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Erudito y humanista, el heredero de la Nouvelle Vague y autor de películas como ‘La muerte en directo’, ‘Hoy empieza todo’ o ‘La carnaza’ ha fallecido a los 79 años

 

“Me cansan las películas intelectuales con dilemas burgueses”, afirmaba el director francés Bertrand Tavernier en su última charla con El Cultural, en 2017, cuando presentaba el documental Las películas de mi vida, un homenaje a los títulos y realizadores que le han marcado como director y como espectador, en el que viajaba de Jean Renoir a Víctor Erice y de Jacques Becker a Truffaut o Claude Sautet. Y es que el llamado Scorsese galo, que ha fallecido hoy a los 79 años de edad en la localidad de Sainte-Maxime, gozaba de una trayectoria cinematográfica extraordinaria que ha marcado el cine europeo de finales del siglo XX.

Con este trabajo, que definió como “una forma de hablar mi propia existencia a través de los otros”, Tavernier, erigido en apasionado defensor del legado cinematográfico de Francia, cerró un legado de casi treinta filmes que arrancó en 1974 con El relojero de Saint Paul, rodada en su Lyon natal, donde vio la luz en 1941, en plena invasión nazi, en el seno de una familia de la Resistencia. Esta ópera prima, adaptación de una novela de misterio de Georges Simenon, que se llevó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Berlín, fue protagonizada por Philippe Noiret, con quien trabajaría en otros nueve rodajes.

Cinéfilo apasionado desde muy joven, admirador de Jean Vigo, Renoir, John Ford o Wellman, su carrera había comenzado en los 60, cuando participó desempeñando labores de publicidad en películas como El confidente de Jean-Pierre Melville, de quien también sería asistente de realización en Léon Morin, sacerdote, o El desprecio de Godard. En esa misma década también comenzó a ejercer como crítico de cine en Cahiers du Cinéma y publicar ensayos sobre el séptimo arte, algunos tan influyentes como 50 años de cine norteamericano.

Huir del elitismo

Más adelante llegarían Los inquilinos (1977), su celebrada La muerte en directo (1979) —una amarga parábola moral sobre la muerte como espectáculo y la manipulación del individuo por parte de los medios de comunicación—, Una semana de vacaciones (1980) 1.280 almas (1981), Un domingo en el campo (1984) —premio al mejor director en Cannes— o La passion de Béatrice (1987), Óscar a la mejor banda sonora.

Heredero muy consciente de la Nouvelle Vague de Godard, Chabrol o Truffaut y dotado de una gran sensibilidad humana y un lirismo que extraía de las pequeñas cosas, Tavernier siempre apostó, sin embargo, por una vertiente para nada elitista. Su cine destaca por una voluntad, no solo de realizar cine sobre los problemas sociales, sino de hacerlo de tal manera que pueda ser accesible para aquellos sobre los que habla para poder alcanzar al gran público.

“Parte del cine francés, se ha olvidado completamente de los obreros porque le parecía que no eran cool. Si el cine francés les hubiera prestado un poco más de atención quizá ahora no tendríamos Frente Nacional”, aseguraba a este respecto. Gran defensor también del cine policiaco, Tavernier no entendía el menosprecio a este género. “Muchas veces se confunde el que haya policías o gánsteres con el hecho de que vaya a ser cine de género, y que por tanto no va a tener la profundidad intelectual de una película con una forma más ‘artística’, una palabra que odio. La realidad es que muchas de esas películas son las mejores, las que se quedan marcadas en la memoria de la gente”.

Todo tipo de premios

Sus inquietudes sociales se reflejan en películas posteriores como el drama histórico ambientado en la Primera Guerra Mundial La vida y nada más, donde coincidió de nuevo con Noiret, o en su obra cumbre Hoy empieza todo (1999), un retrato lúcido y descarnado sobre las miserias sociales de su país. Unos años antes había ganado con La carnaza (1995) el Oso de Oro del Festival de Berlín. Tavernier también rodó documentales como Mississippi blues (1983), con el que recorre las tradiciones musicales del sur de Estados Unidos; Lyon, una mirada interior; o La guerra sin nombre (1992), sobre el aún hoy polémico y sangrante conflicto argelino.

Tavernier participó en dos ocasiones en la Mostra de Venecia: en 1986 con Round Midnight, que obtuvo el Óscar por su Banda Sonora y la nominación a su protagonista, el saxofonista estadounidense Dexter Gordon. La segunda ocasión fue en 1992 con la cinta policíaca L.627 (1992). En 2015 recibiría en la ciudad italiana el León de Oro a su carrera en la 72ª edición de la Mostra, cuyo jurado le definió como “un autor completo, instintivamente inconformista, valientemente ecléctico”, y afirmó que “el conjunto de su obra constituye un corpus en parte anómalo en el panorama del cine francés de los últimos cuarenta años ».

Otros galardones que el cineasta atesoró en su carrera fueron cuatro César —por Que empiece la fiesta 1975—, el BAFTA en 1990 por La vida y nada más, además de la Concha de Oro de San Sebastián en 1999 por la citada Hoy empieza todo. También fue laureado en 1984 en el Festival de Cannes en la categoría de mejor director, por Un domingo en el campo.

[Foto: Georges Seguin – fuente: http://www.elcultural.com]

Jeanne Moreau (1928-2017) était une comédienne – Ascenseur pour l’échafaud, Les Amants, Moderato cantabile, Jules et Jim, Eva, Le Journal d’une femme de chambre, Viva Maria !, La mariée était en noir, La Vieille qui marchait dans la mer… — -, pensionnaire de la Comédie Française (1947-1952), chanteuse, scénariste, réalisatrice, fine cuisinière et gastronome française, et membre de  l’Académie des beaux-arts de l’Institut de France. Durant l’Occupation, par solidarité avec ses condisciples juives, elle a porté l’étoile jaune. Arte diffusera le 28 mars 2021 « Le train » (Der Zug) de John Frankenheimer et Bernard Farrel (1964), puis « Jeanne Moreau, l’affranchie » (Jeanne Moreau – Die Selbstbestimmte) de Virginie Linhart.

Publié par Véronique Chemla

Pour Jeanne Moreau (1928-2017), la vie d’un être humain était composée d’une série de premières fois.
 
« Jeanne Moreau, l’affranchie »
Arte diffusera le 28 mars 2021 « Jeanne Moreau, l’affranchie » (Jeanne Moreau – Die Selbstbestimmte) de Virginie Linhart.
« Disparue en 2017, à l’aube de ses 90 ans, « Mademoiselle Moreau » a placé sa vie et sa carrière sous le signe de la liberté. Flash-back sur les films et les réalisateurs (d’Antonioni à Truffaut en passant par Demy, Bunuel et Welles) qui l’ont révélée au public en même temps qu’à elle-même. »
« Dès qu’il y a une nouvelle vague quelque part, on sonne à ma porte », se plaisait à affirmer celle qui a fougueusement embrassé l’audace de cinéastes en quête de modernité ».
« Formée à la Comédie-Française, qui encaisse péniblement ses infidélités, l’actrice traverse une décennie de films commerciaux avant de trouver sa place dans le septième art ».
« Quasi novice, son pygmalion se nomme Louis Malle, qui lui crée un rôle de toutes pièces dans son adaptation du roman de Noël Calef, Ascenseur pour l’échafaud (1958). Les déambulations nocturnes de la comédienne, illuminées par les néons de la capitale et bercées par la trompette de Miles Davis, propulsent alors le cinéma hexagonal dans une nouvelle ère ».
« La même année, Les amants, dans un film homonyme infusé de leur passion, dynamiteront les conventions en emplissant le cadre d’une nudité et d’une sensualité jusqu’ici refoulées en contrechamp ».
« Après avoir incarné les bourgeoises à la dérive dans Moderato cantabile (1960) de Peter Brook et La notte (1961) d’Antonioni, l’actrice trouve dans la Nouvelle Vague un écho à son désir de légèreté : Jules et Jim (1962) et son tourbillon d’amour triangulaire, mis en scène par François Truffaut, la consacre égérie moderne en même temps que chanteuse d’immortelles ritournelles ».
« Sublimée par les tenues de Pierre Cardin, couturier homosexuel dont elle partage un temps la vie, l’actrice crève l’écran en noir (Eva de Joseph Losey) comme en blanc (La baie des anges de Jacques Demy), en France comme à l’international (Orson Welles, Luis Buñuel et son Journal d’une femme de chambre). »
« Composé d’extraits de ces pellicules inoubliables et d’interviews de l’actrice et de ceux qui l’ont dirigée, ce voyage cinéphile dans la décennie qui la vit éclore rend un vibrant hommage au jeu et à la personnalité hors du commun de celle qui incarna l’émancipation féminine avant l’heure, à la vie comme à la scène ».
« Jeanne Moreau, actrice et inspiratrice »

Serge Toubiana a rendu ce bel hommage à Jeanne Moreau lors d’une rétrospective à la Cinémathèque française en 2008 :

« Rieuse et tendre. C’est ainsi que François Truffaut décrit celle qu’il dirigea deux fois : dans Jules et Jim puis dans La Mariée était en noir. Mais leur complicité se manifesta auparavant sous forme d’un clin d’œil, dès Les Quatre cents coups. Jeanne Moreau y faisait une apparition très poétique aux côtés de Jean-Claude Brialy. Souvenez-vous : Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) erre dans les rues de Pigalle. Il a fugué et cherche un endroit pour dormir. Il croise une femme emmitouflée dans un manteau, qui court après son chien. Oh ! vous pouvez m’aider à l’attraper ? Surgit Brialy dans le rôle du dragueur : Eh ! Petit, c’est ta sœur ? Jeanne Moreau fut donc en quelque sorte la marraine de Truffaut en cinéma. Rôle hautement symbolique, qui dit l’importance de leur relation ou de leur lien. Auparavant, il y eut Louis Malle. Rencontre décisive, pour l’un comme pour l’autre. Ascenseur pour l’échafaud, puis Les Amants, et plus tard encore Viva Maria. Quand il évoque cette période, Malle est d’une totale franchise : « Quand j’ai tourné Ascenseur pour l’échafaud, j’avais une peur bleue des acteurs, tout simplement parce que je n’avais pas l’habitude d’avoir affaire à eux. Et s’il n’y avait pas eu Jeanne Moreau, qui m’a incroyablement aidé dans les deux premiers films que j’ai tournés avec elle… j’étais tellement novice, tellement ignorant ; dans ce genre de situation, quand on est paniqué… et jeune… on a tendance à vouloir jouer au chef. Pour ne pas se laisser dominer, sans doute. Et quand je revois mes anciens films, je me rends compte que j’ai fait des erreurs monumentales, non seulement dans la direction d’acteurs, mais parfois dans le casting. Mais c’est comme ça qu’on apprend. […] Il m’a fallu plusieurs films pour apprendre à connaître les acteurs ».
Ce que Jeanne Moreau apporta à cette génération de cinéastes, c’est d’abord l’audace, le courage d’innover, de prendre des risques, de se libérer du poids de la technique cinématographique. D’oser filmer vrai. Louis Malle dit aussi ceci, qui est essentiel : « On s’est soudain rendu compte qu’elle pouvait être une star de cinéma. Jusque-là, on disait que tout en étant une grande actrice, et très sexy, elle n’était pas photogénique. J’avais avec moi Henri Decae, ce grand opérateur que je connaissais des premiers films de Melville, comme Bob le flambeur. Ainsi que tous ceux de la Nouvelle Vague, je l’admirais énormément. Il m’a lancé, il a lancé Chabrol, puis Truffaut, et plusieurs autres. Mais j’étais le premier de ma génération à travailler avec lui. Quand on a commencé à tourner [Ascenseur pour l’échafaud], les premières scènes qu’on a faites avec Jeanne Moreau se passaient dans la rue, sur les Champs-Élysées. La caméra était dans une voiture d’enfant et Jeanne Moreau n’était pas éclairée… c’était un film en noir et blanc, bien entendu ; on avait pris ce nouveau film rapide, la Tri-X qui, de l’avis des cinéastes sérieux, donnaient un grain trop gros. Nous avons fait plusieurs longs travellings de Jeanne Moreau et, bien sûr, quand le film a été terminé, on a mis la magnifique musique de Miles Davis, plus sa voix à elle, sa voix intérieure. Elle n’était éclairée que par les vitrines des Champs-Élysées. Ça ne s’était encore jamais fait. Les opérateurs voulaient toujours qu’elle soit maquillée et ils l’éclairaient beaucoup, sous prétexte qu’elle n’avait pas un visage photogénique. La première semaine, il y a eu une émeute parmi les techniciens du labo, quand ils ont vu les rushes. Ils sont allés trouver le producteur et lui ont dit : « Il faut empêcher Malle et Decae de détruire Jeanne Moreau. ».
Détruire Jeanne Moreau. On se demande qui aurait pu détruire cette actrice, qui avait débuté une dizaine d’années avant que Malle ne lui confie le rôle inoubliable d’une femme errant la nuit dans les rues de Paris à la recherche de son amant. Tout commence au théâtre, où elle passe par le Conservatoire, puis par la Comédie-Française, puis encore par le TNP de Jean Vilar, où elle joue aux côtés de Gérard Philipe dans Le Cid. Au cinéma, elle tourne de nombreux films, alternant rôles secondaires et principaux, réalisés par Gilles Grangier (Gasoil, Trois jours à vivre, Échec au porteur), Jacques Becker (Touchez pas au grisbi), Henri Decoin (Dortoir des grandes, Les Intrigantes), Marc Allégret (Julietta), Jean Dreville (La reine Margot) ou d’autres encore, avant de croiser la génération de la Nouvelle Vague. Avec Malle, Truffaut, Roger Vadim (Les Liaisons dangereuses), Michelangelo Antonioni (La Notte), Joseph Losey (Eva, et plus tard : Monsieur Klein, puis La Truite, adaptation du roman de Roger Vailland), Orson Welles (Le Procès, Falstaff, Une histoire immortelle, The Deep/Dead Reckoning), Jacques Demy (La Baie des anges), Luis Buñuel (Le Journal d’une femme de chambre) et tant d’autres, Jeanne Moreau est une actrice qui inspire ses metteurs en scène. Louis Malle, encore lui, rappelle que c’est par son intermédiaire qu’il rencontra Louise de Vilmorin, qu’il sollicitait en vue d’adapter une nouvelle de Vivant-Denon, Point de lendemain, qui devait donner Les Amants. Lorsqu’il entra en relation épistolaire avec Henri-Pierre Roché, sollicitant son approbation pour adapter Jules et Jim, Truffaut envoya une photo de Jeanne Moreau (vraisemblablement dans Les Amants) à l’écrivain, en lui disant à peu près ceci : Voilà, c’est elle qui sera Kate (ou Catherine) dans mon film. « Grand merci pour les photos de Jeanne Moreau. Elle me plaît. Je n’ai bien sûr pas pu sortir pour voir Les Amants. Je suis content qu’elle aime Kathe. J’espère la connaître un jour. » C’est cela, une actrice qui inspire les cinéastes : celle qui, en plus de jouer, fait aussi trait d’union. C’est-à-dire rend possible leur désir ou leur rêve. Jeanne Moreau incarne, avant même que le film ne se tourne, le personnage et l’univers romanesque du film. Donc sa matérialité même.
Comment l’imaginer, sinon au centre ou au croisement de plusieurs mondes où se côtoient la littérature, la musique, la chanson bien sûr (impossible d’oublier Le Petit théâtre de Jean Renoir : une prise, une seule, sur Jeanne Moreau chantant *Quand l’amour meurt*), disons tous les arts, et le cinéma. L’aventure (sentimentale) du cinéma. Elle autorise ces croisements, elle les permet, pour ne pas dire qu’elle les met elle-même en scène. Il y a cette double dimension chez Jeanne Moreau, d’actrice et d’inspiratrice. Les cinéastes qui la choisissent l’ont fait en connaissance de cause. Pour sa voix, sa grâce, sa force de caractère et sa fragilité, son audace – car elle peut tout dire, user du langage avec mélodie, musicalité, tout en étant aussi parfois très prosaïque. Elle a fini par incarner le cinéma. Je n’aime pas beaucoup l’expression facile, souvent utilisée en parlant d’elle, d’ « ambassadrice du cinéma ». Cela la met sur un piédestal, alors qu’elle est infiniment plus simple et plus abordable, prête à toutes les aventures cinématographiques. Ce que prouve sa belle filmographie. C’est ce caractère qui me paraît la définir de la manière la plus vraie. Du côté des cinéastes, prête à prendre des risques avec eux, en protégeant leurs films. Donc leurs rêves. Protéger un film, qu’est-ce que cela veut dire ? De quoi faut-il protéger un film en train de se faire ? Bien sûr, des intempéries. Mais, surtout, de la perte de confiance, du train-train professionnel, du manque d’entrain et de gaieté. De l’ardeur de faire un film ensemble, acteurs et techniciens réunis. Truffaut encore : « À l’intérieur de mes vingt ans de cinéma, le tournage de Jules et Jim, grâce à Jeanne Moreau, reste un souvenir lumineux, le plus lumineux. »
Un mot, un seul, résume ce caractère ou ce sentiment : Liberté. J’ai retrouvé la lettre que Jeanne Moreau écrivit, à l’occasion d’un hommage rendu à Orson Welles en 1975, par l’American Film Institute :
« Orson Welles, où êtes-vous ? Chasseur chassé dans votre recherche sans fin, où êtes-vous ? Partout. Combien d’avions ? Combien de vols ? Combien d’aéroports ? Combien de villes et de pays ? Combien de suites d’hôtels ? Combien de tampons sur vos passeports ? Combien de coups de téléphone ? On vous croit ici, mais vous êtes déjà là. « Autrefois, quand faire des vœux était encore de quelques secours », vous auriez possédé le monde. Maintenant il n’y a ni pays heureux, ni paix, ni beauté à posséder, mais personne ne peut être dépouillé de sa fantaisie. […]
Orson Welles est devenu un fabricant de rêves, un magicien des sons, un poète, un cinéaste.
Quand l’écran lui appartient, nous lui appartenons.
Séquences fluides, gros plans, mots, mouvements de caméra ;
L’œil de la caméra d’Orson Welles,
Regardant, scrutant, contemplant, glissant, crée le charme qui rompt le mauvais sort.
Nous regardons.
Nous savons que nous ne serons pas trompés. […]
Un poète nous aide à vivre. Un homme libre est partout »
Lorsque l’on retrace le parcours de Jeanne Moreau, actrice et inspiratrice, elle-même cinéaste (Lumière et L’Adolescente), on croise à maintes reprises la liberté. C’est à cela que la Cinémathèque rend hommage. »
« Jules et Jim« 

Les 21 et 27 novembre 201728 mars à 15 h 05, 3 avril à 15 h et 9 avril 2018 à 15 h 05, Histoire diffusa Il était une fois… Jules et Jim (Folamour Production, 2004). « Tous les grands films sont des témoignages exceptionnels de l’époque où ils ont été conçus. Cette collection dresse le portrait d’un cinéaste à un moment de sa vie, à travers l’un de ses films. Portrait d’une époque, portrait d’un cinéaste, portrait d’un long-métrage et grande leçon de cinéma. « Il était une fois en 1962, Jules et Jim« , le troisième film de François Truffaut, adapté d’un roman de Henri-Pierre Roché. Ce film raconte l’histoire de deux amis, Jules l’Allemand et Jim le Français, qui aiment les femmes, mais lorsqu’ils rencontrent Catherine : ils tombent tous les trois amoureux ».

Sorti en 1962, le film est adapté du roman du même nom de Henri-Pierre Roché.

Il entrelace deux histoires d’amour – celle entre Jules et Catherine, celle entre Jim et son épouse Catherine – vécues un long moment, alternativement ou simultanément, sans apparemment que nul n’en souffre.

Mais la scène finale révèle le refus létal de Catherine que Jim mette un terme à leur relation amoureuse et vive une histoire d’amour avec une autre femme.

Jeanne Moreau y interprète la chanson « Le tourbillon », écrite par Serge Revzani (Cyrus Bassiak).

« Le Train »
Arte diffusera le 28 mars 2021 « Le train » (Der Zug) de John Frankenheimer et Bernard Farrel (1964). Suzanne Flon y incarne Rose Valland, l’attachée de conservation au musée du Jeu de Paume à Paris qui a contribué à préserver des œuvres du patrimoine national convoitées par les nazis et dont un très grand nombre a été convoyé vers l’Allemagne.
« Après le débarquement allié, les Allemands veulent emporter par le train des tableaux de grande valeur en Allemagne ». Le colonel Franz von Waldheim veut envoyer par un train spécial en direction de l’Allemagne les oeuvres d’art stockées au musée du Jeu de Paume. « Mais la conservatrice du musée alerte la résistance-fer. Sous la direction tenace de Labiche, sous-chef du secteur ferroviaire, toute la ligne où le convoi doit passer est sur le pied de guerre ».
 
« Alors que la libération de Paris approche, des résistants tentent d’empêcher un train contenant d’inestimables œuvres d’art volées d’arriver jusqu’à Berlin… »
« Par John Frankenheimer, un film d’action historique avec Burt Lancaster, Jeanne Moreau, Michel Simon et Suzanne Flon. »
« Paris, début août 1944. Le colonel Franz von Waldheim, grand amateur d’art, a la haute main sur les œuvres dites « dégénérées » spoliées en France par les nazis. Alors que les Alliés poursuivent leur avancée vers la capitale, l’officier de la Wehrmacht accélère les opérations pour transporter vers l’Allemagne des dizaines de toiles signées Picasso, Miró, Degas ou encore Renoir. Informé par Mlle Villard de la nature du précieux chargement, le résistant Paul Labiche mobilise des cheminots pour empêcher le convoi de quitter le pays. »
« Peu après le début du tournage, Arthur Penn, auquel la réalisation avait été confiée, est débarqué par la production, Burt Lancaster l’ayant alertée du… train trop paisible que prenait le film. Le comédien fait appeler à la rescousse John Frankenheimer, qui l’avait déjà dirigé dans Le temps du châtiment et Le prisonnier d’Alcatraz, pariant, à raison, que sa mise en scène transformera en course contre la montre le périlleux sauvetage dont son personnage prend les commandes ».
« Inspiré d’un récit que fit, après-guerre, Rose Valland, l’ancienne attachée de conservation du musée du Jeu de Paume sous l’Occupation, le trajet du convoi est ponctué de bombardements alliés sur les gares, mais surtout des sabotages héroïques commis par les cheminots résistants auxquels Le train rend hommage ».
« Réunissant aux côtés de Burt Lancaster une poignée de comédiens français, parmi lesquels Michel Simon, Suzanne Flon et Jeanne Moreau, un film d’action historique mené de main de maître, diffusé par ARTE en version restaurée. »
https://www.arte.tv/fr/videos/098025-000-A/le-train/
Pierre Cardin

Pierre Cardin a aussi habillé les personnages de la série britannique au succès mondial, Chapon melon et bottes de cuir, et l’actrice Jeanne Moreau, alors sa compagne, à la ville et à l’écran, notamment dans La Mariée était en noirde François Truffaut.

« La mariée était en noir »

Arte diffusa le 19 octobre 2020 « La mariée était en noir » (Die Braut trug schwarz) de François Truffaut.

« Une femme décide de venger son mari assassiné sous ses yeux le jour de leurs noces… En version restaurée, un hommage de François Truffaut à Alfred Hitchcock, porté par Jeanne Moreau. La sublime et fatale Jeanne Moreau y est entourée d’une pléiade d’exquis acteurs : Michel Bouquet, Jean-Claude Brialy, Charles Denner, Claude Rich, et Michael Lonsdale, décédé le 21 septembre dernier ».

« Julie et David viennent de se marier. Mais alors qu’il sort de l’église au bras de son épouse, David est abattu d’une balle venue d’on ne sait où. La mariée devenue veuve se lance à la recherche de l’assassin. Plusieurs hommes, pour leur malheur, croiseront son chemin… »

« Lorsqu’il réalise La mariée était en noir, adaptation du roman éponyme de William Irish, François Truffaut sort du demi-échec commercial de Fahrenheit 451 et travaille à son fameux livre d’entretiens avec Alfred Hitchcock ».

« De fait, de l’atmosphère à la direction artistique, en passant par la musique signée Bernard Herrmann, compositeur attitré du Britannique, aucun film du cinéaste n’a été aussi ouvertement influencé par l’œuvre du maître du suspense ».

« Plus que les meurtres successifs des assassins du mari, c’est la relation de Julie avec le dernier d’entre eux, Fergus, qui a vraiment inspiré Truffaut ».

« En plaçant le dénouement de l’histoire au milieu du film, il se consacre entièrement, dans la seconde partie, à son étude. Fasciné par les liens entre l’amour et la mort, le réalisateur livre ici sa vision personnelle de la femme fatale, entourée d’hommes lâches et immatures ».

« Aussi fantomatique que vénéneuse, Jeanne Moreau épouse le rôle d’une mariée qui n’est pas sans évoquer l’héroïne vengeresse de Kill Bill de Quentin Tarantino ».

Une femme enfermée dans sa passion amoureuse et son projet meurtrier, incapable ou refusant de saisir la chance de renouer une relation amoureuse avec le peintre Fergus, interprété de manière bouleversante par Charles Denner.

 

« Veuve le jour de son mariage, Julie Kohler se transforme en ange de la vengeance et élimine un à un les responsables de la mort de son époux, l’amour de sa vie. Mal aimé par les exégètes du cinéaste et par son auteur lui-même, La mariée était en noir est un film étrange dans lequel Truffaut tente d’appliquer les principes de son maître Alfred Hitchcock, sans pour autant renoncer à sa propre personnalité de cinéaste. Cela donne un résultat paradoxal », a analysé Olivier Père.

Et de poursuivre : « Les citations visuelles ou musicales – Truffaut emprunte à Hitchcock son compositeur fétiche, Bernard Herrmann – ne font que souligner les différences qui existent entre La mariée était en noir et les films du cinéaste anglais. Truffaut ne laisse pas vraiment la place au suspens, et refuse de diaboliser les coupables, décrits comme des échantillons de masculinité ridicules ou pathétiques – ils sont interprétés par les géniaux Michel Bouquet, Michael Lonsdale ou Charles Denner. Truffaut, français jusqu’au bout des ongles, ne parvient jamais au niveau de sophistication et de « glamour » de son modèle. Il y a dans son film une trivialité inséparable des personnages et des décors qu’il décrit, malgré des intentions déréalisantes qui emmènent parfois La mariée était en noir sur les territoires de l’onirisme. Jeanne Moreau hante le film comme un fantôme. Elle exécute son plan de manière méthodique, avec une sorte de folie froide. La mariée était en noir rejoint les grands films monomaniaques de Truffaut, qui imagine une héroïne obsédée par la mort. Le programme de cette adaptation française d’un roman de William Irish fait immanquablement penser à Kill Bill. Quentin Tarantino a pourtant déclaré n’avoir jamais vu le film de Truffaut ».

« Troublante égérie  »
« Incarnation de la femme libre et anticonformiste à l’écran comme dans la vie, Jeanne Moreau a fait tourner la tête de nombreux réalisateurs pour lesquels elle fut plus qu’une muse. Retour sur trois rencontres déterminantes pour l’actrice. Par Marie Gérard.
Louis Malle
À 25 ans, ce jeune homme prometteur a déjà coréalisé le documentaire Le monde du silence avec le commandant Cousteau. Après dix ans de carrière au théâtre et au cinéma, Jeanne Moreau, 29 ans, ne se reconnaît pas dans le cinéma français traditionnel des années 1950.

Louis Malle la filme déambulant dans les rues de Paris sur une partition de Miles Davis, le visage et les émotions à nu, dans un film noir mythique, Ascenseur pour l’échafaud (1958). Entre l’actrice et le cinéaste naît une passion qui irrigue leur film suivant, Les amants, objet de scandale. « C’est le premier film qui a été fait pour moi », dira Jeanne Moreau. Mais Louis Malle la quitte en 1958. Il lui offrira néanmoins un petit rôle dans son chef-d’œuvre, Le feu follet, puis orchestrera son duo avec l’autre grande star française de l’époque, Brigitte Bardot, dans l’explosive comédie Viva Maria, en 1965.

Admirateur déclaré, le jeune critique écrivait en 1957 dans Les cahiers du cinéma qu’elle était « la plus grande amoureuse du cinéma français ». Ils deviennent amis intimes, Jeanne fait notamment une apparition dans Les quatre cents coups et le cinéaste ne voit qu’elle pour jouer Catherine, une femme amoureuse de deux amis, dans Jules et Jim en 1962. L’actrice s’y montre éblouissante : à la fois légère, drôle, fatale et tragique. Elle débute aussi une fructueuse carrière de chanteuse grâce au succès de la chanson Le tourbillon, de son ami Serge Rezvani, qu’elle interprète dans le film de Truffaut. Ce dernier vit une brève histoire d’amour avec son égérie quelques années plus tard, avant de lui confier un rôle hitchcockien dans La mariée était en noir en 1967. Ils resteront proches, François se réfugiant souvent dans la maison de Jeanne à La Garde-Freinet.

La toute jeune pensionnaire de la Comédie-Française y rencontre le réalisateur démiurge de Citizen Kane en 1951. S’ensuivra une amitié d’une fidélité sans faille jusqu’au décès de Welles en 1985. L’Américain en exil lui propose un petit rôle dans Le procès, d’après Kafka, en 1962, puis une partition shakespearienne dans son Falstaff (1965), où elle démontre sa parfaite maîtrise de l’anglais, la langue de sa mère, une danseuse britannique. Jeanne Moreau est surtout la troublante héroïne d’Une histoire immortelle, tiré d’un récit de Karen Blixen, que Welles tourne en couleur pour la télévision française en 1967. La star française joue aussi dans The Deep, un des nombreux films inachevés du génie mal-aimé d’Hollywood, dont elle louait la démesure créatrice, elle qui aura traversé plus d’un demi-siècle de cinéma éprise d’absolu et de liberté. »

« Jeanne Moreau, l’affranchie » de Virginie Linhart
France, Kuiv Productions, 2017, 54 min
Avec la participation de TV5MONDE, CINE + et la RTS Radio Télévision Suisse
En coproduction avec Arte et l’INA
Sur Arte le 28 mars 2021 à 23 h 05
Disponible du 21/03/2021 au 23/09/2021

« Le train » de John Frankenheimer 

France, Italie, États-Unis, 1964
Version restaurée
Scénario : Franklin Coen et Frank Davis, d’après Le front de l’art – Défense des collections françaises, 1939-1945 de Rose Valland
Production : Les Productions Artistes Associés, Les Films Ariane, Dear Film Produzione
Producteur : Jules Bricken
Image : Jean Tournier, Walter Wottitz
Montage : David Bretherton
Musique : Maurice Jarre
Avec Burt Lancaster (Paul Labiche), Paul Scofield (le colonel Franz von Waldheim), Jeanne Moreau (Christine), Michel Simon (« Papa » Boule), Suzanne Flon (Mademoiselle Villard), Wolfgang Preiss (major Herren), Albert Rémy (Didont)
Sur Arte le 28 mars 2021 à 20 h 55
Visuels :
Burt Lancaster (Paul Labiche) et Jeanne Moreau (Christine) dans le film  » Le train » de John Frankenheimer
Burt Lancaster (Paul Labiche) et Michel Simon ( » Papa » Boule) dans le film  » Le train » de John Frankenheimer
Scène du train qui déraille dans le film  » Le train » de John Frankenheimer
© 1964 Metro-Goldwyn-Mayer Stud© 1964 Metro-Goldwyn-Mayer Studio

« La mariée était en noir » de François TruffautFrance, Italie, 1968, 1 h 43mn. Version restaurée

Auteur : Wiliam Irish

Scénario : Jean-Louis Richard, François Truffaut

Production : Dino de Laurentiis Cinematografica, Les Films du Carrosse, Les Productions Artistes Associés

Producteurs : Marcel Berbert, Oscar Lewenstein

Image : Raoul Coutard

Montage : Claudine Bouché

Musique : Bernard Herrmann

Avec Jeanne Moreau (Julie Kohler), Michel Bouquet (Coral), Jean-Claude Brialy (Corey), Charles Denner (Fergus), Claude Rich (Bliss), Michael Lonsdale (René Morane), Daniel Boulanger (Delvaux), Serge Rousseau (David)

Sur Arte les 19 octobre 2020 à 20 h 55 et 6 novembre 2020 à 13 h 35

Visuels : © Metro Goldwyn Mayer

 

Les citations sur les films proviennent d’Arte.

[Source : http://www.veroniquechemla.info/%5D

 

 

Détail de la couverture du « Doulos » de Pierre Lesou, publié dans la Série Noire, en 1957.

Écrit par François Forestier

C’est en revoyant, pour la millième fois, le film de Jean-Pierre Melville que j’ai repris le livre de Pierre Lesou, ce « Doulos » publié dans la Série Noire, à la bonne époque, 1957. Franchement, le scénario de Melville suit, à la page près, l’intrigue du bouquin, avec quelques variantes minimes, surtout à la fin (dans le livre, Mado est avec Silien quand celui-ci est flingué. Dans le film, il est solo). Pour le reste, pas de lézard. Ah si, quand même : soupçonné d’être un indic, Silien (Belmondo dans le film) a un passé qui explique son amitié avec un flic, l’inspecteur Salignari (joué par Daniel Crohem).

Ce passé figure dans le livre :

« Silien et Salignari étaient amis. Ça ne datait pas d’hier. Ils avaient participé ensemble à la débâcle de 39, s’étaient fait prendre par les Allemands et s’étaient retrouvés dans le même stalag. Deux ans après, ils s’en étaient évadés sous les balles, avaient traversé l’Allemagne, la France, gagné le maquis. Et ils avaient combattu côte à côte, jusqu’à la libération. Puis, bizarrerie du sort, l’un était devenu truand et l’autre policier. Mais cela n’avait pas détruit leur amitié ».

Pierre Lesou, ici, donne les clés de toute la méprise : les pégriots se méfient de Silien, les flics aussi. Mauvaise donne : ça va saigner.

Un héros des combats

Curieusement, ce passé de guerre est gommé dans le film. C’est là qu’est l’énigme. Car Melville – de son vrai nom Jean-Pierre Grumbach – a été un héros, un vrai, pendant les combats. Non seulement il a rejoint la France Libre très tôt, mais il a participé au débarquement de Provence, puis aux terribles assauts du Monte Cassino (où, selon la chanson des soldats polonais, les champs sont couverts de coquelicots écarlates, couleur du sang versé).

De cette période, qu’il qualifiait de « plus belle » de sa vie, Melville a tiré un film, « Le Silence de la Mer », livre de Vercors qui a été violemment critiqué pour avoir brossé le portrait d’un nazi bien éduqué et hautement civilisé (selon Suzanne Blum, c’est même une tentative de blanchissage du nazisme). Par la suite, à la télévision, Melville a déclaré que s’il rencontrait un ancien nazi, il le considérerait comme un combattant « fraternel ». Étrange attitude, car le frère de Melville, Jacques, est tombé sous les balles d’un passeur, sur un sentier des Pyrénées, fuyant la barbarie nazie.

Soutien discutable

Autre question : comment Melville a-t-il pu coudoyer une ordure comme José Giovanni ? À l’époque (et pendant longtemps), on a cru que ce dernier avait eu des activités certes répréhensibles pendant la guerre, mais relevant uniquement du droit commun. Or, depuis peu, les dossiers exhumés par Franck Lhomeau (dans la revue « Temps Noir » n° 16) (1) permettent de savoir que Giovanni s’est livré à des pillages de familles juives, armes à la main, en compagnie des crapules de la milice. Melville ne pouvait l’ignorer. Pourtant, « Le Deuxième Souffle », adapté d’un livre de Giovanni, est sans doute le meilleur Melville. Il y a un mystère Melville, que ses tendances maniaco-dépressives n’expliquent pas.

Pierre Lesou, lui, a signé plusieurs autres polars (on sent parfois qu’il a bien connu le Milieu), dont « Cœur de Hareng » et « Main pleine ». Puis, sous divers pseudos recomposés (Pierre Vial, P.V. Lesou, P. Vial-Lesou), il a publié une dizaine de titres aux Presses de la Cité, nettement foireux. Ainsi, « Le Royaume des Grimaçants » ou « Nocturne pour un cadavre » sont limite illisibles. Quant au « Doulos », c’est de première bourre, croyez-moi. Depuis 1957, le bouquin a été réédité plein de fois, en Carré Noir (1983), chez Plon (2010), chez French Pulp Fiction (2017). Mais c’est l’édition originale, cartonnée, n° 357 de la Série Noire, qui est cador. Sur internet, on la trouve pour 3 euros. Même les radins peuvent en profiter.

(1) « José Giovanni n’avait pas choisi la Résistance… mais bien la collaboration », interview de Franck Lhomeau. L’Obs, 11 septembre 2013.

Le Doulos, par Pierre Lesou, Gallimard, 1957.

 

 

[Source : http://www.nouvelobs.com]

Le Mémorial de la Shoah a présenté l’exposition 30 ans après. Le procès Klaus Barbie. Lyon, 1987. « À l’occasion du 30e anniversaire de cet « événement retentissant, de cet événement historique, l’exposition retrace le déroulement du procès (37 jours d’audience, 107 témoins, 42 avocats) qui a marqué un tournant dans l’éveil de la mémoire de la Seconde Guerre mondiale et a libéré la parole des victimes ». Les 29 juillet à 7 h 10 et 31 juillet 2020 à 11 h 12, Toute l’Histoire diffusera « Jean Moulin / Klaus Barbie, la justice de l’Histoire« , documentaire de Sylvie Cozzolino. 

Publié par Véronique Chemla

« C’est cela le crime contre l’humanité, c’est tuer quelqu’un pour le seul motif

de sa naissance et il faut que cette mise à mort soit précédée d’une tentative

d’humiliation ».

André Frossard, rescapé de « la baraque aux Juifs » à Montluc, 

appelé à témoigner de ce qu’il avait vu et vécu, lors de la 

11ème audience du procès, le 25 mai 1987, 

devant la Cour d’assises de Lyon.

Il y a trente ans, le 11 mai 1987, débutait « à Lyon le premier procès pour crime contre l’humanité en France : la cour d’assises du Rhône va juger, condamner Klaus Barbie, ancien chef de la Gestapo de Lyon pendant l’Occupation, à la réclusion criminelle à perpétuité. Exceptionnellement, en vertu d’une loi voulue par Robert Badinter », alors ministre de la Justice, Garde des Sceaux lors du premier septennat du président de la République socialiste François Mitterrand, « ce procès va pouvoir être filmé entièrement ». Et ce, pour la première fois.

« Militaire allemand, officier SS sous le régime nazi, Klaus Barbie entre en novembre 1942 au Kommando de la SIPO-SD de Lyon, dont il prend rapidement la direction. Il est responsable du département IV, la police secrète d’État, qui dépend du RSHA, l’Office central de sécurité du Reich. À Lyon, il fait régner la terreur, commande des exécutions, des arrestations et des rafles de Juifs, ce qui lui vaut à l’époque le surnom de « boucher de Lyon ». Le 21 juin 1943, il arrête à Caluire Jean Moulin et le torture à mort. Réfugié en Bolivie après-guerre, il sera livré à la justice française le 5 février 1983. Les charges relevées contre lui seront : la rafle de l’Ugif rue Sainte-Catherine du 9 février 1943 (86 personnes arrêtées dont 79 déportées à Auschwitz), la rafle des enfants d’Izieu du 6 avril 1944 (44 enfants de 4 à 17 ans gazés dès leur arrivée à Auschwitz), et le dernier convoi des déportés du 11 août 1944. À l’issue du procès, Barbie est condamné à la réclusion criminelle à perpétuité ». 

À l’occasion du 30e anniversaire de cet « événement retentissant, de cet événement historique, l’exposition retrace le déroulement du procès (37 jours d’audience, 107 témoins, 42 avocats) qui a marqué un tournant dans l’éveil de la mémoire de la Seconde Guerre mondiale et a libéré la parole des victimes ».

L’exposition réunit « de très nombreux documents inédits, dont ceux qui ont servi à Serge et Beate Klarsfeld pour traquer Barbie, les enquêtes des services secrets, les interrogatoires de l’accusé, les notes du président de la cour d’assises, mais aussi les moyens d’enregistrement des débats (appareil de sténotypie, emplacement des caméras, cassettes d’enregistrement, etc.)

Parmi les documents présentés, « la pièce maîtresse de l’accusation : le télégramme signé par Klaus Barbie et envoyé après la rafle des 44 enfants d’Izieu ». Il est conservé au Mémorial de la Shoah.

Le visiteur peut « visionner l’intégralité des 37 audiences du procès de Klaus Barbie à Lyon (avec l’autorisation exceptionnelle du Tribunal de grande instance de Paris et le partenariat de l’Ina) ainsi que les journaux télévisés de l’époque qui rendent compte de l’onde de choc provoquée en France et à l’étranger et mettent en lumière le réveil de la mémoire juive et résistante après le procès ». « Au titre de la loi du 11 juillet 1985, le procès de Klaus Barbie pour crimes contre l’humanité a donné lieu à un enregistrement. L’Institut national de l’audiovisuel a reçu de l’État la mission de conserver, numériser et communiquer au public les images de ce procès, ainsi que celles des procès historiques de Paul Touvier (1994) et Maurice Papon (1997). Par ordonnance rendue le 19 décembre 2016 sur requête du Mémorial de la Shoah, le président du Tribunal de grande instance de Paris a autorisé la reproduction et la diffusion, dans le cadre de l’exposition consacrée au procès de Klaus Barbie au Mémorial de la Shoah du 30 mars au 29 octobre 2017, de l’intégralité des archives audiovisuelles enregistrées lors de ce procès tenu devant la cour d’assises du Rhône du 11 mai au 4 juillet 1987. Premier procès à être entièrement filmé, on pourra voir les 157 heures du procès jamais diffusées jusqu’à aujourd’hui dans leur intégralité et comprendre dans quelles conditions il a été enregistré avec notamment l’emplacement des caméras. Des images inoubliables ».

Le dernier panneau de l’exposition sur le « réveil de la mémoire » laisse dubitatif. D’une part, il ne respecte pas la chronologie en faisant précéder le tournage de L’Armée des ombres de Jean-Pierre Melville (1969) par l’ouverture en 1992 du Centre d’Histoire de la Résistance et de la Déportation (CHRD) dans l’ancienne École de santé militaire, occupée par la Gestapo (printemps 1943-1944), et où Klaus Barbie dirigeait violemment ses interrogatoires. D’autre part, il conclut sur les condamnations de Paul Touvier en 1994 et de Maurice Papon en 1998. Triomphe de la justice ? À nuancer. Maurice Papon n’a pas purgé toute sa peine en prison, car il a bénéficié de la « loi Kouchner » et a été libéré après trois ans de détention. Surtout, l’exposition demeure silencieuse sur l’enlisement sciemment organisé – vraisemblablement à l’initiative du président de la République François Mitterrand et de ses ministres de la Justice successifs – des instructions judiciaires ayant visé René Bousquet (1909-1993), secrétaire général de la police du régime de Vichy et organisateur de la rafle du Vélodrome d’Hiver de juillet 1942.

À quand une exposition au Mémorial de la Shoah sur le sort des Juifs des empires coloniaux pendant la Deuxième Guerre mondiale ou sur les alliances entre la croix gammée et le croissant ?

Autour de cette exposition bénéficiant d’un site internet dédié qui « présente des images filmées du procès, des ressources et des repères historiques », des projections et rencontres ont été organisées « au Mémorial de la Shoah : la diffusion le 14 mai 2017 du film de Marcel Ophüls : Hôtel Terminus, Klaus Barbie, sa vie, son temps (Allemagne, documentaire, 256 mn, JW Production, 1988) en présence du réalisateur, et Samuel Blumenfeld, journaliste au Monde – « mené comme une enquête policière, pendant 2 ans et avec plus de 80 personnes interviewées dans le monde entier, Hôtel Terminus met en lumière des témoignages inédits sur la personnalité, les crimes et la traque de Klaus Barbie » -, un retour le 11 mai 2017 sur le procès de Klaus Barbie en présence de Jean-Olivier Viout, ancien adjoint du procureur général, Serge Klarsfeld, ancien avocat des parties civiles, fondateur de l’Association des Fils et Filles des déportés juifs de France et Alain Jakubowicz, ancien avocat des parties civiles. Animée par Dominique Missika, historienne, éditrice, et commissaire de l’exposition, une conférence sur les 30 ans du procès – en 1987, pour la première fois en France un accusé répond d’un crime contre l’humanité. 30 ans plus tard, quelle est la véritable portée de ce procès ? Quelle place occupe-t-il dans la construction de la mémoire de la Shoah ? Que nous apportent les archives audiovisuelles d’un tel procès ? – en présence de Françoise Banat-Berger, directrice des Archives nationales, Jérôme Clément, fondateur d’Arte, Denis Salas, magistrat, président de l’Association française pour l’histoire de la justice (AFHJ), Sorj Chalandon, journaliste et écrivain, et Jean-Marie Cavada, journaliste. A été projeté en présence des réalisateurs « Moi, petite fille de 13 ans : Simone Lagrange témoigne d’Auschwitz » d’Élisabeth Coronel, Florence Gaillard et Arnaud de Mezamat (France, documentaire, 89 mn, Abacaris Films, 2009) : « Déportée à l’âge de treize ans, Simone Lagrange est une survivante d’Auschwitz-Birkenau et l’un des témoins majeurs du procès Barbie. Le film recueille son récit. Dans la vigueur de sa parole, se retrouvent l’enfant qu’elle était, autant que la révolte et la ténacité qui ont toujours été siennes ». 

Le 21 mai 2017, a été montré « Klaus Altmann alias Barbie – La seconde vie du « boucher de Lyon » de Peter F. Müller et Michael Mueller (France, documentaire, 52 mn, Filmfabrik, Arte, 2015) : « En 1983, Klaus Barbie rédige sa biographie dans la prison de Montluc. En 180 pages, il retrace son parcours au bénéfice de services secrets internationaux, de dictatures d’Amérique latine, de filières d’anciens nazis et de trafiquants d’armes, de devises et de drogues. Grâce à des archives inédites émanant d’agences de renseignement occidentales et des autorités boliviennes, les activités de Barbie et les complicités dont il a bénéficié sont reconstituées avec précision ». 

Les commissaires de l’exposition sont Dominique Missika, historienne, éditrice, productrice, Karen Taieb, responsable des Archives au Mémorial de la Shoah. La recherche et la documentation ont été assurées par Karen Taieb, ainsi que par Sophie Nagiscarde, Mémorial de la Shoah, et la muséographie par Patrick Absalon. 

Événement sans précédent

« Ce retour sur le procès Barbie se justifie dans la mesure où il appartient à la mémoire collective de la France. C’est un événement sans précédent, une sorte de « procès spectacle », un moment unique qui marque un basculement. Pour la première fois, un criminel nazi est jugé en France pour crime contre l’humanité. 800 journalistes sont présents, 107 témoins, 42 avocats, et un accusé, l’ancien chef de la Gestapo de Lyon. Ce procès, à la fin des années 80, braque la lumière sur les victimes juives et moins sur les résistants. La France entière est bouleversée par la rafle des 44 enfants d’Izieu et le récit des rescapés d’Auschwitz. Le récit des tortures infligées par Barbie aux résistants et en particulier aux femmes, frappe. L’onde de choc provoqué par ce procès qui dure près de sept semaines est si forte qu’elle donne lieu à une série de livres, de débats, et de films, tout en encourageant le témoignage des survivants dans les écoles et les lycées. C’est un tournant dans la mémoire de l’Occupation », explique Dominique Missika, commissaire de l’exposition. 

Et d’ajouter : « Sans la traque de l’ancien criminel nazi par les époux Klarsfeld  lancés à sa poursuite de juin 1971 jusqu’à son incarcération à la prison Montluc en février 1983, il n’y aurait pas eu de procès. Nous montrons le formidable périple accompli par Beate et les deux mères, Fortunée Benguigui et Ita-Rosa Halaunbrenner dont les enfants ont été raflés et déportés par Barbie, pour réclamer l’extradition de Klaus Barbie, qui se cache sous l’identité de Klaus Altmann en Bolivie. Autre document jamais montré au public dans une exposition, l’original du télex d’Izieu conservé au Mémorial dans lequel Barbie annonce à la Gestapo la liquidation de ce foyer d’enfants juifs dans un hameau de l’Ain et leur transfert à Drancy, d’où ils partiront pour Auschwitz. C’est la pièce maîtresse de l’accusation, qui avait déjà été produite au procès de Nuremberg par la France comme preuve des crimes perpétrés par les nazis en France. Outre l’original, on montre la copie authentifiée conservée aux Archives nationales à Washington et les scellés apposés au moment du procès. On découvrira pour la première fois les enquêtes es services secrets, les interrogatoires de l’accusé en 1948 et en 1983, les pièces du dossier de l’instruction, et les notes du président de la Cour d’Assises, et la multitude d’articles, de reportages, de débats à la une des journaux de la presse écrite ou de la télévision ». 

Qui est Klaus Barbie ?

Né le 15 octobre 1913 à Bad-Godesberg (Rhénanie-Westphalie), Klaus Barbie « rejoint les Jeunesses hitlériennes en 1933 ». 

Dès 1935, il « est recruté par le Sicherheitsdienst (SD), service de sécurité du parti nazi sous les ordres d’Helmut Knochen, futur chef adjoint de la SIPO-SD en France occupée ». 

Après Amsterdam, Klaus Barbie « est envoyé à Lyon et prend la tête de la section IV de la Gestapo (police secrète d’État allemande) qui dépend de l’office central de sécurité du Reich ». 

À Lyon, il « fait régner la terreur, commande des exécutions, des arrestations et des rafles de juifs, ce qui lui vaut à l’époque le surnom de « boucher de Lyon ». Le 21 juin 1943, il arrête à Caluire Jean Moulin et le torture à mort ».

À la Libération en 1944, Barbie fuit.

De 1947 à 1951, le « contre-espionnage américain (CIC) le recrute et apprécie son expérience du renseignement et son anticommunisme, alors que c’est un criminel de guerre recherché en particulier par la France ». 

En 1952 et 1954, il « est même condamné à mort par contumace par le Tribunal militaire de Lyon pour arrestations, tortures, pillages, exécutions massives d’otages, et déportations ». 

Klaus Barbie « se réfugie en Bolivie grâce aux Américains, où il vit sous le nom de Klaus Altmann et met son sinistre savoir-faire au service de la junte militaire au pouvoir ». 

Le « renseignement allemand l’emploie à son tour jusqu’en 1966 ».

Les « services secrets américains dupent les Français, en prétendant avoir perdu le contact avec leur ancien agent ».

Barbie demeurera « fidèle à l’idéologie nationale socialiste jusqu’à la fin de sa vie ».

La traque (1971-1983) 

En juin 1971, le « parquet de Munich décide de rendre un non-lieu en faveur du « boucher de Lyon ».

« Alertés, les époux Klarsfeld se mobilisent pour faire rouvrir son dossier. Ils réunissent une à une les preuves des crimes qu’il a commis en France et pour lesquels il n’a pas déjà été condamné ». 

Le 20 février 1972, Beate Klarsfeld « fait scandale en s’enchaînant sur un banc à La Paz avec Ita-Rosa Halaunbrenner, qui a perdu son mari et ses trois enfants du fait de Klaus Barbie ». 

« Après les différents refus de la Bolivie d’accorder son extradition, Serge Klarsfeld envisage son enlèvement comme Eichmann, mais le projet n’aboutit pas ». 

Quand l’ORTF (L’Office de radiodiffusion-télévision française) « diffuse un entretien réalisé par le journaliste Ladislas de Hoyos, « deux de ses victimes, le résistant Raymond Aubrac et Simone Kaddoshe-Lagrange, déportée à 14 ans, le reconnaissent et confirment qu’Altmann est bien Barbie ». 

Un « mandat d’arrêt international est délivré contre lui le 3 novembre 1982 ». 

Le « changement de régime en Bolivie et la pression du gouvernement finit par aboutir à son expulsion. Il est livré aux autorités françaises en Guyane, à Cayenne ». 

Le 5 février 1983, il « arrive à l’aérodrome de Bron et passe sa première nuit à Montluc, lieu de ses crimes, puis il est transféré à la prison Saint-Joseph de Lyon ». 

L’instruction (février 1983-octobre 1985). Le dossier. 

« À partir du moment où les crimes de guerre pour lesquels l’accusé a déjà été condamné sont prescrits depuis 1974, il revient au juge d’instruction Christian Riss de rechercher des actes jusque-là ignorés et dont il se serait rendu coupable et susceptibles d’être qualifiés de crimes contre l’humanité, c’est-à-dire « imprescriptibles par nature ». 

« Au terme d’une instruction qui dure deux ans et demi, Klaus Barbie se voit principalement accusé de : 

– la rafle au siège de l’Union générale des israélites de France (UGIF) le 9 février 1943, rue Sainte-Catherine à Lyon; 

– la déportation des enfants juifs de la colonie d’Izieu dans l’Ain avec cinq adultes le 6 avril 1944 ; 

– la déportation d’environ 650 personnes par le dernier train qui quitte Lyon le 11 août 1944 sous escorte allemande ». 

Les preuves du crime contre l’humanité 

« Le crime imprescriptible contre l’humanité est constitué (…) par des actes inhumains et des persécutions qui, au nom d’un État pratiquant une politique d’hégémonie idéologique, ont été commis de façon systématique, non seulement contre des personnes en raison de leur appartenance à une collectivité raciale ou religieuse, mais aussi contre les adversaires de cette politique, quelle que soit la forme de leur opposition. » 

Klaus Barbie « assure n’avoir gardé aucun souvenir ni des faits qui lui sont reprochés ni des victimes dont on lui parle. S’il a interrogé des résistants, c’est sans les avoir torturés. Il affirme aussi ignorer le sort réservé à ceux qu’ils déportent ». 

« Quarante ans après les faits, on lui oppose, outre des témoins directs, des rapports signés de lui, dont l’un le surlendemain de la rafle de l’UGIF (Union générale des israélites de France), et l’autre, le soir, au retour de l’expédition à Izieu. De ces pièces qui décrivent les opérations accomplies, comptabilisent les personnes arrêtées, annoncent leur acheminement », Barbie avec son défenseur, Me Jacques Vergès, affirme qu’il s’agit de faux.

« Mais les originaux sont authentifiés. Et, il est établi qu’aucun ordre n’est venu d’ailleurs. Á défaut d’un document établissant sa responsabilité dans le départ du dernier convoi de déportés, plusieurs témoins incarcérés à Montluc identifient Barbie et se souviennent de l’avoir vu se rendre dans les cellules pour choisir ceux et celles qui allaient être déportés ». 

Le procès 

Le procès Barbie « étant un procès d’assises ordinaire, la loi exige un procès sur les lieux du crime, donc à Lyon ». 

La « cour d’assises du Rhône est composée de son président André Cerdini, 57 ans, et ses deux assesseurs. Pierre Truche, 58 ans, procureur général, assisté de Jean-Olivier Viout, 41 ans, substitut général, occupe le siège du ministère public. Les jurés, quatre femmes et cinq hommes, qui pour la plupart n’ont pas connu la guerre, ont été tirés au sort. On compte 107 parties civiles, 42 avocats, dont 3 pour la défense. L’accusé bénéficie de deux interprètes ». 

Le procès « a nécessité l’aménagement de la salle des pas-perdus du Palais de Justice de Lyon en salle d’audience pour contenir parties civiles, témoins, journalistes, curieux… En haut, les huissiers, les greffiers et les gardes. Les avocats des parties civiles qui occupent toute la partie droite de l’estrade, à droite du président, sur trois niveaux. A gauche du box aux vitres blindées, l’accusé est entouré de ses interprètes ». 

« Magistrats allemands spécialisés dans la recherche d’anciens nazis et experts de l’organisation et de la persécution des Juifs en France, témoins directs, ayant eu affaire personnellement ou aux services de l’accusé, témoins de la défense, témoins d’intérêt général dits aussi « grands témoins », experts scientifiques pour authentifier les pièces à conviction, défilent à la barre ». 

« Au terme de 8 semaines d’audience, Barbie a été condamné le 4 juillet 1987 à la réclusion criminelle à perpétuité. « À

toutes les questions portant sur la culpabilité, il a été répondu oui à la majorité d’au moins huit voix… » André Cerdini, président, lit le verdict : Klaus Barbie est condamné à la réclusion criminelle à perpétuité. 

Un procès médiatique et filmé 

« Je suis détenu illégalement…Je n’ai plus l’intention de comparaître devant ce tribunal », affirme Klaus Barbie, lors de la troisième audience. 

« À partir du 3e jour, Barbie refuse de comparaître. À chaque début d’audience, le président, après avoir constaté l’absence de l’accusé dans son box, dépêche un huissier muni d’une sommation à comparaître, suspend l’audience, attend la réponse, et ordonne de continuer les débats sans Klaus Barbie ». 

La « stratégie de son défenseur Me Vergès dite défense de rupture, consiste à traîner le peuple français sur le banc des accusés pour les exactions commises dans ses anciennes colonies et à salir la Résistance, en menaçant de révéler les noms de ceux qui lui auraient livré Jean Moulin. Ses fracassantes déclarations déclenchent de vives polémiques mais ses manœuvres de diversion échouent et restent sans suite ». 

« Puis, après le refus de comparaître de Klaus Barbie à l’audience, l’intérêt faiblit mais revient en force avec les témoignages des rescapés des camps, en particulier des femmes qui bouleversent la France entière par le récit de leurs souffrances à la barre du tribunal. « Six millions de mort étaient avec moi aujourd’hui : s’ils ont marqué le jury, j’aurais gagné quelque chose », déclare Simone Kadoshe-Lagrange, arrêtée par Klaus Barbie et déportée à Auschwitz. La tragédie des 44 enfants d’Izieu se retrouve à la une des journaux du monde entier ». 

« À l’initiative du garde des sceaux de l’époque, Robert Badinter, une loi votée le 11 juillet 1985, autorise la présence des caméras dans les prétoires pour les débats qui présentent un « intérêt pour les constitutions d’archives audiovisuelles de la justice ». 145 heures sont enregistrées par quatre caméras fixes, deux de chaque côté, une autre fixée au fond de la salle d’audience et une quatrième derrière le président, face aux témoins. Les bandes enregistrées sont cachetées et acheminées au ministère de la Justice à Paris. Plusieurs sténotypistes se relayent pour taper les actes des audiences ». 

Le réveil de la mémoire 

Ce « procès libère la parole des victimes et ouvre une nouvelle étape dans la construction de la mémoire de la Seconde Guerre mondiale. TF1 diffuse en quatre soirées Shoah de Claude Lanzmann et le succès est au rendez-vous. Livres, films, documentaires, pièces de théâtre, voyages scolaires dans les camps, rencontres d’élèves avec d’anciens déportés se multiplient dans la foulée ». 

« Fruit de la vague d’émotion soulevée par le procès Barbie, le Centre d’histoire de la Résistance et de la déportation ouvre ses portes le 15 octobre 1992 dans l’ancienne école du service de santé militaire de Lyon, le n°14 de l’avenue Berthelot où officiait la Gestapo sous l’autorité de Klaus Barbie. Jean-Pierre Melville y tourne des séquences de L’Armée des ombres. Un montage de quarante-cinq minutes des dépositions des principaux témoins y est diffusé en boucle ». Aucun respect de la chronologie. Quand j’ai interrogé Dominique Missika, commissaire de l’exposition, lors du vernissage presse, elle a rechigné à reconnaître la faute. Comment aucune relecture, par les commissaires de l’exposition, a pu laisser passer cette faute sur un film célèbre.

« Grâce à une souscription, la maison où les 44 enfants avaient été raflés est rachetée et le dimanche 24 avril 1994, François Mitterrand, alors président de la République, inaugure la Mémorial des enfants d’Izieu ». Bravo, Mitterrand ?! Le même qui, avec ses ministres de la Justice, a joué la montre pour éviter un procès pour crime contre l’Humanité à René Bousquet, invité à la table familiale de la résidence secondaire de François Mitterrand à Latche.

En 2010, la « prison de Montluc où se trouvait la sinistre « baraque aux Juifs », devient à son tour un lieu de mémoire ».

Evénements

Les 23 novembre à 23 h et 27 novembre 2017 à 1 h 35, France 3 diffusa Klaus Barbie, un procès pour mémoire, documentaire réalisé par Jérôme Lambert, Philippe Picard (1 h 12). « Le 11 mai 1987, après des années de traque, Klaus Barbie, le meurtrier de Jean Moulin et responsable de la déportation de milliers de juifs de France, se retrouve devant la Cour d’assises de Lyon. Pour la première fois en France, un homme est jugé pour crime contre l’humanité. Ce procès démesuré, avec 106 témoins, 40 avocats et 800 journalistes accrédités pour 6 semaines d’audience, a été exceptionnellement filmé dans son intégralité. À partir de ces images et des témoignages de ceux et celles qui y participèrent, les auteurs du documentaire ont voulu restituer ce moment unique dans l’histoire judiciaire. Le procès de Klaus Barbie représente un moment de bascule pour la société française, qui prend alors conscience de la réalité de la Shoah ».

Le 13 mai 2018 à 15 h 15, le Centre d’histoire de la Résistance et de la Déportation à Lyon proposera une visite thématique sur ce procès. « Le 4 juillet 1987, au terme de huit semaines de procès, Klaus Barbie est reconnu coupable de crimes contre l’humanité avec circonstances aggravantes et sans circonstances atténuantes. La cour d’assises du Rhône le condamne à la réclusion criminelle à perpétuité. Ce procès qui s’est tenu à Lyon, du 11 mai au 3 juillet 1987, est le premier organisé en France pour crimes contre l’humanité. Il constitue une étape importante dans la lente maturation de la notion de crime contre l’humanité, dans l’historiographie de la période de la Seconde Guerre mondiale et dans la construction de la mémoire collective et du droit de notre pays. »

Toute l’Histoire diffusa le 30 mai 2019 à 13 h 27 « Klaus Barbie : la traque », documentaire de Christophe Brûlé et Vincent Tejero (2017, 75 minutes. « Au hit-parade des pires personnages de l’histoire, se tient en bonne place un des tortionnaires les plus tristement célèbres du IIIè Reich : Klaus Barbie. Son surnom est éloquent: « Le Boucher de Lyon ». « Parmi les pires personnages de l’histoire se tient un des monstres les plus tristement célèbres du IIIe Reich : Klaus Barbie, le « Boucher de Lyon » où il a dirigé la Gestapo en 1943-44. Assassin de Jean Moulin, le chef de la résistance française, Klaus Barbie a torturé  ou déporté 14000 résistants et envoyé dans les camps plus de 7500 juifs, dont les 44 enfants d’Izieu. Le plus jeune avait 4 ans. Un criminel insaisissable qui a réussi à échapper pendant presque 40 ans à la justice française, tout en la narguant. Sa longue cavale est un incroyable film. Pourquoi a-t-il échappé aux Français qui l’avaient pourtant retrouvé en Allemagne dès 1949 ? Comment est-il devenu un agent de la CIA ? Qui a organisé sa fuite en Amérique latine ? Quels rôles sombres y jouaient des réseaux d’anciens SS ? Comment a-t-il pu devenir trafiquant d’armes pour le compte des services secrets allemands ? Pourquoi les dictateurs boliviens ont-ils voulu faire de lui le chef de leurs escadrons de la mort ? Qu’en disent ceux qu’il a fait torturer ? Quel rôle a-t-il joué dans la traque de Che Guevara ? Pourquoi la France l’a-t-elle employé comme vendeur d’armes en 1978 ? Comment les époux Klarsfeld ont-ils réussi à le retrouver ? Il sera finalement condamné à perpétuité pour 17 crimes contre l’Humanité à Lyon en 1987. Ce film épique retrace en détails l’histoire secrète de la traque de Klaus Barbie. Et révèle, grâce à l’accès à des archives inédites, les protections scandaleuses que lui ont assuré les services secrets allemands et américains, mais aussi l’attitude choquante des autorités françaises. »

Les 29 juillet à 7 h 10 et 31 juillet 2020 à 11 h 12, Toute l’Histoire diffusera « Jean Moulin / Klaus Barbie, la justice de l’Histoire« , documentaire de Sylvie Cozzolino. « Jean Moulin a eu plusieurs vies : unificateur de la résistance française, martyr torturé par la gestapo, oublié de l’après-guerre puis héros. De l’ombre à la lumière, le nom de Jean Moulin reste depuis 70 ans lié à celui de son bourreau Klaus Barbie. Ce rapprochement dans l’histoire a contribué à la postérité du résistant. Le film retrace les itinéraires de Jean Moulin et celui de Klaus Barbie, chef de la gestapo à Lyon, du 11 novembre 1942 au 21 juin 1943, date de l’arrestation de Jean Moulin. »

« Depuis le 21 juin 1943, date de l’arrestation de Jean Moulin à Caluire, le nom du chef de la Résistance reste intimement lié à celui de son bourreau, le chef de la Gestapo lyonnaise, Klaus Barbie. En suivant le fil de grands événements, comme l’arrestation de Jean Moulin, l’entrée de ses cendres au Panthéon en 1964 ou encore le procès de Klaus Barbie à Lyon en 1987, Sylvie Cozzolino retrace, à travers interviews, documents d’archives et séquences reconstituées sous forme de fictions, les trajectoires historiographiques parallèles du bourreau et de sa victime. Et pose une question : Klaus Barbie n’a-t-il pas contribué de manière inattendue à la postérité de Jean Moulin ? »

« Jean Moulin / Klaus Barbie, la justice de l’Histoire » de Sylvie Cozzolino
France, Amda production, France 3 Auvergne Rhône-Alpes, 2012, 55 minutes
Sur Toute l’Histoire les 29 juillet à 7 h 10 et 31 juillet 2020 à 11 h 12
Visuel : © Amda production1

Du 30 mars au 15 octobre 2017

17, rue Geoffroy-l’Asnier. 75004 Paris

Tél. : 01 42 77 44 72

Tous les jours sauf le samedi, de 10 h à 18 h, et le jeudi jusqu’à 22 h.

Entrée libre

Visuels

Le procès de Klaus Barbie, un procès médiatique.
© Le Progrès de Lyon

Le procès du « boucher de Lyon » se déroule dans une ville sous haute tension. On craint des incidents et des manifestations.
© Le Progrès de Lyon

Télex d’Izieu
© Mémorial de la Shoah

Geneviève de Gaulle-Anthonioz interrogée par la presse le jour de son témoignage en tant qu’experte.
© Le Progrès de Lyon

Hôtel Terminus, film documentaire de Marcel Ophüls sorti en 1988. Il obtient l’Oscar® du meilleur film documentaire. Mémorial de la Shoah, Paris.
© Mémorial de la Shoah

Télex, photocopieurs, machines à écrire dans la salle de presse pour les 900 journalistes venus couvrir le procès.
© Le Progrès de Lyon

Croquis de Fortunée Benguigui lors de sa déposition le 2 juin 1987 par Noëlle Herrendschmidt alors dessinatrice au journal La Croix.
© Noëlle Herrendschmidt

Première page du rapport de la Croix Rouge de Vittel sur son assistance aux déportés du convoi parti de Lyon, 9 octobre 1944.
Maison du patrimoine de Vittel
© Maison du patrimoine de Vittel

Copie du mandat d’arrêt international émis par le juge d’instruction Christian Riss le 3 novembre 1982 à l’encontre de Klaus Barbie. Archives départementales du Rhône, Lyon.
© Archives départementales du Rhône

Procès-verbal de confrontation entre Klaus Barbie, Alexandre Halaunbrenner et Claudine Cohen, 5 mars 1984. Archives départementales du Rhône, Lyon.
© Archives départementales du Rhône

Le dossier d’instruction établi par le juge Riss comporte près de 23 000 pages.
© Le Progrès de Lyon

Elie Wiesel devant le palais de justice de Lyon.
© Le Progrès de Lyon

Serge Klarsfeld et Alain Jakubowicz, avocats des parties civiles, répondent aux questions des journalistes.
© Le Progrès de Lyon

Palais de justice de Lyon. La salle des pas perdus a été aménagée en salle d’audience pour accueillir les parties civiles et le public en grand nombre.
© Le Progrès de Lyon

Arrivée de Klaus Barbie au palais de justice de Lyon. De nombreuses conditions de sécurité sont prises pour éviter tout incident.
© Le Progrès de Lyon

Klaus Barbie dans son box avec son interprète.
© Le Progrès de Lyon

André Cerdini, président de la cour d’Assises du Rhône, qui juge Klaus Barbie, présente son badge d’accès à l’entrée du procès.
© Le Progrès de Lyon

La presse et les photographes aux marches du palais de justice de Lyon.
© Le Progrès de Lyon

Arrivée au palais de justice de Beate Klarsfeld avec Fortunée Benguigui et Ita-Rosa Halaunbrenner le jour de leur audition le 2 juin 1987.
© Le Progrès de Lyon

Vue de la cabine de régie, 1987.
© Creative Commons, Bibliothèque municipale de Lyon


Les citations proviennent du dossier de presse. Cet article a été publié le 10 octobre 2017, puis les 24 novembre 2017, 14 mai 2018, 29 mai 2019.

[Source : www.veroniquechemla.info]

Jeff : on appelait ainsi Joseph Kessel. Ça sonne bref, ça claque. Jeff aimait la nuit, la fête, la dépense, et le monde, les autres. Reporter et romancier, il voulait donner à voir et à sentir par les mots. Homme engagé, il n’hésite pas en 1940 ; dès 1932, en Allemagne, il a compris ce qui arrivait à l’Europe. Les deux tomes de la Pléiade, l’album conçu par Gilles Heuré qui les accompagne et quelques autres livres donnent à connaître ou à redécouvrir un homme en mouvement dont la devise dit tout : « Plus long le chemin, plus riches ses promesses ».

Joseph Kessel, Romans et récits. Édition publiée sous la direction de Serge Linkès. Gallimard, coll. « Bibliothèque de la Pléiade », 2 vol., 1 968 et 1 808 p., 68 et 67 €

Gilles Heuré, Album Kessel. Gallimard, 256 p.

Joseph Kessel, Hollywood, ville mirage. Éditions du Sonneur, 128 p., 15,50 €

Écrit par Norbert Czarny

Jeff, qui traine des nuits entières dans les boites de Montmartre, qui fait la fête avec ses amis tsiganes, déplaira à certains messieurs quand il entrera à l’Académie française, qui plus est pour prendre le fauteuil vacant du duc de La Force. Mauriac, amusé, apprécie l’entrée du lion dans la bergerie. On lira dans l’album de la Pléiade le superbe discours du nouvel entrant, évoquant les « lumières de la France ».

Kessel, comme Romain Gary, comme bien des « métèques », est de ceux qui ont aimé la France sans compter, et ont pour certains rejoint De Gaulle en 1940, quand personne ne pensait Résistance. Il a rédigé Le chant des partisans avec son neveu Maurice Druon, écrit L’armée des ombres, l’un des romans les plus justes sur l’expérience de la clandestinité, du combat secret et anonyme, transfiguré par le film de Jean-Pierre Melville, et Le bataillon du ciel, d’abord un scénario de film, puis un roman.

Kessel est né en Argentine dans une famille de Juifs russes. Sa vraie terre natale est cependant la Russie, celle des cosaques, de Tolstoï et Dostoïevski. Ces deux écrivains sont ses modèles : il a, pour schématiser, l’humanisme de l’un, le goût des monstres de l’autre. Sa Russie est la petite ville d’Orenbourg où il passe son enfance. L’album conçu par Gilles Heuré la montre en photos. Il la quitte pour Paris, puis Nice ; elle ne le quitte jamais. Son anticommunisme (ou plutôt son hostilité au totalitarisme) est essentiellement lié à ce qu’il perçoit d’emblée : le nouveau pouvoir s’incarne très vite dans la puissante Tchéka, la police politique. Comme l’écrit Francis Lacassin, il en veut au « serpent qui a pris possession du paradis de son enfance et qui a détruit sa Russie ».

Joseph Kessel à Londres (1942-1943). Au mur, un portrait du général de Gaulle. Collection particulière. Photo : Frédéric Hanoteau  – Éditions Gallimard

Les convictions de Kessel s’expriment très tôt dans ses écrits de jeunesse. Avant d’être publié chez Gallimard, il écrit pour le vénérable Journal des débats. Puis paraissent La steppe rougeMakhno et sa juive, longue nouvelle qu’on trouvera dans le premier tome de la Pléiade. C’est un récit qui fait et fera encore débat ou polémique, parce que l’anarchiste ukrainien y apparait comme une brute sanguinaire antisémite et sous son vrai nom. Retenons le talent du conteur, qui se manifeste déjà pleinement. « Conteur » : le mot sonne comme un reproche chez certains critiques du temps. C’est plutôt un compliment, et, pour situer Kessel sur le plan mondial qui lui convient, on peut songer à Isaac Babel, celui de Cavalerie rouge par exemple, ou bien à Twain ou à Conrad. Reporter et conteur, Babel et lui auraient pu se rencontrer. Le 11 novembre 1918, Kessel part pour la Sibérie, tour du monde passant par les États-Unis. En ces années de guerre civile, il rencontre quelques monstres qui le fascineront toujours.

Mais l’expérience fondatrice, pour lui comme pour beaucoup d’autres, a eu lieu : c’est la guerre de 14. Comme Blaise Cendrars, Moïse Kisling ou Guillaume Apollinaire, nés ailleurs, il s’engage très tôt. À tout juste seize ans, il est d’abord infirmier à Nice. Puis il risque sa vie comme observateur à bord d’un avion. De cette expérience naitra en 1923 L’équipage, roman de la fraternité entre les aviateurs, dont on trouvera l’écho dans les trois films qui en sont tirés, comme dans La grande illusion, de Renoir, parce que le lien entre Boieldieu et Rauffenstein nait de cette chevalerie-là, la dernière qui existe, au milieu des carnages des tranchées. Et puis, hasard amusant, il se lie avec Roland Toutain, l’aviateur de La règle du jeu.

L’aviation, donc. Kessel écrit Vent de sable, quand Saint-Exupéry relate l’épopée de l’Aéropostale. Tous deux sont amis de Mermoz, dont Kessel écrit la première biographie. L’avion fait partie de ces promesses de l’époque. Il symbolise l’aventure, modifie la perception que nous avons de la distance, de l’espace, et il incarne bien sûr la puissance de la technique.

Les épreuves personnelles que connait l’écrivain le forment et le forgent. Kessel n’est pas seulement un fêtard et un baroudeur. C’est un homme complexe dont les contradictions s’expriment grâce à la transposition romanesque. Ainsi lira-t-on Belle de jour, roman ambigu que Buñuel métamorphose sur l’écran, ou La passante du Sans-Souci, inspiré par son voyage dans l’Allemagne pré-hitlérienne, également adapté au cinéma, dernier film d’une Romy Schneider au bout du rouleau. Kessel entretient des relations très fortes avec ses frères, et le suicide de Lazare au début des années 1920 le marque. Puis Sandi, sa première épouse, est enfermée dans un sanatorium où elle meurt de la tuberculose. Un roman relatera cette expérience, Les captifs.

L’escadrille S39 posant devant un Salmson 2A2, en 1918. Kessel est debout, le troisième à partir de la gauche. Service historique de la Défense, Vincennes.

Mettons sur le compte de cette complexité ou ambiguïté quelques fréquentations que nous ne pourrions comprendre autrement, en nos temps simplificateurs, réducteurs, volontiers anachroniques. Ses premiers reportages dans l’Irlande traversée par la guerre civile, en 1920, il les fait avec Henri Béraud. Dans les années 1930, il fonde avec Horace de Carbuccia et Georges Suarez le journal pamphlétaire et très droitier Gringoire. Il fréquente le préfet Chiappe et Stavisky, rencontré en 1932 : il explique comment ils se sont connus dans « L’empire d’Alexandre », paru dans Marianne, le journal dirigé par Emmanuel Berl. Toutes ces fréquentations, il les assume de façon innocente. Mais il rompra avec Béraud, Carbuccia et Suarez, qui seront collabos dès 1940 et dont les journaux ont viré à l’extrême droite dès le milieu des années 1930.

Kessel ne s’intéresse guère au contexte politique français. Son échelle est autre. Il ne se trompe pas quand la guerre civile éclate en Espagne et pas davantage, on l’a dit, quand les nazis envahissent la France et quand Pétain collabore. Après la guerre, il écrira, pour l’essentiel, dans le France-Soir de Pierre Lazareff, et contribuera à sa collection « L’air du temps » aux éditions Gallimard, pour La piste fauveLa vallée des rubis et trois autres « reportages littéraires ».

Faut-il ranger Kessel sur une étagère en particulier ? Surtout pas ! Romancier, reporter, conteur, il est tout cela à la fois, et tout le temps. Guitton et Rostand, autres opposants à son entrée à l’Académie française, disaient de lui : « il n’est qu’un journaliste, un reporter ». Outre que la restriction est des plus méprisantes, elle fait bien peu de cas de son talent de romancier, de son intention qui s’exprime par exemple dans Fortune carrée ou Les cavaliers. L’échec critique du premier livre l’affecte ; le second, longuement mûri, est sans doute son ultime chef-d’œuvre, en 1967.

Kessel passe sans cesse du reportage au roman, selon un principe de réemploi que Serge Linkès, maitre d’œuvre de cette belle édition, résume en deux termes : stylisation et fictionnalisation. Si le reportage doit pour le journaliste « informer, convaincre, émouvoir », l’œuvre romanesque exige un autre travail, davantage porté sur le style. On a qualifié Vent de sable de « roman d’aventures réel ». L’expression vaut pour bien des ouvrages.

Joseph Kessel lors d’une séance de dédicace dans une librairie Flammarion (années 1920). Photographie d’Henri Manuel – Éditions Flammarion

Le récit Hong-Kong et Macao illustre bien la manière de Kessel. C’est d’abord un grand reportage auquel se mêle le reportage social, l’investigation, sans oublier une dimension poétique puisque rêve et réalité sont étroitement imbriqués. Kessel ou plutôt son narrateur (les deux se ressemblent souvent) voyage dans les deux villes au milieu des années 1950. Il découvre un univers dantesque, une sorte d’enfer au milieu duquel émergent quelques figures singulières. Harry Ling, son guide à Hong Kong, et Manoel, qui le mène dans Macao, lui racontent, l’un la vie de Jardine ou de Aw Boon Haw, l’inventeur du baume du tigre, l’autre celle de Monsieur Fu, qui tous ont fait fortune dans ces cités désormais chinoises. Une femme fait fortune en développant, par anticipation, la gestation pour autrui. Une autre se perdra d’amour pour un certain Enrico. Kessel joue du récit dans le récit ; l’art du conteur y est souverain. Si le lecteur joue le jeu du romanesque, il est conquis. Quant aux fameux casinos de Macao, qu’on aille voir ce qu’il en est. Après tout, c’est bien là l’art du feuilletonnage.

Kessel appartient pleinement à cet art de la « littérature industrielle » né au XIXe siècle, qui atteint son apogée dans l’entre-deux-guerres. Il vit de sa plume et gagne très bien sa vie. Il qualifie ses notes de frais d’« appui financier et moral nécessaire ». Il bénéficie de gros tirages et la mise en page de ses articles joue beaucoup sur le sensationnel, avec gros titres attirants ou aguicheurs, goût de l’exotisme ou du stéréotype parfois discutable ou douteux. Son style journalistique n’est pas celui qui prévaut aujourd’hui : il use de phrases souvent longues, multiplie les adjectifs, apprécie les images, les métaphores poétiques.

Cette presse populaire pratique ce que Theodor Adorno et Walter Benjamin appellent de façon péjorative « le pacte sériel », cette technique du « à suivre », qui privilégie l’émotion, les effets d’attente, négligeant donc la réflexion. « Le style, c’est un organisme à crémaillère » : la phrase est de Kessel, et Hitchcock dialoguant avec Truffaut l’emploiera pour ses films. Chaque paragraphe, comme chaque plan, apporte sa « dose » de tension, chaque chapitre – ou séquence – ajoute au précédent. Une autre formule pourrait résumer la vision du métier ou l’éthique de Kessel : « Tu as de la chance de voir ce qui n’est pas donné à tant d’autres. Tu es là à cause d’eux et pour eux. Tu dois leur rendre choses, décors et gens, comme tu les as toi-même reçus. » Précisons : à travers un regard sur les plus humbles, comme chez son maitre Tolstoï.

Manuscrit du « Chant des partisans ».
Musée de la Légion d’honneur et des ordres de chevalerie, Paris

Mais Kessel ne se réduit pas aux stratégies de ses patrons. Il a un modèle, Albert Londres, il est le contemporain du Gide du Voyage au Congo, qui dénonce l’exploitation coloniale ; Marchés d’esclaves met en lumière ce qui se passe dans cette zone encore méconnue, entre l’Afrique et l’Asie qu’Henry de Monfreid ne cesse d’arpenter. La piste fauve, en 1955, n’est pas plus tendre avec les occupants anglais du Kenya, lors de la révolte des Mau-Maus. De là à dénoncer les crimes qu’elle commet…

Son art du réemploi fait parfois de lui un précurseur. Ainsi, entre La passe du diable en 1955 et Les cavaliers en 1967, il passe du film au roman. Le film annonce un mouvement qui se développera dans les années 1960. Pierre Schoendoerffer, futur réalisateur de La 317e section, et Raoul Coutard, le chef opérateur de Godard, l’accompagnent. Quant au roman, il sera adapté pour l’écran par John Frankenheimer. Le réemploi vaut plutôt dans un autre sens : reportage chez les Unterwelt de l’Allemagne pré-nazie puis Passante du Sans-Souci ou Marchés d’esclaves évoquant Henry de Monfreid, qui devient Mordhom dans Fortune carrée. Les ressemblances sont nombreuses, voire les reprises de passages ou de chapitres, le style fait le reste, et donc l’essentiel.

En exergue à sa préface, Serge Linkès cite un extrait d’entretien avec un journaliste de L’Express, en 1969 : « Qui êtes-vous Monsieur Kessel ? Un journaliste ? Un romancier ? Un académicien ? Un aventurier ?  Ou un mythe ? – Je ne sais pas », répond Kessel.

Quel Kessel privilégier ou préférer ? On pourrait dire tous. J’ose m’engager, en excluant le Kessel pour la classe de collège. Je n’ai jamais été attiré par « Le petit âne blanc », que l’on trouvera dans Au Grand Socco, ou par Le lion. En revanche, je recommande vivement Une balle perdue que l’on trouvait en édition jeunesse et qui nous éclaire sur la Catalogne des années 1930 (et d’aujourd’hui). J’apprécie l’auteur de Belle de jour mais peut-être pour Catherine Deneuve et Michel Piccoli. La passante du Sans-Souci rappelle l’atmosphère des romans durs de Simenon et c’est un gage de qualité. Makhno et sa juive, nouvelle éminemment polémique, est une réécriture moderne du récit biblique mettant en scène Esther et le roi Assuérus. Hollywood ville miracle, que rééditent les éditions du Sonneur, démonte le mythe hollywoodien. Mais si je ne conservais qu’un seul texte de Kessel, ce serait son éloquent pied de nez à monsieur Pierre Gaxotte, dans son discours de réception à l’Académie française. C’est le Kessel qu’on peut chanter, parmi bien des « étrangers ».

 

[Source : http://www.en-attendant-nadeau.fr]

 

 

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Écrit par Bertrand Mathieux 

Référence incontournable du film noir (même s’il aborda, avec réussite, d’autres registres), Jean-Pierre Melville illustre dans presque toutes ses œuvres le mécanisme de la fatalité et son emprise sur des hommes seuls, obsédés par l’honneur et en marge de la société moderne.

La carrière de cinéaste de Jean-Pierre Melville débute réellement en 1947 (même s’il avait signé un court métrage, Vingt-quatre heures de la vie d’un clown, en 1946), lorsqu’il porte à l’écran Le Silence de la mer de Vercors (publié clandestinement, en 1942, sous l’occupation allemande) puis, en 1950, Les Enfants terribles de Jean Cocteau. Bien que son deuxième film ne rencontre pas le succès relatif du premier, Melville attire l’attention notamment des futures icônes de la Nouvelle Vague, pour plusieurs raisons : il tourne avec peu de moyens (et doit donc recourir à des procédés atypiques pour l’époque), en décors naturels (pour Le Silence…) et en marge du système. Il se fera même construire ses propres studios, un cas unique en France à l’époque.

Ce n’est donc pas un hasard s’il figure au casting du culte À bout de souffle de Jean-Luc Godard en 1960, dans le rôle d’un écrivain répondant à la journaliste jouée par Jean Seberg (Les sentiments sont un luxe que peu de femmes peuvent s’offrir). Entre temps, il a réalisé Quand tu liras cette lettre et surtout Bob le flambeur puis Deux hommes dans Manhattan, autant de films dont le succès public reste modeste. En revanche Léon Morin, prêtre (1961), adapté du roman éponyme de Béatrix Beck, remplit les salles de cinéma. Melville a eu la bonne idée de confier à Belmondo, coqueluche de la Nouvelle Vague plutôt associé à des rôles de voyou, un personnage de prêtre dans lequel le comédien se montre très convaincant.

Une anecdote est intéressante à ce sujet : Melville dira que Belmondo, d’abord sceptique face à ce changement de registre dramatique, était entré dans le personnage sitôt après avoir revêtu la fameuse soutane ; or c’est exactement ce qui se passera, un peu moins de dix années plus tard, lorsqu’il offrira à Bourvil l’un de ses rares rôles dramatiques : Bourvil a senti qu’il était capable de composer le commissaire taciturne du Cercle rouge au moment où il a porté son fameux chapeau. Cela pourrait être un détail, mais c’est significatif : chez Melville, l’accessoire est fondamental, il n’a rien de superficiel, il fait partie des motifs qui constituent son esthétique si particulière. Esthétique en grande partie inspirée par le cinéma noir américain.

Melville et l’Amérique

Le réalisateur est en effet passionné par l’Amérique et par le cinéma américain, en particulier le cinéma noir des années 40 et 50. Presque tous les grands films de Melville (excepté L’Armée des ombres, un de ses chefs d’œuvre, et Léon Morin, prêtre.) mettent en scène les accessoires (chapeau, imperméable, revolver) et les codes scénaristiques du film noir (la solitude, le destin, la fatalité, la mort). L’apparence de Melville lui-même faisait explicitement référence à l’esthétique du film noir américain (il était souvent affublé d’un chapeau et de lunettes noires).

Le Doulos (avec Jean-Paul Belmondo et Serge Reggiani), Le Deuxième souffle (avec Lino Ventura et Paul Meurisse), Le Cercle rouge (avec Alain Delon, André Bourvil, Yves Montand et Gian Maria Volontè) ainsi que Le Samouraï (avec Alain Delon et François Périer) dépeignent tous le destin d’hommes seuls, qui obéissent à un code d’honneur strict (ce qui est à mettre en perspective avec le passé de militaire et de résistant du metteur en scène), et qui avancent tous plus ou moins directement vers leur propre perte, comme si le monde moderne n’avait aucune place à leur offrir.

Le tueur solitaire du Samouraï, modèle particulièrement épuré du style Melvillien (récit minimaliste ; dialogues pour ainsi dire inexistants et sans importance), est détaché de tout et de tout le monde. Jeff Costello est une figure glacée qui incarne une esthétique radicale et dont le visage impassible, et la voix lointaine, ne trahissent aucune émotion (les personnages du Cercle rouge ont davantage d’épaisseur, mais l’épure du Samouraï est bien entendu volontaire et calculée).

Une pudeur et une retenue qu’on retrouve chez le réalisateur lui-même, très marqué par une certaine idée de la masculinité et de la dignité (il désapprouvera, par exemple, les anti-héros alcooliques et grossiers de Peckinpah dans le remarquable La Horde sauvage, après avoir exprimé son admiration pour Coups de feu dans la Sierra).

Le style Melville

Si le cinéma de Melville est empreint des codes du film noir, c’est un univers qu’il s’est approprié au point de devenir une référence y compris outre Atlantique. La lenteur, le silence (les héros de Melville parlent peu), la précision des cadrages et du montage (dans lequel Melville s’investissait énormément), la solennité émanant des attitudes de personnages marqués par l’honneur et la dignité sont autant de caractéristiques communes à la plupart de ses films.

Le cinéma de Jean-Pierre Melville représente l’art de la mise en scène et du cadrage à l’état pur. Il pouvait tourner une séquence de cinq minutes à partir de deux lignes de scénario, grâce et à sa science du cadre et du rythme, science que la scène du cambriolage de la bijouterie dans Le Cercle rouge illustre bien. La préparation et le déroulement du casse sont montrés dans leurs plus infimes détails, sans aucune recherche du spectaculaire. C’est pourtant bel et bien du spectacle mais un spectacle sobre, presque une forme de cérémonie où chaque mouvement, chaque geste semble compter, tout en étant, d’une certaine façon, dérisoire (et beau à la fois ; une ambivalence que l’on retrouve, par exemple, chez André Malraux). Peut-être parce que les gestes accomplis sont à la fois l’expression de la force et de la volonté de l’individu et en même temps, ces mêmes gestes restent soumis à un destin et à une fatalité inébranlables.

Ce qui est étonnant, c’est le décalage et le paradoxe propres à l’esthétique de Melville : il transfère dans le cinéma français des années 60 des éléments propres au cinéma américain des années 40-50, mais il le fait d’une telle façon que le résultat est devenu assez intemporel, moderne même, et surtout résolument unique. C’est sans doute ce qui explique, en partie, son influence dans le monde entier.

Une influence internationale

Jean-Pierre Melville est extrêmement respecté et admiré par de nombreux réalisateurs étrangers, qui le citent très régulièrement aussi bien dans des interviews que, indirectement, dans leurs œuvres. John Woo et Quentin Tarantino font partie des exemples les plus flagrants, mais ils sont loin d’être les seuls : Jim Jarmush songeait certainement au Samouraï en tournant Ghost Dog.

En marge des courants… et des vagues

L’ultime film de Melville, sobrement intitulé Un Flic, n’aura pas le succès du Cercle rouge. Le film est maîtrisé mais ne possède pas la force des grands Melville, en dépit de ses qualités. Melville mourra d’une crise cardiaque assez peu de temps après, à l’âge de 55 ans. Il reste aujourd’hui une référence cinématographique incontournable, et un auteur inclassable. Une anecdote est d’ailleurs révélatrice de cette caractéristique : qualifié un temps de père de la Nouvelle Vague, il prendra ensuite largement ses distances avec ce mouvement ; pour rester seul, avec ses lunettes noires et son chapeau de cow-boy, à écrire en silence les trajectoires tragiques de ses alter égo.

[Source : http://www.citizenpoulpe.com]

Jean-Pierre Melville (1917-1973) est né Jean-Pierre Grumbach dans une famille juive alsacienne. Réalisateur, producteur, propriétaire de ses studios de cinéma rue Jenner (XIIIe arrondissement de Paris), pionnier de la Nouvelle Vague, membre de la Commission de contrôle des films, il s’est distingué par sa maîtrise technique et dans la direction d’acteurs, en excellant dans le film noir, et son goût pour l’épure. Quatorze œuvres classiques (1947-1972) liés par la thématique du destin et sous le signe de l’ambiguïté. Des chefs d’œuvre. Le 29 mars 2020, Arte rendra hommage à Jean-Pierre Melville en diffusant son film « Le Deuxième souffle » puis « Melville, le dernier Samouraï » de Cyril Leuthy.

Publié par Véronique Chemla

« Alors, vous voulez que je vous parle de Jean-Pierre Melville ? », a demandé Paul Meurisse au journaliste Denis Jeambar, venu l’interviewer dans sa loge, trente minutes avant d’entrer en scène pour jouer Un sale égoïste, de Françoise Dorin, en septembre 1970. Après avoir été très liés, le comédien et le réalisateur s’étaient brouillés.

« Je ne vous dirai qu’une seule chose : Jean-Pierre Melville est un très grand metteur en scène… »

Paul Meurisse « affecta un silence marqué puis il conclut : « D’ailleurs, il le dit lui-même ». (Denis Jeambar, Portraits crachés)

« Passéiste »

Jean-Pierre Grumbach nait en 1917, dans une famille juive athée, alsacienne, socialiste. Son pseudonyme Melville reflète son admiration pour le romancier américain Herman Melville.

Ses parents– son père est négociant en tissus – lui donnent une caméra Pathé-Baby quand Jean-Pierre Grumbach a six ans, en 1923. Ce benjamin d’une fratrie filme sa famille, notamment sa sœur Janine, son frère Jacques (1902-1942), son cousin Michel Drach (1930-1990), futur réalisateur des Violons du Bal.

En 1932, le père de Jean-Pierre Grumbach meurt d’une crise cardiaque.

C’est la vision en 1933 du film Cavalcade, de Frank Lloyd, qui fait naitre la vocation de réalisateur et sa passion pour le cinéma américain chez cet élève peu intéressé par les études au lycée. Cet adolescent exerce divers métiers, puis en 1938 effectue son service militaire.

Jean-Pierre Grumbach est stupéfait par la signature du pacte germano-soviétique en août 1939. « « Imaginez le choc pour tous les Français, et pas seulement pour les jeunes comme moi qui étaient communistes, de découvrir qu’une section de la gauche, à savoir le parti communiste, était d’accord avec l’Allemagne nazie. J’avais vingt et un ans lorsque ces événements se sont produits et, pour la première et unique fois de ma vie, j’ai pensé au suicide. Le monde s’écroulait et avec lui une certaine notion de la moralité. Je ne m’étais pas encore rendu compte que, en matière de politique, la moralité n’existe pas. La découverte de la duplicité en politique fut un des drames de ma vie. »

Jean-Pierre Melville retrouve son régiment. La Bataille de France débute.

Démobilisé en août 1940, dégoûté par l’armistice, il entre dans la résistance et y rejoint à Marseille son frère Jacques Grumbach. Au début des années 2000, Rémy Grumbach, fils de Jacques Grumbach, se voit remettre par le ministère des Affaires étrangères, alors dirigé par Dominique de Villepin, un dossier dont s’étaient emparés durant la Guerre les Nazis, puis les Soviétiques, et récupéré par la France. Dans ce dossier : des lettres adressées à Jacques Grumbach, conseiller général du canton de Romilly-sur-Seine (Aube), par des habitants lui demandant de les aider à faire venir rapidement en France des membres de leur famille vivant en Pologne… « Avant la guerre, mon père avait créé un réseau pour exfiltrer des personnes d’Allemagne, de Pologne… Quel homme ! », a confié Rémy Grumbach.

Jean-Pierre Grumbach prend le nom de Melville dans la Résistance. Au sein des Forces françaises libres, il participe au débarquement en Provence, à la bataille du Mont Cassin, en Italie. C’est pendant la guerre qu’il décide, après avoir essuyé un refus concernant un projet cinématographique, de devenir propriétaire de studios de production cinématographique.

« C’était un homme paradoxal. D’une certaine façon, il n’a jamais cessé de porter un masque, y compris dans le cercle privé. Mais je crois que ce qu’on soupçonnait le moins, c’est que Jean-Pierre était un homme qui tenait profondément à la famille. Il avait pour son frère Jacques, mon père, une réelle admiration et a été très influencé par lui. Mon père était, avant la seconde guerre mondiale, journaliste, militant socialiste, proche collaborateur de Léon Blum. Pour se distinguer de lui, sans doute, Jean-Pierre était, déjà à cette époque, engagé à droite. Mais ils sont tous les deux entrés dans la Résistance, et mon père a été tué en traversant clandestinement les Pyrénées, par un passeur espagnol qui l’a dépouillé de l’argent qu’il amenait à Londres. À la Libération, Jean-Pierre aimait à réunir la famille, et pour le petit garçon que j’étais, il a joué un rôle de modèle. C’était aussi, objectivement, un héros », se souvenait Rémy Grumbach, réalisateur notamment pour Dim, Dam, Dom. (Le Monde, 26 janvier 2010)

Son souvenir le plus marquant ? Il « renvoie à l’anniversaire du centenaire de Léon Blum. Jean-Pierre m’a dit alors que mon père m’aurait sûrement emmené sur sa tombe pour lui rendre hommage, et c’est pourquoi, lui qui n’avait jamais été un homme de gauche, m’y a emmené à sa place ».

Et Rémy Grumbach de conclure : « Il a toujours été adorable avec moi. Malgré le fait qu’il n’avait rien fait pour m’encourager à cette carrière, il m’a pris comme assistant sur Le Deuxième Souffle, à l’époque où j’avais abandonné mes études et où je vivais d’expédients. Ça a duré trois semaines et j’ai trouvé une place à la télévision. Ça m’a quand même permis d’assister à des scènes homériques, parce que la réalisation du film était complètement enlisée à cause de son premier producteur, Fernand Lumbroso, qui ne payait pas. J’ai vu mon oncle l’inviter chez lui, le complimenter courtoisement pour sa tenue vestimentaire, puis lui dire que sa tête en revanche ne lui revenait pas et l’assommer d’un coup de poing dans la tempe. Melville était un homme d’une intelligence, d’une tenue et d’une séduction exceptionnelles, mais il était aussi très costaud et ne reculait jamais devant l’affrontement ».

Après un court métrage (Vingt-quatre heures de la vie d’un clown, 1946), Jean-Pierre Melville signe l’adaptation cinématographique du chef d’œuvre de Vercors publié clandestinement pendant l’Occupation par Les Editions de Minuit, Le Silence de la mer (1947), et des Enfants terriblesde Jean Cocteau (1950). Puis, il tourne Bob le Flambeur (1955), un polar avec Roger Duchesne.

En 1955, Jean-Pierre Melville fonde ses studios, les studios Jenner, dans le XIIIe arrondissement de Paris. Lieu de travail jour et nuit, et domicile. En 1967, un incendie les détruit.

La Résistance s’avère une matrice de la vie de Jean-Pierre Melville qui l’évoquera dans L’Armée des ombres (1969), d’après le roman de Joseph Kessel.

Profondément affecté par le semi-échec d’Un Flic (1972), Jean-Pierre Melville décède en 1973 d’un accident vasculaire cérébral dans un restaurant parisien.

« Melville a d’ailleurs été le pionnier et le parrain de la Nouvelle Vague. C’est lui qui, le premier, bien avant Truffaut, Godard et Chabrol, intronise le tournage en caméra portée et en décors naturels. Il tourne aussi en équipe légère, avec très peu de moyens, afin de ne pas dépendre d’un producteur. Il a toujours été à l’écart du système. C’était un franc-tireur qui a toujours refusé les compromis. Il finançait d’ailleurs ses propres films, alors que la plupart des cinéastes de la Nouvelle Vague travaillaient pour Georges de Beauregard. Il est à l’origine de ce mouvement ! C’était un homme très cultivé, qui lisait beaucoup… Ce qui intéresse Jean-Pierre, ce sont les histoires de mensonges et de trahisons, de courage et de lâcheté. Dans ses films noirs, ce sont des flics et des gangsters qui s’affrontent. Dans L’Armée des ombres, ce sont des résistants et des nazis. Mais au fond, son regard reste le même », a confié Philippe Labro sur son ami et mentor (Le Point, 23 octobre 2017).

Et d’ajouter : il « voulait imposer sa force. Il était autoritaire, parfois dictatorial. Il aimait créer un climat de tension sur le plateau, quasi conflictuel, qui lui permettait d’obtenir de certains acteurs des choses qu’il n’aurait jamais obtenues en copinant avec eux. Je n’ai jamais assisté à l’un de ses tournages. Mais tous les témoignages concordent : il était odieux, insupportable. Ses assistants – qui sont devenus depuis de grands metteurs en scène, comme Yves Boisset, Bertrand Tavernier ou Volker Schlöndorff – ont confirmé son comportement exécrable. Jean-Paul (Belmondo) avait observé une grande distance vis-à-vis de Jean-Pierre. Il ne l’aimait pas, il s’était mal comporté avec lui et Charles Vanel sur L’Aîné des Ferchaux (1963). Encore une fois, je crois qu’il ne faut jamais s’arrêter à l’anecdote. Ses rapports humains difficiles avec ses acteurs et ses techniciens ont, paradoxalement, donné des films forts, puissants. Et, avec le recul, seul compte le résultat… C’était un homme d’une sensibilité inouïe. Il dissimulait souvent sa vraie nature, anxieuse. Le stress énorme dont il était l’objet a eu raison de lui. Ce fut une tragédie pour moi. J’ai perdu un mentor, un père spirituel, un ami ».

Et d’analyser : « Si on le célèbre encore, c’est qu’il y a une raison. Ses films n’ont pas vieilli. Ils possèdent un style minimaliste d’une grande modernité. Son cinéma est maniériste, épuré et hypnotique. Prenez le tueur mutique à la démarche hiératique du Samouraï (1967) : Alain Delon ne prononce pas un seul mot avant douze minutes de film ! Dans un même ordre d’idée, le fameux casse de la bijouterie de la place Vendôme dans Le Cercle rouge (1969) est une séquence entièrement muette de vingt-cinq minutes ! La dilatation du temps est essentielle chez Melville. C’est un grand technicien, un maniaque du détail, un fétichiste. De Tarantino à Michael Mann, en passant par John Woo, c’est forcément une leçon pour la nouvelle génération de cinéastes qui vient après lui. Aujourd’hui, on dit « melvillien ˮ » comme on dit « fellinienˮ » ou « hitchcockien »ˮ. Quand un auteur devient un adjectif, cela veut dire qu’il est entré dans la catégorie supérieure ».

Arte lui a rendu hommage en diffusant Le Cercle rouge  (Vier im roten Kreis), Le Deuxième souffle (Der zweite Atem), et Léon Morin, prêtre (Eva und der Priester). 

« Melville, le dernier samouraï »
Arte diffusera le 29 mars 2020 « Melville, le dernier samouraï » (Der Virtuose des Gangsterfilms – Jean-Pierre Melville) de Cyril Leuthy. « Influencé par le film noir hollywoodien, le cinéma de Jean-Pierre Melville a lui-même inspiré de nombreux pairs, de Quentin Tarantino à Jim Jarmusch, de Michael Mann à John Woo. Un passionnant portrait du maître du film noir et de l’ambiguïté qui s’est forgé, en perfectionniste obsessionnel, son propre personnage. »

« Autodidacte génial entré « par effraction » dans le cinéma, Jean-Pierre Melville (1917-1973), né Grumbach, n’en finit pas de hanter les écrans, référence plébiscitée par une légion d’héritiers, de Quentin Tarantino à Jim Jarmusch, de Michael Mann à John Woo. L’auteur du Samouraï et de L’armée des ombres a-t-il construit son œuvre à son image, ou s’est-il fabriqué une vie de cinéma ? De ses attributs coutumiers, chapeau et lunettes noires, à son temple claustrophobe des studios Jenner, le refuge hors du monde qu’il acquiert en 1955, en passant par sa misanthropie, ses manies, ses insomnies, son intransigeance, ce qu’il a exposé de sa vraie vie renvoie la même épure, la même ambiguïté, la même énigme que ses quatorze films. Pour tenter de cerner l’homme derrière le masque, Cyril Leuthy plonge dans ses archives – cet ermite autoproclamé ouvrait volontiers les portes de son univers – et son extraordinaire filmographie, influencée par le polar américain, mais pas n’importe lequel : le film noir hollywoodien des années 1940, que Melville a réinventé dans la France des Trente Glorieuses, tout en s’offrant le luxe d’annoncer la Nouvelle Vague. »

« C’est après la mort soudaine de son père, emporté comme il le sera lui-même par une crise cardiaque à l’âge de 55 ans, que Jean-Pierre Grumbach s’est enfermé dans les salles obscures. Il en sortira pour faire la guerre et renaître sous le patronyme de Melville, son nom de résistant. Il gardera de ces années de combat et de fraternité la matière obsessionnelle de ses histoires. Honneur, solitude, dépassement de soi, hantise de la trahison et de l’inatteignable perfection : ces thèmes nourrissent une œuvre qui chemine vers l’abstraction, tout en gardant l’ancrage populaire du genre qui l’a inspirée. Avec le concours de deux de ses neveux et d’anciens collaborateurs, comme les cinéastes Volker Schlöndorff, Bernard Stora, et Taylor Hackford, son émule américain, ce portrait tourne autour du mystère Melville pour tenter d’en dévoiler la part intime. Ce voyage fascinant se clôt sur le visage égaré de Delon, alter ego mi-fraternel, mi-filial du cinéaste, tentant de fuir dans le déni, après la mort de celui-ci, l’irréversibilité de leur brouille. Quarante ans plus tôt, c’est aussi un remède à la réalité que son ami avait cherché dans le cinéma. »

« Bob le flambeur« 

Arte diffusera le 26 février 2018 « Bob le flambeur« , de Jean-Pierre Melville. « À travers le récit d’un casse manqué, Jean-Pierre Melville tisse une ode nostalgique et pleine de gouaille au Paris où se croisaient jolies filles et truands pittoresques ».

« Robert Montagne, surnommé « Bob le flambeur », aime arpenter les rues de Pigalle jusqu’à la fin de la nuit. Il règne sur le milieu des truands, des petites frappes, et son protégé, Paulo, lui voue une admiration sans bornes. Il a beau avoir vieilli, sa passion du jeu reste intacte. Après avoir tout perdu aux cartes, Bob souhaite se refaire avec un « gros coup » et accepte de cambrioler le coffre-fort du casino de Deauville. Mais les obstacles se multiplient… »

« Vieux beau assagi par des années de prison, « Bob » règne sur un monde de petites frappes et de tenanciers de bistrots. Il dispense ses conseils à la « nouvelle vague » des malfrats en se voulant garant d’une certaine morale faite de roublardise et d’esprit chevaleresque. Le premier scénario original de Jean-Pierre Melville n’est curieusement pas un pur polar, mais une brillante comédie de mœurs dans le Pigalle ».

« Avec talent, Melville recrée et capte les instants insolites ou poétiques d’une époque révolue avec l’Occupation. Ode nostalgique à un Paris qui n’est plus, Bob le flambeur, avec ses truands pittoresques et ses jolies filles, le ressuscite par une foule d’images emblématiques, des enseignes lumineuses de Montmartre à la place Blanche, déserte aux premières lueurs de l’aube ».

Léon Morin, prêtre 

Léon Morin, prêtre est tourné après Deux hommes dans Manhattan (1959). Il adapte Léon Morin, prêtre de Béatrix Beck, dernière secrétaire d’André Gide. Publié par Gallimard en 1952, le livre distingue l’auteure qui reçoit le 50e Prix Goncourt.

« Une petite ville française sous l’Occupation. Barny, qui élève seule sa fille, est correctrice dans une école par correspondance. Attirée par la jolie secrétaire, cette communiste convaincue décide un jour, par dérision, de provoquer un prêtre qui officie dans la bourgade. Jeune, intelligent, progressiste, le père Léon Morin la trouble par sa foi inébranlable et par son charme. Prise à son propre piège, Barny l’accepte comme directeur de conscience… »

Jean-Paul Belmondo et Emmanuelle Riva

Emmanuelle Riva, qui interprète la veuve d’un communiste juif, et Jean-Paul Belmondo « s’affrontent sur le terrain de la séduction et de la foi dans un film fascinant signé Melville ». « Placé sous le signe de la transgression, le désir de la jeune femme passe de sa collègue à la personne du prêtre ».

Emmanuelle Riva

« Avec, en toile de fond, une province étriquée, partagée entre résistance passive et collaboration, la fascination éprouvée par Barny pour l’homme autant que pour sa foi constitue le fil conducteur du film ».

Emmanuelle Riva et Jean-Paul Belmondo

« Mais le lien intellectuel passionné qu’elle noue avec Léon Morin, l’attirance ambiguë consciemment suscitée par ce jeune homme pour attirer les femmes qui l’entourent du côté du « bien » et la force morale qui le porte contribuent à donner à ce film une beauté et une liberté étonnantes – renforcées par le jeu incandescent de deux acteurs eux aussi en état de grâce ».

Jean-Paul Belmondo

« Cette relation avec l’abbé, le temps qu’elle a duré, a compté essentiellement dans ma vie. Inconsciemment, peut-être que je recherchais Dieu. Je crois être allée vers lui poussée par le besoin d’une relation avec un homme, dont je pouvais espérer qu’il fût supérieur. En l’occurrence, sa force résidait dans le fait qu’il ne se laissait pas entraîner à la dérive par moi. » Voilà ce que confiait [au Point], en 1997, Béatrix Beck, morte en 2008. Alors octogénaire, elle revenait en ces termes sur sa relation avec un prêtre, pendant la guerre de 1940, qui lui inspira le troisième roman de son cycle autobiographique. » 

Jean-Paul Belmondo

Pour convaincre le jeune acteur qu’il pouvait incarner un prêtre, Melville était arrivé inopinément sur le plateau où tournait Jean-Paul Belmondo et lui avait demandé de porter la soutane. Le comédien avait obtempéré et avait commencé à croire en la possibilité de jouer ce personnage.

Le Deuxième souffle 

« Un truand en cavale, accusé d’avoir donné ses complices, se bat pour laver son honneur… Pour son dernier film en noir et blanc, Jean-Pierre Melville récuse l’idée de réalisme, se débarrasse d’un certain folklore et annonce l’épure stylistique de ses films suivants. Avec Lino Ventura, Paul Meurisse et Michel Constantin ».

Lino Ventura

« Gustave Minda, dit « Gu », s’évade de la prison où il purgeait une peine à perpétuité et débarque à Paris chez Manouche, son ancienne petite amie, qui le cache. Grand expert du milieu, le commissaire Blot enquête sur l’affaire et reconnaît un peu plus tard la patte de Gu dans le meurtre de deux malfrats qui tentaient de faire chanter Manouche. Celle-ci part pour Marseille où elle parvient à organiser le départ du fugitif. Mais Gu veut se refaire avant de gagner l’étranger et décide d’accepter une proposition dangereuse : attaquer, avec trois complices, un convoi de fonds et liquider ceux qui l’accompagnent… »

Paul Meurisse (à droite)

Adapté du roman de José Giovanni, « le dernier film en noir et blanc de Jean-Pierre Melville procède à une synthèse parfaite des éléments contenus dans ses polars précédents, et annonce l’épure stylistique de la trilogie à venir avec Alain Delon ».

Réalisé après Le Doulos (1962) et L’Aîné des Ferchaux (1963), ce « film récuse l’idée de réalisme (c’est le premier pas vers l’abstraction glacée du « Samouraï ») tout en se débarrassant d’un certain folklore. Gu (Lino Ventura, admirable) est dénué du charme romantique des bandits. Il est essentiellement mû par son instinct de survie et son code de l’honneur, et ne connaît que le règne de la violence et de la fuite ».

Melville « ne se livre à aucune apologie du gangstérisme, mais il s’identifie à des hommes qui vivent hors du monde et de toute contingence sociale ».

Paul Meurisse « interprète le plus beau personnage de flic de toute l’œuvre de Melville. La scène où il reconstitue en présence de témoins l’échange de coups de feu survenu dans un bar, tournée en un seul plan, constitue un morceau d’anthologie, tout à fait représentatif de la maîtrise technique et narrative du cinéaste ».

« Le Samouraï »

« Le Samouraï » est un film réalisé par Jean-Pierre Melville en 1967 et interprété par Alain Delon, Nathalie Delon, François Périer, Cathy Rosier, Jacques Leroy, Michel Boisrond, Jean-Pierre Posier, Catherine Jourdan. 

« Un tueur à gages tente d’échapper à la fois au « milieu » et à la police… Devenu mythique, ce film policier de Jean-Pierre Melville renouvelle le genre par sa touche dépouillée, désabusée et glaciale. Avec Alain Delon, fascinant. »

« Jef Costello, un tueur à gages, est engagé pour exécuter le patron d’une boîte de nuit. Alors qu’il remplit son contrat, Valérie, la pianiste de l’établissement, le surprend. Malgré l’alibi qu’il s’est forgé avec la complicité de Jane, sa maîtresse, Jef est suspecté par le commissaire chargé de l’enquête. Quant à l’instigateur du meurtre, il aimerait bien se débarrasser de ce tueur qui en sait trop. Sur la passerelle où sa prime doit lui être versée, deux hommes tentent d’abattre Jef… »

« Le samouraï est une étape décisive vers l’abstraction glacée qui caractérise la dernière partie de la filmographie de Jean-Pierre Melville. La rencontre entre le cinéaste et Alain Delon, tueur à gages à la tristesse minérale, donne naissance à une œuvre désincarnée, une épure de film noir. Le minimalisme de l’action s’accompagne d’une stylisation extrême des costumes (l’imperméable et le chapeau de Delon) et surtout des décors (des rêves de commissariat et de night-club). Les deux titres suivants avec Delon, Le cercle rouge et Un flic (ultime film de Melville et poème à la gloire de l’acteur), poursuivront cette approche fantasmatique du cinéma et des stars masculines. Car ces trois films sont aussi un écrin amoureux pour l’icône Delon, silhouette rigide et opaque, obsédée par la mort. »

« Jean-Pierre Melville définissait Le Samouraï (1967), film étrange et beau, comme « une longue méditation sur la solitude » et aussi comme « le portrait d’un schizophrène paranoïaque », a analysé Olivier Père.

Et de poursuivre : « Dès le premier plan du générique – une silhouette d’homme étendue sur un lit, dans une chambre miteuse minutieusement reconstituée en studio et donc plus abstraite que réaliste, le cadre rigide se met soudainement à vaciller en légers zooms et tremblement de caméra à l’apparition des premières notes de la musique sublime de François de Roubaix, pour immédiatement retrouver son immobilité tombale. Que s’est-il passé ? Crise de nerfs de Melville devant la beauté d’Alain Delon, mort en sursis déjà sur son linceul dès la première image ? On ne le saura jamais ».

Et de conclure : « Le film regorge ainsi de détails déstabilisants et de trouvailles géniales et invisibles qui transportent le spectateur exactement là où Melville veut l’emmener. Superbe plan où la caméra adopte soudain le point de vue du miroir dans lequel Delon ange narcissique ajuste parfaitement son chapeau ; raccord improbable où Delon impassible dégaine plus vite que son ombre pour exécuter son contrat, un propriétaire de boîte de nuit ; évidemment, le plan iconique de la mort de Jeff Costello (car s’est ainsi que s’appelle Delon dans le film), qui abattu par la police se fige en statue de marbre, les bras étrangement en croix sur le torse, gants blancs sur manteau sombre, avec un mince filet de sang à la commissure de la lèvre gauche qui le fait ressembler à un vampire, créature de la nuit suppliciée sous les yeux de sa proie, une belle chanteuse métisse.

Le Cercle rouge 

Affiche

« Melville, DelonBourvil, Montand : des figures emblématiques réunis dans un chef-d’œuvre du polar français, à la fois austère et stylisé » précédé par Le Samouraï (1967).

Alain Delon

« Çakya Muni, le solitaire dit Sidarta Gautama le sage, dit le Bouddah se saisit d’un morceau de craie rouge, traça un cercle et dit : – Quand les hommes, même s’ils s’ignorent, doivent se retrouver un jour, tout peut arriver à chacun d’entre eux, et ils peuvent suivre des chemins divergents ; au jour dit, inexorablement, ils seront réunis dans le cercle rouge. » C’est sur cette citation apocryphe de Râmakrishna que s’ouvre le film.

Yves Montand

« Escorté par le commissaire Mattei dans un train de nuit, un malfrat du nom de Vogel parvient à fuir en sautant du wagon. Une importante battue policière est alors organisée, à laquelle il réussit à échapper. Le même jour, Corey est libéré après cinq ans de détention. Le hasard va réunir les deux voyous… »

Un « polar crépusculaire hanté par des figures hiératiques aux prises avec un monde en perte d’humanité : avant-dernier film de Melville, dernière apparition d’un Bourvil déjà très malade, « Le cercle rouge » est une des œuvres les plus stylisées de la tradition des policiers à la française ».

Alain Delon

« Rythmé par d’étonnantes séquences silencieuses, où des personnages archétypaux jusqu’à l’abstraction semblent ferrés par leur solitude et l’inéluctabilité de leur destin, le film vise à l’épure de la tragédie classique ».

Bourvil (au centre)

Pour persuader André Bourvil  – c’est ainsi qu’il est identifié dans le générique du film – de sa crédibilité de commissaire de police, Jean-Pierre Melville l’avait conduit chez Goulard, un chapelier du boulevard de Sébastopol à Paris. Tous deux avaient choisi un chapeau et Bourvil s’était promené en arborant son feutre. Sans se ridiculiser.

Bourvil

Melville demande à ses acteurs de retourner la scène finale. André Bourvil s’avance vers la caméra, suivi de son adjoint incarné par Marcel Bozzuffi. Il lui dit : « Vous savez comment j’ai fait pour arriver à la solution de cette affaire ? Eh bien, c’est tout simplement en appliquant… » et taquin, Bourvil chante a capella La Tactique du gendarme. Marcel Bozzuffi demeure impavide. Ce qui fait rire Bourvil qui continue de chanter sa célèbre chanson comique. Finalement, Marcel Bozzuffi comprend qu’il peut sourire… 

« Melville, le dernier samouraï » de Cyril Leuthy
France, 2019, 54 min
Sur Arte le 29 mars 2020 à 23 h 25
Disponible du 22/03/2020 au 27/05/2020

« Bob le flambeur » de Jean-Pierre Melville
France, 1956, 99 min.Image : Henri Decaë
Montage : Monique Bonnot
Musique : Eddie Barclay, Jo Boyer
Production : Organisation Générale Cinématographique, Productions Cyme, Play Art, Studios Jenner
Producteur/-trice : Jean-Pierre Melville, Serge Silberman, Roger Vidal
Scénario : Jean-Pierre Melville, Auguste Le Breton
Acteurs : Isabelle Corey, Daniel Cauchy, Roger Duchesne, Guy Decomble, André Garet, Gérard Buhr
Sur Arte le 26 février 2018 à  22 h 20
Visuels :
Affiche du film
Roger Duchesne et André Garet
Isabelle Corey et Gerard Buhr
André Garet et Daniel Cauchy (au centre)
Crédit : © Studiocanal

Léon Morin, prêtre, par Jean-Pierre Melville

France, Italie, 1961, 124 min

Image : Henri Decaë

Montage : Jacqueline Meppiel, Nadine Marquand, Marie-Josèphe Yoyotte

Musique : Martial Solal

Production : Rome Paris Films, Concordia Compagnia Cinematografica

Producteur/-trice : Georges de Beauregard, Carlo Ponti

Scénario : Jean-Pierre Melville

Acteurs : Jean-Paul Belmondo, Emmanuele Riva, Irène Tunc, Nicole Mirel, Gisèle Grimm

Auteur : Béatrix Beck

Sur Arte les 27 novembre 2017 à 23 h 15 et 29 mars 2020 à 20 h 55
Sur OCS Géant le 15 mai 2018

Visuels :

Affiche du film

Jean-Paul Belmondo

Emmanuelle Riva

Jean-Paul Belmondo et Emmanuelle Riva

Crédit : © Studiocanal


Le Deuxième souffle

France, 1966, 150 min

Image : Marcel Combes

Montage : Michèle Boëhm, Monique Bonnot

Musique : Bernard Gérard

Production : Les Productions Montaigne

Producteur/-trice : André Labay, Charles Lumbroso

Scénario : José Giovanni, Jean-Pierre Melville

Acteurs : Lino Ventura, Paul Meurisse, Raymond Pellegrin, Christine Fabréga, Marcel Bozzuffi, Michel Constantin

Auteur : José Giovanni

Sur Arte le 27 novembre 2017 à 20 h 50

Visuels :

Lino Ventura

Paul Meurisse (à droite)© D.R.

« Le Samouraï » de Jean-Pierre Melville

France, Italie, 1967, 101 minutes
Scénario : Georges Pellegrin, Jean-Pierre Melville
Production : Filmel, Compagnie Industrielle et Commerciale Cinématographique, Fida Cinematografica, TC Productions
Producteur/-trice : Raymond Borderie, Eugène Lépicier
Image : Henri Decaë
Montage : Monique Bonnot, Yolande Maurette
Musique : François de Roubaix
Avec Alain Delon, Nathalie Delon, François Périer, Cathy Rosier, Jacques Leroy, Michel Boisrond, Jean-Pierre Posier, Catherine Jourdan, Robert Favart
Sur Arte le 9 mars 2020 à 20 h 50
Visuels :
Alain Delon (Jeff Costello) et François Périer (Le commissaire) dans le film de Jean-Pierre Melville,  » Le Samouraï (1967)
Alain Delon (Jeff Costello) et François Périer (Le commissaire) dans le film de Jean-Pierre Melville,  » Le Samouraï (1967)
Alain Delon (Jef Costello) dans le film de Jean-Pierre Melville  » Le Samouraï » (1967)
Cathy Rosier (Valérie, la pianiste) et Nathalie Delon (Jane Lagrange, la maîtresse de Costello) sur le tournage du  » Samouraï » de Jean-Pierre Melville
Alain Delon (Jef Costello) dans le film de Jean-Pierre Melville  » Le Samouraï » (1967)
Crédit
© 1967 PATHE FILMS – EDITIONS R

Le Cercle rouge, par Jean-Pierre Melville

France, Italie, 1970, 116 min

Image : Henri Decaë

Montage : Marie-Sophie Dubus

Musique : Eric de Marsan

Production : Euro International Film, Les Films Corona, Selenia Cinematografica

Producteur/-trice : Robert Dorfmann

Scénario : Jean-Pierre Melville

Acteurs : Alain Delon, André Bourvil, Yves Montand, Gian Maria Volonté, François Périer, André Ekyan

Sur Arte le 26 novembre 2017 à 20 h 50

Visuels :

Affiche

Bourvil

Bourvil (au centre)

Alain Delon

Alain Delon et Yves Montand

Yves Montand

© Studiocanal/Andre Perlstein

Les citations sont extraites d’Arte. Cet article a été publié le 26 novembre 2017, puis le 25 février 2018.

[Source : www.veroniquechemla.info]