e como a institución daba a coñecer o pasado mércores 24, a RAG contactou o pasado mes de xaneiro con Patrimonio Nacional solicitándolle a posta a disposición pública na rede destes dous importantes códices. “É chegado o momento de que o público interesado, ademais dos e das especialistas, teñan acceso libre a estes códices, a través de reprodución dixital dispoñible en aberto na Web”, expresa a institución nunha declaración.

Pois mentres que o Códice de Toledo e o da Biblioteca Nacional Central de Florencia, están abertos ó público de xeito on-line, estes dous códices presentan bastantes dificultades para a súa consulta. Pois o Códice dos Músicos foi editado na década dos 60 do século pasado en condicións moi precarias e o Códice Rico, foi unicamente obxecto de edicións facsimilares de luxo por parte de editoras privadas, só ó alcance das persoas e das institucións que poden adquirilas a prezos moi elevados.

Na súa resposta, Patrimonio Nacional limitouse a indicar que a dixitalización das obras de Afonso X se contempla na súa programación cultural. Porén a institución indicaba tamén no breve escrito que está a expensas do desenvolvemento da planificación institucional, sen suxerir, por tanto, ningunha data concreta para a súa difusión.

De feito, nos anos 2003 e 2008 o códice de Toledo da Biblioteca Nacional foi levado ó prelo por parte do Consello da Cultura Galega, publicándose este último na súa web. “É hora de que Patrimonio Nacional de España faga o mesmo co Códice dos Músicos e co Códice Rico das Cantigas de Santa María de Afonso o Sabio. Débello á cultura galega, á cultura hispánica, á cultura europea e á cultura universal”, conclúen dende a RAG.

Detalle do Códice Rico da biblioteca do Escorial / foto: Real Academia Galega

 

[Fonte: http://www.historiadegalicia.gal]

Parlem amb Pere Rovira i Andreu Jaume sobre la vigència de l’autor de ‘Les flors del mal’.

 

Charles Baudelaire el 1861

Escrit per Gerard E. Mur

Poeta sublim, crític amb vocació estètica, explorador incansable de les transformacions urbanes, provocador visionari, referent fonamental dels aspirants a enfant terrible i artista elementalment melancòlic, encaboriat; Charles Baudelaire va reunir en un sol cos —i una sola ànima— totes les actituds definidores de la modernitat. La plenitud conceptual de l’autor d’Els paradisos artificials és fonda i exuberant; estudiada minuciosament fins als nostres dies. Avui, Baudelaire és, encara, plenament contemporani. El poeta ocupa la primera casella del nostre temps modern. Enguany se’n celebra el bicentenari del naixement i la seva obra vivifica en reedicions, noves traduccions, cursos i tota mena de moviments commemoratius. A Catalunya, dos episodis importants de la celebració són la nova traducció de Les flors del mal (versió de Pere Rovira) i un curs de l’Institut d’Humanitats de Barcelona (coordinat per Andreu Jaume), que analitza el poeta des del present.

Diu Pere Rovira, traductor i poeta, que de necessitat de traduir, novament, els clàssics “sempre n’hi ha, cal revisar-los. Les traduccions necessiten, de tant en tant, tornar-se a fer”. De versions en català de Les flors del mal en teníem un grapat, completes i parcials; de Joan Capdevila, Xavier Benguerel o Jordi Llovet, l’última. Rovira destaca la “bona traducció” de Benguerel, publicada el 1985. “Sempre m’ha semblat una traducció interessant, però jo volia fer la meva, des de la noció de la poesia i del llenguatge que pugui tenir un poeta d’ara”.

Precisament, l’inconvenient que subratlla el traductor de la feina de Benguerel és que aquest no era poeta: “Va ser el primer traductor que es va plantejar fer Les flors del mal completes. I les va fer amb vers i amb rima, la qual cosa és molt meritòria. Si hagués de posar alguna pega, però, seria que Benguerel no era poeta. Malgrat que la traducció és bona, se li podia demanar una mica més per aquí. És un precedent que s’ha de tenir en compte, però”. Les flors del mal que Rovira publica ara, completes, a Proa (amb il·lustracions de Juan Vida) no són els primers treballs del poeta amb Baudelaire. Fa uns anys, Rovira ja va traduir vint-i-cinc ‘flors’; en aquella ocasió, però, el traspàs el va fer en rima assonant i ara el llibre sona en “rima consonant i mètrica estricta, que és com crec que s’han de traduir aquests poemes”.

La versió de Les flors del mal que ha fet Rovira s’ajusta al que Baudelaire volia que fos l’obra. “Sobre les versions completes de Les flors del mal hi hauria molt a dir. Sota el pretext de fer una versió completa, moltes edicions han incorporat coses que ell no volia que hi fossin”. Oferir una versió fidel de l’obra, diu Rovira, és “una cosa molt senzilla; només cal llegir el que Baudelaire va proposar, el que desitjava”. Benguerel i Llovet, per exemple, van fallar en aquest aspecte. Les seves versions inclouen Les despulles, un llibre independent que moltes edicions col·loquen al tancament de Les flors del mal. “Baudelaire va deixar ben clar que no volia que cap poema de Les despulles formés part de Les flors del mal i moltes edicions completes incompleixen aquest desig. És un defecte no s’hauria de reproduir. Quan s’edita un clàssic s’ha de ser fidel als designis de l’autor”.

Pere Rovira: “La meva intenció era fer una traducció en la qual es poguessin llegir els poemes sense pensar que eren peces traduïdes; havien de funcionar en català”

La confusió, diu Rovira, es pot deure a l’edició pòstuma que van fer els amics del poeta; amics que van sumar a Les flors del mal molts poemes que Baudelaire no hauria volgut que hi fossin. “Els grans editors, afortunadament, se n’han adonat i no han integrat Les despulles al llibre o han deixat molt clar que és tota una altra cosa”. L’edició de La Pléiade o la clàssica de Jacques Crépet i Georges Blin són òptimes. Rovira també creu que pot haver-hi hagut un problema de lectura: “Cada època entén els clàssics a la seva manera. Cervantes, Shakespeare o Carner han estat reinterpretats i cada època els ha entès d’una manera”. En qualsevol cas, Les despulles no s’han de cordar a Les flors del mal.

Rovira explica que ha treballat l’obra “amb molta paciència”. “He traduït per gust; no era cap encàrrec, no tenia pressa; he anat fent al meu aire, molt meticulosament; m’he pogut passar una tarda per trobar una paraula. La meva intenció era fer una traducció en la qual es poguessin llegir els poemes sense pensar que eren peces traduïdes; havien de funcionar en català. Aquest propòsit requereix el seu temps d’elaboració”. “La traducció”, diu, “ha coincidit amb l’efemèride; era un bon gest fer-la sortir ara”. “Sempre he estat un fervent partidari de Baudelaire. Sempre he pensat que un dia o altre traduiria el llibre”, afegeix.

Baudelaire

El poeta retratat per Gustave Courbet el 1848.

Al text de presentació de la traducció, Rovira escriu que a la seva edat —una edat “provecta”— Baudelaire “encara” li diu coses. “Tinc 73 anys i arriba un moment en què vas llegint cosetes que no et diuen res. Les poesies de Baudelaire són sempre colpidores, impactants. És un poeta que és artista, toca l’instrument com vol. Diu coses que, al seu temps, no s’havien dit mai. Ningú les havia dit mai. Només cal llegir La cabellera, Una carronya o Les velletes. I aquestes coses que no s’havien dit mai les diu a partir dels motlles del gran vers clàssic francès; té aquesta gran qualitat. Baudelaire no renuncia a les formes clàssiques. Diu coses revolucionàries amb motlles absolutament clàssics. És un poeta refinat, aspira a la perfecció estètica. Després d’ell hi haurà gent que voldrà trencar coses, però potser no en trencarà tantes”.

D’existir avergonyides, com ombres arrugades,
us arrambeu els murs amb por i posat d’intrús;
i ningú no us saluda, estranyes oblidades!
parracs d’humanitat per l’altre món madurs!

Fragment de Les velletes

A continuació de la presentació —minuciosa, ben nodrida—, Rovira inclou una secció on aplega opinions de Baudelaire sobre Les flors del mal. N’hi ha una que destaca. El 1966, un any abans de la seva mort, el poeta escriu el següent a la mare: “No conec res més comprometedor que els imitadors i res no m’agrada tant com estar sol. Però ja no és possible; sembla que ‘l’escola Baudelaire’ existeix”. “Li faltava poc per caure malalt. En aquell moment, Baudelaire ja tenia admiradors joves. Verlaine era un dels més fervents, però al poeta ja no necessitava que els joves l’afalaguessin. Està dient la veritat. Ja era tard, crec”, apunta Rovira. “A l’enterrament, de fet, l’únic poeta que es va poder veure va ser Verlaine, el gran continuador de Baudelaire, juntament amb Rimbaud”.

Rovira recorda que sovint s’ha presentat Baudelaire com un personatge “retrògrad, intractable”. La dimensió política del poeta, però, cal matisar-la: “De jove va participar en les revoltes de París; podríem dir que va tenir una actitud d’esquerres, però de mica en mica va evolucionar cap a un pensament conservador, tot i que el nostre llenguatge no sé si funciona aplicat al temps de Baudelaire. El cas és que, des del punt de vista polític, es va tornar un home més aviat reaccionari; això, és clar, no es replica en la faceta poètica, que és el que ens importa realment”. “De vegades”, continua, “les opinions de Baudelaire són fruit d’un esperit de provocació. Va llegir pensadors antimoderns, com ara Joseph de Maistre [representant del tradicionalisme]. Ell, el gran modern, s’oposava a moltes coses de la modernitat. No era partidari, per exemple, de la fotografia. I ha estat un dels poetes més fotografiats. Amb Baudelaire no es pot dir blanc o negre; t’has de situar en la contradicció. És d’esquerres? Sí, però no. Aquesta contradicció ens permet entendre’l millor”. Rovira, per cert, també va editar i traduir, el 2018, els quaderns íntims de Baudelaire, recollits a El meu cor despullat (Proa). El seu últim poemari és El joc de Venus, editat també per Proa aquest any.

Andreu Jaume: “El món que Baudelaire va començar a cartografiar ha arribat ara a la seva consumació; moltes de les coses que ell va veure ja estan plenament desenvolupades”

Hem dit que un dels altres moviments commemoratius del bicentenari és el curs que l’Institut d’Humanitats de Barcelona dedica al poeta. L’editor Andreu Jaume, coordinador de la formació, diu que es vol “reivindicar el llegat i la vigència de Baudelaire; es farà un repàs de tota la vida i l’obra, no només del poeta; també subratllem la importància del Baudelaire prosista, el crític literari i el crític d’art, una faceta menys coneguda, però molt important en la seva obra”. Per a Jaume, és fonamental “donar a entendre que al segle XXI segueix sent un autor molt important; Baudelaire ens dona les claus per entendre la modernitat; el món que ell va començar a cartografiar ha arribat ara a la seva consumació; moltes de les coses que ell va veure ja estan plenament desenvolupades; coses com ara la massificació, el domini hegemònic de la publicitat o la conversió del flâneur, que avui és l’internauta”.

Baudelaire, crític d’art: “Abans de començar a publicar poesia, Baudelaire va fer de crític d’art als salons de l’època, que era on s’exhibia la pintura convencional per una banda i on, de l’altra, també es començaven a exposar els pintors no tan convencionals, com ara Delacroix, que va merèixer l’atenció de Baudelaire quan encara era un pintor refusat per la burgesia. Més endavant, el poeta va centrar-se en pintors més revolucionaris com ara Constantin Guys, artista avui oblidat, però considerat per Baudelaire el pintor de la vida moderna; o Manet, el gran pintor revolucionari de l’època. Més enllà d’això, però, Baudelaire, com a crític d’art, com a persona que s’enfronta als tòpics del gust del segle XVIII, va ser un precursor de l’avantguarda, de l’avantguarda crítica”.

Ha envellit bé el poeta? “No ha envellit ell, de fet; hem envellit nosaltres. Baudelaire ha tingut una influència tremenda en la poesia moderna, una influència que gairebé costa destriar. Tota la poesia urbana moderna, que és gairebé tota la poesia del segle XX, incorpora la influència del poeta. Eliot, Auden, Larkin, Ashbery, Stevens, Carner, Ferrater o Gil de Biedma; qualsevol gran poeta del segle XX ha rebut la influència directa o indirecta de Baudelaire, a través de Les flors del mal o dels Petits poemes en prosa, o a través també dels seus deixebles immediats com Verlaine o Rimbaud. Una primera lectura de Baudelaire pot fer la sensació que és un poeta superat o envellit, que no té res a dir, però no és així; de seguida es detecta el seu atreviment. Com inclou, per exemple, paraules noves, llenguatge periodístic, tan inusual en la poesia de la seva època. I es detecta també la seva pupil·la, com registra l’ecosistema de la ciutat. La seva influència la tenim molt incorporada”.

Finalment, cal destacar encara noves traduccions que circulen en aquesta primavera baudelairiana. Adesiara acaba de publicar una nova versió de les proses poètiques del nostre home. Els textos de Petits poemes en prosa han estat traduïts per Joaquim Sala-Sanahuja, que en un text introductori repassa la influència de Poe en el poeta (“Poe tindrà […] una presència determinant en l’escriptura de Baudelaire, la llengua del qual, per començar, és un francès renovat, trasbalsat en molts aspectes per aquest contacte. No tan sols hi abunden les anglicismes, sinó també unes estructures, una argumentació i uns registres més lliures que s’adiuen amb el nou estil de Poe”), la seva faceta de flâneur (“el flâneur entra a la literatura amb Baudelaire, però és més aviat una figura real del moment, un corol·lari de la ciutat moderna. Va a la percaça de tot allò que el pugui fer somniar, exaltar”) i la relació de la literatura catalana amb l’autor de Pauvre Belgique: “Baudelaire ha tingut una presència constant i molt influent en la literatura catalana des de fa gairebé un segle i mig. Sembla com si hi hagués una llei secreta que ens obliga, als catalans, a traduir i retraduir Baudelaire”. Flâneur publicarà pròximament L’Spleen de París, traduït per David Cuscó. I en castellà, Nórdica ha reeditat la versió de Las flores del mal de Carmen Morales i Claude Dubois, amb il·lustracions de Louis Joos.

 

[Font: http://www.nuvol.com]

Un libro negro, rodeado de oscuridad, en el que Ricardo Chávez nos habla de la muerte, de la muerte de los niños y de la crueldad humana, de maltrato infantil, un relato insinuante que toma fuerza con las ilustraciones en blanco y negro de Alejandro Magallanes.



El libro de la negación
/ Ricardo Chávez Castañeda; Alejandro Magallanes. Ediciones El Naranjo.

En el relato, destinado a público juvenil, se va desvelando poco a poco una realidad sobrecogedora de la mano de un niño, que se convierte sin proponérselo en testigo de un libro que está escribiendo su padre. Curioseando entre los escritos de su padre tendrá que enfrentarse a terrores más peligrosos y reales que los relatos de monstruos y vampiros que tanto le gustan.

SINOPSIS

Hay historias tan terribles que quisiéramos que nunca se contaran, pero sobre todo desearíamos que no hubieran sucedido para que no fueran historias. Esta es una de esas historias. Se narra aquí para que no se repita, para conjurar los hechos del pasado que se reproducen en el presente de muchas personas; para que los niños estén a salvo de la violencia de este mundo, del mundo que han creado los adultos.

Ricardo Chávez Castañeda (México, 1961- ) es licenciado en Psicología por la UNAM y es integrante del movimiento literario mexicano La generación del crack. Ha publicado numerosos libros que le han hecho merecedor de diversos premios y reconocimientos.

Otros libros del autor en la biblioteca:

Ladrón de niños y otros cuentos [ebook]

Crack: instrucciones de uso


Georgia [ebook]

Alejandro Magallanes (México, 1971- ) es graduado en Artes plásticas por la UNAM, autor, ilustrador y diseñador gráfico. La versatilidad de su obra tanto gráfica como literaria le han hecho merecedor de premios en diversos países. https://www.instagram.com/magallanes71/

Otros libros del autor en la biblioteca:

Acertijero

Palondrimero

 

 

[Fuente: http://www.americat.barcelona]

Catedral de Tui / foto: xunta.gal

O concelleiro de Turismo, Laureano Alonso, a historiadora Sara Quintana e o ilustrador Xosé Tomás foron os responsables da presentación o pasado mércores das novas rutas para coñecer o Tui máis oculto. Trátase de tres rutas, polo Tui xudeu, o Tui de Dona Urraca e o centro histórico en xeral. Tres rutas para coñecer a riqueza dun dos máis importantes conxuntos históricos de Galicia.

Tui aposta así por un turismo activo e ó aire libre en tempos de pandemia desenvolvido a través de material gráfico e de novas guías. Estas “están pensadas para ser autoguiadas descubrindo os recunchos do conxunto histórico”, tal e como afirmaba o concelleiro de Turismo, Laureano Alonso.

As tres novas rutas propostas son “O tesouro de Salomón”, “O túnel de dona Urraca”, e unha ruta máis xeral guiada a través dun mapa da vila. Coma novidade na guía vanse facendo preguntas que o visitante ten que ir descubrindo e que “permiten coñecer un Tui distinto”.

Presentación do novo material turístico para as dúas rutas de Tui / foto: Concello de Tui

“O tesouro de Salomón” e “O túnel de dona Urraca”

“O tesouro de Salomón”, vinculado á ruta xudía, cunha duración de 120 minutos, está guiado por Francisco Sánchez, “quizais o persoeiro máis importante da historia de Tui”, segundo o Concelleiro. A ruta de “O túnel de dona Urraca”, cunha duración de 75 minutos “está plantexada cun percorrido polo conxunto histórico entorno á Catedral”.

A elección dos dous personaxes que guían as rutas, Francisco Sánchez e Dona Urraca, segundo se explicou, obedece a que “Francisco Sánchez é un personaxe moi destacado da historia de Tui e da historia mundial, e Dona Urraca tamén, e válennos para falar doutras partes da historia máis transversal coma a independencia de Portugal e o papel que tivo Tui”.

Estas novas guías estarán publicadas en galego e castelán, contan con deseño e ilustración de Xosé Tomás e guión da historiadora Sara Quintana. As guías poden atoparse na Oficina Municipal de Turismo, cunha tirada de ata 5.000 exemplares e tamén se poden descargar na web municipal.

Para o ilustrador Xosé Tomás, “foi un traballo moi agradecido pola enorme sintonía que tivemos á hora de plasmalo” que contou “cun diálogo moi bonito a nivel creativo”. Un traballo con dúas lecturas, unha primeira da lectura da visita, e unha segunda máis a fondo co material xa na casa.  Un traballo que persegue pór a historia de Tui á dispor dos nenos e do público en xeral.

 

[Fonte: http://www.historiadegalicia.gal]

« Seguimos máis preto de Venezuela, México ou Arxentina », opina o escritor, que volveu a publicar ‘Venecia de Casanova’

Félix de Azúa.

-Lord Byron afirmou que Sintra era máis bela que Venecia ¿esaxeraba?

-Facíao sempre. A frase non ten sentido. É como comparar mazás e bolígrafos.

-¿Cando pode converterse a decadencia nun fermoso espectáculo?

-Nunca. A decadencia é sempre espantosa para quen a viven. Desde fóra podemos convertela nunha ridícula película de Visconti, a propósito de que eliminamos toda a dor, é dicir, que mentimos.

-Á luz do politicamente correcto, ¿faise Casanova un personaxe insoportable?

-Para os politicamente correctos calquera persoa libre é insoportable. Non toleran aos individuos, senón tan só aos militantes emboubados. Sen dúbida descabezarían a Casanova, ou peor, cortarían máis abaixo.

-¿Venecia é a proba de que as cidades, como as persoas, poden transformarse en fantasmas?

-Si, claro, aí ten vostede o caso de Barcelona. Pero non é o que sucede con Venecia, non se converteu nun fantasma senón en algo moito peor, nun ancián que se empeña en bailar o rock ante unha chea de aburridas raparigas.

-¿Decepcionan máis as cidades ou as persoas?

-Nin as unhas nin as outras. Só decepcionan as figuras do espectáculo público, como as da partitocracia. Os vendedores de esperanza que ao final só buscaban encherse os petos.

-Barón Curvo, Lord Byron, Casanova, Morand, Mauricio Wiesenthal… ¿De cando en cando convoca Venecia xente normal?

-¡Home, por Deus! Todos estes son xente normal e aínda se deixou a Ruskin e a Proust, por exemplo. Son normais, pero teñen unha esquina da alma máis afiada que os demais e diseccionan con maior exactitude.

-Nunha das súas últimas columnas mostrábase politicamente desenganado. No trinta anos transcorridos desde a primeira edición deste libro ¿Cal foi o desengano maior?

-Houbo un momento, a finais do oitenta, en que estaba persuadido de que España ía formar parte, por fin, de Europa. Era unha miraxe. Seguimos máis preto de Venezuela, México ou Arxentina, países estupendos, pero nos que non me gustaría vivir. Os seus dirixentes son xente malévola.

 

[Imaxe: EFe – fonte: http://www.farodevigo.es]

Foto

El refranyer eivissenc d’Antoni Juan Bonet ha estat recollit i comentat per Víctor Pàmies, lingüista especialitzat en paremiologia, i Isidor Marí, professor i estudiós de la cultura popular eivissenca. La publicació facilita la recuperació dels refranys aplegats per Antoni Juan Bonet el 1937 i publicats a la revista Ibiza entre 1944 i 1957 i els presenta al públic ara acompanyats de les il·lustracions d’Antoni Marí Tirurit i organitzats per temàtiques: sobre comportaments socials, relacions de família i de parella, l’edat, observacions morals, etc.

En aquest treball, s’especifica el sentit amb què es fa servir cadascun dels refranys, no sempre fàcil d’interpretar —com és el cas de “Gaiato i senaieta, i viure esquena dreta” o “Anar per llana i tornar tos”. L’obra, a més, dona llum a la figura d’Antoni Juan Bonet (1864-1951) de qui, fins ara, se’n coneixien escasses referències biogràfiques. Especialment, recull l’activitat pública d’aquest personatge que arribà a ocupar una posició destacada en l’àmbit social, polític i econòmic de l’illa.

Títol: El refranyer eivissenc d’Antoni Juan Bonet
Autor: Isidor Marí i Víctor Pàmies
Editorial: Institut d’Estudis Eivissencs
Pàgines: 183
ISBN: 978-8487455773

[Font: http://www.racocatala.cat]

Co seu traballo para o libro «Sete chaves para abrir os soños» opta ao premio do certame eslovaco

A visión de David Pintor do ilustrador Tomi Ungerer.

David Pintor é un dos quince ilustradores españoles -e o único galego- seleccionado pola Bienal Internacional de Bratislava na súa edición deste ano. Pintor participa coas ilustracións do libro Sete chaves para abrir vos soños (Kalandraka), unha reivindicación da caricatura na literatura infantil e xuvenil e polas que opta ao gran premio do certame. O ilustrador explora as posibilidades expresivas da caricatura a partir de figuras como Astrid Lindgren, Roald Dahl, Gloria Fuertes e Gianni Rodari, entre outros. «Foi unha oportunidade de renderlle unha especial homenaxe a xente da que me considero eternamente agradecido como autor e como lector», explica Pintor, quen sinala a Lindgren -«un dos meus soños como ilustrador é o de poder, algún día ilustrar as aventuras de Pippi»- e Fuertes -«grazas á miña filla estou redescubríndoa como un dos cumios da literatura infantil e xuvenil española»- como exemplos do seu atractivo literario.

Esta é a sexta vez que a Bienal de Bratislava selecciona o traballo de David Pintor. En outubro as ilustracións veranse na capital eslovaca e o xurado resolverá o seu galardón. «Gañar estes premios sería unha alegría inmensa pero hai que ser realistas e saber que hai traballos boísimos en todo o mundo, e que o nivel da ilustración infantil é enorme», di Pintor. «De tódolos xeitos, as ilustracións estarán no catálogo oficial da Bienal, e iso sempre ten importancia de cara a que o teu traballo sexa visto por editoras de todo o mundo», engade.

 

[Imaxe: DAVID PINTOR – fonte: http://www.lavozdegalicia.es]

Obra de arte por Tsista Kennedy y reproducida [1] con permiso

Escrito por Eduardo Avila – traducido por Marta Capua

El arte del estilo Woodland [2] puede caracterizarse por sus figuras coloridas, sus líneas oscuras y, como lo describe un estudio de arte de Columbia Británica [3], como “arte nativo que mezcla leyendas y mitos tradicionales con medios contemporáneos”. Es un estilo que ha emprendido Tsista Kennedy, artista de 19 años de las naciones anishnaabe y onyota’aka de London, Ontario, Canadá, en el que ha dejado una marca distintiva al incorporar lo tradicional y lo moderno. El trabajo del artista puede verse en murales [4] en centros de salud locales, en galerías [5] y como logo de la Asociación de Amigos de Indígenas [6], empresa social dedicada a cómo la tecnología puede apoyar a las comunidades indígenas.

Este género artístico suele atribuirse a Norval Morisseau [7], artista ojibwa de las naciones originarias del norte de Ontario, que lo desarrolló a mediados del siglo XX. Muchos artistas ponen su propia marca e interpretación al estilo. Kennedy afirma la importancia que el arte ha tenido en su vida: “Mi obra de arte es un reflejo de mi perspectiva como joven indígena y padre que navega por entornos y formas de vida coloniales y tradicionales”. Es una historia que cuenta en un audio publicando en YouTube sobre “cómo crecer como niño indígena de pelo largo” [8].

En una entrevista por correo electrónico con Rising Voices, Kennedy cuenta su enfoque de su arte.

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Rising Voices (RV): ¿Cuál es tu enfoque al incorporar elementos de medios digitales y tecnología a tu trabajo artístico? ¿Cuál ese el mensaje que quieres dar al combinar esos elementos?

Tsista Kennedy (TK):  Eso no existía hasta que me contrató la Asociación Amigos de Indígenas [6] (IFA). Antes de unirme al increíble equipo de IFA como ilustrador, mi trabajo artístico se limitaba a utilizar fuentes de inspiración del momento y apenas incluía conceptos de “futurismo indígena”.

A medida que entendía mejor la misión y la visión de la asociación, pude integrar ambas en mi propia perspectiva artística, mis ilustraciones para ellos se convirtieron en un sentimiento más natural y genuino. Inspirar y apoyar la imaginación de las comunidades indígenas para que creen y mantengan su tecnología digital para fomentar su autonomía. Cuando pude aplicar esta misión a mi propia vida y al futuro que quiero para mis hijos, nietos, etc., sentí como si un interruptor se hubiera activado en mis pensamientos.

Ya no me limitaba a este proceso creativo binario de crear obras de arte. No estaba simplemente retrayendo acontecimientos del pasado o actuales; me habían dado una llave que había abierto la puerta para la exploración de conceptos futurísticos indígenas dentro de mi propia mente, a más conceptos imaginarios en general. Gracias a esta nueva puerta, la incorporación de medios digitales y elementos tecnológicos resultó tan fácil como aplicar mis conceptos pasados de tradicionalismos y modernismos. La facilidad para hacerlo fue simplemente una cuestión de familiarizarse con el concepto.

¡Qué bueno! Estamos en la etapa final del desarrollo de nuestra aplicación y queremos compartir unas cuantas ilustraciones que aparecerán en ella. ¡Esta es nuestra pantalla de error! Esperamos que no la veas mucho, pero que te haga reír cuando la veas. 🥵😌 Arte de Tsista Kennedy.

RV: ¿Qué consejo daría a quienes deseen explorar cómo la imaginería y arte tradicional indígena pueden combinarse con las tecnologías digitales e internet?

TK: Cuando me esforzaba por mezclar esos elementos, mi supervisora de IFA me dijo algo muy poderoso para ayudarme. “Puede ser tan sencillo como darse cuenta de que hay pueblos indígenas en el futuro”, es lo que me dijo. Cuando nuestros antepasados se encontraron con la amenaza de genocidio de los colonizadores, pensaron en las indígenas del futuro: salvaguardaron sus ceremonias, la sabiduría popular, los idiomas y los objetos sagrados. Nosotros somos los indígenas del futuro, es gracias a ellos que podemos tener todo esto hoy en día.

Mi consejo para quienes deseen explorar este concepto de “futurismo indígenas” o más específicamente, la imaginería popular con las tecnologías digitales, es que se pregunten:

“¿Qué estás haciendo hoy que mejorará la vida de tus bisnietos?”.

Al crecer como nativo en la ciudad, no tuve mi cultura a mi alrededor todo el tiempo como nutrición espiritual. Cuando presenté mi cultura, no había un margen entre mi vida que navegaba por la educación colonial y que estaba en una cabaña durante las ceremonias. O bien estaba en una escuela pública preocupado por las tareas, o bien en un entorno ceremonial, recibiendo enseñanzas y viviendo el momento. Siento que estas circunstancias me condicionaron para no pensar nunca en combinar las tecnologías digitales con nuestra cultura o el avance y sanación comunal sin la ayuda de IFA.

¡Los estampados “Pequeño Yoda Woodland” vuelven a pedido del público! He retocado el anterior que hice el año pasado, y me encanta cómo ha mejorado. Este tiraje ilimitado estará disponible para pedidos del 25 de diciembre al 1 de enero.

Si te gusta o conoces a alguien que le guste, considera regalarle o regalarte un regalo de Navidad tardío. Más detalles a continuación.

RV: ¿Cuál ha sido el impacto o la recepción de algunas de tus obras que combinan imaginería y tecnología o algunas de tus obras de cultura popular como la pieza Pequeño Yoda/The Mandalorian?

TK: Mis piezas que muestran la cultura popular a través del estilo Woodland suelen recibir bastante aprecio de otros indígenas. Mi bebé Yoda en una cuna de madera con The Mandalorian ganó gran popularidad, aparentemente de la noche a la mañana. La pieza “Bepsi [12]“, que creé a principios de este año, suscitó la misma reacción.

Una observación constante a lo largo de los dos últimos años de mi carrera artística es que a los indígenas nos encanta ver el mundo que nos rodea indigenizado; nos nutre de un sentimiento de esperanza y pertenencia. Nos recuerda, como pueblos indígenas, que todavía estamos aquí y que siempre estaremos.

Mi don de crear obras de arte sirve de megáfono visual para el mundo, y por este medio puedo tomar conceptos no indígenas familiarizados y convertirlos en indígenas. Espero que con esto inspire a los jóvenes indígenas a hacer lo mismo y que descubran, exploren y utilicen sus propios dones de una manera creativa y que invite a la reflexión.

Artículo publicado en Global Voices en Españolhttps://es.globalvoices.org

URL del artículo: https://es.globalvoices.org/2021/02/02/artistas-de-primeras-naciones-exploran-futurismo-indigena-en-su-obra-de-estilo-woodland/

URLs en este posteo:

[1] reproducida: https://www.facebook.com/tehatsistahawi/photos/1223015231383425/

[2] Woodland: https://en.wikipedia.org/wiki/Woodlands_style

[3] estudio de arte de Columbia Británica: https://cedarhilllonghouse.ca/blogs/what-is-woodland-art/

[4] murales: https://www.instagram.com/p/CHSxg2AlF_J/

[5] galerías: https://www.instagram.com/p/B11JIFBJh-p/

[6] Asociación de Amigos de Indígenas: https://www.indigenousfriends.org/

[7] Norval Morisseau: https://en.wikipedia.org/wiki/Norval_Morrisseau

[8] “cómo crecer como niño indígena de pelo largo”: https://www.youtube.com/watch?v=Wlv36hrs-7Q&feature=youtu.be&ab_channel=TsistaKennedy

[9] Una publicación compartida de Indigenous Friends (@indigenousfriends): https://www.instagram.com/p/CCeKLueAjUk/?utm_source=ig_embed&utm_campaign=loading

[10] Una publicación compartida de Indigenous Friends (@indigenousfriends): https://www.instagram.com/p/CGTTxQjFl5a/?utm_source=ig_embed&utm_campaign=loading

[11] Una publicación compartida de Tehatsistahawi Kennedy (@tsista.kennedy): https://www.instagram.com/p/CJCLCLDlYnh/?utm_source=ig_embed&utm_campaign=loading

[12] Bepsi: https://www.instagram.com/p/B-nFBgenqb6/

El escritor y periodista tuvo la virtud de llevar el arrabal porteño al centro de la ciudad a través de sus crónicas y de hacer pública la disputa de los grupos literarios de Boedo y Florida desde las páginas del diario Crítica.

Nacido en el barrio de Once, el escritor pasó parte de su infancia caminando y leyendo entre los árboles de plaza Miserere.

Nacido en el barrio de Once, el escritor pasó parte de su infancia caminando y leyendo entre los árboles de plaza Miserere.

Escritor y renovador del estilo periodístico argentino, integrante de la bohemia porteña de su tiempo, Enrique González Tuñón tuvo la virtud de llevar el arrabal porteño al centro de la ciudad a través de sus crónicas y de hacer pública la disputa de los grupos literarios de Boedo y Florida desde las páginas del diario Crítica, en una Buenos Aires donde había nacido 120 años atrás, un 10 de marzo.

Creados en Argentina por influencia europea, los grupos de Florida y Boedo formaron parte de la escena literaria argentina de vanguardia y quedaron como emblema de las disputas ideológicas y estilísticas que subyacían en ambos sectores. Con una ideología más conservadora, pertenecían al primero Jorge Luis Borges, Victoria Ocampo y Leopoldo Marechal, entre otros, y tenían como centro de reunión la revista Martín Fierro. Mientras que el grupo de Boedo, integrado por Leónidas Barletta, Roberto Arlt, Álvaro Yunque y César Tiempo, representaba una obra relacionada a temáticas sociales, obreras y políticas desde una perspectiva socialista o de izquierda.

González Tuñón participó junto a su hermano, Raúl, de estos grupos, colaboró para las revistas Martín Fierro y Proa, y en 1924, adhirió al movimiento de Florida, colaborando en el legendario periódico Martín Fierro, en la revista Proa, de Ricardo Güiraldes. Allí publicó el escritor sus notables imágenes de « Brújula de Bolsillo », y en el periódico, sus epitafios fueron los más mordaces durante la guerrilla literaria.

Esas disputas, que se dirimían en las revistas que publicaban ambos grupos de artistas, fueron dadas a conocer por González Tuñón en columnas del diario Crítica, donde compartió horas de trabajo junto a Roberto Arlt.

En las páginas de ese diario, entre junio de 1925 y agosto de 1931, el escritor también dio cuenta de textos que luego reuniría en su primer libro y que se publicó bajo el nombre de « Tangos » (1926).

González Tuñón tomaba cada semana la letra de un tango como motivo inspirador y dando rienda suelta a su imaginación escribía un cuento acerca de la historia que encerraba la letra de un tango de popularidad en ese momento, que iba acompañado por una ilustración.

No obstante, su obra más lograda fue seguramente « Camas desde un peso » (1932), una pieza intergénero entre la novela y el cuento integrada por una serie de relatos, dostoievskiana y poética, galería de retratos del submundo miserable de Buenos Aires, donde cinco hombres de dudosa estampa comparten una habitación en un lugar llamado « El puchero misterioso ».

« El alma de las cosas inanimadas » (1927) y « La rueda del molino mal pintado » (1928) son algunas de las viñetas publicadas en diarios.

« Apología del hombre santo » (1930) es un homenaje a la memoria de Ricardo Güiraldes. « El Tirano » (1932), subtitulada « novela sudamericana de honestas costumbres y justas liberalidades », es una sátira a la dictadura de Uriburu. Sus últimos libros, recopilación de su trabajo periodístico son « Las sombras y la lombriz solitaria » (1933), serie de impactos periodísticos-literarios con predominio del expresionismo crítico; « El cielo está lejos » (1933) y « La calle de los sueños perdidos » (1941).

González Tuñón fue además guionista de cine (« Mañana me suicido », 1942; « Pasión imposible », 1943), escribió tangos (entre los que se cuenta « Pa’l cambalache », escrito junto a Rafael Rossi y grabado en 1929 por Carlos Gardel), piezas teatrales, sainetes y folletines.

Nacido en el barrio de Once, hoy Balvanera, el escritor pasó parte de su infancia caminando y leyendo entre los árboles de plaza Miserere, que en ese momento era « un verdadero parque, boscoso, denso » según recordaría luego de su muerte, su hermano Raúl, uno de los grandes poetas del vanguardismo argentino.

« Él tenía 10 años, me llevaba cuatro. Yo lo seguía y admiraba. Una vez, evocando aquella época, me confesó, desolado, que entonces yo lo fastidiaba. Puede ser, pero ya cuando ingrese tras él al diario Crítica -una etapa apasionante, un fenómeno periodístico extraordinario, algo decididamente no superado- parecíamos una sola persona, coincidíamos en todo. En adelante me estimuló, me ayudó, aun desde lejos y hasta su último aliento », evocó alguna vez.

Su hermano también recordaría que el escritor « leía ávida y desordenadamente » y « Citaba a menudo a Quevedo, el de El buscón, a Dickens, Chéjov, Bret Harte, Gorki, el Payró de El casamiento de Laucha, y a Ángel Ganivet, Lord Dunsany, Charles Louis Philippe, Rafael Barret, Katherine Mansfield, Zola ». Fue el primero en incorporar vocablos y dichos de la jerga pop lunfarda de los años 20 y no solo en las glosas de tangos, y lo definió como « el cronista magistral de la ciudad ».

« Enrique hizo muchas veces galas de sutil ironía, de ingenio agudo y en ciertos casos urticantes. Este hombre tan fino, tan flaco, tan bondadoso era implacable cuando se trataba de fustigar a un canalla o a un pacato hipócrita. Alternaba una efusiva cordialidad y su comunicante ternura con una gracia zumbona en las sobremesas, por momentos con rasgos de humor negro », señala Raúl González Tuñón.

« Estoy seguro de que un día, en el muro de la casa del barrio donde nacimos, mejor dicho, en la pared de un feo edificio sin historia que ahora se alza allí, sin el patio, sin el níspero, podrán leerse estas palabras grabadas en el bronce: «En este sitio estaba situada la casa de la infancia de Enrique González Tuñón, el más porteño de los cronistas de Buenos Aires. Partió a una zona desconocida el 9 de mayo de 1943. No era un general, no era un primer ministro, pero era un artista, era un poeta, tenía la llave de la calle» ».

 

[Fuente: http://www.telam.com.ar]

Jean-Pierre Melville, Rui Nogueira, Le cinéma selon jean-Pierre Melville, Capricci, 2021

Écrit par Alexandre Clement

C’est l’ouvrage incontournable sur le cinéma de Jean-Pierre Melville, mais ça va bien au-delà d’une autocélébration, parce que s’il médite sur sa carrière assez brève finalement, il pose des questions importantes sur l’histoire du cinéma en général et sur les différences entre le cinéma français et américain. Il a des réflexions étonnantes tout de même parce qu’il désigne Marcel Carné comme un cinéaste américain, alors que nous le voyons d’abord comme très français, ou parce qu’il célèbre Le trou de Jacques Becker comme un chef d’œuvre, jugement que je partage bien volontiers. À propos de ce film il nous dit que René Clément aurait pleuré lors de la première, tant il était impressionné par la maîtrise de Becker. Je ne suis pas sûr que cela soit vrai, même si René Clément admirait la technique de Becker sur ce film, film qui n’a eu aucun succès à sa sortie mais qui est maintenant considéré comme un pilier incontournable du film noir à la française[1].

Une première édition de cet ouvrage avait été donnée en français par Seghers en 1973, puis une seconde par Les cahiers du cinéma en 1996, mais sans les illustrations et dans le format du livre de poche. Ces deux premières éditions s’étant épuisées assez rapidement, on ne trouvait plus cet ouvrage que sur le marché de l’occasion à des prix bien extravagants. Curieusement il n’y a pas beaucoup d’ouvrages sérieux consacrés à Melville, à part celui très bon de Denitza Bantcheva[2]. Il y aurait pourtant beaucoup à dire et à analyser sur le plan stylistique parce que s’il y a un réalisateur au style reconnaissable entre tous, c’est bien Melville. De ce point de vue, ces entretiens sont aussi tout à fait éclairants.

L’ouvrage a été conçu sur le modèle de celui que François Truffaut avait consacré à Alfred Hitchcock[3]. C’est une très longue interview qui passe en revue la carrière du cinéaste. L’ouvrage est passionnant. Melville nous dit ce qu’il pense de sa carrière, jugement parfois abrupt et de mauvaise foi, avec lequel on n’est pas forcément d’accord. Il considérait par exemple L’ainé des Ferchaux comme raté[4], et Quand tu liras cette lettre comme une simple commande[5]. Il avait tort ! Mais au fil des pages il précise ce qu’il pense du cinéma en général et plus particulièrement du cinéma américain qui a été sa source principale d’inspiration. Si aujourd’hui un tel ouvrage semble aller de soi, ce n’était pas vraiment le cas lors de son écriture. Il fut d’ailleurs publié d’abord en anglais avant que de l’être en français trois ans plus tard. Nul n’est prophète dans son pays.

Jean-Pierre Melville, Rui Nogueira, Le cinéma selon jean-Pierre Melville, Capricci, 2021

La réussite d’un tel ouvrage tient à la qualité de la relation qui s’établit entre l’interviewer et le cinéaste. Il faut qu’il connaisse bien la cinématographie de l’homme qu’il interroge, et qu’il pose les questions pertinentes. Rui Nogueira fait preuve d’une grande finesse. Melville avait un caractère singulier, impossible diront certains. Il est le seul metteur en scène qui se soit fait envoyer au tapis par Belmondo qui à la suite de cette altercation quitta le plateau de L’aîné des Ferchaux pour ne plus y revenir. Melville se fâcha avec à peu près tout le monde. Sur L’armée des ombres, Lino Ventura refusait de lui parlait et communiquait par petits billets avec lui ou par l’intermédiaire d’un assistant. Ce qui n’empêcha pourtant pas les deux hommes de réaliser un chef d’œuvre. Il s’est même brouillé avec Alain Delon qui pourtant l’aimait bien, sur le tournage d’Un flic parce que sa vedette était pressée de partir rejoindre Zurlini en Italie pour tourner La prima notte di quiete. José Giovanni qui lui reconnaissait un grand talent et d’avoir très adapté avec un grand talent Le deuxième souffle, lui vouait aussi une grande détestation, il l’appelait la hyène. L’homme était très envahissant, réclamant une attention de tous les instants comme le raconte Yves Boisset qui fut son assistant[6], entraînant ses jeunes interlocuteurs dans des séances de cinéma dans son studio de la rue Jenner où il repassait des dizaines de fois les mêmes films. Malgré tous ses défauts dont il était conscient d’ailleurs, l’homme était attachant. Il a assez peu tourné finalement, mais ses films ne se sont pas démodés, bien au contraire, ils ont atteint une sorte d’universalité qui s’est affirmé de plus en plus avec le temps. Dans le monde entier on se réclame de Melville, aux États-Unis, en Asie, mais aussi en Italie. Il a très peu tourné finalement, treize longs métrages, ce qui donne un côté assez compact à son œuvre, avec son apogée avec Le deuxième souffle, Le samouraï et L’armée des ombres soit entre 1966 et 1969. Je suis pour ma part moins passionné par ses deux derniers films, même si évidemment ils ont la patte de Melville et à ce titre doivent être vus.

Jean-Pierre Melville, Rui Nogueira, Le cinéma selon jean-Pierre Melville, Capricci, 2021

Dans cet entretien mené de main de maitre par Rui Nogueira, on trouvera des tas de choses, la liste des 63 réalisateurs américains que Melville considérait comme important dans le cinéma d’avant-guerre. On sera peut-être surpris des absences, notamment celle d’Hitchcock, dans cette liste, mais au fond ce n’est pas étonnant. Raoul Walsh ne fait pas partie de son panthéon bien qu’il ait fait avec High sierra d’Humphrey Bogart l’immense vedette qu’on sait. Il n’y a pas non plus Robert Wise dont pourtant il admirait Odds against tomorrow qu’il avait visionné des dizaines de fois, ou encore John Huston dont il aimait Asphalt jungle bien sûr, mais aussi The Kremlin letter. À cette date il n’avait pourtant pas vu ni Fat city[7], ni Wise blood[8] qui l’auraient probablement conforter dans la vénération qu’il lui portait. Mais pour lui ce panthéon correspondait à l’âge d’or du cinéma américain, les années 30-40. Et pour lui le cinéma américain a commencé de décliner après la Seconde Guerre mondiale. Il y aurait beaucoup à dire sur ce genre de catégorisation. Je suis d’accord avec lui sur le fait que l’immédiat après-guerre n’a pas été très bon dans l’ensemble, il a été pourtant meilleur pour le cinéma français, mais il y a eu un renouveau très important du cinéma américain dans les années 70, renouveau qui s’est préparé dans les années soixante, quand on s’est débarrassé de l’emprise de la télévision et de la liste noire ! Désigner des périodes de déclin est toujours délicat et reste un peu subjectif.

On est sans doute un peu dans la même situation aujourd’hui, en pire toutefois, pour que le cinéma redevienne créatif, il lui faudra se débarrasser de trois choses :

– de l’emprise de Netflix et des réseaux assimilés qui poussent les réalisateurs non seulement au conformisme le plus total, mais aussi à se répéter, l’indigence du dernier Scorsese le montre[9] ;

– de la tyrannie du politiquement correct et de la Cancel Culture, qui ressemble par beaucoup d’aspects à la façon dont les studios américains fixaient les limites à ne pas dépasser pour ne pas avoir d’ennui avec l’HUAC[10] ;

– et enfin le public devra revenir dans les salles ce qui ne semble pas pour tout de suite, non seulement à cause de la pandémie du COVID, mais aussi de la médiocrité des productions françaises ou américaines.

Jean-Pierre Melville, Rui Nogueira, Le cinéma selon jean-Pierre Melville, Capricci, 2021

Mais enfin tout cela n’est pas très important, qu’on soit d’accord ou non avec tout ce que disait Melville, il faut lire absolument cet ouvrage, parce que c’est une manière d’entamer un dialogue sur le cinéma, ses difficultés, et sa signification avec un homme qui était passionné par son métier. Pour moi c’est un très grand ouvrage, un des meilleurs écrits sur le cinéma, que j’ai lu et relu. Cette nouvelle édition est légèrement augmentée d’une postface de Rui Nogueira et rétablit les illustrations.

Je profite de l’occasion pour signaler le documentaire d’Olivier Boher, Sous le nom de Melville. Ce long métrage est excellent, paru en 2008, on pourrait dire que c’est le pendant visuel heureux de l’ouvrage de Rui Nogueira.

Jean-Pierre Melville, Rui Nogueira, Le cinéma selon jean-Pierre Melville, Capricci, 2021

 

[1] René Clément n’aimait pas vraiment le personnage de Jean-Pierre Melville, mais il reconnaissait qu’il était habité par la passion du cinéma.

[2] Jean-Pierre Melville : de l’oeuvre à l’homme, Editions du Revif, 2007.

[3] Le cinéma selon Alfred Hitchcock, Robert Laffont, 1966.

[4] http://alexandreclement.eklablog.com/l-aine-des-ferchaux-jean-pierre-melville-1963-a187330618

[5] http://alexandreclement.eklablog.com/quand-tu-liras-cette-lettre-jean-pierre-melville-1953-a114844948

[6] La vie est un choix, Plon, 2011.

[7] http://alexandreclement.eklablog.com/la-derniere-chance-fat-city-john-huston-1972-a130683344

[8] http://alexandreclement.eklablog.com/le-malin-wise-blood-john-huston-1979-a130697718

[9] http://alexandreclement.eklablog.com/the-irishman-martin-scorsese-2019-a177715326

[10] http://alexandreclement.eklablog.com/ayn-rand-et-la-conception-du-cinema-hollywoodien-au-moment-de-la-chass-a114844816

« Philippe Garnier, Sterling Hayden, l’irrégulier, La rabia, 2019L’affaire Maurizius, Julien Duvivier, 1954 »

 

 

[Source : alexandreclement.eklablog.com]

Félicien Rops est un artiste majeur du XIX ème siècle. Se moquant ouvertement du puritanisme de son époque et mettant en lumière l’hypocrisie de toute une génération, il fait partie des artistes les plus sulfureux. Qui était donc cet artiste controversé et comment procédait-il pour imposer ses propres idées ?

Félicien Rops

Félicien Rops est un artiste belge ayant de multiples cordes à son arc. Né à Namur en 1833 dans une famille de bourgeois, il se passionne par les arts et plus particulièrement pour la peinture, le dessin et la gravure. A l’abri du besoin grâce à la fortune de sa famille, il peut se concentrer sur ses études et suivre des cours de peinture en parallèle. En 1849, son père décède et il se retrouve alors sous la tutelle de son cousin Alphonse. L’entente entre ces deux-là n’est vraiment pas au beau fixe. Rops ne supporte pas les attitudes de ce bourgeois et rêve alors de liberté. Très vite, il quittera Namur en 1851 pour aller à Bruxelles où il entrera dans différents cercles d’artistes. Il y rencontre du beau monde notamment dans les cercles littéraires.

Il commence sa carrière en réalisant des caricatures pour de petits journaux. Celles-ci sont scandaleuses mais participent à son succès. Il réalise ensuite de nombreuses illustrations. Il est aussi très présent dans la vie artistique de Bruxelles puisqu’il fait partie de nombreuses associations tout au long de sa carrière.

En 1857, il épouse Charlotte Polet de Faveaux, la fille d’un juge. Leur mariage bat grandement de l’aile à cause des infidélités répétées de l’artiste. Félicien Rops est un homme faible fasse à la beauté des femmes, et cette faiblesse masculine sera très souvent abordée dans ses œuvres.

Ayant rencontré de nombreux artistes au cour de sa carrière dont l’écrivain Alfred Delveau avec qui il a collaboré plusieurs fois, il part à Paris poursuivre sa vie dans les années 60. Paris aura toujours été un refuge pour les artistes. La capitale française permettait une liberté qui n’était sans doute pas possible ailleurs. Rops s’est créé une réputation des plus sulfureuses. Ses œuvres étaient parfois sévèrement jugées. N’oublions pas que nous nous trouvons au XIXème siècle, à une époque encore très catholique et puritaine. L’artiste, étouffé par un milieu bourgeois qu’il considère hypocrite souhaite montrer l’envers du décors.

 

Se détachant énormément des canons de beauté académiques, des déesses, des muses et des allégories en tout genre, Félicien Rops va représenter dans ses œuvres des femmes très modernes. Parfois habillées de manière bourgeoise, il les représente dominantes. L’artiste est considéré comme étant un symboliste, ses œuvres doivent donc être décortiquées !

Il réalise à plusieurs reprise « La Dame au Pantin« . Les femmes dans ces œuvres sont toutes puissantes. Les pantins, grotesques et désarticulés, symbolisent les hommes. Ceux-ci seraient complètement assujettis devant le pouvoir de séduction des femmes. C’est quelque chose que Rops vit lui-même puisqu’il est très sensible aux charmes de ces dames malgré le fait qu’il soit marié et ait donc promis fidélité.

La version de 1877 est pour moi la plus intéressante ! On y trouve de nombreux symboles et références ! D’abord, on peut voir cette femme tenant fermement un pantin dans son poing levé qui symbolise clairement sa toute puissance. Dans sa main gauche, elle tient fermement un couteau, symbole phallique ultime. Celui-ci est ensanglanté. La femme est clairement celle qui domine. Des pièces d’or tombent du pantin et rappelle fortement le tableau de Danaé de Chantron réalisé plus tard en 1891. Chantron s’est-il peut-être inspiré de Rops pour symboliser la cupidité ? Ces pièces d’or font rappellent la vénalité.

Félicien Rops a souvent fait référence à la prostitution à Paris et aux courtisanes donc j’imagine que les pièces d’or peuvent aussi très bien faire référence à ces échanges tarifés. On retrouve aussi aux pieds de cette femme un petit cupidon tourné en ridicule et habillé en bouffon. On le reconnait grâce à ses deux ailes. À la place de son arc et ses flèches, il tient une espèce de sceptre avec un crâne, symbole de la mort… La vasque aussi est très intéressante puisque l’on y distingue l’arbre de la connaissance et le serpent de la tentation.

Le symboliste aborde ici tout ce qu’il déteste en réalité c’est-à-dire l’hypocrisie de la religion et du puritanisme de son époque. Les bourgeois faisant tout pour apparaitre en public comme lisses et bien sous tout rapport sont pourtant ceux qui entretiennent des relations scandaleuses avec des femmes qui ne sont pourtant pas leur épouse. Toute la symbolique du pantin est aussi très intéressante puisque pour Rops, l’homme est la marionnette de la femme, elle peut en faire ce qu’elle souhaite mais la femme elle, est la marionnette du diable… Encore une fois, la femme est rattachée au vice et à la tentation. Elle est celle qui détourne les hommes de leur droit chemin.

Dans les coulisses, Félicien Rops, 1878

Dans les coulisses, 1878-1880

Félicien Rops a de nombreuses fois représenté ces relations entre homme et femme. Ici, dans cette œuvre, on se trouve sans doute dans les coulisses d’une pièce de théâtre. On sait très bien que les actrices de théâtre ainsi que les danseuses d’Opéra à Paris ne gagnaient vraiment pas bien leur vie. Pour subvenir à leur besoin, elles se prostituaient très souvent. Les bourgeois d’ailleurs qui allaient au théâtre ou à l’Opéra y allaient la plupart du temps juste pour se trouver une courtisane. C’est quelque chose que Edgar Degas a abordé de nombreuses fois, de même pour Henri de Toulouse-Lautrec. N’hésitez pas à regarder plus précisément les tableaux de Degas car vous y verrez souvent, caché au fond de la scène, un homme regardant les petites danseuses… Il n’est pas là juste pour regarder.

Face à un public délicat, Rops n’hésite donc pas à montrer justement, ce qu’il se cache en coulisse ! Les titres de ses œuvres sont d’ailleurs souvent très importants et en disent longs, ils ne sont jamais choisis au hasard.

Pornocratès, Félicien Rops, 1878

Pornocratès, Félicien Rops, 1878

Pornocratès est sans doute l’œuvre la plus connue de l’artiste. On y voit une femme nue, seulement chaussée et gantée. Ses yeux sont bandés et elle se laisse guidée par un cochon. Trois chérubins, souvent représentés dans l’art avec Vénus, la déesse de l’amour et de la beauté, fuient la scène, horrifiés. La femme piétine une frise où l’on y voit plusieurs représentations d’art comme la sculpture, la musique, la poésie et la peinture. Celles-ci se lamentent. Ces représentations symbolisent l’art classique et académique. Rops décide une nouvelle fois d’enterrer symboliquement le passé afin de montrer la modernité. Le cochon ici pourrait symboliser deux choses. Dans un premier temps, l’homme, qui serait tenu en laisse par la femme et dominé. Puis dans un second temps, on peut penser que la femme se laisserait simplement guider par ses instincts, son propre désir. Le cochon souvent associé à quelque chose de sale serait une nouvelle fois pour Rops une manière de montrer que la sexualité et l’érotisme ne sont pas sales puisqu’ils font parties de la vie et que c’est quelque chose de naturel.

La Tentation de Saint Antoine, Félicien Rops, 1878

La Tentation de Saint Antoine, Félicien Rops, 1878

En 1884, le Groupe des Vingt, un cercle artistique bruxellois dont fait partie Félicien Rops, organise une exposition. La Tentation de Saint Antoine réalisée des années plus tôt y est alors exposée et là, c’est le SCANDALE. Rops connu pour son côté sulfureux dépasse pour certains les limites puisqu’il blasphème ouvertement. Ici, il tourne en ridicule la religion. On y voit Saint Antoine, interrompu dans sa réflexion par une vision presque diabolique. Le Christ, est remplacé par une rousse incendiaire complètement nue offerte au regard du saint. derrière elle se trouve le diable et des chérubins tout droit venus des enfers les accompagnent. Un cochon est aussi présent et symbolise une nouvelle fois les instincts humains. À travers ce pastel, Félicien Rops remet en question la religion et ses préceptes en affirmant que la sexualisé ne peut être refoulée puisqu’elle fait partie intégrante des Hommes. Même le plus saint des saints ne peut nier cela…

La Chanson de Cherubin, Felicien Rops, 1878-1881

La Chanson de Cherubin, 1878-1881

Félicien Rops est donc un artiste plus que sulfureux. Ne reculant pas devant son envie de choquer mais surtout devant son envie de mettre en lumière l’hypocrisie de tous ces bourgeois bien pensants, il n’hésite pas à aller aussi contre un style artistique bien défini. Antiacadémique, il fait preuve d’une certaine modernité. Il s’inspire pourtant énormément de l’histoire des arts, c’est un homme très cultivé et connu pour avoir une très bonne mémoire. Il reprend très souvent les codes de grands maitres dans ses tableaux surement parfois pour les tourner en ridicule d’ailleurs. L’artiste décède en 1898 dans sa demeure en Essonne. Jusqu’à la fin de sa vie, il continuera de dessiner et de peindre.

Son travail ne résume bien évidemment pas à ces œuvres vues ici plus haut mais j’ai décidé de me pencher sur l’image donnée aux femmes.

 

[Source : http://www.unebrevehistoiredart.com]

Escrito por ÁLVARO ALCÁZAR

Cuando Fernando de Magallanes partió del puerto de Sevilla el 10 de agosto de 1519 su objetivo era llegar hasta las islas de la Especiería, que hasta ese momento estaban controladas por los portugueses. Magallanes era consciente que el negocio de las especies podría traer mucha riqueza a España y en su opinión aquellas islas estaban en el llamado hemisferio español. Los coordinadores de « En el archipiélago de la Especiería« , Javier Serrano Avilés y Jorge Mojarro, han conseguido unas colaboraciones extraordinarias donde se cuenta la historia de las islas Molucas desde diversas perspectivas.

Cuando se cumplen cinco siglos (1521-2021) de la llegada de la expedición de Magallanes-Elcano a las islas de las anheladas especias, nos damos cuenta de lo poco que sabemos de la presencia de España en un lugar tan estratégico como las Molucas. Una carencia que, de la mano de especialistas españoles e indonesios, pretende desterrar esta obra.

De manera admirable los historiadores que han aportado sus trabajos sobre la historia de las Molucas reflejan la importancia de las especias en la economía mundial. Hay que recordar que cuando llegó Juan Sebastián Elcano al puerto de Sanlúcar de Barrameda en 1522, tres años después de la partida, en la nao Victoria se pudo pagar todos los gastos de la expedición gracias a las especias que trajeron en la nave.

En el libro han colaborador ocho prestigiosos investigadores españoles e indonesios. Mención especial merece Antonio C. Campo López, que ha contribuido con cuatro capítulos de los once de los que constan el libro. Magníficamente editado, cuenta con excelentes ilustraciones de la época que han sido seleccionadas por María Prada González. El resultado es una obra imprescindible para conocer la huella que España dejó en un archipiélago que está en las antípodas de nuestro país.

El nombre Molucas sigue sonando tan evocador en el siglo XXI como sonaba en el XVI, preñado de exotismo y aventura, de especias y de océano. Ese pequeño archipiélago, las denominadas islas de la Especiería, fue el destino original y anhelado al que se dirigieron las primeras grandes expediciones transoceánicas y, sin embargo, una de las paradojas más extraordinarias de los estudios acerca de la monarquía hispánica es que los avatares de su exploración y la presencia española –que se prolongó durante casi seis décadas– no habían sido objeto de una monografía. Las Molucas no solo constituyeron uno de los confines del Imperio, sino que fueron un escenario clave dentro del intrincado juego de intereses comerciales y rivalidad militar que enfrentó a las pujantes potencias europeas en ese orbe por vez primera globalizado. Una obra, publicada en colaboración con AECID, en la que han contribuido los principales expertos del tema, y que se ha dotado de un apabullante aparato gráfico, se pretende arrojar luz sobre uno de los episodios más fascinantes, pero peor conocidos, de la presencia española en el sudeste asiático, desde la primera circunnavegación del planeta hasta el abandono definitivo de los últimos fuertes de las Molucas en la segunda mitad del siglo XVII. Marinos y cosmógrafos, piratas y misioneros, sultanes y mercaderes reunidos en un libro que huele a clavo y nuez moscada: naveguemos en este barco de papel hasta las islas de la Especiería.

Javier Serrano Avilés (Málaga, 1975) es coordinador del Aula Cervantes de Yakarta (Indonesia). Estudió filosofía, literatura comparada e hispánica en las universidades de Comillas (Madrid), Autónoma (Madrid), Barcelona (UB) y Granada. Es miembro vitalicio de la Uganda Society y editor del volumen La enseñanza del español en África subsahariana (2014). Posee la Cruz de Oficial de la Orden la Isabel la Católica (2018).

 

[Fuente: http://www.todoliteratura.es]

Paranaländer presenta la obra del ilustrador británico Aubrey Beardley (1872-1898), asociado al movimiento «art nouveau» en su país, con un estilo fuertemente influido por la pintura japonesa. En sus solo 25 años de vida, Beardley fue elevado por editoriales innovadoras a puestos de responsabilidad que le permitieron iniciar una revolución artística en Londres.

Escrito por Paranaländer

«Si no soy grotesco, no soy nada»

“Los dibujos de Aubrey Beardsley” (1970, editorial La Brújula, Buenos Aires, Argentina), intempestivo regalo de una amiga, artista parawayensis, les quiero comentar en esta columna. El libro trae 110 dibujos, entre ellos están ilustraciones de Mallarmé, Luciano de Samosata, Alexander Pope, Dowson, Mallory, Aristófanes, Dumas hijo, Balzac.

AUBREY BEARDSLEY (1872-1898), un ilustrador joven e iconoclasta de Brighton, casi sin formación formal, fue elevado por editoriales innovadoras a puestos de responsabilidad que le permitieron iniciar una revolución artística en Londres. Entre 1893 y 1898, los años principales de su corta carrera, los pocos mentores de Beardsley en publicaciones le dieron la enorme tarea de ilustrar libros completos y servir como editor de arte e ilustrador principal de nuevas revistas.

En 1893 (cuando contaba con solo 20 años) se le encargó a Beardsley que ilustrara “Salomé” de Oscar Wilde, que se publicará el año siguiente. Al ilustrar esta obra erótica sobre la ejecución de Juan el Bautista por Herodes Antipas, Beardsley se tomó grandes libertades (a menudo se dice que trató de ridiculizar la obra), produciendo imágenes sensuales y horripilantes que a veces estaban completamente fuera de consonancia con el texto. Estilísticamente, estas ilustraciones en particular parecen revelar la influencia del arte japonés, que Beardsley admitió emular en algunas de sus obras.

En 1894, John Lane nombró a Beardsley editor de arte e ilustrador jefe de The Yellow Book. Una nueva revista de arte trimestral, fundada y publicada por John Lane, de la editorial The Bodley Head. Comenzó su publicación en 1894 y publicó 13 volúmenes hasta acabar en 1897. Su director literario fue un norteamericano, Henry Harland, y el director artístico Aubrey Beardsley (hasta el cuarto número, en que se vio obligado a retirarse a causa de la petición del público de que se suprimiese su obra). Era una miscelánea inorgánica de recensiones, narrativa y poesía y algunas de las páginas más típicas del fin de siglo aparecieron en ella. Entre sus colaboradores figuraron Henry James, William Butler Yeats, Ernest Dowson, Baron Corvo, Wells, Kenneth Graham, Gosse y Max Beerbohm e ilustradores como Sir Frederic Leighton. Poco después, encontró un nuevo apoyo en Leonard Smithers, otro editor de libros y revistas.

Beardsley fue nombrado editor de arte de The Savoy, una revista de arte publicada por Smithers. Havelock Ellis, George Bernard Shaw, Yeats y Beerbohm se encuentran entre los muchos escritores e ilustradores destacados de Londres que aparecen en sus páginas. Beardsley ilustró ocho números de The Savoy entre 1895 y 1896. Además de obras de arte, contribuyó con sus propios escritos, incluidos los poemas «Los tres músicos» y «La balada de un barbero», una traducción del Carmen CI de Catullus y una novela inacabada titulada “Bajo la colina” (una versión expurgada de otra novela que nunca terminó, “La historia de Venus y Tannhäuser”).

Aubrey Beardsley murió de tuberculosis en 1898, a la edad de 25 años.

 

[Fuente: http://www.eltrueno.com.py]

Paranaländer se refiere al número 2 de la revista surrealista «Arsenal» (1973), editada en Chicago, donde se publicaron dos textos dedicados al pintor boliviano Benjamín Mendoza y Amor (1933-2014), quien intentó, en noviembre de 1970 en Manila, asesinar al papa Paulo VI.

Por Paranaländer

El acto surrealista par excellence según el papa del surrealismo André Breton: “salir a la calle con una pistola y empezar a disparar al azar” (no al bazar).

El único surrealista realmente demente que intentó poner en práctica tal consigna estética (a medias, porque no eligió el azar sino una criatura de dios bien concreta: el papa Paulo VI) fue el pintor surrealista boliviano Benjamín Mendoza y Amor. El 27 de noviembre de 1970, disfrazado de sacerdote, en el aeropuerto de Manila, atacó con un cuchillo de 12 pulgadas al papa hiriéndolo en la yugular. Según el libro “No disparen contra el Papa” (Cochabamba, 1989) de Néstor Taboada Terán, que novelizó el conato de magnicidio con espíritu conspiranoico típico de la guerra fría, el pintor era un agente de la CIA. Esto liquida toda aura poética que haya portado el acto.

La revista “Arsenal. Subversión surrealista”, del grupo surrealista de Chicago, en el número (2) del verano de 1973 dedica dos textos a su ídolo boliviano. “Guerra contra el Papa” y “Carta de los surrealistas a Benjamín Mendoza y Amor”, ambos en la página 20 (la carta termina en la 21) que lleva una ilustración de José Guadalupe Posada titulada “Asesinato de un cura”. En el primero (que empieza citando un texto de Breton de 1925 donde pide una guerra contra el papa, a quien tilda de perro) se celebra “el acto más puro de audacia individual” y lamenta que esté cumpliendo una condena de 20 años (en realidad salió en 1974 de la prisión Quezón City) en Filipinas, un país -dicen- con el régimen más corrupto y bárbaro del mundo.

La carta firmada por Stephen Schwartz (uno de los agitadores de la revista), y dirigida al “querido camarada”, fue emitida inmediatamente después de las noticias radiales del día de Acción de Gracias de 1970. Se lo posiciona a Mendoza y Amor al lado de otras grandes víctimas de la Inquisición como Tupac Amaru, Montezuma, Atahualpa, Cuautemoc, Bruno, Hus, y de héroes espirituales en la cruzada contra la Iglesia y sus espantosos engaños, como Benjamin Péret (su tocayo) y “el más noble ser humano”: el Marqués de Sade.

Sí, hablamos del papa surrealista no solo por ser una obsesión y chivo expiatorio de ese grupo artístico sino porque Breton llegó a tener esa aureola papal sobre sí y, en ultimo caso, este oscuro pintor no afiliado al surrealismo aunque reconocido como tal (sus cuadros son apreciados por Arsenal y en su declaración ante el comisario Serafín Fausto dijo “que deseaba matar al papa porque alentaba la superstición del mundo”, y que lo quiso matar “no físicamente sino de forma surrealista”) llevó las trazas de Cristo y de su representante en la tierra. Para tal comprobación solo falta leer una parte del panfleto del grupo Arsenal de dos años antes:

“La destrucción de la Iglesia de San Pedro debería comenzar en Navidad (…). Sobre las ruinas y cenizas de esta iglesia ridícula el Grupo Surrealista propone erigir un enorme monumento en honor de nuestro camarada Benjamín Mendoza y Amor”.

 

[Fuente: http://www.eltrueno.com.py]

Paranaländer reseña el cómic «Una metamorfosis iraní» del ilustrador Mana Neyestani, quien, a raíz de una viñeta que dibujó en el suplemento para niños del diario «Irán», comenzó a ser perseguido políticamente, pues la comunidad azerí de ese país interpretó su obra como un insulto. El cómic, autobiográfico, narra este episodio que transformó la vida de Neyestani y lo obligó a exiliarse.

Por Paranaländer

Toda esta historia es por culpa de una cucaracha, una cucaracha escapada de un diario iraní que habla en azerí.

Soheil, personaje niño del suplemento dominical “Irán Jomeh” del diario “Irán”, dedicada a los jóvenes de cuyas páginas Mana Neyestani es coordinador desde 2004, le aburría un día a su creador y le inventa una cucaracha, que tiene la mala idea de pronunciar una palabra azerí: namana.

Bueno, la minoría azerí (los azeríes de Irán se consideran turcos a veces) se cabrea e indigna y llega a organizar una manifestación juvenil por el uso de la palabra namana, no solo eso, el mercado más popular del país entra en huelga, todo por una palabra extranjera que los iraníes usan cuando no encuentran la palabra que buscan para expresarse. Los azeríes han quemado oficinas del diario en varias ciudades pues piensan que los iraníes los consideran como cucarachas (razonan así: si en el suplemento juvenil del diario Irán -estatal- sale una cucaracha hablando en azerí…).

“Una metamorfosis iraní” (2012, La Cúpula, Barcelona, España), es la novela gráfica autobiográfica del dibujante iraní Mana Neyestani, que por el asunto de la cucaracha diciendo namana en azerí terminará en la prisión de Evin. Las vicisitudes que sufre son infinitas hasta lograr salir de Irán y poder contar su historia gracias a una beca en París, después de interminables pedidos de asilo a países europeos, Canadá, EE. UU todos denegados. Por ejemplo, en Malasia, de donde tiene que salir nuevamente porque denuncia fraude electoral iraní en 2009 y ambos países son aliados, en Turquía, donde lo interrogan otra vez no para condenarlo sino para ayudarlo, etc.

La tapa del libro fue creación de Hassan Karimzadeh, artista iraní dos veces vencedor del premio World Press Cartoon. Es famoso por la condena de 10 años de prisión a inicios de 1990 por su dibujo del Ayatollah Khomeini (ídolo de Foucault) como jugador de fútbol. Juaz.

Mana Neyestani (Teherán, 1973), estudió arquitectura, comenzando su carrera como dibujante e ilustrador en 1990 para muchas revistas culturales, literarias, económicas y políticas. Se convierte en dibujante de prensa gracias al aumento de periódicos reformadores iraníes en 1999. En el 2000 publica su primer libro de ilustraciones, “Pesadilla”. El protagonista, M. Ka, es también el personaje principal en “Casa fantasma” (2001) y “El rompecabezas de amor de M. Ka” (2004). Catalogado como dibujante político, es obligado rápidamente a hacer dibujos para niños. El que realizó en 2006 le costó la cárcel y posterior huida del país. Entre 2007 y 2010 vive exiliado en Malasia, realizando ilustraciones para webs disidentes iraníes de todo el mundo. Premio al Valor 2010 de CRNI. Hoy vive en París con su esposa Mansoureh.

 

 

[Fuente: http://www.eltrueno.com.py]