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Asterix e o Grifón é a nova aventura do pequeno heroe galo, editada nun lanzamento simultáneo en dezasete linguas diferentes. O novo álbum incorpora, como é habitual, novas preocupacións que o manteñen en sintonía coa actualidade: a defensa do medio ambiente e o feminismo. 
Un fragmento de 'Astérix e o Grifón'.

Un fragmento de ‘Astérix e o Grifón’

Escrito por Manuel Xestoso

Sarmacia, ao sur da estepa rusa, é o novo destino de Astérix e, segundo explicaba un dos seus autores, Jean Yves Ferri, na presentación do novo volume da serie, o mais frío. Tamén é un lugar onde, para sorpresa do pequeno guerreiro galo, rachan algúns tópicos: as mulleres sármatas, por exemplo, son guerreiras nómades mentres que os homes viven coidando da aldea. O álbum púxose á venda este pasado xoves 21, de xeito simultáneo, en 17 países. A editorial Xerais participa deste lanzamento mundial coa versión en galego, que sae ao mercado en edición impresa e en formato electrónico.

Astérix e o Grifón é o primeiro volume da serie despois da morte do último dos autores orixinais, Albert Uderzo, falecido en marzo de 2020. É a quinta das aventuras dos galos asinada polo guionista Jean-Yves Ferri e o debuxante Didier Conrad, que até o de agora, foran asesorados por Uderzo.

“Creo que o máis destacábel das aventuras de Asterix é que sempre se manteñen fieis ao seu tempo, sempre introducen temas e personaxes de actualidade”, di Alejandro Tobar,

Alejandro Tobar, un dos tradutores da obra -xunto con Xavier Senín e Isabel Soto- confesa, porén, que non é quen de ver grandes diferenzas cos libros anteriores. “No debuxo, desde logo, eu non son capaz de detectar grandes disparidades. No guión, si que hai foros de seguidores nos que se bota de menos a figura de Uderzo”. En realidade, esa nostalxia xa abrollara en 1977, cando, despois da morte do guionista orixinal, René Goscinny, Uderzo, o debuxante, se fixo cargo tamén de escribir as historias dos álbums que seguiron.

Coma en todos os novos episodios da saga, hai algunhas novidades: “Por primeira vez se bota man dun ser ficticio como é o Grifón”, explica Tobar. “Mais creo que o máis destacábel das aventuras de Asterix é que sempre se manteñen fieis ao seu tempo, sempre introducen temas e personaxes de actualidade”.

A preocupación polo medio ambiente, as teorías da conspiración e o feminismo destacan no relato da nova aventura de Astérix, aínda que, como lembra Tobar, “xa a anterior aventura, A filla de Vercinxetórix, mostraba esa preocupación pola ruptura cos roles de xénero tradicionais. En xeral, os autores sempre están moi atentos ao que sucede no mundo para reflectilo en cada un dos álbums novos. Con aquel álbum anterior mesmo se falou dos paralelismos entre a protagonista e a activista medioambiental sueca Greta Thunberg ».

Mais existen marcas da casa que permanecen inalterábeis e que os seguidores recoñecerán inmediatamente, como os xogos tipográficos para caracterizar certas linguas ou, como lembra Tobar, « as referencias á propia actualidade francesa. Neste volume, por exemplo, fai unha aparición o polémico escritor Michel Houellebecq, e fanse alusións ao conflito que a multinacional Amazon mantén co goberno francés. Son cuestións que, cando traducimos, traballamos moito en colaboración coa propia editorial francesa, para que todo sexa intelixíbel para o lector galego”.

A primeira edición en galego de Astérix data de 1976, cando a libraría Arenas da Coruña iniciou a tradución de catro títulos da serie que contaban co valor engadido dun tradutor de luxo: Eduardo Blanco-Amor.

O longo camiño á normalización 

A primeira edición en galego de Astérix data de 1976, cando a libraría Arenas da Coruña iniciou a tradución de catro títulos da serie que contaban co valor engadido dun tradutor de luxo: Eduardo Blanco-Amor.

Porén, as edicións de Arenas cesarían en 1978 e o heroe galo non volvería a falar galego até 1992, cando un convenio entre Grijalbo (a editorial titular dos dereitos no Estado) e Galaxia permitiu que esta última editase 14 títulos até 1998.

Logo virían outros dez anos de silencio, durante os que Astérix mesmo chegou ao Parlamento de Galiza grazas a unha iniciativa do deputado do BNG Bieito Lobeira que reclamaba -seguindo o ronsel dunha recollida de sinaturas iniciada pola Mesa pola Normalización Lingüística cun importante seguimento- que se tivese en conta a demanda de pais e nais e de centros de ensino de exercer os seus dereitos lingüísticos na lectura das aventuras de Astérix.

Finalmente, en 2013, Xerais asinaba un acordo con Salvat para retomar a serie en galego. Desde entón, as novas aventuras de Astérix publícanse ao mesmo tempo que no resto do mundo: Astérix e os pictosO papiro do CésarAstérix en ItaliaA filla de Vercinxetórix e, agora, Astérix e o Grifón participaron dos lanzamentos mundiais con que se anuncian as periódicas chegadas dos personaxes galos ás librarías.

“É un factor de normalización moi importante”, apunta Tobar. “O lanzamento de cada unha das novas aventuras de Astérix é un dos acontecementos editoriais de máis relevancia no mundo, e que o galego estea presente é un sinal de que a nosa cultura posúe a vitalidade suficiente para manter o pulso da actualidade ».

 

[Imaxe: Xerais – fonte: http://www.nosdiario.gal]

Sairá á venda o 21 de outubro en 17 linguas.

 

Portada de 'Astérix tras a pegada da billa'. SALVAT

Portada de ‘Astérix tras a pegada da billa’. SALVAT

O polémico escritor francés Michel Houellebecq foi caricaturizado como un dos personaxes ‘malvados’ na nova entrega ‘Astérix tras a pegada da billa’, segundo confirmaron fontes da editorial Salvat.

O novo libro publicarase o 21 de outubro en 17 linguas e cunha tirada de 5 millóns de exemplares para todo o mundo, segundo informa Salvat, que recalca que en España se editará, como é xa habitual, en castelán, galego, catalán, eúscaro e asturiano.

Nesta historia, Houellebecq será Terrignotus, o xeógrafo de César e cabeza pensante desta expedición romana, presente nesta aventura por amor á ciencia. « Reclámannos caricaturas en cada álbum! Neste personaxe, estou seguro de que recoñeceredes a un gran escritor francés! », adiantaba Jean-Yves Ferri, un dos autores, sen desvelar o seu nome.

Ademais dalgunhas das viñetas, este luns desvelouse a portada de ‘Astérix tras a pegada da billa’, que relata o longo periplo que deciden emprender Astérix e Obélix, acompañados de Panorámix, tras a pista dun animal mítico nun remoto territorio.

Salvat anunciou que nesta nova edición non só contarán con caras xa coñecidas, senón que participarán novos personaxes.

 

 

[Imaxe: Europa Press – fonte: http://www.galiciaconfidencial.com]

 

 

 

                      El escritor Javier Marías vuelve a las quinielas del Nobel. J.P, GANDUL

El escritor Javier Marías vuelve a las quinielas del Nobel.

El Premio Nobel de Literatura 2021 será anunciado el jueves y, al igual que el año pasado, el ganador o la ganadora recibirá el galardón en su país de residencia debido a la pandemia del coronavirus, según informó la Academia Sueca que entrega el máximo premio de la literatura. Según las casas de apuestas británicas, el principal candidato para ganar el Nobel es el escritor japonés Haruki Murakami. Muy cerca entre los candidatos están también otros escritores reconocidos, como la canadiense Margaret Atwood, o la poeta Anne Carson. También entre los favoritos aparece el keniata Ngugi wa Thiong’o.

Un poco más atrás entre los más apostados figuran otros autores de best sellers, como Don DeLillo, Joyce Carol Oates, Thomas Pynchon, y Michelle Houellebecq. Entre las escritoras que podrían sorprender aparecen Elena Ferrante, J.K. Rowling (autora de la saga Harry Potter), y dos artistas más vinculadas a la música: Joni Mitchell y Patti Smith. El último escritor hispanoamericano premiado fue Mario Vargas Llosa, en 2010. A tres días de la entrega del premio, por ahora aparecen pocos candidatos que escriban en español en las casas de apuestas. Solo figura el español Javier Marías. En las últimas ediciones se mencionó al escritor argentino César Aira como uno de los candidatos, pero hasta el momento su nombres no figura en las casas de apuestas.

 

[Foto:  J.P, GANDUL – fuente: http://www.diariodeleon.es]

 

Escrito por ARIEL GONZÁLEZ JIMÉNEZ

En su Antología del cuento norteamericano, Richard Ford incluye un trabajo de Philip Roth que forma parte de su libro Goodbye Columbus, la obra que le abrió camino al autor fallecido el pasado miércoles. Se trata de un cuento de una gran profundidad y sencillez (dos materias que en literatura, por suerte, pueden campear unidas), donde un jovencito judío gusta de llevar la contra al rabino en el curso previo a la Bar Mitzvah (esa ceremonia judaica por la que todo hombre debe pasar a los 13 años, precisamente para asumir que ha dejado atrás la niñez).

El protagonista, Ozzie Freedman, cuestiona al rabino del modo más inocente, que es el que siempre resulta más provocador para todas las ortodoxias: “La primera vez había querido saber cómo podía el rabino Binder llamar a los judíos ‘el pueblo elegido’ si la Declaración de Independencia aseguraba que todos los hombres habían sido creados iguales”.

Son preguntas que sacan constantemente de quicio al rabino Binder, hasta que se genera una auténtica crisis. El relato se llama “La conversión de los judíos”, y no les diré más de qué va porque corro el riesgo de espoilearlos (como se dice ahora), lo cual sería una lástima porque el cuento no tiene desperdicio.

Lo que sí diré es que este texto prefigura uno de los grandes filones temáticos en la obra de Roth: el universo judaico, sus ritos, costumbres y representaciones más trascendentes, así como el humorístico, puntilloso y mordaz tratamiento que recibe por parte del que fuera una de las voces literarias más grandes del siglo XX estadunidense.

Su visión de lo judío significó en su obra una suerte de ejercicio crítico y liberador que no abandonaría nunca; le valdría incluso el desprecio de su comunidad y aun de escritores —bueno, también patriarcas del judaísmo— como Gershom Scholem, quien dijo que El lamento de Portnoy era la obra que habían estado esperando todos los enemigos de los judíos.

Lamentablemente para Scholem, había sido escrita no por un palestino ni por un nazi ni por un antisemita, sino por un judío. ¿Eso es posible? La verdadera literatura, emprendida como un ejercicio de absoluta libertad, confirma que sí. El lamento de Portnoy es el monólogo sincero (duro y humorístico, según se vea) que un tipo llamado Alexander Portnoy realiza frente a su psicoanalista, relatándole todas sus lujurias y frustraciones sexuales. Obviamente, toda la perversidad de la obra no encontró ninguna tolerancia entre la ortodoxia judía, si bien sirvió para catapultar su fama literaria.

Pero luego de que esta novela fuera estigmatizada por la comunidad judía, vinieron algunas chicas radicales a poner el ojo a la supuesta misoginia en esta y otras obras de Roth. Estas furibundas lectoras empezaron a encontrar toda clase de vicios y pecados que delataban cuando menos su misoginia, al punto de que llegó a hablarse del “complejo de vagina dentada” que, según estas doctas mujeres, estaba presente en la novelística de Roth.

Ahora, ya bien muerto, no faltaron en las redes sociales las (¿feministas?) que volvieron al tema de la misoginia de Roth, intentando patear sus restos como si se tratara de un bestial acosador o infame violador. Por suerte, uno de sus biógrafos salió a defenderlo recordando que en su lecho de muerte contó con la presencia de al menos cinco de sus exmujeres —porque eso sí, hay que reconocer que el señor Roth era un conquistador.

Por eso me encuentro que ya desde antes de su muerte algunas fanáticas lo incluían entre los escritores-machos que hay que denunciar y, supongo, dejar de leer y, en cuanto sea posible, prohibir sus libros. Vean esta joyita que me encontré en internet: “Pensemos en David Foster Wallace y los personajes que pueblan sus novelas, sí, pero también en Philip Roth, en Michel Houellebecq, en Normal Mailer, en Frédéric Beigbeder, en John Fante, en Martin Amis, en Elias Cannetti o en Charles Bukowski.

“Es decir, pensemos en una literatura rabiosamente cipotuda (sic), narcisistícamente fálica, que ya no erige su misoginia estructural en concepciones científicas, filosóficas o teológicas, sino de una literatura que se atrinchera en el reverso, en el negativo fotográfico de la aversión a lo femenino: en la crisis de lo macho, en la sobreexposición de unos miedos hasta ahora indecibles, en la problematización del sexo y las emociones, en la desconstrucción del propio privilegio”.

Quizás algo de eso tomó en cuenta la Academia Sueca para nunca darle el Nobel a Roth. La institución, tan políticamente correcta, ha sido incapaz en infinidad de ocasiones de defender la literatura por encima de lo ideológico y lo político. Pero que no se lo hayan dado a Roth demuestra que toda una generación de titanes de las letras que tampoco lo recibieron ni lo recibirán (John Updike y Norman Mailer, ya muertos, o los vivos Cormac McCarthy, Don de Lillo o Thomas Pynchon), simplemente no han estado en el radar de una Academia que quizás por eso está hoy en franca bancarrota.

 

[Fuente: http://www.milenio.com]

 

Si una cosa no farà la literatura, és canviar el món.

L’escriptor Philip Roth

Escrit per Roser Casamayor

L’altre dia vaig llegir un article d’Eudald Espluga publicat fa un parell d’anys sobre per què ens agraden els escriptors masclistes. Però de fet l’article acaba responent per què ho són, no per què ens agraden. Diu que la tragèdia de la virilitat ferida per la desconstrucció del privilegi propi els ofereix a segons quins escriptors una sortida dramàtica i victimista en la literatura; també que són portadors d’una espècie de “misogínia feminista” (això ho diu Despentes de Houellebecq), que en el fons des d’aquest menyspreu hi ha una celebració del sexe femení. Perdoneu, però a mi això últim no em cola. Sobretot, que l’article acabi dient que existeixi aquest tipus de literatura fa que ens preguntem el perquè de tot plegat. I que això ja de per si és bo.

Sincerament, crec que tot plegat té més a veure simplement amb el primer punt que detectava l’article. Jo no afirmaré rotundament que els protagonistes mascles de RothFoster Wallace o Houellebecq siguin misògins, però sí masclistes. Molt masclistes. D’un masclisme ranci, autoinculpador i profundament narcisista. Crec que aquí tenim la clau de volta de tot plegat: la culpabilitat i el narcisisme. Per què llegim aquests autors, doncs?

Fem un exercici de sinceritat, va: en el fons, no ens enamoren els homes conscients, intel·ligents i que reconeixen amb culpabilitat el masclisme que professen? No ens fa llàstima, dones del segle XXI (però que ens hem socialitzat entenent que havíem de ser comprensives, generoses, amables, servicials), aquell pobre mascle al llit, desemparat i masclista? No ens traiem el vestit de superheroïnes que ens havíem posat, de dones fortes i apoderades, per fer-li una moixaina? (En cap cas no estic parlant de situacions de violència, vull que quedi MOLT CLAR). Doncs què ens estranya que fem el mateix amb els llibres d’aquests grans autors? Perquè aquí discrepo clarament amb l’article que us he citat abans: si bé és cert que hi ha autoparòdia i ironia, això no impedeix que no hi hagi un masclisme latent molt fort en aquestes obres. La consciència no esborra el crim.

Així que, acceptem-ho, quan llegim Roth o Houellebecq o Foster Wallace ens traiem la disfressa (o era la pell?) i acceptem que el protagonista sigui un gran imbècil, i que digui coses com:

“―No ho sé, potser és veritat, dec ser una mena de masclista. En realitat, mai no m’he convençut que sigui una bona idea que les dones puguin votar, fer els mateixos estudis que els homes, accedir a les mateixes professions, etc. En fi, ens hi hem acostumat, però, en el fons, és una bona idea?” (també de Submissió).

O:

La mitad de las mujeres… Es una tipología más común de lo que parece entre las chicas con estudios de por aquí. No quieras saber qué clase de festival era ni por qué estábamos allí los tres, créeme. Agarraré el toro político por los cuernos y confesaré que la clasifiqué como objetivo de una noche, y que mi interés por ella se debía por completo al hecho de que era guapa. Sexualmente atractiva, sexy. […] qué aprovechado se siente uno cuando es tan fácil conseguir que este tipo de mujeres te considere un alma caritativa” (d’Entrevistas breves con Hombres repulsivos, de Foster Wallace).

No ho sé, a mi m’agraden aquests autors. M’agraden pel seu estil excessiu, pel domini del llenguatge excepcional, per l’autoparòdia profundament intel·ligent, per l’esgotament del llenguatge per neurosi, perquè estructuren les seves obres de manera que cada frase acabi posant la pedra exacta al lloc exacte perquè es construeixi un palauet (masclista, però un puto palauet, acceptem-ho!). També m’agrada que facin visibles estructures que sembla que tinguem superades, però que en el fons ens tornen a un lloc confortable, una espècie de zona de confort de merda (injusta, incòmoda, contra la qual lluitem, però que no deixa de ser de confort, siguem sinceres!). I també perquè escriuen coses com “També vostè necessita que li facin veure l’infantilisme que hi ha en el fet d’aparellar-se? I tant, que és infantil. La vida de família ho és, avui dia més que mai, quan cobra sentit gràcies als infants. La vida de parella i la vida de família fan treure tot el que hi ha d’infantil en tothom que en forma part” (L’animal moribund, de Philip Roth).

I no em fa res reconèixer-ho. Ho reconec, ho reconec, ho reconec: Roth s’abaixa els pantalons davant meu i accepto que els seus personatges siguin uns cabrons, uns infantils i uns narcisistes. I què hi farem? Ens flagel·larem perquè ens agradin aquests autors? Perquè ens resultin provocadors, n’admirem el domini lingüístic, ens facin sentir còmodes i incòmodes alhora i ens facin riure?

Em sembla que simplement hem de seguir lluitant perquè el punt de retorn i comoditat no sigui més aquest. Però la lluita es fa als carrers, senyores, no en els llibres de ficció: si una cosa no farà la literatura, és canviar el món. Així que estiguem aguait per detectar totes les formes de violència masclista que tenim pel nostre voltant diàriament, exigim als nostres polítics que estiguin a l’altura del moment històric, sortim al carrer quan toqui, però sobretot no ens culpabilitzem també nosaltres, que no cal crear més monstres. I llegim, sobretot: llegim Woolf, Despentes, Churchill, Srbljanovic i Liddell; llegim Rodoreda, Català, Solà i Marçal; llegim Lispector, Pizarnik, Plath i Dickinson; i llegim també les germanes Brönte, llegim-ho tot, i gaudim-ho, i sapiguem què estem fent, i siguem felices en temps de confinament.

 

[Font: http://www.nuvol.com]

 

David Foster Wallace, Philip Roth, Michel Houellebecq… ¿son sus libros dramitas masculinos para hombres? ¿la misoginia que desprenden sus personajes impide una lectura feminista de la crisis del macho?

Escrito por Eudald Espluga

Este septiembre se cumplirán 10 años del suicidio del escritor que todos los hombres blancos heterosexuales con ambiciones intelectuales recomiendan: David Foster Wallace. Una efeméride que nos obliga a retomar la pregunta que Deirdre Coyle lanzaba en su artículo « Los hombres me recomiendan David Foster Wallace »: ¿por qué los lectores del autor de Entrevistas breves con hombres repulsivos tienden a ser hombres repulsivos? Y que nos invita, además, a añadirle otra pregunta que quizá sea incluso más perturbadora: ¿por qué nos gustan tanto los hombres repulsivos?

Pensemos en David Foster Wallace y los personajes que pueblan sus novelas, sí, pero también en Philip Roth, en Michel Houellebecq, en Normal Mailer, en Frédéric Beigbeder, en John Fante, en Martin Amis, en Elias Cannetti o en Charles Bukowski.

Es decir, pensemos en una literatura rabiosamente cipotuda, narcisistícamente fálica, que ya no erige su misoginia estructural en concepciones científicas, filosóficas o teológicas, sino de una literatura que se atrinchera en el reverso, en el negativo fotográfico de la aversión a lo femenino: en la crisis de lo macho, en la sobreexposición de unos miedos hasta ahora indecibles, en la problematización del sexo y las emociones, en la desconstrucción del propio privilegio.

I.

¿Por qué nos gustan los capullos?

« La novela contemporánea heteromasculina considerada ‘seria’ es una Historia de Mí apenas velada, tan vorazmente consuntiva como todo el patriarcado. Mientras que el héroe/antihéroes es explícitamente el autor, todos los demás son reducidos a « personajes ». […] Cuando las mujeres intentamos penetrar esta falsedad presuntosa dando nombres porque nuestros « yoes » cambian según conocemos otros « yoes », nos llaman zorras, difamadoras, pornógrafas y aficionadas. « ¿Por qué estás tan enfadada? », me dijo él. »

Lo que acabamos de leer es una de las muchas ideas que podemos encontrar en Amo a Dick, de Chris Kraus, una novela dedicada a escenificar esta pasión cultural por la hombría crepuscular, por la representación artística de la virilidad herida.

En el libro, Chris se enamora de Dick —con el doble sentido de « polla » y « capullo »—. Es decir, se enamora de un vaquero-escultor, un macho sensible y exitoso, tan autosatisfecho con su poderío sexual como naif en sus profundas reflexiones. Por supuesto, el libro es una gran burla. Es un sarcasmo doloroso e íntimo, porque su trasfondo es trágico: ¿por qué amamos a los capullos? ¿por qué incluso en su declive la masculinidad está divinizada y su lamento deviene un elegía que debemos escuchar con posado grave? ¿Por qué no escribimos columnas pidiendo que los escritores hablen de temas universales en vez de insistir en su propio ser hombres, siempre en tono plañidero, furibundo y ofendido?

II.

Dramitas de hombres…¿para hombres?

Representar literariamente la misoginia no te convierte en un misógino y, sin embargo, ¿hasta qué punto la crisis de la masculinidad como tópico literario no termina justificando la misoginia como un mecanismo de autodefensa natural y comprensible?

Esto es lo que sugería Mayca Castro Rodríguez en un artículo en el que se ocupa de la imposibilidad de empatizar con lo que llama « dramitas masculinos ». Castro apunta al hecho que « la tragedia de la virilidad crepuscular » ofrece una salida dramática y victimista a una serie de problemas que los hombres se siguen negando a afrontar. Además, les permite presentar esta masculinidad herida con tintes trágicos, darle dimensión épica y dotarla de un aura especial que casi nos mueve a la compasión.

Pero ¿es realmente así? ¿Los dramitas de hombres son solo para hombres? ¿Entrevistas breves para hombres repulsivos es un libro con el que gozan solamente a los hombres repulsivos? ¿No podemos identificarnos con los capullos?

Pensemos en estos versos de Michel Houellebecq:

« Los hombres solo quieren que les coman el rabo.

Tantas horas al día como sea posible.

Tantas chicas bonitas como sea posible.

Fuera de eso, les interesan las cuestiones técnicas.

¿Ha quedado lo bastante claro? »

¿Se puede empatizar con alguien que escribe con la polla sin ser un machote como Dick?

Virginie Despentes cree que sí. En el caso de Houellebecq, cuando le preguntamos si lo consideraba un autor misógino o machista, apuntaba: « lo considero como alguien que desarrolla un discurso de superodio a las mujeres, cosa que es increíble porque cuando lo conoces no es así. Pero también lo considero como el autor de la crítica del machismo de la masculinidad. Su masculinidad es una masculinidad que es enferma y débil. Si lo piensas, es uno de los autores más críticos. No creo que tenga cariño por su discurso de odio a las mujeres, es más bien el síntoma de una masculinidad blanca que no puede ir más allá. Yo creo que deja a sus lectores que piensen lo que quieran, pero en el fondo sabe que el machismo no es bueno. Pienso que es mejor persona [risas]. Se nota en su poesía, donde es más suave. No lo veo como el típico machista, o como Philip Roth: aquí sí tenemos al auténtico macho ».

La autora de Vernon Subutex asume la existencia de una gradación: una obra misógina puede no ser machista si contiene suficiente ironía y autoparodia, si el odio a las mujeres resulta lo bastante incómodo.

III.

Misoginia… ¿feminista?

Pensemos, por último, en Divorcio en el aire, de Gonzalo Torné. El personaje de Joan-Marc es una recreación hiperrealista de cierta misoginia intelectualizada y blanqueada por la descripción antropológica de la diferencia entre los géneros. Sin embargo, a la diarrea verbal y filosófica del protagonista se opone la estructura de la novela, que permite al lector gozar de la distancia y la repulsión que exigía Despentes:

« -Mira, los chicos nos hacemos los hombres antes de serlo, sacamos pecho, marcamos paquete, nos desabrochamos el segundo botón de la camisa, porque esperamos que eso os impresione; os hacemos reír, y eso está bien, pero nunca nos habéis creído, somos incapaces de sostener la interpretación. Jugamos a ser el sexo fuerte, pero ahí nos tienes, temblando de emoción ante esos organismos que transportan los elementos indispensables para organizar un paraíso en la Tierra. Ninguna de vosotras entendéis desde vuestro desarrollo gradual lo que supone la detonación a los doce, a los trece, a los catorce de esas bombas de testosterona que queman brazos enteros de neuronas hasta la raíz, que impulsan al vello crecer por todo el cuerpo, que te cambian las facciones a tirones, estamos puestos aquí, entre las sensaciones, para plantar la semilla en el surco carnal y asegurar el relevo. ¿Entiendes?

-No. »

La rubrica a esta idea la podríamos encontrar en la interpretación feminista del mismo Philip Roth, alguien que no solo es tildado de misógino por Despentes, sino también por Lionel Shiver — »los personajes femeninos de Roth no son ni de lejos tan completos como los masculinos; muchas veces las mujeres no son más que un montón de cuerpos o, si son exmujeres, errores andantes »—, por Vivian Gornick —la misoginia de Roth es « lava saliendo de un volcán »— e incluso para el mismo David Foster Wallace, quien lo llegó a etiquetar como uno de los tres « Grandes Machos Narcisistas ». Pero en contra de todos ellos, Raina Lipsitz, en un artículo para Salon, llega a defender que lejos de demonizar a las mujeres por su naturaleza, las novelas de Roth —con su juego de espejos e ironía canalla— son en realidad una celebración del sexo femenino.

En el fondo, este era el desafío que nos lanzaba una novela como Amo a Dick. Preguntarnos: ¿podemos darle la razón a quienes creen que las literaturas de David Foster Wallace, Michel Houellebecq o Philip Roth son solo dramitas de hombres para hombres y aun así disfrutarlos y resignificarlos en clave feminista? ¿Podemos hablar de buena literatura misógina, como parecía sugerir Despentes?

No hay una única respuesta. Ambas interpretaciones no son excluyentes. Pero está claro que por lo menos se trata de una pregunta productiva, que problematiza nuestros prejuicios y que nos obliga a reflexionar sobre aquello que nos gusta —aunque sepamos que no debería gustarnos— y a preguntarnos qué es lo que hace que nos guste.

 

[Fuente: http://www.playgrounddo.com]

 

 

 

Milan Kundera

Escrito por RAFAEL BALANZÁ

Extrañamente, no había leído todavía una de las obras tempranas de Milan Kundera: “El libro de la risa y el olvido”. Acabo de hacerlo con gran placer, creo que es una de sus mejores novelas. Podemos describirla, con toda justicia, como “novela de ideas”; esa clase de ficciones entreveradas de ensayo, generalmente en torno a una idea-eje (dos, en este caso) que inundan con un potente chorro de luz el escenario social en el que se desarrollan. Aquí se trata, principalmente, de la Checoslovaquia comunista, y los personajes que vemos en escena no son únicamente iluminados por fuera, sino que también podemos escudriñarlos hasta los huesos gracias al poderoso y humorístico aparato de rayos X que emplea el autor.

El libro de la risa y el olvido

Decía Lukács que dos sentimientos matizan toda gran novela: ironía y melancolía; en ambos ingredientes resulta pródiga la narrativa de Kundera. Esta clase de libros presentan, sin embargo, muchos inconvenientes: exigen una lectura morosa (la lentitud, precisamente, es otro de esos temas de los que se ha ocupado el novelista checo), obligan a reflexionar e impiden consultar el whatsapp o jugar a la play con el otro ojo y la otra mano. La única ventaja que se me ocurre es que vuelven al lector más inteligente, algo completamente superfluo en estos días en que el algoritmo se ocupa de todo.

En cierto momento, el narrador nos invita a reflexionar sobre la putrefacción –casi inmediata- de los nobles ideales que inspiraron al principio la deriva hacia el socialismo: “Las antiguas injusticias iban reparándose, las nuevas injusticias comenzaban a perpetrarse”, se nos informa en la página 90. Emulando a Kundera, sociólogo implacable en sus ficciones, me propongo analizar aquí la relación entre el declive de la literatura de ideas y la hipertrofia de la política en nuestro país.

Capítulo primero: lo malo

Lo malo –he hablado de esto otras veces- es que ya antes de la pandemia vivíamos en sociedades deprimidas, sin ilusiones de redención ni horizontes de trascendencia, espléndidamente escaneadas por Houellebecq, entre otros escritores. Occidente está perdiendo la hegemonía global, y las clases medias de Estados Unidos y Europa carecen de esperanza. Recordemos la frase lapidaria del autor francés: “Antes la vida consistía en la espera del reino, ahora consiste en la espera de la muerte”.

Este clima psicológico depresivo fue a peor con la crisis de 2008 y dio lugar al crecimiento de populismos de izquierda y derecha tanto en Estados Unidos como en Europa. Y por primera vez, las nuevas generaciones en estos países no albergan una esperanza razonable de gozar de mejores condiciones de vida que sus mayores; lo que, sumado a un patente declive moral y espiritual, las relega a un estado de frustración constante. La pandemia ha exacerbado estos problemas, disparando los niveles de ansiedad y la demanda de atención psiquiátrica.

Capítulo segundo: el error y la risa

En realidad, ni la crisis financiera de 2008 ni la pandemia y sus consecuencias económicas han destruido por completo el bienestar básico de las sociedades desarrolladas. En Europa la sanidad pública sigue siendo universal en prácticamente todos los países, y la protección social garantiza un mínimo nivel de ingresos y de atención a los necesitados; mientras que en Estados Unidos la economía se ha recuperado con vigor renovado en los últimos años. Lo que sucede es que el crecimiento ya no puede ser tan rápido como en los decenios anteriores. Las economías que crecen a ese ritmo son ahora las de los países emergentes, en todo caso. A consecuencia de esto, en Occidente hay una sensación general de estancamiento. Y las nuevas tecnologías aportan soluciones y alicientes casi en la misma medida que nuevos problemas: la comodidad del teletrabajo apenas compensa de las ansiedades vinculadas a esa misma circunstancia; la conexión permanente con familia y amigos no palia el sentimiento creciente de soledad asociado a las inciertas y lábiles relaciones digitales. Probablemente las condiciones materiales seguirían siendo suficientes para desarrollar un proyecto vital satisfactorio, si el marco cultural e institucional dotara de sentido a la experiencia de vivir y envejecer. Pero como se da un vacío emocional subyacente, las consecuencias de una economía continuamente amenazada y una vida profesional estresante, enfocada a una competencia sin límites claros ni en el espacio ni en el tiempo, son percibidas con mayor intensidad, lo que genera descontento y miedo. Entonces la ciudadanía busca las causas de su malestar, pero -como expliqué en mi anterior colaboración- lo hace (risiblemente) en el lugar equivocado: la política.

Capítulo tercero: la trampa y el olvido

Comprender la verdadera raíz de los problemas no sirve, claro, para solucionarlos instantáneamente, y tal vez ni siquiera para mitigarlos; sin embargo, sí evita, al menos, caer en la trampa de buscar la solución donde no la hay. En los populismos, por ejemplo. También me he referido a esto en entregas anteriores.

En otros tiempos, la literatura sirvió para iluminar la problemática situación del hombre en el mundo, pero este tipo de arte ha caído en el olvido; ahora, cada vez más, la narrativa audiovisual (cine, series de televisión) o escrita está enfocada al puro entretenimiento, lo que elimina su virtud “iluminadora”, exceptuando algún caso vestigial, como el del citado Houellebecq o el del veteranísimo Kundera.

Capítulo cuarto: el feedback perverso

Cuanta menos literatura o periodismo de calidad lee la gente, más estúpida se vuelve en relación con sus propios padecimientos; lo que lleva al aumento de las corrientes demagógicas. Dichas tendencias inundan las redes y afectan al periodismo, obligado a asumirlas e incorporarlas para satisfacer la demanda. También la literatura entra en el juego de la facilidad para ser competitiva.

Capítulo cinco: los beneficiarios

La crispación -fruto del error de interpretación que hemos señalado antes- beneficia a los “periodistas estrella” que participan en tertulias televisivas o radiofónicas auspiciadas por grupos mediáticos, los cuales toman el rentable camino de satisfacer la demanda social de contenidos políticos cada vez más estridentes. Un buen ejemplo de esto es el caso del grupo Planeta, que edita el diario La Razón y tiene intereses en La Sexta, una televisión de ideología opuesta. En realidad, a los inversores del grupo Planeta no les importa ni la morralla que venden como literatura –que no es peor, por otra parte, que la de otras editoriales supuestamente más literarias-, ni tampoco los contenidos políticos que suministran al público de una u otra orientación. Sencillamente, como camellos oportunistas, proporcionan cualquier clase de droga demandada y utilizan buenas marionetas para su guiñol: Wyomin, Inda, Marhuenda… No quiero decir con esto que las marionetas no sean sinceras cuando se enzarzan en disputas o debates (probablemente lo son), sino que los mercaderes del espectáculo las utilizan en su provecho. Beneficiarios de la situación son también, sin duda, los políticos profesionales, incluidos aquellos aparentes extremistas que ven incrementado su patrimonio y pueden, por ejemplo, adquirir propiedades de lujo en la sierra; además de asegurarse el porvenir como conferenciantes desproporcionadamente retribuidos.

Si la gente entendiera el escaso margen que existe en un país cuasi-intervenido y periférico como España para una acción de gobierno, sometida a directivas europeas y a dinámicas de mercado transnacionales, muchos dejarían de ir a votar o lo harían, venciendo su desidia, sin prestar atención a tertulias y análisis, lo que acabaría dejando el Estado en manos de tecnócratas constreñidos a políticas de centro o centro izquierda; cosa que en realidad ya sucede en el backstage, fuera de la luz pública. La cierto es que influye mucho más en nuestra vida lo que se decide en el gobierno chino o en nuestra comunidad vecinal (dos siniestras entidades) que lo que implica nuestro voto.

Capítulo sexto: una profecía

La actual crisis se superará pronto, pero las debacles medioambientales y de salud probablemente se sucederán en los próximos años. El consumo de política-espectáculo irá en aumento, lo que conducirá a mayores tensiones y crispación social, que será inmediatamente reciclada, empaquetada y revendida por los medios de comunicación. Es improbable que se dé una verdadera revolución si el entusiasmo (optimismo ilusorio) o la desesperación (hambre, sufrimiento físico) no rebasan ciertos límites, todavía lejanos. Cabe la posibilidad, sin embargo, de que la democracia liberal sea sustituida progresivamente por una dictadura democrática sustentada en las redes sociales y apoyada por expertos y demagogos, a sueldo de grandes corporaciones tecnológicas… Pero esto ya nos deja a las puertas de una futura novela de ciencia-política-ficción que escribiremos otro día y presentaremos, tal vez, en alguno de los programas del oracular y ubicuo Iker Jiménez.

 

[Fuente: http://www.todoliteratura.es]

Paranaländer reseña el libro El hielo, de Vladimir Sorokin (1955), escritor posmoderno ruso ganador del premio literario Andreï Biély, cuya obra suele provocar polémica en Rusia pues aborda temáticas como el totalitarismo, las adicciones y el sexo. El hielo, publicado en 2011 por Alfaguara, es catalogado como un libro de terror e intriga y forma parte de una trilogía.

Por Paranaländer

Hoy les revelo otro libro de cabecera: El hielo, Vladimir Sorokin (2011, Alfaguara), que en realidad es parte de la Trilogía del hielo (Hielo, 2002; Bro, 2004 y 23000, 2005; no traducida, como siempre, de forma completa en este idioma de cuarta, el español), que se puede disfrutar en inglés en descarga free.

En ella aparece “Lara Croft desnuda y con dos pistolas, Marilyn Mason crucificado tal que un cristo”, se hace uso de la jerga skaz, ya utilizada por el contrautópico Zamiatin a comienzos del siglo 20, “¿has oído hablar de B’nai B’rith?, es la logia oficial judeomasónica en Moscú, todos son de ojos azules, se tiran el rollo de que toda la gente duerme, no sé qué puñetas de letargo colectivo y tal, y que hay que despertar, nacer de nuevo”, se habla de «El fantasma de la ópera» de Darío Argento, de Cronenberg,  Lucio Fulci, de “los cerebros de los chechenos muertos, como el queso suizo, llenos de agujeros”, de un omnipresente martillo o hacha de hielo, fragmento del misterioso meteorito bautizado como Tungussky que cayó en 1908 cerca del río Podkamenaya en Tunguska, se oye «Suzanne» de Leonard Cohen, se lee un librito de relatos de Borges, a alguien tarareando Darling, stop confusing me with your…, o el poema de Brodsky «Fin de una época maravillosa», se fuma cigarrillos Bogatyr, se bebe whisky Famous Grouse o vodka Yuri Dolgoruki, se menciona el logotipo del club de futbol Zenit, los libros El caballito mágicoMoscú SoviéticaEl panecillo, el lobo y las siete cabritas, “Escucha, al principio solo había la Luz Eviterna. Y la luz resplandecía en el Vacío Absoluto. Y la luz brillaba por y para Sí misma. La Luz se componía de veintitrés mil rayos luminosos. Y estos éramos nosotros, para quienes no existía el tiempo, solo la Eternidad. Y en ese Eterno Vacío resplandecíamos. Y engendrábamos los mundos. Mundos que iban llenando el Vacío. Así nacía y crecía el Universo (…)”, “¿qué es el hielo?, Es la sustancia cósmica ideal engendrada por la Luz Eviterna, suena en él la Música de la Luz, al golpearlo contra nuestro pecho, el hielo vibra”, obra alimentada de un mesianismo gótico, de un arianismo paranoico-apocalíptico fascinante, donde bulle la idea de una reconciliación hegeliana en clave mistérica-esotérica, acicateada por una secta -con sus miembros de divinos miocardios- no entrópica en la que la multiplicidad-la división debe y será reparada en la Unidad, vemos aún una parodia de las grotescas máquinas deseantes deleuzianas en las máquinas carnosas, totalmente muertas, de la página 260, no falta el contraespionaje japonés, toda esta mística del hielo en el fondo muy rusa, boreal, chamánica, música de la infinita Siberia, cábala cataclísmica, que reniega de la carne y el pan, ¿“qué puede ser peor que el pan, ese escarnio del cereal?, solo la carne”, obsesión que reencarna en otros cuerpos, cuasi vampiros alienígenas, saturada del férreo antiintelectualismo ruso, “por alguna razón donde más suerte teníamos era en las bibliotecas, allí siempre se sentaban miles de máquinas carnales dedicadas a la locura silenciosa de pasar hojas de papel cubiertas de letras”, al final la novela parece un videojuego que te droga con su luz sintetizada con hielo espacial, es decir, te mata, para el traslado a otros mundos, riendo con los actores cómicos rusos Zhenia Morgunov, Mister Pitkin, Yuri Nikulin, Georgi Vitsin, Arcadi Raikin, Etush…

Esta reconstrucción de la historia a partir de un elemento exógeno, el hielo místico en este caso, recuerda mucho a Las partículas elementales de Houellebecq y al Murena de Homo atomicus.

Vladimir Sorokin nació en un pueblito a las afueras de Moscú en 1955. Se formó como ingeniero en Instituto de Petróleo y Gas de Moscú, pero se dedicó al arte y la escritura, convirtiéndose en una presencia importante en el Metro de Moscú de la década de 1980. Su obra fue prohibida en la Unión Soviética y su primera novela, The Queue (La cola), fue publicada por el afamado disidente emigrado Andrei Sinyavsky en Francia en 1983. En 1992, Collected Stories de Sorokin fue nominado para el Premio Booker de Rusia; en 1999, la publicación de la controvertida novela Blue Lard (Manteca azul), que incluía una escena de sexo entre clones de Stalin y Khrushchev, llevaron a manifestaciones públicas contra el libro y a demandas de que Sorokin fuera procesado como pornógrafo; en 2001, recibió el premio Andrei Biely. Es también el autor de guiones de películas y del libreto de la primera ópera nueva encargada por el Teatro Bolshoi desde la década de 1970. Entre sus más recientes libros está El Día del Oprichnik. Vive en Moscú. Tiene dos hijas.

 

[Fuente: http://www.eltrueno.com.py]

Michel Houellebecq en 2014

Écrit par Claire Devarrieux

À une question d’Agathe Novak-Lechevalier sur le sacrifice d’ordre «christique» de l’écrivain, Michel Houellebecq répond par l’affirmative. Tel qu’il le conçoit, «écrire implique de prendre sur soi le négatif, tout le négatif du monde, et d’en donner une peinture, de telle sorte que le lecteur puisse être soulagé en ayant vu exprimer cette part négative. L’auteur, qui prend sur lui de l’exprimer, court évidemment en même temps le risque d’être assimilé à cette part négative du monde». C’est le passage inédit le plus intéressant d’Interventions 2020, recueil qui comporte «45 % de nouveaux textes» par rapport à la deuxième édition d’I nterventions (2009). Le calcul est de l’auteur lui-même, qui précise qu’«il n’y aura pas de quatrième édition»«hors cas d’urgence morale grave – par exemple une légalisation de l’euthanasie.» En mai, Augustin Trapenard a lu la lettre «En un peu pire», où Houellebecq s’inquiète de la mort au temps du Covid-19 : «Jamais on n’avait exprimé avec une aussi tranquille impudeur le fait que la vie de tous n’a pas la même valeur ; qu’à partir d’un certain âge (70, 75, 80 ans ), c’est un peu comme si l’on était déjà mort.» Dans «L’affaire Vincent Lambert n’aurait pas dû avoir lieu», il estime que celui-ci n’était pas en état de «manifester un « désir de mourir »» et qu’on a «bel et bien décidé à sa place».

En tête de ce volume d’articles, entretiens et préfaces figure le texte fétiche «Jacques Prévert est un con» (1992) repris dans chaque édition d’Interventions. On retrouve la phrase fameuse : «Pour ma part j’ai toujours considéré les féministes comme d’aimables connes» (1998). Parmi les propos récents, on relève que «l’intelligence de Zemmour surpasse celle de ses actuels contradicteurs» (2019). Paru aussi l’an dernier, dans Harper’s Magazine, «Donald Trump est un bon président» est un cas d’école. Les arguments de Houellebecq sont «la politique de désengagement» et la «fraîcheur salutaire» en matière de commerce. Mais il est aisé d’isoler d’autres expressions, comme «navrant guignol». Ou : «Sur le plan personnel, il est bien sûr assez dégoûtant. Qu’il appelle des putes, pas de problème, on s’en fout, mais se moquer des handicapés, ce n’est pas bien. À programme équivalent, un authentique conservateur chrétien, enfin un type honorable et moral, aurait été mieux pour l’Amérique.»

Michel Houellebecq Interventions 2020 Flammarion, 464 pp., 21 € (ebook : 14,99 €).

 

[Photo : Barbara d’Alessandri. Flammarion – source : http://www.liberation.fr]

Jamaica Kincaid, profesora de Harvard y autora de novelas como « Autobiografía de mi madre », es uno de los nombres que suena para Nobel de Literatura de este año Crédito: Sofie Sigrinn / CC / wikipedia

Escrito por Laura Ventura

Jamaica Kincaid suena fuerte entre las apuestas y en la comunidad intelectual internacional. Cuando falta exactamente una semana para conocer quién será el próximo ganador del Premio Nobel de Literatura emergen ya algunos nombres de escritores, mezclados por los gustos de los lectores en las redes sociales y los deseos de las editoriales, que se suman a otros autores que son señalados desde hace años, incluso décadas, como merecedores de esta célebre distinción.

« Si la Academia sabe lo que es bueno para ellos, tendrán que elegir a Jamaica Kincaid », dijo a AFP Bjorn Wiman, el editor de Cultura del diario sueco Dagens Nyheter. La autora nacida en Antigua y Barbuda en 1949 y profesora de Harvard escribió, entre otras novelas, Autobiografía de mi madre (« Mi madre nació en el momento en el que yo nací », comienza su narración). Kincaid se encuentra en la lista de favoritas a la que también pertenece Maryse Condeganadora del premio Nobel alternativo en 2018 galardón paralelo a la Academia Sueca que surgió hace dos años cuando la institución estuvo envuelta en un escándalo sexual y de filtraciones a la prensa, protagonizado por Jean-Claude Arnault, marido de una de los miembros del comité de selección. Ambas autoras son exponentes de la denominada literatura postcolonial y retratan en sus universos caribeños los abusos que padecen las mujeres, así como también las « clases subordinadas », en términos de la teórica Gayatri Chakravorti.

La canadiense Margaret Atwoodautora de El cuento de la criada, exponente mundial del feminismo, es otra de las preferidas de esta nueva edición que se celebra aún con los fantasmas de 2018, cuando Arnault fuera también denunciado por abuso por varias mujeres. La controversia no culminó con este escándalo, sino que el año pasado, cuando se distinguió a Peter Handke, algunas voces se opusieron a esta distinción por su postura pro-serbia durante la Guerra de los Balcanes.

En 2019, junto con el galardón a Handke, que había quedado vacante en 2018, fue reconocida la polaca Olga Tokarczuk, galardón que también merecían y quizá por eso se le entreguen en la próxima edición la canadiense Anne Carson, las estadounidenses Joan Didion Joyce Carol Oates, la británica Hilary Mantel, la francesa Nina Bouraoui, la finlandesa Sofi Oksanen o la rusa Liudmila Ulitskaya.

Entre aquellos autores que desde hace décadas aparecen entre la lista de favoritos se encuentran Haruki MurakamiMichel Houellebecq y Paul Auster. El rumano Mircea Cartarescu, el israelí David Grossman, el noruego Jon Fosse o los húngaros Péter Nádas y László Krasznahorkai también se barajan para la próxima edición.

Entre los hispanoparlantes, el nombre del poeta venezolano Rafael Cadenas asomó hace unos meses como posibilidad, mientras que en lengua española sigue apareciendo Javier Marías.

El Festival Internacional de Literatura de Buenos Aires (Filba) tendrá entre sus invitados a varios de estos favoritos como invitados a esta edición virtual: Joyce Carol Oates, encargada de la inauguración, Mircea Cartarescu y la mismísima Kincaid.

 

 

[Fuente: http://www.lanacion.com.ar]

 

Révélé aux lecteurs en 1994 par Extension du domaine de la lutte (Éditions Maurice Nadeau), Michel Houellebecq avait déjà plusieurs textes derrière lui. Deux essais – le premier consacré à H.P. Lovecraft — et des poèmes, certains recueillis dans La Poursuite du bonheur, mais aussi une revue littéraire éphémère, Karamazov. Cette dernière fut fondée à la fin des années 1970 par l’élève Michel Thomas et plusieurs de ses camarades de l’Institut national agronomique Paris-Grignon.

Écrit par Antoine Oury

Aux yeux de Christophe Champion, de la librairie Faustroll (Paris), le numéro zéro de la revue Karamazov qu’il tient entre ses mains est une pièce très rare : « C’est le seul exemplaire que j’ai eu la chance de voir », affirme-t-il. Cette revue littéraire, qui tire son nom de la célèbre œuvre de Dostoïevski, eut une existence très éphémère à la fin des années 1970, alors qu’un jeune Michel Houellebecq, encore connu sous le nom Michel Thomas, étudie au sein de l’Institut national agronomique Paris-Grignon.

Or, « Michel Thomas n’a décidément pas la vocation d’agronome », souligne Denis Demonpion dans son livre Houellebecq : La biographie d’un phénomène (Buchet-Chastel, 2019). Avec quelques camarades, il s’intéresse plutôt à la littérature et à la versification, et fonde donc cette revue, Karamazov, destinée à publier leurs créations poétiques et littéraires.

Le numéro zéro que possède Christophe Champion était une sorte de spécimen, « qui représente la moitié de ce que serait la revue dans sa version complète. Les rédacteurs essayaient alors de recueillir des souscriptions pour la financer. »

Dans ce numéro zéro, Houellebecq signe sous le pseudonyme Dorian de Smythe-Winter un poème, un texte d’anticipation et sans doute l’en-tête de la revue, un avis au lecteur. « Cet en-tête n’est pas signé, mais on peut l’attribuer à Houellebecq, qui avait sans doute un rôle de meneur », indique le libraire. Déclinisme et radicalité annoncent en effet la couleur et une critique acerbe de la culture contemporaine.

Aujourd’hui cette culture apparaît comme un cadavre (une poignée d’érudits allumant des cierges autour de quelques grands disparus) […], [une] coupure totale entre une sous-culture de masse et une recherche hautement élitaire qui a secrété autour d’elle une carapace d’hermétisme. Avis au lecteur, revue Karamazov, n°0

« Cette revue propose des textes de Michel Houellebecq bien avant qu’il ne devienne connu ou qu’il ne publie dans d’autres organes, comme la Revue de Paris, en 1988 », relève Christophe Champion. Le numéro zéro de Karamazov comporte bien sûr des textes d’autres auteurs, notamment des poèmes et un conte fantastique, signés par des camarades de promotion, comme Paul de Cornulier, Jean-Christophe Debar, Jean Dézert ou encore Thierry Geffrier, qui participèrent à la revue.

Les illustrations, au nombre de trois en comptant celle présentée en couverture, sont signées par Pierre Lamalattie, qui utilisait le pseudonyme Pierre Lacour dans le numéro spécimen de la revue Karamazov, dont la diffusion fut limitée aux amis proches des rédacteurs, fut probablement tiré à un nombre très restreint d’exemplaires, selon Christophe Champion. Sa rareté devrait susciter l’intérêt des bibliophiles, Michel Houellebecq étant de loin l’auteur français contemporain le plus collectionné…

La librairie Faustroll présentera le numéro zéro de la revue au Salon du livre rare et de l’autographe, organisé du 18 au 20 septembre prochain au Grand Palais, à Paris. Le prix sera communiqué sur demande.

 

[Photographie : Michel Houellebecq, Karamazov, Au champ du moulin, Neuves-Maisons, s.e. [Imprimerie R. vinchelin], s.d. [printemps 1979]. Utilisée avec l’aimable autorisation de la Librairie Faustroll – source : http://www.actualitte.com]

Charles Bukowski. Foto: Cordon Press.

Charles Bukowski. Foto: Cordon Press

Publicado por Rafael Ruiz Pleguezuelos

Literariamente, Fernando Arrabal y Charles Bukowski tienen muy poco en común, como sabe cualquiera que les haya leído. Ambos están unidos por pertenecer al club del escritor con escándalo televisivo, que con el tiempo puede contemplarse más como una especie de performance literaria que como un verdadero escándalo, entre otras cosas porque en el año 2016 nadie se escandaliza de nada, así que queda solamente el hecho y la posibilidad de verlo en internet cuantas veces se quiera. La borrachera de Arrabal en el programa de Sánchez Dragó, como la navaja de Bukowski en el estudio de Apostrophes, están más cerca del trabajo de Andy Warhol que del vídeo de la chica que mezcla ácido clorhídrico y algún sulfato y afirma que la «ha liao parda». Si algo nos enseñó la vanguardia —de Duchamp hacia abajo, o hacia arriba, según queramos entenderlo— es que todo hecho realizado por un artista puede ser arte.

Lo que ocurre es que hay un primer grupo de escritores que solamente cambian nuestra percepción de la literatura, creando obras lo suficientemente influyentes para cambiar el curso de la literatura, pero hay un selecto segundo grupo que además transforma la historia de nuestra percepción de los escritores. El escándalo de la publicación de Madame Bovary —con juicio por inmoralidad incluido, en el que el fiscal hizo una labor de crítica literaria superior a la de muchos estudios posteriores— cambió para los lectores la forma de entender qué temas podían tener cabida en una novela, y por eso Flaubert es un buen ejemplo del primer grupo. Escribió una obra tan influyente que hizo que ciertos asuntos pudieran tener cabida en una novela. Sin embargo cuando Oscar Wilde irrumpió en la vida literaria inglesa cambió para siempre la percepción que todo el mundo tenía de los escritores. Hasta su llegada, en la Inglaterra de la época nadie podía imaginar que un buen escritor pudiera ser así.

Fernando Arrabal es —o ha sido— un profundo renovador del teatro, y Bukowski ha pasado a la historia por ser una especie de gran notario de la autodestrucción. Eso dicho así, definiendo con trazo grueso. Los dos tienen textos que merecen estar en la historia de la literatura, pero pertenecen a esa estirpe de autores que han influido en la manera en que vemos a los escritores. Ganan popularidad por sus extravagancias, y venden libros con solo colocarlos en la portada, pero también comparten un riesgo que amenaza a todos los escritores de personalidad singular: que el anecdotario de sus peripecias vitales se encuentre instalado en el imaginario colectivo de una manera tan firme que acabe por sepultar su obra.

En 1979, Charles Bukowski fue invitado a Apostrophes, el programa cultural más influyente de la televisión francesa. El tema del día era la literatura de la marginalidad, y eso hacía que su presencia fuera necesaria, pues en aquel momento nadie podía imaginar un escritor más marginal que Bukowski. Por aquel entonces ya había publicado en América CarteroFactotum y Mujeres, aunque en Francia era todavía un autor bastante desconocido. La mañana siguiente del escándalo, sus obras se agotaron en las librerías francesas, porque la gente quería saber qué escribía aquel americano borracho que había plantado a su ídolo.

Bernard Pivot no fue justo con Bukowski desde el primer momento. En la presentación que hizo del americano vino a decir: «Alguna gente piensa que eres un obseso sexual, un pornógrafo y un alcohólico», al tiempo que el realizador del programa tomaba un primer plano de una de las botellas de vino que inspiraría las acciones de Bukowski. No mencionó el nombre de ninguna de sus obras, como hacía habitualmente con sus invitados, ni aportó más mérito a su escritura que los «elogios que había oído de algunas personas». En su concepción elitista de la literatura, creo incluso que le costó llamarle escritor, porque tengo el recuerdo, espero que fiel a la realidad, de que el presentador se atrancó al pronunciar la palabra écrivain cuando intentó aplicarla a Bukowski. El americano aguantó los ataques de la humillante presentación de una manera bastante serena, ajustándose de cuando en cuando el auricular de la interpretación simultánea, como si no acabase de creer lo que estaba oyendo. Incluso supo responder a los ataques del presentador con humor: «De lo que has dicho, solamente es verdad la parte glamurosa.»

Unos instantes después, Pivot comparó a Bukowski con Henry Miller. Comparar a un escritor casi famoso con otro realmente famoso, y estando ambos vivos, nunca es buena idea. El hecho revela mala intención o un desconocimiento absoluto acerca de cómo funcionan las mentes de los creadores y qué caminos suele tomar su ego. Bukowski confesó muchas veces a sus personas cercanas que con quien intentaba medirse continuamente era con Norman Mailer, a quien admiraba de manera genuina. Probablemente si Pivot hubiera hecho esa comparación no le hubiera importado.

Unos tragos de vino más tarde, Bukowski estaba preparado para su mejor frase de la noche, aquella «conozco a muchos escritores americanos a los que les gustaría estar aquí, pero yo no». Lo que son las cosas: entre los invitados al programa de aquella noche se encontraba François Cavanna, un colaborador de la ahora tristemente célebre revista Charlie Hebdo. Pasará a la historia por ser el único tipo que defendió a Bukowski de la carga de los intelectuales. Atosigado por el resto, que quería conseguir unanimidad en su juicio de que la obra de Bukowski era soez y tediosa, Cavanna se limitó a decir lo que cualquier lector con sentido común: «¿Por qué me gusta? Pues porque lo leo y me parece bello». El peor gesto del americano fue atacar a la única mujer invitada, Catherine Paysan. Llegó a decirle: «Súbete la falda y te diré si eres una buena escritora o no». A partir de ese momento, Bukowski no dejó de interrumpir a unos y otros hasta que tuvieron que echarle del plató. La leyenda cuenta que Bukowski, fuera de cámara, sacó una navaja a los guardias de seguridad y tuvo que ser reducido.

Diez años más tarde, Fernando Arrabal probó suerte en televisión española. Atribuyen a Gil de Biedma la frase de que un español que piensa ya es un francés, por eso Arrabal es el más francés de los autores españoles, o el más español de los autores franceses, si se quiere. El dramaturgo conocía bien el escándalo de Bukowski, vivió muy de cerca la fisura mental que provocó en la percepción de la literatura francesa y por eso quiso repetirlo en España, como el niño que aprende una gracia en casa, para deleite de su familia, y está deseando repetirla fuera para ver si funciona igual de bien. Acudió al programa vestido de un amarillo nada casual, con el que probablemente conjuraba los miedos del teatro, sus miedos, los de todos los que se dedican al mundo del espectáculo. Algún periodista atisbó lo que había de performático en el escándalo de Arrabal. Cuatro días después del programa, Eduardo Haro Tecglen escribía en El País que «siempre he defendido la idea de que hay una primacía del texto sobre el espectáculo (…) pero en este caso el que ofreció el hombrecillo vestido de amarillo (…) fue un espectáculo superior a la palabra».

El caso de Arrabal siempre será una especie de hermano menor del de Bukowski, entre otras cosas porque Dragó es nuestro Pivot en la medida en que Arrabal es nuestro Bukowski, pero sobre todo porque Francia realmente se toma en serio su cultura, mientras que en España sabemos que al final todo es un chascarrillo, de modo que el milenarismo, el apocalipsis y cualquier tema que propongamos para discutir al final queda en nada. Ya se sabe que en España nada es serio si no hay comida delante.

La borrachera de uno y otro también es distinta. Arrabal, como toda la vanguardia, tiene un sentido aristocrático de la destrucción, de manera que su borrachera es una especie de performance etílica, en la que uno se sube a una mesa de cristal —otra célebre frase de la noche, aquella «pero no te sientes en la mesa, que la tiene que sujetar Campillo y si no se vence»— como otros gritan desde un cajón de madera. Por el contrario, la embriaguez de Bukowski es proletaria. Es la repetición infinita de la borrachera del trabajador, el alcohol del sábado noche que es la dosis merecida después de una semana de trabajo, solo que repetida cada noche del año. Por eso Alan Sillitoe, el mejor escritor de la clase obrera de todos los tiempos —y estoy dispuesto a defenderle aunque caigan sobre mí todas las correcciones que el universo me envíe— tituló su mejor obra con permiso de La soledad del corredor de fondo simplemente Sábado noche y domingo por la mañana.

Bukowski juega al hombre moribundo, mientras que Arrabal juega al niño malo que espanta a los invitados cursis con un par de tacos. A lo largo del vídeo, Fernando pone los pies sobre la silla en un gesto pretendidamente infantil, y visita cada uno de los contertulios reclamando su atención, besándoles, reclamando que le escuchen. Es un maestro de los recursos dramáticos, recuerden. El momento cumbre de la noche es ese momento en el que Arrabal abraza a la cámara porque el milenarismo va a llegar, besa a uno de los invitados y se marcha, al tiempo que Dragó dice su no menos glorioso: «Aprovechad que se ha ido».

Al contrario de lo que mucha gente piensa, Arrabal tiene un profundo amor por España, pues nada puede superar la intensidad del amor del exiliado. Nuestro país debe mucho a Arrabal, al menos biográficamente. Lean sus escritos que describen a su padre como el «primer mártir» de la guerra civil. Recuerden su condena a cárcel, y su rescate por parte de la intelectualidad francesa. Lean su carta a Franco. Por eso cuando está entre nosotros siempre tendrá esa actitud de niño que reclama lo suyo, su parte de atención. El amor que le pertenece.

Al siglo XX nada le fue suficiente, así que se ocupó de buscar una figura alternativa al escritor de mesa camilla y jersey monocolor. Lo encontró en los escritores agitadores, en los locos lúcidos y sus desvaríos iluminadores. En BrautiganGinsbergGenet y tantos otros. Houellebecq es el último y más reciente de esa especie de marginales exquisitos. Inteligente como es la persona, interesante como es su literatura, no dejo de verlo como una especie de rareza arqueológica. Y digo que es el último porque el siglo XXI parece pedir otra cosa. Lo que les he contado ya es historia. El siguiente eslabón de la cadena es el escritor sobreexpuesto.

T. C. Boyle puede ser considerado una de las voces más originales y constantes de la novela norteamericana contemporánea. Tortilla Flat Música acuática son buenas credenciales para atreverse a afirmarlo. Si siguen su cuenta de Twitter, verán a uno de los mejores novelistas vivos mostrando a sus seguidores una fotografía del último huevo que le queda en la cocina, y compartiendo con ellos la decisión de si debe hacer una tortilla u optar por el clásico y ascético huevo duro. Verán a un premio Faulkner fotografiando una rata seca que ha encontrado en su última excursión por el campo, y comentándola con un lector de Sídney en conversación cruzada. Podrán leer algunos comentarios del autor de Las mujeres sobre las gomas elásticas que acaba de comprar en Walmart para sujetar su piragua.

Esa corriente de te-lo-cuento-mientras-lo-hago acaba de desterrar la idea del escritor como una especie de eremita del que uno no sabía nada hasta que publicaba el siguiente libro. No solamente es una cuestión de «estar ahí», como tanta gente repite. Es una cuestión de hablar y hablar, de mostrar y mostrar. Una de las ideas que más rápidamente se ha instalado es la de que esperamos que el escritor se defienda públicamente de las críticas que cualquier fulano —váyase a ver con qué intención y con qué bagaje literario— vierte sobre el autor y su obra. Pérez-Reverte y su lucha incesante por gritar más alto en internet podría ser nuestro mejor candidato español a esta nueva especie de los sobreexpuestos. Pero eso ya es materia para otro artículo. O unos cuantos.

 

 

[Fuente: http://www.jotdown.es]

 Por Juan Terranova

Giovanna Rivero nació en 1972. Es escritora, comunicadora social y periodista graduada de la Universidad Privada de Santa Cruz de la Sierra. Sus cuentos han sido incluidos en Antología del cuento femenino boliviano, Existencias Insurrectas, The Fat Man From La Paz, Una revelación desde la escritura, Voces de las dos orillas y  El futuro no es nuestro. Ha publicado los libros Nombrando el eco, Las bestias (Premio Municipal de Literatura de Santa Cruz, 1996), La dueña de nuestros sueños, Sentir lo oscuro, y la novela Las Camaleonas. En 1994 recibió la medalla de oro con la insignia del Escudo de la Provincia Obispo Santistevan por su aporte a las letras bolivianas. Actualmente dicta cátedra en Semiología Aplicada y Periodismo en la Universidad Privada de Santa Cruz de la Sierra. Su último libro es Niñas y Detectives y salió en España por Bartleby Editores. http://dark-paranoid-park.blogspot.com/

Naciste en Santa Cruz de la Sierra pero viajaste para estudiar por Bolivia y también a los Estados Unidos. ¿Cómo fueron esos viajes?

Nací en Montero, que es una Santa Cruz más « profunda », menos cosmopolita. Fueron viajes de intenso aprendizaje. Aunque nunca viajé de mochilera, creo que el sentido de aventura estuvo siempre ahí, porque salí de mi casa a los diecisiete y cada regreso ha sido un nuevo y doloroso extrañamiento. Yo viajo con mi « ajayu ». El problema es que a veces lo dejo olvidado en esas nuevas ciudades y me cuesta un montón regresar, volver a adaptarme. Mi carta astral dice que tengo problemas de adaptación a cualquier medio ambiente. Y cuando consigo ensamblarme, ya me tengo que ir.

¿Existe algún tema literario boliviano por excelencia?

Existió, pero creo que ha ido mutando en los últimos años. La mina fue el gran tema de fines del siglo XIX y comienzos del XX, y todavía ha tenido sus remanentes en narrativas como la de Edmundo Paz Soldán y la mía propia. Pienso en el cuento « Azurduy », de Paz Soldán, que retrata al minero desde la mirada urbana, pero que de todas maneras retoma uno de los arquetipos bolivianos centrales, fuertemente descriptivos de la colonia. Sin embargo, el minero ha mutado hacia otros personajes que también viven « bajo tierra », respirando oxígeno viciado, personajes saenzianos, casi góticos… Detectives andinos, aparapitas, vampiros híbridos, solitarios jóvenes cruceños que nacen marcados, mujeres profundamente solas… Actualmente, ¿cuál es el tema? Por suerte no existe « el tema », en singular, y no quiero caer en una respuesta fácil que apele a lo universal como la omni explicación de todo, pero creo que en Bolivia el deseo por narrar individualidades desmarcadas de las macroestructuras (locales) es relativamente nuevo. Habrá que ver si esa dirección de la flecha se interrumpe con un proceso político altamente homogeneizador.

En tus historias siempre hay heroínas, que son frágiles, crueles, histéricas, complejas. ¿Cómo te llevás con las protagonistas femeninas de tus libros?

Yo me llevo bien, aunque no siempre hacen lo que pienso y en ocasiones terminan mal, casi nunca me avergüenzan. Las conozco desde el vientre.

 ¿Se podría decir que  los problemas de « género » te interesan?

Sí, hay que decirlo. Me interesan, estoy en el centro del huracán y tendría que ser muy tonta para que no me interesen. Prefiero el dolor a la estupidez. Prefiero, en ese sentido, que mi narrativa sea etiquetable a que sea neutra.

¿Cómo se te ocurrió escribir Tukson, Historias colaterales? ¿Cómo fue la escritura?

La escritura de Tukzon fue apasionante, entregada y casi desahuciada, pues no esperaba nada de esa escritura. Nada. Ni en términos de trama ni en términos de reconocimiento literario. Y no hablo de una escritura automática o solo emocional, pues creo que he conseguido una arquitectura muy lógica allí, sino que fui creando universos que de pronto se tocaban, colisionaban y generaban explosiones de las que surgían otras historias. No es, entonces, una caja china, sino mi íntimo Big Bang.

Imaginé Tukzon como un lugar extraño, donde todo es posible, pero no quería trabajar con un fantástico clásico, tampoco un fantástico especialmente futurista, más bien intenté dibujar un mundo en el que el ser humano es la verdadera novedad tecnológica: sus órganos, su insondable psiquis. Todos nos somos extraños.

¿Cuál es el cuento que más te gusta de tu libro de cuentos Sangre Dulce?

« Sangre dulce », precisamente. Es un cuento escrito al amparo de la infancia y la amistad entre niñas, y el modo en que nos sentíamos poderosas. De adulta, nunca he podido sentirme tan poderosa como entonces.

¿Quién es a tu criterio el escritor boliviano que hay que leer hoy?

Lo que pasa es que antes nos hemos leído y nos han leído poco, de modo que habría que cubrir primero esos vacíos. Pero ayer y ahora, hay que leer a Oscar Cerruto, nuestro Cortázar boliviano, el Cerruto argentino. Al fin y al cabo, ni estamos tan solos ni somos tan huérfanos.

¿Cómo debería ser la ciencia ficción boliviana?

Híbrida. Y, por supuesto, con un gesto de buen humor. Me cuesta deglutir una ciencia ficción que se tome demasiado en serio, incluso si es hard. Me gustaría que esa ciencia ficción propusiera un nuevo relato del cuerpo, de sus batallas y traiciones. Ya lo ha hecho Houellebecq y Kureishi, de entre los más contemporáneos, pero me encantaría leer un relato criollo de ese fascinante apego al cuerpo. Tengo la impresión de que la súper atención al cuerpo nos ha alejado del amor. Elay (que en jerga argentina podría traducirse como « che »), me han entrado ganas de escribir algo así. Aunque tengo la triste sospecha de que estamos viviendo más bien tiempos policiales.

¿Es verdad que escribís con la televisión prendida?

Pero en volumen bajo o muda. No sé por qué. Quizás se trate de una angustia mediática. ¿Vos, Terra, podés escribir sin tener conexión a Internet?

¿La narrativa boliviana contemporánea se hace desde afuera de Bolivia?

También. No se puede negar que los escritores más jóvenes han aceptado que la mediterraneidad es nomás un problema. Emigrar se plantea, entonces, como una opción muy tentadora para acortar caminos. Internet hace su parte, pero sucede que los circuitos de consagración se sofistican exquisitamente y si no estás ahí… A no ser que realmente no te importe entrar en esos flujos de publicación, pero honestamente dudo que haya un escritor joven tan románticamente evolucionado. Además, no solo te vas buscando esas cercanías con los centros de visibilización, sino también ahora por motivos académicos, por necesidad de shockear nuestro largo provincianismo, por falta de oportunidades, esas cosas de siempre. Lo interesante es que estas energías centrífugas, los que se van, y centrípetas, los que se quedan, tienen que producir en conjunto el verdadero quiebre estético que hemos venido anunciando desde hace una década. Ahí, me parece, tenemos la narrativa boliviana de frontera.

[Fuente: https://bit.ly/2NWl7Tf%5D

L’autor de ‘Submissió’ considera que el principal resultat del coronavirus és l’acceleració d’algunes mutacions actives

Escrit per Gerard E. Mur

Ja fa uns anys que Michel Houellebecq va deixar de ser aquell escriptor esquiu i espatllat; el personatge que va encarnar involuntàriament entre la publicació de La possibilitat d’una illa i Submissió. Houellebecq té ara una altra mena d’humor. Els últims anys ha visitat nombrosos festivals literaris, ha flirtejat amb la interpretació i ha acceptat algunes col·laboracions puntuals en importants mitjans de comunicació. El seu judici interessa i sovint se li demana una valoració d’aquesta o aquella altra qüestió. Aquesta setmana, l’emissora pública France Inter ha publicat el text que l’escriptor ha escrit per a la secció matinal ‘Lettre d’intérieur’, un espai on setmanalment diferents personalitats franceses (Daniel Pennac, Annie Ernaux, Isabelle Adjani…) exposen les seves observacions sobre la crisi del Covid-19. A la carta, Houellebecq s’adreça a diferents amics; tots escriptors: Frédéric BeigbederCatherine Millet o Emmanuel Carrère. El títol de la carta és prou clar: En un peu pire. Réponse à quelques amis. La lectura, que podeu escoltar en aquest enllaç, és del periodista i productor Augustin Trapenard.

Houellebecq comença en un to de broma que aviat desapareix: “Ho he d’admetre: la gran majoria dels correus intercanviats aquestes últimes setmanes tenien com a primer objectiu verificar que l’interlocutor no estigués mort. Feta aquesta verificació, he intentat dir alguna cosa interessant, la qual cosa no és fàcil perquè aquesta epidèmia ha aconseguit la proesa de ser alhora angoixant i anodina”. Per a l’escriptor, aquest és un virus “banal”, vinculat de manera “poc prestigiosa” als “obscurs virus gripals”. Uns virus de característiques confuses, “de vegades lleus, de vegades mortals”. “No transmissibles sexualment”. “En resum, un virus sense qualitat”, escriu. De mica en mica, Houellebecq guanya gravetat i comença a desplegar el que ha observat des de l’inici de la crisi: “Per més que aquesta epidèmia provoqui milers de morts cada dia a tot el món, el virus ha aconseguit escampar la sensació de ser un no-esdeveniment. Els meus amics, de fet, pràcticament no en parlen, del virus; prefereixen abordar la qüestió del confinament, per exemple. I aquí voldria dir alguna cosa sobre les seves observacions”.

El primer amic a qui s’adreça és Frédéric Beigbeder, que viu al camp i ha destacat com la seva vida no ha sofert grans canvis des de l’inici del confinament. “Beigbeder mai veu a gaire gent. La seva vida és solitària. Passa els dies amb els seus llibres. Pel que fa a la vida social, aquesta situació no canvia gairebé res. Hi estic d’acord, Frédéric. Hi ha una qüestió que oblides, però. Tu vius al camp i estàs menys exposat a les prohibicions. Un escriptor necessita caminar”, sosté Houellebecq, que viu a París. S’obre aquí una breu reflexió sobre la necessitat de moviment de l’escriptor: “El confinament em sembla el moment ideal per resoldre un vell debat”. Per abordar breument aquesta qüestió, l’autor de Serotonina confronta els casos de dos escriptors: Flaubert i Nietzsche. “En alguna obra –no recordo quina–, Flaubert va afirmar que els escriptors només pensen i escriuen bé asseguts”.

Per aquesta defensa de l’escriptura estàtica, Nietzsche, apunta Houellebecq, “tractarà a Flaubert de nihilista”. El filòsof “va concebre totes les obres a peu”. “Per a Nietzsche, tot allò que no era concebut a peu no era vàlid. No és estrany, de fet, que fos un aficionat dionisíac de la dansa”. “Poc sospitós de sentir una simpatia exagerada per Nietzsche, he de reconèixer que en aquest cas és més aviat ell qui té raó. Intentar escriure a un ritme sostingut sense la possibilitat de lliurar-se a un nombre considerable d’hores de passeig és forçosament desaconsellable. No s’aconsegueix dissoldre la tensió nerviosa acumulada. El pensament i les imatges donen voltes dolorosament dins del pobre cap de l’autor, que es torna ràpidament intractable, gairebé boig. L’única cosa que ho pot aturar és el ritme mecànic i automàtic del passeig. La raó de ser del passeig, però, no és la de fer brollar noves idees –tot i que en poden aparèixer–, sinó la de calmar els conflictes induïts pel xoc de les idees nascudes a la taula de treball”, escriu Houellebecq. “És això el que Flaubert no entén quan parla de les idees elaborades a les costes rocoses de l’interior de la regió de Niça, als prats de l’Engiadina,  etc. Nietzsche divaga una mica, sí; però no pas quan escriu una guia turística: els paisatges caminats tenen menys importància que el paisatge interior”.

Després de dirigir-se breument a Catherine Millet per recordar l’aïllament concebut a La possibilitat d’una illa, Houellebecq interpel·la Emmanuel Carrère, amb qui ha debatut si la pandèmia generarà o no obres destacables. “M’ho he plantejat profundament i, en el fons, crec que no. Pel que fa a la pesta, tenim força obres que en parlen. Se n’han escrit nombrosos llibres al llarg dels segles. La pesta ha interessat a molts escriptors. En el cas de la pandèmia actual, tinc els meus dubtes. D’entrada, no em crec les declaracions del tipus ‘res serà mai més com abans’. Al contrari, tot romandrà exactament igual. El desenvolupament d’aquesta epidèmia és considerablement normal”, assenyala Houellebecq, que continua: “Occident no serà eternament –per dret diví– la zona més rica i desenvolupada del món. S’ha acabat això; de fet, fa temps que es va acabar. No és cap novetat, cap exclusiva”.

Finalment, Houellebecq entra a valorar les qüestions més ordinàries de la crisi. “Si examinem una mica més detalladament la situació, França sembla que se’n surt una mica millor que Espanya i Itàlia, però menys que Alemanya. Això tampoc és cap gran sorpresa”. “El principal resultat del coronavirus és accelerar algunes mutacions actives des de fa un bon grapat d’anys. El conjunt de les evolucions tecnològiques, les menors –el vídeo a la carta, el pagament sense contacte…– i les majors –el teletreball, les compres per Internet, les xarxes socials…–, tenen per principal objectiu i principal conseqüència la disminució dels contactes materials, però, sobretot, humans. L’epidèmia del coronavirus ofereix una magnífica raó de ser a aquesta tendència imperativa: l’obsolescència que sembla colpejar les relacions humanes. Això em fa pensar en una comparació lluminosa que vaig descobrir en un text anti-PMA [PMA: Procreació Mèdicament Assistida], un text redactat per un grup d’activistes anomenats Els Ximpanzés del Futur, publicat a Internet. Els cito: “Aviat, engendrar un fill de la manera en què s’ha fet sempre, gratuïtament i per atzar, semblarà tan incongruent com fer auto-stop sense una aplicació mòbil”. Els vehicles compartits, el lloguer compartit: tenim les utopies que ens mereixem”.

Houellebecq, admirador de Schopenhauer, el gran pessimista de la filosofia alemanya, acaba dibuixant un escenari certament desolador: “També és un error afirmar que hem descobert la tragèdia, la mort, la finitud. Des de fa més de mig segle, la tendència dominant –tan ben descrita per Philippe Ariès– ha estat dissimular la mort tant com sigui possible. Doncs bé, la mort mai ha tingut un comportament tan discret com aquestes últimes setmanes. La gent mor sola a les habitacions dels hospitals, enterrem els morts immediatament, o els incinerem. La incineració és ara més que mai un senyal de l’esperit del nostre temps. Enterrem sense acompanyants, en secret, els morts no tenen el menor testimoni. Les víctimes es resumeixen en una xifra que se suma a les estadístiques de morts quotidianes i l’angoixa que s’espargeix entre la població té alguna cosa estranyament abstracta. Una altra xifra que guanya importància aquests dies és la de l’edat dels malalts. Fins a quina edat és convenient tractar-los i reanimar-los? Fins als 70, els 75, els 80? Això depèn, aparentment, de la regió del món on visquem. Mai s’havia mostrat amb una indecència tan serena el fet que no totes les vides tenen el mateix valor. És com si a partir d’una certa edat –70, 75, 80 anys– ja estiguéssim una mica morts. Totes aquestes tendències, com he dit, són velles conegudes, ja existien abans del coronavirus; ara no han fet més que manifestar-se amb una nova evidència. Quan s’acabi el confinament no ens aixecarem en un nou món. Serà el mateix món, només una mica pitjor”. Ni tan sols, doncs, un nou món. A hores d’ara, França suma més de 25.000 morts, gairebé 171.000 contagiats i poc més de 52.000 curats.

[Foto: Louisiana Channel – font: http://www.nuvol.com]

Michel Houellebecq est écrivain. C’est la première fois qu’il s’exprime depuis le début de la pandémie. Dans cette lettre, il récuse l’idée de l’avènement d’un monde nouveau après la crise du coronavirus. Son texte et la lecture proposée par Augustin Trapenard, sont reproduits dans leur version intégrale.

Ecriture et confinement
Écriture et confinement © Getty

EN UN PEU PIRE

réponses à quelques amis

Il faut bien l’avouer : la plupart des mails échangés ces dernières semaines avaient pour premier objectif de vérifier que l’interlo­cuteur n’était pas mort, ni en passe de l’être. Mais, cette vérification faite, on essayait quand même de dire des choses intéressantes, ce qui n’était pas facile, parce que cette épidémie réussissait la prouesse d’être à la fois angoissante et ennuyeuse. Un virus banal, apparenté de manière peu prestigieuse à d’obscurs virus grippaux, aux conditions de survie mal connues, aux caractéristiques floues, tantôt bénin tantôt mortel, même pas sexuellement transmis­sible : en somme, un virus sans qualités. Cette épidémie avait beau faire quelques milliers de morts tous les jours dans le monde, elle n’en produisait pas moins la curieuse impression d’être un non-événement. D’ailleurs, mes estimables confrères (certains, quand même, sont estima­bles) n’en parlaient pas tellement, ils préféraient aborder la question du confinement ; et j’aimerais ici ajouter ma contribution à certaines de leurs observations.

Frédéric Beigbeder (de Guéthary, Pyrénées-Atlantiques). Un écrivain de toute façon ça ne voit pas grand monde, ça vit en ermite avec ses livres, le confinement ne change pas grand-chose. Tout à fait d’accord, Frédéric, question vie sociale ça ne change à peu près rien. Seulement, il y a un point que tu oublies de considérer (sans doute parce que, vivant à la campagne, tu es moins victime de l’interdit) : un écrivain, ça a besoin de marcher.

Ce confinement me paraît l’occasion idéale de trancher une vieille querelle Flaubert-Nietzsche. Quelque part (j’ai oublié où), Flaubert affirme qu’on ne pense et n’écrit bien qu’assis. Protesta­tions et moqueries de Nietzsche (j’ai également oublié où), qui va jusqu’à le traiter de nihiliste (ça se passe donc à l’époque où il avait déjà commencé à employer le mot à tort et à travers) : lui-même a conçu tous ses ouvrages en marchant, tout ce qui n’est pas conçu dans la marche est nul, d’ailleurs il a toujours été un danseur dionysiaque, etc. Peu suspect de sympathie exagérée pour Nietzsche, je dois cependant recon­naître qu’en l’occurrence, c’est plutôt lui qui a raison. Essayer d’écrire si l’on n’a pas la possi­bilité, dans la journée, de se livrer à plusieurs heures de marche à un rythme soutenu, est fortement à déconseiller : la tension nerveuse accumulée ne parvient pas à se dissou­dre, les pensées et les images continuent de tourner douloureuse­ment dans la pauvre tête de l’auteur, qui devient rapidement irritable, voire fou.

La seule chose qui compte vraiment est le rythme mécanique, machinal de la marche, qui n’a pas pour première raison d’être de faire apparaître des idées neuves (encore que cela puisse, dans un second temps, se produire), mais de calmer les conflits induits par le choc des idées nées à la table de travail (et c’est là que Flaubert n’a pas absolument tort) ; quand il nous parle de ses conceptions élaborées sur les pentes rocheuses de l’arrière-pays niçois, dans les prairies de l’Engadine etc., Nietzsche divague un peu : sauf lorsqu’on écrit un guide touristique, les paysages traversés ont moins d’importance que le paysage intérieur.

Catherine Millet (normalement plutôt parisienne, mais se trouvant par chance à Estagel, Pyrénées-Orientales, au moment où l’ordre d’immobilisation est tombé). La situation présen­te lui fait fâcheusement penser à la partie « anticipation » d’un de mes livres, La possi­bilité d’une île.

Alors là je me suis dit que c’était bien, quand même, d’avoir des lecteurs. Parce que je n’avais pas pensé à faire le rapprochement, alors que c’est tout à fait limpide. D’ailleurs, si j’y repense, c’est exacte­ment ce que j’avais en tête à l’époque, concernant l’extinction de l’humanité. Rien d’un film à grand spectacle. Quelque chose d’assez morne. Des indi­vidus vivant isolés dans leurs cellules, sans contact physique avec leurs sembla­bles, juste quelques échanges par ordina­teur, allant décroissant.

Emmanuel Carrère (Paris-Royan ; il semble avoir trouvé un motif valable pour se dépla­cer). Des livres intéressants naîtront-ils, inspirés par cette période ? Il se le demande.

Je me le demande aussi. Je me suis vraiment posé la question, mais au fond je ne crois pas. Sur la peste on a eu beaucoup de choses, au fil des siècles, la peste a beaucoup intéressé les écrivains. Là, j’ai des doutes. Déjà, je ne crois pas une demi-seconde aux déclarations du genre « rien ne sera plus jamais comme avant ». Au contraire, tout restera exactement pareil. Le déroulement de cette épidé­mie est même remarquablement normal. L’Occident n’est pas pour l’éternité, de droit divin, la zone la plus riche et la plus développée du monde ; c’est fini, tout ça, depuis quelque temps déjà, ça n’a rien d’un scoop. Si on examine, même, dans le détail, la France s’en sort un peu mieux que l’Espagne et que l’Italie, mais moins bien que l’Allemagne ; là non plus, ça n’a rien d’une grosse surprise.

Le coronavirus, au contraire, devrait avoir pour principal résultat d’accélérer certai­nes muta­tions en cours. Depuis pas mal d’années, l’ensemble des évolutions technologiques, qu’elles soient mineures (la vidéo à la demande, le paiement sans contact) ou majeures (le télétravail, les achats par Internet, les réseaux sociaux) ont eu pour principale conséquence (pour principal objectif ?) de dimi­nuer les contacts matériels, et surtout humains. L’épidémie de coronavirus offre une magni­fique raison d’être à cette tendance lourde : une certaine obsolescence qui semble frapper les relations humaines. Ce qui me fait penser à une comparaison lumineuse que j’ai relevée dans un texte anti-PMA rédigé par un groupe d’activistes appelés « Les chim­panzés du futur » (j’ai découvert ces gens sur Internet ; je n’ai jamais dit qu’Internet n’avait que des inconvénients). Donc, je les cite : « D’ici peu, faire des enfants soi-même, gratuitement et au hasard, semblera aussi incongru que de faire de l’auto-stop sans plateforme web. » Le covoiturage, la colocation, on a les utopies qu’on mérite, enfin passons.

Il serait tout aussi faux d’affirmer que nous avons redécouvert le tragique, la mort, la finitude, etc. La tendance depuis plus d’un demi-siècle maintenant, bien décrite par Philippe Ariès, aura été de dissimuler la mort, autant que possible ; eh bien, jamais la mort n’aura été aussi discrète qu’en ces dernières semaines. Les gens meurent seuls dans leurs chambres d’hôpital ou d’EHPAD, on les enterre aussitôt (ou on les inci­nère ? l’incinéra­tion est davantage dans l’esprit du temps), sans convier person­ne, en secret. Morts sans qu’on en ait le moindre témoignage, les victimes se résument à une unité dans la statistique des morts quoti­diennes, et l’angoisse qui se répand dans la population à mesure que le total augmente a quelque chose d’étrangement abstrait.

Un autre chiffre aura pris beaucoup d’importance en ces semaines, celui de l’âge des malades. Jusqu’à quand convient-il de les réanimer et de les soigner ? 70, 75, 80 ans ? Cela dépend, apparem­ment, de la région du monde où l’on vit ; mais jamais en tout cas on n’avait exprimé avec une aussi tranquille impudeur le fait que la vie de tous n’a pas la même valeur ; qu’à partir d’un certain âge (70, 75, 80 ans ?), c’est un peu comme si l’on était déjà mort.

Toutes ces tendances, je l’ai dit, existaient déjà avant le coronavirus ; elles n’ont fait que se manifes­ter avec une évidence nouvelle. Nous ne nous réveillerons pas, après le confinement, dans un nouveau monde ; ce sera le même, en un peu pire.

Michel HOUELLEBECQ

Habillage

Nils Frahm – Says

[Source : http://www.franceinter.fr]

Si una cosa no farà la literatura, és canviar el món.

L’escriptor Philip Roth

Escrit per Roser Casamayor

L’altre dia vaig llegir un article d’Eudald Espluga publicat fa un parell d’anys sobre per què ens agraden els escriptors masclistes. Però de fet l’article acaba responent per què ho són, no per què ens agraden. Diu que la tragèdia de la virilitat ferida per la desconstrucció del privilegi propi els ofereix a segons quins escriptors una sortida dramàtica i victimista en la literatura; també que són portadors d’una espècie de “misogínia feminista” (això ho diu Despentes de Houellebecq), que en el fons des d’aquest menyspreu hi ha una celebració del sexe femení. Perdoneu, però a mi això últim no em cola. Sobretot, que l’article acabi dient que existeixi aquest tipus de literatura fa que ens preguntem el perquè de tot plegat. I que això ja de per si és bo.

Sincerament, crec que tot plegat té més a veure simplement amb el primer punt que detectava l’article. Jo no afirmaré rotundament que els protagonistes mascles de Roth, Foster Wallace o Houellebecq siguin misògins, però sí masclistes. Molt masclistes. D’un masclisme ranci, autoinculpador i profundament narcisista. Crec que aquí tenim la clau de volta de tot plegat: la culpabilitat i el narcisisme. Per què llegim aquests autors, doncs?

Fem un exercici de sinceritat, va: en el fons, no ens enamoren els homes conscients, intel·ligents i que reconeixen amb culpabilitat el masclisme que professen? No ens fa llàstima, dones del segle XXI (però que ens hem socialitzat entenent que havíem de ser comprensives, generoses, amables, servicials), aquell pobre mascle al llit, desemparat i masclista? No ens traiem el vestit de superheroïnes que ens havíem posat, de dones fortes i apoderades, per fer-li una moixaina? (En cap cas no estic parlant de situacions de violència, vull que quedi MOLT CLAR). Doncs què ens estranya que fem el mateix amb els llibres d’aquests grans autors? Perquè aquí discrepo clarament amb l’article que us he citat abans: si bé és cert que hi ha autoparòdia i ironia, això no impedeix que no hi hagi un masclisme latent molt fort en aquestes obres. La consciència no esborra el crim.

Així que, acceptem-ho, quan llegim Roth o Houellebecq o Foster Wallace ens traiem la disfressa (o era la pell?) i acceptem que el protagonista sigui un gran imbècil, i que digui coses com:  

“―No ho sé, potser és veritat, dec ser una mena de masclista. En realitat, mai no m’he convençut que sigui una bona idea que les dones puguin votar, fer els mateixos estudis que els homes, accedir a les mateixes professions, etc. En fi, ens hi hem acostumat, però, en el fons, és una bona idea?” (també de Submissió).

O:

“La mitad de las mujeres… Es una tipología más común de lo que parece entre las chicas con estudios de por aquí. No quieras saber qué clase de festival era ni por qué estábamos allí los tres, créeme. Agarraré el toro político por los cuernos y confesaré que la clasifiqué como objetivo de una noche, y que mi interés por ella se debía por completo al hecho de que era guapa. Sexualmente atractiva, sexy. […] qué aprovechado se siente uno cuando es tan fácil conseguir que este tipo de mujeres te considere un alma caritativa” (d’Entrevistas breves con Hombres repulsivos, de Foster Wallace).

No ho sé, a mi m’agraden aquests autors. M’agraden pel seu estil excessiu, pel domini del llenguatge excepcional, per l’autoparòdia profundament intel·ligent, per l’esgotament del llenguatge per neurosi, perquè estructuren les seves obres de manera que cada frase acabi posant la pedra exacta al lloc exacte perquè es construeixi un palauet (masclista, però un puto palauet, acceptem-ho!). També m’agrada que facin visibles estructures que sembla que tinguem superades, però que en el fons ens tornen a un lloc confortable, una espècie de zona de confort de merda (injusta, incòmoda, contra la qual lluitem, però que no deixa de ser de confort, siguem sinceres!). I també perquè escriuen coses com “També vostè necessita que li facin veure l’infantilisme que hi ha en el fet d’aparellar-se? I tant, que és infantil. La vida de família ho és, avui dia més que mai, quan cobra sentit gràcies als infants. La vida de parella i la vida de família fan treure tot el que hi ha d’infantil en tothom que en forma part” (L’animal moribund, de Philip Roth).

I no em fa res reconèixer-ho. Ho reconec, ho reconec, ho reconec: Roth s’abaixa els pantalons davant meu i accepto que els seus personatges siguin uns cabrons, uns infantils i uns narcisistes. I què hi farem? Ens flagel·larem perquè ens agradin aquests autors? Perquè ens resultin provocadors, n’admirem el domini lingüístic, ens facin sentir còmodes i incòmodes alhora i ens facin riure?

Em sembla que simplement hem de seguir lluitant perquè el punt de retorn i comoditat no sigui més aquest. Però la lluita es fa als carrers, senyores, no en els llibres de ficció: si una cosa no farà la literatura, és canviar el món. Així que estiguem aguait per detectar totes les formes de violència masclista que tenim pel nostre voltant diàriament, exigim als nostres polítics que estiguin a l’altura del moment històric, sortim al carrer quan toqui, però sobretot no ens culpabilitzem també nosaltres, que no cal crear més monstres. I llegim, sobretot: llegim Woolf, Despentes, Churchill, Srbljanovic i Liddell; llegim Rodoreda, Català, Solà i Marçal; llegim Lispector, Pizarnik, Plath i Dickinson; i llegim també les germanes Brönte, llegim-ho tot, i gaudim-ho, i sapiguem què estem fent, i siguem felices en temps de confinament.

[Font: http://www.nuvol.com]

Et c’est Guillaume Nicloux qui se chargera de la réalisation, accompagné d’un certain Jean-Paul Rouve.

Le réalisateur Guillaume Nicloux (Les Confins du MondeLa Religieuse) va adapter sur grand écran Soumission, le roman polémique et provocateur de Michel Houellebecq qui imaginait l’arrivée au pouvoir en France d’un président issu d’un parti politique musulman en 2022, indique un communiqué de la production.

On ne sait pas grand-chose du projet, si ce n’est que l’acteur Jean-Paul Rouve (Le Sens de la fêteLes Tuches) a été choisi pour tenir le rôle principal, à savoir celui de François, le prof quadragénaire qui est le narrateur du bouquin. Le reste du casting est en cours.

Un premier projet évoquait une série mais c’est un long-métrage que prévoit de tourner à partir de septembre le réalisateur, qui a également cosigné le scénario. Il faut dire qu’après la sortie de la série Les Sauvages de Rebecca Zlotowski sur Canal+, qui reprenait peu ou prou ce même thème, comprendre l’arrivée d’un président de la République française musulman – mais avec une approche bien différente –, on se doute que transformer le roman en série aurait pu faire redite et moins intéresser.

Guillaume Nicloux a déjà témoigné de sa proximité avec l’auteur de Particules élémentaires en le filmant dans Thalasso, un huis clos comique sorti l’an dernier avec Gérard Depardieu, mais aussi dans L’Enlèvement de Michel Houellebecq, réalisé pour Arte en 2014, ou encore L’Affaire Gordji : histoire d’une cohabitation en 2012 sur Canal+.

S’il est resté plusieurs semaines en tête des ventes en France, en Allemagne et en Italie et s’est écoulé à plus de deux millions d’exemplaires, Soumission, roman d’anticipation, qui était par ailleurs sorti le jour même de l’attaque contre Charlie Hebdo, le 7 janvier 2015, avait suscité une vive polémique.

Reste à voir si le film aura le même accueil.

Par Arthur Cio

[Source : http://www.konbini.com]

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Escrito por Pablo Castellano

Las capacidades tanto intelectuales como artísticas de los griegos han quedado más que demostradas a lo largo de la historia. Se verán obligados en un futuro a vender el Partenón por piezas para sortear los baches económicos, o a provocar el exilio de la finura del ojo griego para que se pose en tierra fértil, pero el aura que rodea a Grecia y a todo lo que tenga que ver con ella sigue tan presente como siglos atrás. País del que todo parte pero al que nada llega, en las últimas décadas han salido a la luz en festivales de prestigio nombres que provienen de él, aunque las intenciones de estos estén dirigidas hacia puntos diferentes. Ya sea la armonía guiada hacia la búsqueda de lo originario de Theo Angelopoulos (muerto en 2012), o bien el resquebrajamiento del sentido común llevado a cabo por Yorgos Lanthimos (ambos cabezas visibles de la lucidez griega en los últimos tiempos en lo que al cine se refiere), se puede decir que la agitación neuronal de la cuna de todo lo que somos sigue en estado de gracia. Y es en esta primera línea de fuego en la que también se sitúa el director Argyris Papadimitropoulos quien, tras venir dando muestras de su potencial años atrás, ha conseguido reventar conciencias y supuestas morales férreas con Suntan (Grecia, 2016), su última película.

Papadimitropoulos traslada al espectador a la isla de Antiparos, lugar que está sometido a la dialéctica turística de invasión y abandono. La elección de un punto geográfico vacacional en el que el contraste entre soledad invernal y masificación veraniega está tan marcado es suficiente para erigir sobre seguro una historia en la que el motor de la acción es precisamente el cambio que esa transición estacional tan brusca produce en el protagonista. Este, un recién llegado médico cuarentón, solitario y carente de nervio que no ha experimentado nada en la vida, verá como su existencia se ve alterada por la llegada a la isla de una multitud ansiosa de vivencias. El camino de regresión hacia la juventud allí estacionada temporalmente que este médico realizará para vivir lo no vivido y la consecuente colisión generacional serán los motivos sobre los que girará el drama.

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Una visión agria del fin de la juventud cuando no se han quemado bien sus etapas, al fin y al cabo. Lector ávido, Papadimitropoulos encuentra en Houellebecq, como él mismo ha afirmado en varias ocasiones, el respaldo en el que sostener la visión pesimista de la madurez que se desprende de Suntan. Si el cineasta centra su atención en un escritor cuya negación de la vida y de la sexualidad pasada cierta edad pueden limitarse a que “la infancia ha acabado, se han repartido las cartas; nos encaminamos hacia el fin de la partida”1, como afirma en su último poemario, es natural que el asunto que aborda en Suntan tenga que ver con la agonía del cuerpo y la reducción de posibilidades llegados a cierto punto de la vida. Más aún cuando llegados a él, se intenta volver atrás. En otras palabras, el realizador griego nos está mostrando mediante la confrontación de un hombre trasnochado con un grupo de exaltados postadolescentes que no hay síntesis posible entre ambos, que no encaja una parte con la otra. Es de esta manera como Papadimitropoulos llega a situar al espectador ante la paradoja entre la continuidad vital en la que las etapas de la vida han de ser aprovechadas en un determinado momento y, por otro lado, la sensación de que, teniendo en cuenta la tesis de que postrado en la cama ante la muerte te asaltan intempestivamente sentimientos de arrepentimiento por aquello que no has hecho, es mejor vivir ciertos acontecimientos tarde que nunca.

El director ateniense lleva a cabo esta problemática hasta la apoteosis de la perversidad sin ser polémico en exceso, desgranando por el camino de manera aguda los mecanismos de respuesta humanos ante el placer y el sufrimiento. Dos polos estos que son plasmados en planos en los que, pese a aparecer protagonista y grupo juntos, siempre mostrarán cierto desnivel. Cómica y vitalista a primeras (para el grupo de chavales el médico no dejará de ser un tipo anticuado que se les pega continuamente pero pese al que, solo a veces, se pueden apoyar para experimentar más plenamente sus vacaciones), Suntan posee una esencia puramente dramática. Sin estorbos ni cortapisas, el realizador griego representa sin compasión el desconocimiento de la temporalidad propia de la juventud (y, consecuentemente, esa sensación de apertura al infinito) así como la persistente voluntad del adulto de querer ir hacia atrás en el tiempo para rellenar esos huecos vacíos que allí quedaron. Suntan arrollará a cualquiera, sea cual sea su edad. El cine heleno vuelve a golpearnos con su soberbia inteligencia.

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HOUELLEBECQ, M., Configuración de la última orilla, Anagrama, Barcelona, 2016, p.31.

[Fuente: http://www.cinemaldito.com]

Entretien avec Nicolas De Pape, auteur de « Sur la nouvelle question juive »

Des juifs de France faisant leur aliyah (immigration vers Israël), arrivent à l’aéroport Ben Gurion de Tel Aviv, en 2019.

Nicolas de Pape publie Sur la nouvelle question juive, avec une préface de Joël Rubinfeld, président de la Ligue belge contre l’antisémitisme. Il s’inquiète du nouvel antisémitisme qui gagne l’Europe et des compromissions des politiques. Entretien.

Propos recueillis par Drieu Godefridi

Causeur. Votre titre m’a interpellé. En quoi cette “question” est-elle actuelle ? Y a-t-il vraiment une “question juive” qui se pose, en 2020, en Europe ?

Nicolas De Pape. Mon essai s’inscrit dans la filiation de Jean-Paul Sartre dont les Réflexions sur la question juive avaient fait grand bruit à l’époque. Son argument principal était le suivant : « Ce sont les chrétiens qui ont créé le juif en provoquant un arrêt brusque de son assimilation et en le pourvoyant malgré lui d’une fonction où il a, depuis, excellé. Mais de ce souvenir les sociétés modernes se sont emparées, elles en ont fait le prétexte et la base de leur antisémitisme. Ainsi, si l’on veut savoir ce qu’est le juif contemporain, c’est la conscience chrétienne qu’il faut interroger : il faut lui demander non pas « qu’est-ce qu’un juif ? » mais « qu’as-tu fait des juifs ? » Le juif est un homme que les autres hommes tiennent pour juif : voilà la vérité simple d’où il faut partir. »

Nicolas De Pape

Nicolas De Pape

Au 21e siècle, qu’avons-nous fait des Juifs ? Avec l’arrivée massive d’une immigration musulmane en Europe et l’importation du conflit israélo-palestinien et la mise en place d’une société multiculturelle qui considère que l’Islam est la religion de l’opprimé, quelle est la place résiduaire des Juifs en Europe ? Les Juifs ne sont plus que les « anciens opprimés » dans l’inconscient collectif européen. La paupérisation a reculé parmi les communautés juives assimilées à la « bourgeoisie ». Face aux avancées de l’islamisme et de l’islamogauchisme, quelques intellectuels juifs ont été les premiers lanceurs d’alerte posant la question de la pérennité d’une Europe laïque, séculière. Mais ils se sont posés immédiatement la question de la place des Juifs dans cette Europe-là. Les Juifs sont-ils devenus les empêcheurs de danser en rond d’une société multiethnique qui nie toute référence identitaire ou toute référence nationale ? Gilles-William Goldnadel n’hésite pas à dire que « Hitler était blanc. Les Blancs doivent donc disparaître. Or les Juifs sont les super-blancs. » Dans Soumission, Michel Houellebecq décrit une France qui s’apprête à voter pour un président de la République à la tête d’un parti « musulman modéré ». Le héros, un professeur d’université, s’apprête à se convertir à l’Islam pour monter dans la hiérarchie. Sa petite amie du moment est une jeune Juive française qui s’apprête à faire son alya (montée en Israël) devant l’évolution politique délétère de la France. Houellebecq a vu juste, une nouvelle fois : y a-t-il encore une place pour les Juifs dans une Europe qui s’islamise ?

Dans sa préface, Joël Rubinfeld identifie l’antisionisme à une manière d’antisémitisme. Cette identification n’est-elle pas excessive ? Ne peut-on s’opposer au sionisme comme doctrine politique sans être, pour autant, antisémite ?

Aujourd’hui, sioniste est synonyme de « pro-israélien ». La définition originelle du sioniste, c’est celui qui soutient l’autodétermination des Juifs notamment à se doter d’une patrie, d’un territoire, d’un « foyer national ». Si on s’en tient aux termes stricts de sionisme, on voit mal comment on pourrait être antisioniste… Mais soit. Il y a quelques années, je faisais assez naïvement une différence entre les antisémites et les antisionistes : on pouvait détester Israël sans détester les Juifs. J’ai évolué vers une autre forme de naïveté : l’antisionisme, accepté socialement, était le cache-sexe de l’antisémitisme, aujourd’hui un délit. En réalité, c’est beaucoup plus trivial. Joël Rubinfeld a raison : l’antisionisme est simplement la « version 3.0 » de l’antijudaïsme (religieux – version 1.0) et de l’antisémitisme (racial – 2.0). Tout simplement. La haine du Juif été remplacée par la haine de l’État juif. On le voit clairement avec BDS (Boycott des produits israéliens) : le « n’achetez pas juif » de l’Allemagne nazie est remplacé par « n’achetez pas État juif ». Remarquez que dans tous les grands complots internationaux les Juifs sont cités : complot judéo-maçonnique, complot judéo-bolchévique, les attentats du 11 septembre 2001 attribués au Mossad, …

La question juive que vous caractérisez en Europe se pose-t-elle dans les mêmes termes aux États-Unis ? On a vu des attentats, agressions et meurtres antisémites, ces dernières années, aux États-Unis.
Elle se pose en effet en des termes radicalement différents aux États-Unis. En Europe, la recrudescence de l’antisémitisme s’est manifestée à l’extrême gauche antisioniste et dans les communautés arabo-musulmanes. L’antisémitisme d’extrême-droite traditionnel était négligeable ou assoupi. Aux États-Unis, les attentats (notamment contre la synagogue de Pittsburgh) ont pour origine les suprématistes blancs adorateurs d’Adolf Hitler et qui scandent « les Juifs n’auront pas nos terres ». Avant d’être africanophobes ils sont virulemment antisémites. En parallèle, en raison d’une très faible présence musulmane aux États-Unis (1% environ de la population), les Juifs américains ne connaissent aucune difficulté à pratiquer leur culte. Il n’y a pas aux États-Unis de « territoires perdus de la République » où un Juif identifiable est menacé de facto. Par ailleurs, les Juifs américains, bien que descendant parfois de Juifs progromisés (russes) ou ayant fui l’Europe des années 30, vivent très confortablement aux États-Unis. Ils ne perçoivent donc pas toujours l’intérêt d’Israël comme refuge éventuel. C’est ainsi qu’aux États-Unis, les Juifs sont bien moins sionistes que les Chrétiens !

Comment expliquez-vous la « trahison » de la communauté juive par la gauche européenne ? Faut-il y voir seulement des motifs électoralistes, ou décelez-vous des motifs plus sombres ?

Les raisons électoralistes sont réelles. Des politiciens avouent en privé se sentir obligés de soutenir la cause palestinienne, d’inhiber leur dénonciation de la recrudescence de l’antisémitisme et de condamner Israël de manière « automatique » pour ne pas mécontenter leur électorat musulman (majoritaire en voix dans certaines villes de France ou de Belgique).

Mais comme vous le supposez, il y a des motifs plus sombres. En pleine seconde Intifada, Françoise Giroud, elle-même de gauche, a immédiatement saisi la trahison des élites. Dans Le Monde du 13 juin 2002 (« Cette Shoah qui ne passe pas »), elle écrit : « (…) Je crois que l’ensemble des peuples chrétiens n’a jamais avalé la Shoah. Que sa révélation, relativement tardive, son ampleur, sa méticulosité hallucinantes et avant tout le caractère d’anéantissement systématique et gratuit d’un peuple entier ont causé un choc beaucoup plus profond qu’on ne le croit. Non par sympathie particulière pour les victimes mais parce que ‘la solution finale’ a obligé le plus étourdi à découvrir que l’homme était peut-être intrinsèquement mauvais, et Dieu intrinsèquement distrait. Avec une rapidité remarquable, dès la première pierre de la seconde Intifada, un retournement s’est produit, saisissant, qui serait inexplicable sans le tableau de fond sur lequel il s’inscrit. Enfin ! On a le droit de dire du mal des Juifs ! À Paris, les personnes de bon goût ne comptent que les morts palestiniens. Quand on arrive aux autres, on ne sait plus compter. D’ailleurs, ce sont des goujats… Les fils d’un peuple supplicié devraient savoir se tenir à table, je veux dire à la guerre, et prendre les coups sans les rendre, c’est à peu près ce qu’ici et là on entend et on lit (…) »

La nazification d’Israël, surtout dans les milieux de gauche (Israël commettrait à l’égard des Palestiniens un génocide comparable aux Nazis sur les Juifs – chose entendue souvent : Gaza est une prison à ciel ouvert comme le ghetto de Varsovie) est une manière de se « débarrasser » de sa culpabilité à l’égard du sort réservé par l’Europe aux Juifs pendant la 2e Guerre mondiale. Si les Juifs font la même chose… La gauche fait également l’analogie entre la colonisation française en Algérie et la « colonisation » des territoires palestiniens. Un calque qui contribue à « chauffer » la forte communauté franco-algérienne dont la jeunesse en veut encore à la puissance colonisatrice française alors qu’elle jouit de la pleine citoyenneté française et de ses privilèges !

Si Jeremy Corbyn avait été élu au Royaume-Uni, il aurait été le premier ministre le plus ouvertement antisémite en Europe depuis 1945. Corbyn a perdu; des candidatures comme la sienne vous paraissent-elles amenées néanmoins à se développer avec succès, dans les prochaines années, en Europe ?
Sans aucun doute. Soulignons que Jean-Luc Mélenchon attribue la défaite de Corbyn au grand rabbin de Londres. Le président de La France insoumise s’est exclamé : « Les génuflexions devant les oukazes arrogants des communautaristes du CRIF, c’est non ! » Après une période d’hésitation, LFI drague ouvertement l’électorat musulman. Cette évolution est inéluctable étant donné la proportion grandissante d’Européens d’origine musulmane, y compris en Angleterre. Pour Corbyn, il faut ajouter que Israël, allié aux États-Unis impérialistes et capitalistes, est le Petit Satan aux côtés du Grand Satan. L’État juif, état-national, surarmé et technologiquement insolent a tout pour déplaire à la gauche multiculturelle et post-nationale. On verra bientôt les écologistes placer Israël dans les puissances polluantes. Au Parlement belge siège un député écologiste membre de BDS (boycott des produits israéliens), organisation antisémite selon le Parlement allemand.

Pensez-vous que l’exil de la majorité des Juifs d’Europe peut encore être évité ? L’Europe est-elle condamnée à se trouver “Judenfrei » — ou Judenrein — comme l’est devenue l’Afrique du Nord ?

C’est la thèse d’Alain Finkielkraut. Le départ, quasi tous les Juifs y pensent sauf quelques juifs antisionistes pratiquant la haine de soi… Déjà, les plus riches fuient aux États-Unis, les « moyennement riches » en Israël, les autres déménagent vers des municipalités plus « jew-friendly ». Les plus pauvres demeurent dans les cités « sensibles » et rasent les murs.

Je suis assez pessimiste. Car si Emmanuel Macron et Charles Michel (ancien Premier ministre belge, actuel président du Conseil européen) ont dit en chœur « La France sans les Juifs n’est pas la France » (ou « La Belgique sans les Juifs n’est pas la Belgique »), ils ne peuvent pas réellement assurer la sécurité de nos compatriotes juifs, individuellement. Lorsque pour aller au Temple, vous êtes obligé de bénéficier d’une protection policière ou armée. Lorsque tous les lieux cultuels doivent être protégés par la police, vivre sa religion devient compliqué.

Le constat est terrible mais, à la lumière de nombreux attentats ou fait-divers récents, un Juif reconnaissable ou observant n’est plus en sécurité en Europe ! Le scandale est que… personne ne trouve que c’est un scandale.

Il y a tout juste 75 ans était libéré le camp d’Auschwitz, probablement l’un des pires lieux de l’abomination dont l’homme est capable. 75 ans plus tard, l’Europe se vide à nouveau de ses Juifs. Ma question en conclusion : l’Europe mérite-t-elle ses Juifs ?

Non. Si j’étais juif, je partirais vers des cieux plus cléments. Après avoir accueilli 1,5 million de Syriens essentiellement pour combler des pénuries de main-d’œuvre, l’Allemagne constate qu’une part substantielle d’entre eux est antisémite. Heiko Maas, ministre allemand des Affaires étrangères, s’inquiétant de la résurgence de l’antisémitisme dans son pays constate dans Der Spiegel (26 janvier 2020) : « Nous devons prendre des mesures d’urgence pour éviter un départ massif des Juifs d’Allemagne. » Peut-être fallait-il y penser plus tôt ?

Sur la nouvelle question juive

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[Photo : JACK GUEZ / AFP – source : http://www.causeur.fr]