Archives des articles tagués Migrações

A autora galega investiu «moitas horas de investigación» na súa última novela

A narradora sarriá Viruca Yebra presentou este xoves na Coruña o seu libro «A última condesa nazi».

Escrito por MELISSA OROZCO / C.

A Marbella dos anos 60 foi un dos paraísos que acolleron o «exilio dourado de nazis que fuxiron do seu país para sobrevivir». A xornalista e escritora galega Viruca Yebra, nos seus múltiples percorridos polo paseo marítimo da localidade malagueña, sempre atopou unha figura que lle chamaba a atención: un prototipo de muller maior que camiñaba polo lugar con moita elegancia. Así é a protagonista da súa máis recente novela, A última condesa nazi (Espasa), presentada este xoves no Real Club Náutico da Coruña.

O libro reflicte a vida doméstica dos exiliados nazis en Marbella, un lugar que, en palabras da propia autora, permitía ter un estilo de vida elegante pero sinxelo e discreto á vez para un grupo de persoas que necesitaba comezar de novo. «Na cidade, había un cura moi aberto e tolerante que foi moi importante porque na ditadura de Franco, onde primaba o catolicismo, o sacerdote deixaba ir ás mulleres sen veo á igrexa. Sabía que se podía vivir do turismo, entendía que as novas modas tiñan que exporse como algo natural. Moitos intelectuais, bohemios e persoas con moito gusto incorporáronse alí», relata Viruca.

A historia cóntase desde a perspectiva de Clotilde von Havel, unha aristócrata alemá casada cun comandante da Wehrmacht, que escapa de todo o que coñece para atopar o edén. Ela é a representación de moitas señoras que a xornalista entrevistou para recrear con fidelidade as súas vivencias.

«Temos un compendio entre realidade e ficción perfectamente orquestrado polos actores do relato. Foron moitas horas de investigación. Conversei con todo tipo de persoas antes de escribir, desde mulleres da alta sociedade ata mozos da guerra. Cada anécdota que recollo está corroborada por tres testemuños. A última condesa é unha novela histórica, de época, entretida, baseada en feitos reais, pero tamén enche de ficción», sinala. A narración é tan variada nas súas criaturas como nas súas temáticas, onde o lector adquire o papel dun voyeur que espía aos personaxes desde o seu cotián. No libro, un deles encarna a eses militares que se opuxeron a Hitler, o que lles custou ata a súa propia vida. Unha das tramas que entretece a historia é a procura de Clotilde en pos da verdade que esclarecerá o seu pasado.

«Non todos os alemáns eran nazis nin todos os nazis eran malos. Por exemplo, un familiar da protagonista era unha gran persoa. Na novela tamén se conta como lograban escapar de Alemaña e tamén as calamidades que pasaban os homosexuais nesa época», anota.

Esta é a segunda novela da autora. No 2016 publicou O lume do flamboyán (Almuzara), unha crónica histórica coa emigración galega en Cuba no centro. A xornalista traballou como delegada da Xunta en Madrid, fundou o Club de Xornalistas Galegos e dirixiu o Club Internacional de Marbella. Tras pasar unha ampla carreira como reporteira e seguir a súa vocación literaria, Viruca Yebra pensa que «calquera xornalista que teña alma de escritor debe pórse a escribir».

 

[Imaxe: César Quian – fonte: http://www.lavozdegalicia.es]

La sivdad polaka esta komemorando sus judyos pedridos kon un muevo monumento

Prezentado por Dora NİYEGO

Una sivdad polaka konstruyo un monumento por los judyos ke konstituavan kaji la mitad de su populasyon antes del Olokosto. Este monumento es parte de un proyekto lokal mas grande, sovre la istorya judiya. El projekto fue finansado por las otoridades lokales i el Ministeryo de Relasyones Eksteryores de Polonya.

El muevo monumento en Gorlice – una sivdad de 30.000 abitantes en el sur de Poonya – fue konstruido enfrente del simeteryo judyo. Este es el simeteryo de los judyos ke fueron asasinados por los nazis alemanes durante la Segunda Gerra Mondyal.

El monumento, konstruido en forma de la Estreya de David, kontyene pedasos de matzevot (pyedras de tombas) ke fueron ekskavadas en el anyo 2015 debasho de la planta de una antigua sinagoga en la sivdad.

« Este es un lugar de rekuerdo de muestros vizinos, konosidos, amigos, personas ke disparesyeron de Gorlice », disho el alkalde de la sivdad, Rafał Kukla. « Un lugar kreado para ke la memorya de muestra istorya komun i los terrivles evenementos de la Segunda Gerra Mondyal nunka seygan olvidadas ». “Tambien es una lisyon de istorya; sovre kaji la mitad de los abitantes de muestra sivdad eran de orijen judyo, i oy no estan mas aki. Malorozamente no kedo munchas trasas de eyos”.

Antes de la gerra, Gorlice teniya una komunidad judiya prospera, ke teniya munchas empresas reushidas i una intelektualidad ke estava floresyendo. A la fin del dizimueven siglo, uvo muvimyentos antijudyos. Ma, en komparezon kon las otras sivdades de la rejyon, las kondisyones para los judyos de Gorlice « eran muy favoravles », esta eskrito en el Virtual Shtetl, ke es un sityo web administrado por el Muzeo de Istorya de los Judyos Polakos. Despues de la envasyon alemana en septembre del anyo 1939, los judyos de Gorlice, komo en el resto de la Polonya okupada, se enkontraron kon kondisyones kada vez mas negras. Munchos judyos fueron utilizados en lavoro forsado, i en 1941 disheron ke la komunidad judiya va bivir en un geto kreado en la sivdad.

El anyo sigiente, empeso la likidasyon de este geto. Munchos judyos fueron asasinados en Gorlice i munchos otros fueron embiyados a las kamaretas de gaz en Bełzek. De una populasyon de 4.500-5.000 judyos de antes de la gerra, solo 200 judyos sovrebivyeron al Olokosto. Despues de la gerra, alrededor 30 famiyas judiyas tornaron a la sivdad, ma munchas de estas famiyas emigraron despues, prensipalmente a Israel.

En el anyo 1995, se alimpyo el simeteryo judyo de la sivdad i se konstruyo una mueva muraya a su alrededor. En el anyo 2012, en una otra antigua sinagoga, se enstalo una plaka en la onor de la komunidad judiya asasinada; i en el anyo 2016 se renovo un ohel (una estruktura konstruida alrededor de una tomba judiya) en la tomba del rabino Baruch Halberstam.

El muevo monumento, ke fue konstruido afuera de los terenos del simeteryo para respektar el kostumbre relijyozo judyo, se yama « Sidur de los transeuntes’ (un sidur es un livro de orasyones judiyas). Los pedasos de pyedras de las tombas judiyas ke estan enkolgados alrededor, se rekuperaron antes de la demolisyon de una antigua sinagoga en Gorlice en 2015. El alkalde ekspreso su satisfaksyon, ke agora tyenen « un lugar dinyo », i disho ke el lavoro entero se izo kon la kooperasyon de Polonya.

 

[Orijin: http://www.salom.com.tr]

Ça commence comme dans un film de Nurith Aviv. C’est normal : Rosie Pinhas-Delpuech est traductrice de l’hébreu et vit depuis toujours entre les langues, turc, français, allemand, hébreu… L’auteure de ce beau et dense récit nous plonge dès l’introduction dans l’enchevêtrement linguistique de la Babel israélienne. Nous sommes dans un bus de nuit quittant Tel Aviv, et les langues semblent surgir de partout, suivant toutes les strates de l’histoire du pays. De ce « brouhaha » émerge progressivement le questionnement autour de l’hébreu, langue « réinventée » pour les besoins d’une nation tout juste « imaginée », à l’aube du développement du sionisme. Mais plutôt que de s’intéresser à des personnages tutélaires comme Eliezer Ben Yehuda (l’auteur du Dictionnaire de la langue hébraïque) ou Bialik (le poète national d’Israël), Rosie Pinhas-Delpuech choisit de nouer cette interrogation à la figure tragique et beaucoup plus conflictuelle de Yosef Hayim Brenner, né dans l’Empire russe en 1881, à l’époque où débutent les grands pogroms tsaristes, et mort en Palestine en 1921, assassiné lors des émeutes arabes dans la région de Jaffa.

Y. H. Brenner par Rosie Pinhas-Delpuech : une langue en quête d'auteur

Yosef Hayim Brenner

Rosie Pinhas-Delpuech, Le typographe de Whitechapel. Comment Y.H. Brenner réinventa l’hébreu moderne. Actes Sud, 192 p., 16,50 €

Écrit par Carole Ksiazenicer-Matheron

De façon également oblique, l’auteure privilégie dans ce portrait, ne serait-ce que par le titre du livre, la figure de l’émigrant d’Europe de l’Est, déjà écrivain hébraïque reconnu lorsqu’il fuit le service militaire russe en 1904, mais encore tout imprégné de sa langue maternelle, le yiddish, qu’il transporte avec lui sur les rives de la Tamise, dans le ghetto juif de Whitechapel — ce quartier de prolétaires visité et décrit à la même époque par Jack London, où transitent en chemin vers l’Amérique les héros de Sholem Aleykhem, où rôde l’ombre de l’Étrangleur et où la Lulu de Wedekind finit sa course dans une mansarde sombre.

Commencé dans l’obscurité de ce voyage de nuit en Israël, le récit se poursuit dans la luminosité d’un rivage grec où viennent s’échouer d’autres migrants, nos contemporains : car raconter l’histoire d’une langue nécessite pour la narratrice d’évoquer d’autres histoires, d’autres langues, y compris les siennes propres, et de parcourir (ou d’imaginer) des temps et des espaces pluriels. Le dernier chapitre du livre, « Héritage », reconstitue des tracés où ces itinéraires peuvent se croiser, au moins imaginairement, à travers des coïncidences, géographiques ou temporelles, comme ce Manchester où le père de l’auteure, né à Istanbul en septembre 1914 (deux mois après le fils de Brenner en Palestine, précise la narratrice), vient visiter les filatures de coton où travaillent des ouvriers exploités dans des conditions épouvantables. Brenner quant à lui a quitté l’Europe en 1909 pour la Palestine ottomane, où il partage toutes les difficultés des pionniers et pose les premières fondations d’une littérature moderne dans une langue qui se crée en même temps que les livres s’écrivent.

À travers l’enquête biographique et l’interrogation sur la langue de l’un des créateurs principaux de la littérature hébraïque moderne se dessine, comme en ombres chinoises, un parcours de traductrice et d’écrivaine, mais aussi de voyageuse sans frontières entre les idiomes, les lieux, les identités, dont le rapport à la langue de traduction, l’hébreu, devient le fil conducteur d’une existence consacrée aux mots, à la lettre, à la parole, mais aussi aux êtres qui en sont les porteurs. « En 1988, pour des raisons aussi lumineuses que profondément obscures, je commence à traduire l’hébreu en français, et le destin de l’être humain entre les langues devient mon affaire. » Ainsi les réflexions de la narratrice, les impressions concrètes, les parallélismes entre les situations historiques ou géographiques créent-ils une sorte de toile ramifiée d’associations et d’affinités électives, de rimes entre les différents chronotopes, vécus, imaginés, lus.

Comme cette longue déambulation associative qui, à partir de l’évocation de Whitechapel, à la fois chez Brenner et chez Jack London (auteur d’un reportage célèbre sur l’East End), puis dans les termes plus scientifiques des documents consultés pour l’enquête, débouche sur la comparaison avec des lieux et des communautés d’aujourd’hui, tout aussi délaissés : des Latinos à Harlem qui vendent leur bric-à-brac sur un trottoir, des familles chinoises du Lower East Side qui rusent avec la loi américaine sur l’immigration, des immigrés juifs du Yémen à Tel Aviv qui laissent leur quartier à des Philippins ou des Thaïlandais venus remplacer les travailleurs palestiniens pendant l’Intifada. En deux pages, une chaîne de mots et de solidarités se crée, esquissant en contrejour les contours d’une sensibilité narrative quasi fictionnelle, dans sa richesse subjective et associative.

Avec l’évocation de la figure de Brenner, il s’agit d’un voyage où lumière et obscurité se succèdent ou s’interpénètrent, tant sa courte vie semble synthétiser et exacerber les tensions, les aspirations, les contradictions voire les impasses d’une génération et d’une histoire collective : celle de la deuxième Aliyah (1904-1914) mais aussi, avant tout peut-être, celle de cette modernité juive ashkénaze qui se développe au prisme des langues, des textes, des exils et des migrations. On sait par la correspondance de Kafka que celui-ci lisait un roman de Brenner en hébreu, durant les derniers mois de son existence, passés à Berlin en compagnie de Dora Dymant ; Kafka qui meurt lui aussi de façon prématurée, peu de temps après Brenner et à peu près au même âge, et qui a tant de traits en commun avec lui : l’inquiétude existentielle liée en grande partie à son judaïsme, l’activisme littéraire et linguistique, la difficulté d’aimer les femmes, la férocité de l’autonégation.

Parmi les multiples métamorphoses d’une vie de labeur et de misère, consacrée avant tout à l’écriture et à la reviviscence de l’hébreu, mais traversée également par l’errance et l’engagement, deux pôles sont mis en valeur par Rosie Pinhas-Delpuech, qui soulignent la communauté d’expérience avec l’émigration ashkénaze de tendance socialisante : la pépinière anarchiste de Whitechapel et l’activité de typographe qui permet à Brenner de gagner son pain et d’éditer par la même occasion sa propre revue en hébreu, Ha-Méorer (« L’Éveilleur »). Indéniablement l’accent est mis sur cette matrice de créativité à la fois politique et littéraire, qui efface les frontières, nuance la guerre entre les langues (le yiddish et l’hébreu s’affrontant ouvertement lors de la conférence de Czernowitz en 1908) au profit de stratégies jumelles d’émancipation, toujours aimantées par le souci commun de l’identité collective juive et de la lutte aux côtés des plus défavorisés.

Rosie Pinhas-Delpuech trouve dans cette culture bilingue et souvent polyglotte, dans ce bouillonnement anarchiste et dans ces luttes sociales au plus près de la confection et de la diffusion matérielle du livre, qu’il soit hébreu ou yiddish, une façon de ré-enraciner finalement l’hébreu dans la culture européenne, de le soustraire aux mythes étatiques, de le ré-ensauvager à travers la figure d’un auteur qu’elle qualifie elle-même d’ « Aborigène juif » : quelque chose comme la définition de la littérature mineure chez Deleuze et Guattari à propos de Kafka, ou comme la lecture de ce même Kafka « en colère » par Pascale Casanova. Une volonté aussi de restituer des filiations, des racines diasporiques et modernistes à cet hébreu qui est finalement celui des « tables brisées », comme le montre un audacieux parallélisme, au centre du livre, faisant du « marbre » du typographe un équivalent des pierres écrites par Dieu au mont Sinaï, le lieu symbolique d’émergence de cette langue « vieille-nouvelle », langue sacrée se faisant profane et d’usage quotidien.

Y. H. Brenner par Rosie Pinhas-Delpuech : une langue en quête d'auteur

Il y a chez l’écrivaine biographe une fascination évidente, une forme d’enthousiasme, dans cette mise au jour concrète des liens quasi génétiques unissant hébreu et yiddish, « langue du père » et « langue de la mère », à travers l’histoire de la diaspora ashkénaze et de ses chemins qui bifurquent, poussant vers l’Amérique ou la Palestine, suivant des dessins parfois aléatoires, mais le plus souvent nécessaires, liés à des choix existentiels profonds. Bien des fils sont tirés et suivis dans cette immense toile de réseaux et de circulations qui caractérise la renaissance juive au tournant du siècle. Whitechapel y apparaît comme à la fois central et périphérique, une sorte d’hétérotopie : exact équivalent du Lower East Side new-yorkais, avec ses sweatshops, ces ateliers de couture manufacturés ou à domicile, qui évoquent aussi bien Manchester que Lodz, le « Manchester polonais », romancé par Reymont dans La Terre promise et par Israël Joshua Singer dans Les frères Ashkenazi. Au moment où Brenner est à Londres, les poètes prolétariens comme Morris Rosenfeld ou Dovid Edelstadt tentent à New York de traduire en rimes l’exploitation des immigrants juifs tout juste débarqués du bateau. Ce sont ces poètes que Kafka introduit en 1912 dans son Discours sur la langue yiddish auprès de son public de juifs pragois assimilés.

Tentons à notre tour de poursuivre quelques fils à partir de la trame évoquée par le livre. En ce qui concerne la presse yiddish, dont les tirages augmentent régulièrement, Rosie Pinhas-Delpuech mentionne Morris Winchewski, journaliste et poète prolétarien ; après son séjour à Londres il aide Abraham Cahan à New York à fonder le Forverts, le Jewish Daily Forward, qui accompagnera l’évolution de la société juive américaine tout au long du XXe siècle. Lamed Shapiro, l’auteur yiddish des pogroms et de New Yorkaises a, quant à lui, rencontré Brenner à Londres en 1905, lorsqu’il y fait une longue escale en chemin vers l’Amérique. Il l’évoquera après la mort tragique de l’écrivain dans un chapitre de son recueil d’essais, Der Shrayber geyt in kheyder (L’écrivain va à l’école), mentionnant au passage la figure de Rudolf Rocker qui retient longuement l’attention de Rosie Pinhas-Delpuech, intéressée par ce melting-pot interculturel. Anarchiste allemand, il apprend le yiddish et fréquente les typographes juifs, et Shapiro évoque également son rôle à l’Arbeter Fraynd, le journal anarchiste, puis dans la création d’un journal concurrent, l’Arbeter Velt, dont Brenner assure en grande partie, semble-t-il, la rédaction en yiddish. Lamed Shapiro, comme Kafka, a des affinités électives avec Brenner, par son nietzchéisme de jeunesse, son pessimisme radical, son nationalisme spirituel lié à la notion d’autodéfense, mais surtout à la cause des opprimés : ce peuple dont Brenner dit qu’il est à la fois sans terre et sans langue ; ce qui peut sembler paradoxal pour une communauté souvent polyglotte, mais dont Kafka fait à son tour une des caractéristiques principales des littératures mineures et des écrivains juifs condamnés à l’exil intérieur.

On pourrait ajouter à titre d’exemple supplémentaire de cette proximité entre intellectuels, par-delà le choix des langues, qu’Aaron Zeitlin, l’un des plus grands poètes yiddish, écrit en 1927 un drame intitulé Brenner, précisant dans une didascalie qu’il s’agit d’une restitution « imaginée » de la figure de l’écrivain. Cependant, il a pu s’inspirer des souvenirs de son propre père, Hillel Zeitlin, ami de jeunesse de Brenner à Homel, en Russie, lorsque le jeune auteur hébraïque est à la fois « amant de Sion », bundiste et par-dessus tout, écrit Zeitlin père, tolstoïen. La pièce écrite après le voyage en Palestine d’Aaron en compagnie de son frère très peu de temps avant la mort de Brenner, nous livre une image radicalement désespérée et nihiliste de cet alter ego de l’écrivain, évoquant par moment un Otto Weininger par la haine de soi, la défiance envers les femmes et l’amour-haine ambivalent projeté sur le peuple juif, dont il assure porter douloureusement le destin collectif sur ses épaules.

On retrouve là une des images fortes du livre de Rosie Pinhas-Delpuech, qui fait de Brenner le porteur de la langue et des livres à destination d’un peuple à venir, celui qu’il ne fait que pressentir, tel Moïse qui ne verra pas s’ouvrir devant lui la Terre promise (l’identification implicite entre Moïse et Brenner est très présente dans le livre et mériterait un développement à part). Résonnent alors pour nous les dernières phrases de ce texte inspirant : « Brenner est un horizon. Il est rare que dans toute l’histoire de l’humanité un homme ait pris une langue sur son dos pour sortir de la détresse et la faire vivre pour lui et pour les autres. Avec la pente toujours proche et le compte jamais fini ».

 

[Source : http://www.en-attendant-nadeau.fr]

Trayectoria. Originaria del pueblo shipibo-konibo, es docente de educación primaria y tiene diplomados en Derecho y Gestión Territorial.

"Las comunidades amazónicas tienen los índices más bajos de inmunización", agregó Rocilda Nunta, viceministra de Interculturalidad. Foto: Antonio Melgarejo

« Las comunidades amazónicas tienen los índices más bajos de inmunización », agregó Rocilda Nunta, viceministra de Interculturalidad.

Escrito por Juana Gallegos

Es la cuarta de siete hermanos, proviene de una familia shipibo-konibo, creció en una comunidad indígena de Ucayali y hoy es la primera lideresa amazónica que ocupa un alto cargo en el Ministerio de Cultura. Rocilda Nunta es, desde hace más de dos meses, viceministra de Interculturalidad. Su nombramiento despertó altas expectativas en las asociaciones indígenas, ya que su despacho es clave para promover políticas públicas inclusivas de los pueblos andinos, amazónicos y afrodescendientes. Su gran reto, a corto plazo, es promover la vacuna en las comunidades que tienen el índice más bajo de inmunización.

Usted tiene 37 años y vivió hasta su adolescencia en la comunidad indígena Nuevo San Rafael, distrito de Masisea, en Ucayali. ¿Hacia dónde emigró y por qué?

Yo tuve que migrar a la ciudad para poder estudiar. Fui a Yarinacocha, al Instituto Superior Pedagógico Público Bilingüe, y estudié Pedagogía. Tuve un padre que quería ver a sus hijos e hijas salir adelante a través del estudio, pero sin dejar de lado nuestra identidad, en mi caso, la del pueblo shipibo-konibo. Si me hubiera quedado en la comunidad hubiera sido, quizás, una mujer que estaría cumpliendo un rol más familiar y de agricultura, o, quien sabe, sería dirigenta de alguna federación. Somos siete hermanos, tres somos docentes. Gracias a la educación hemos salido adelante. Ser indígena y mujer en este mundo es difícil.

Su hermana Judith, que también es lideresa de su comunidad, dijo que usted se formó como profesora porque creía que, educando a las niñas, su pueblo saldría adelante. ¿Por qué esa inquietud por cambiar el porvenir de las niñas de su comunidad?

Siendo profesora podía garantizar el desarrollo de una educación intercultural bilingüe en nuestras comunidades porque es un derecho colectivo que tenemos como pueblos indígenas. La niñez así tiene la oportunidad de terminar sus estudios secundarios para también ser reconocidos en la sociedad y poder aportar al país.

Se sabe que las adolescentes de las comunidades amazónicas suelen ser madres tempranamente.

Es uno de los grandes problemas que tenemos, por eso debemos direccionar hacia otro norte a la niñez indígena, y una de las principales herramientas es la educación. Las adolescentes deben saber que pueden aportar a su patria educándose.

Es la primera vez que una mujer indígena amazónica ocupa un alto cargo en el Ministerio de Cultura; algunos dicen que su nombramiento es histórico. ¿Cómo reaccionó la comunidad shipibo-konibo?

No esperaban la designación, mi familia reaccionó con sorpresa, y los grandes líderes de mi pueblo dijeron que es una reivindicación histórica para la comunidad amazónica. Que una mujer indígena llegue a ocupar un cargo tan grande en el Estado es muy importante.

"La desinformación contra la vacuna proviene de las iglesias evangélicas", indicó la funcionaria Rocilda Nunta. Foto: Antonio Melgarejo/La República

« La desinformación contra la vacuna proviene de las iglesias evangélicas », indicó la funcionaria Rocilda Nunta.

Ahora, usted no es nueva en un puesto de mando, fue coordinadora del Programa Mujer Indígena de la Asociación Interétnica de la Selva Peruana (Aidesep). ¿De dónde nace su activismo?

Cuando tenía siete años, mi comunidad, Nuevo San Rafael, era visitada por distintas oenegés y mi familia recibía muchos talleres de capacitación, y yo participaba de ellos. Y es así que desde mi adolescencia fui participando en los procesos del movimiento indígena y desarrollando liderazgo desde mi rol de mujer. Me involucré para defender los derechos colectivos y espirituales de los pueblos, reivindicar nuestra identidad cultural, visibilizar la existencia de las comunidades que no se ven en las grandes ciudades. Empecé siendo presidenta de la Organización Regional de Jóvenes Indígenas de la región Ucayali, fui la primera la mujer. Luego ocupé cargos dentro de Adeisep Ucayali como directora del programa Mujer Indígena. Así nace el liderazgo que vengo desarrollando.

¿Qué acciones tenía el programa?

Encontré que las hermanas ashaninkas, shipibo-konibo y sharanahuas no tenían la misma oportunidad de nuestros hermanos, grandes líderes, y me enfoqué en valorar sus propuestas, en prestar atención a las actividades que querían desarrollar, y que no habían sido consideradas. Se sabe que culturalmente los pueblos indígenas son machistas, y las mujeres también lo somos porque muchas veces no nos apoyamos en las acciones que queremos desarrollar. Muchas veces apostamos por los hombres en vez de dar oportunidad a una mujer que quiere ocupar un cargo dentro de la comunidad o de alguna organización. El liderazgo de la mujer indígena no estaba siendo valorado, por eso la importancia de desarrollar este proceso de trabajo con las mujeres.

Dijo hace un momento que ser indígena y mujer es difícil. ¿Por qué?

Sí, yo aprendí a hablar castellano a los 14 años, y he vivido discriminación en carne propia cuando mi padre me matriculó en el colegio secundario (hace una pausa).

¿Y qué pasó?

Mira, mi historia es muy larga, pero quiero contarte algo. Yo vivía en la comunidad Nuevo San Rafael y para poder llegar a mi colegio tenía que caminar una hora y media. Todos los días me levantaba a las 5 de la mañana. Entonces, durante ese trayecto, me topaba con las lluvias, y un día, regresando, llovió tanto que se mojó mi mochila y mis cuadernos. Tuve que secarlos con candela para poder presentar al día siguiente mi trabajo. Cuando se lo presenté a mi profesora su respuesta no fue adecuada, el cuaderno estaba arrugado y lo tiró al piso porque, según ella, estaba impresentable. No entendió que yo venía caminando todos los días de una comunidad, yo me sentí muy mal. Todo el salón se burló.

Qué importante es que un profesor tenga una formación intercultural para entender las circunstancias de sus alumnos. Hablando de esto, el Ministerio de Educación quiere contratar solo profesores monolingües en las escuelas rurales ante la falta de docentes de lenguas originarias. ¿Cuál ha sido la respuesta del viceministerio?

Tuvimos una reacción inmediata desde el ministerio porque somos garantes de los derechos colectivos de los indígenas. En este caso, el derecho a la educación intercultural bilingüe de calidad. Nos reunimos con la viceministra de Gestión Pedagógica, Nelly Palomino, y nos hemos comprometido en articular acciones en coordinación con las organizaciones indígenas, tenemos siete en el país, escucharemos sus propuestas. No podemos retroceder en el derecho ganado históricamente gracias a la lucha incansable de nuestros pueblos indígenas.

Otro pendiente de su despacho es saber con certeza cuál es la cifra de muertes indígenas que ha dejado la pandemia. ¿Ya se tienen datos claros?

Desde el ministerio se ha elaborado la guía para la variable étnica, que permite que las instituciones estatales a nivel nacional registren la diversidad etnicorracial de los ciudadanos. Desde el viceministerio venimos socializando este instrumento para así saber, por ejemplo, cuántos muertos ha dejado el covid en hombres y mujeres andinos, amazónicos y afroperuanos.

Y sobre la vacunación, se supo que algunas comunidades se resisten a inmunizarse. ¿Qué estrategias de sensibilización está ideando su viceministerio para remediarlo?

Las cifras son preocupantes. Según el último reporte, en los pueblos amazónicos el 26.3% tiene las dos dosis, y en los pueblos andinos, solo el 10.7%. Desde Cultura, y dada esta tercera ola y la presencia de Ómicron, redoblaremos el diálogo con los apus y ciudadanos indígenas en las comunidades nativas y campesinas para seguir informando sobre la importancia de la vacunación. La vacuna es vida y protege, este es el mensaje que en las lenguas originarias venimos difundiendo a través de nuestros traductores y gestores interculturales andinos y amazónicos.

¿Los bajos índices de la vacunación se deben a la resistencia a vacunarse o la lejanía de las comunidades?

La mayor resistencia es porque terceras personas les dicen que la vacuna les generará el 666 en la frente o que solo les quedará dos años de vida, sabemos que esta desinformación proviene de las iglesias evangélicas y atemoriza a nuestros hermanos. Por eso, desde el despacho empezaremos a dialogar con ellos y entregaremos la información adecuada con enfoque intercultural.

 

 

[Fotos: Antonio Melgarejo – fuente: http://www.larepublica.pe]

 

Durante séculos, dende o ano 1500, foron milleiros os galegos e galegas que emigraron a Lisboa. A inmigración galega foi especialmente importante nos séculos XVIII e XIX, un momento no que os galegos representaban preto do 70% dos estranxeiros que habitaban a urbe. Foron moitas as pegadas que deixaron na cidade: diversas construcións, non poucos apelidos, institucións coma a Sociedade de Instrución e Recreo Juventude de Galiza, e mesmo a ginjinha que se converteu nun dos símbolos lisboetas. 

Capela de Santo Amaro, en Lisboa © visitar.lisboa.pt

Escrito por Marcos Pérez Pena

Os galegos chegaban para traballar, por exemplo, na construción, coincidindo co crecemento da cidade ou coa necesidade de reconstruíla tralo desastre causado por terremotos e incendios. Desempeñaban outras profesións de gran dureza física, como mozos de carga ou repartidores (protagonizando unha das primeiras grandes folgas no país). E tamén, de forma moi destacada, como augadeiros, os encargados de transportar a auga dende as fontes ata as casas e tamén cando se producía un incendio e era un labor desenvolvido principalmente por galegos.

Cartaz do acto celebrado este sábado ao pé da Capela de Santo Amaro en Lisboa ©

Nese tempo, os moitos galegos que moraban na cidade organizaban o 15 de xaneiro unha romaría, dedicada a Santo Amaro, e que se celebraba ao pé da capela do mesmo nome, situada no barrio da Alcântara e edificada en 1549. Dise que a capela foi mandada levantar por padres franciscanos galegos. Esta festa de referencia celebrouse durante moito tempo, pero en 1911 deixou de organizarse, hai 111 anos.

Este sábado 15 de xaneiro a actual comunidade galega residente en Lisboa recuperou esta romaría, celebrada ao aire libre, ao pé da capela e con todas as medidas de prevención de contaxios de COVID. Na romaría, na que non faltaron as gaitas galegas, interveu Xurxo Souto, que falou do Amaro Navegante, un santo viaxeiro, de grande importancia en Galicia e en Portugal, cuxa vida e lenda serve como « bela metáfora das viaxes das comunidades galegas na procura da illa do Paraíso ». No acto, ademais, tamén interviron Carlos Callón e Maria Dovigo, poetas e profesores, que relataron varias historias sobre a comunidade galega en Lisboa, da que forman parte.

O santo, confundido moitas veces con San Mauro, celebrado tamén o 15 de xaneiro, conta cunha gran tradición na cultura galega, e a súa figura foi tratada por Uxío Carré Aldao no artigo ‘A lenda de San Amaro o Pelegrino’ publicado no número 19 da revista Nós. ou por Ramón Cabanillas nos poemas de ‘O bendito San Amaro’, publicados no xornal Galicia en 1925 acompañados por debuxos de Castelao

En realidade a romaría lisboeta tivo xa un prólogo este xoves na Coruña, con outra celebración dedicada ao Amaro Navegante, organizada pola Asociación de Veciñas de Monte Alto e a asociación In Nave Civitas e coa intervención de Xurxo Souto, Carmela Galego e Xulio Monteiro.

 

[Fonte: http://www.praza.gal]

A Secretária Geral da Academia Brasileira de Letras, Acadêmica e escritora, Nélida Piñon, recebeu formalmente o título de nacionalidade espanhola na quinta-feira, 13 de janeiro. O ato foi no Consulado da Espanha no Rio de Janeiro e contou com a presença do Cônsul Geral da Espanha, Luis Prados Covarrubias. Na ocasião, a Acadêmica assinou os documentos, fez o juramento e destacou a importância de receber a cidadania espanhola:

“Hoje eu sou a brasileira que sempre fui e adicionei, a essa minha maravilhosa nacionalidade brasileira, a nacionalidade espanhola e passo a pertencer à União Europeia. Quando penso em Espanha, penso em seus grandes mortos. Cervantes, por exemplo (…) Penso nos meus mortos, no meu avô Daniel, na minha avó Mada, na minha mãe Carmen, no meu amado pai, Lino. Penso em Cotobade, Galícia, Burela. Penso num mundo hispânico, que é poderoso, com a sua língua universal que Nebrija* consagrou.”

A Acadêmica está intimamente conectada à Espanha: seus pais e avós foram emigrantes galegos no Brasil. O município de Cotobade, na região da Galícia, é onde seu pai nasceu.

Em 1996-1997, Nélida Piñon tornou-se a primeira mulher na história a presidir a Academia Brasileira de Letras. Entre suas obras mais importantes, destaca-se « A República dos Sonhos » (1984), que narra o êxodo em massa dos emigrantes galegos para a América Latina.

Dentre os muitos prêmios e reconhecimentos recebidos pela Acadêmica, podem ser destacados alguns deles relacionados à Espanha e ao mundo hispânico: Prêmio Príncipe de Astúrias, Prêmio Rosalía de Castro e o Prêmio Internacional Menéndez Pelayo. A escritora é Membro de Honra da Real Academia Galega, Membro Correspondente da Academia Mexicana de la Lengua, Embaixadora Ibero-americana da Cultura e Conselheira do Centro de Estudos Brasileiros da Universidade de Salamanca.

*Filólogo espanhol, autor da primeira gramática da língua castelhana e do primeiro dicionário espanhol.

Discurso da Acadêmica Nélida Piñon

 

[Fonte: http://www.academia.org.br]

Xesús Fraga, premio Nacional de Narrativa 2021, describe en Virtudes (e misterios) a historia real dunha muller de orixe campesiña que renunciou á súa propia vida para permitir que as súas fillas e os seus netos construísen as súas

Escrito por Juan Oliver

A vida é o que construímos cos nosos recordos. E se algún día alguén se interesa polas nosas vidas, serán eses recordos os que a relaten. Convertan vostedes as pantasmas en fantasía, e non deixen nunca que o espello lles devolva unha imaxe baleira do que son.

A vida é o que narra Xesús Fraga (Londres, 1971) en Virtudes (e misterios), a novela que lle valeu o premio Nacional de Narrativa 2021. Editada en español por Xordica, a versión orixinal en galego publicada por Galaxia obtivo o Premio Blanco Amor no 2019.

Virtudes é a vida de Virtudes Sánchez, unha emigrante galega de orixe campesiña que se ve obrigada a deixar o seu país a mediados do século pasado porque o seu marido a abandona. Empuxada pola necesidade de sacar adiante ás súas tres fillas, Virtudes falsifica o permiso conxugal que toda esposa debía portar nas viaxes longas por aquela España franquista que convertía ás mulleres en seres inferiores dependentes dos homes, e marcha a Londres.

Cando chega non sabe nin unha palabra do idioma nin da forma de vida que empeza a desenvolverse na cidade, que acabaría convertida na capital pop do mundo. Virtudes permanece alí case tres décadas, construíndo un universo propio desde o seu pequeno cuartiño alugado, traballando como empregada doméstica, aforrando o seu soldo e enviando alimentos e bens ás súas fillas, renunciando á súa vida para que elas e os seus netos poidan acabar construíndo as súas.

Xersús Fraga, frente ao Támesis, en Londres

A vida de Virtudes son os recordos que dela ten o seu neto. E o seu neto é o propio Xesús Fraga, quen naceu e viviu os seus primeiros anos en Londres porque os seus pais tamén tiveron que emigrar. Pero non se enganen, que esta non é só unha novela autobiográfica. É máis ben un libro de memorias e de viaxes, de deliciosas aventuras da alma, que reflexiona sobre o amor e a soidade, sobre a amizade e a redención, sobre o abandono e a solidariedade, para concluír que a nosa existencia nin ten sentido nin pode explicarse fronte ao espello sen recorrer á pegada que deixamos en quen nos rodea.

«De neno chegaba os luns ao colexio, en Betanzos, e todo o mundo dicía ‘esta fin de semana estiven na aldea’», lembra o autor. «E eu preguntábame que era iso da aldea, un concepto novo para min. Respondíanme que a aldea era o sitio onde viven os avós, así que se a miña avoa vivía en Londres, a miña aldea era Londres».

O autor fala na terraza cuberta dun pequeno café de Betanzos, a súa outra aldea, a trinta quilómetros da Coruña, onde vive coa súa muller, a súa filla e o seu fillo, bisnetos de Virtudes e tamén, en certo sentido, protagonistas do libro. Aínda que para entendelo haxa que chegar, literalmente, ata a última frase da novela.

Fraga é un conversador exquisito, cultivado e atento, unha delicia para o interlocutor. Conta que tardou dez anos en armar negro sobre branco a historia desa coraxuda e humilde muller anónima que se fixo dona da súa vida nun ambiente hostil e descoñecido; a da súa filla, que puido acceder en Londres á cultura e ás oportunidades de formación que España lle negaba para acabar sendo profesora de inglés; e a súa propia, como narrador máis prudente que omnisciente, quen describe a cidade e os seus recunchos. Por eles deambulan os personaxes da novela, que Fraga ve con ollos de adolescente inquedo pola fortuna da súa dobre condición: Xesús en Galicia e Tony (a Fraga bautizárono como Jesús Antonio) en Londres, do mesmo xeito que a súa avoa era Virtudes na aldea e Betty en Inglaterra.

«A idea era escribir esta historia coma se fose unha novela, a pesar de que non estaba a me inventar nada. Aí é onde intervén o xornalista», explica. Fraga é sobre todo escritor, pero tamén tradutor – KerouacNabokovBarnesDahl– e xornalista, profesión que desenvolve desde 1996 en La Voz de Galicia. Na redacción do xornal, e tamén fóra dela, hai quen pensa que é a súa pluma máis relevante no últimos corenta dos case 140 anos de historia do diario.

Aludindo ao oficio de informar, Fraga asegura que se fixo moitas preguntas pero que non esperaba que as respostas o levasen a outra cousa que a facerse máis preguntas, como lle sucede a todo (bo) xornalista. Non quixo nin inventar, nin cambiar, nin transformar datos, feitos nin declaracións que puidesen embelecer o relato literario ou facelo máis fluído. «Tiña que contar esa historia verídica coma se fose unha novela, cos seus puntos de xiro, o seu suspense, as súas expectativas… A novela é un xénero marabilloso porque che dá total liberdade para iso», sinala.

Aínda que non o pretenda, o seu libro é unha obra feminina e feminista. Os feitos que relata responden o significado dese concepto tan sobado do empoderamento da muller. A batalla diaria e anónima, inquebrantable e demasiadas veces solitaria e esquecida. a concatenación de loitas cotiás que parecen minúsculas e que acaban sendo inmensas e universais.

«A miña avoa e a miña nai tiñan esa mirada, esa determinación, ese carácter e esa forza de vontade que se cadra os homes emigrantes que eu coñecín non tiñan», expón. «Non digo que non houbese homes que non o tivesen, pero na miña familia foron elas as que tiveron esa visión, ese plan, e as que trataron de executalo por todos os medios. E acabaron lográndoo».

Virtudes tamén é unha novela de emigrantes, pero non está contada desde a morriña, senón desde a esperanza. A súa lectura ofrece moitos máis descubrimentos que queixumes ou perdas. Por parafrasear a Fraga, máis fantasía que pantasmas. Máis virtudes que misterios.

Xesús Fraga

Aínda que habelos, hainos, claro. Como o do mesmo Londres da segunda metade do século XX, capital desa nación que construíu e derruíu en poucas décadas un sistema de benestar exemplar que atraeu e expulsou poboación ao ritmo que marcaba o thatcherismo. Ou como a pantasma de Marcelino Fraga, o zapateiro avó do autor e marido de Virtudes, quen sobrevoa toda a novela tras converterse en detonante da historia cando decide emigrar a Venezuela coa inxenua esperanza de converterse nun home rico, aparcando á súa familia para abandonala poucos anos despois.

Poida que a súa historia teña outra novela. Só Fraga o sabe. Pero o misterio desta desvélao Virtudes con outro xesto de empoderamento que resolve a narración da maneira máis esperanzadora e fermosa. A máis feminina, feminista e virtuosa. En serio. Por moito que digan, non pasa tantas veces que a realidade supere á ficción.

[Fonte: http://www.luzes.gal]

Mais pourquoi son père est-il venu s’enterrer à deux pas du désert, à Tucson Arizona ? Martin Goldsmith l’aime, ce père, mais il voudrait comprendre.

Écrit par Alain Girodet

Lui qui, toute son enfance, a subi, alors qu’il est né américain, les quolibets de ses camarades sur son nom aux consonances allemandes, il veut comprendre ses origines, ce qui s’est passé, ce que son père ne lui a pas dit.

Alors, Martin entame un documentaire à partir des interview, entrecoupé d’images du passé, de documents historiques, de vues de l’Allemagne natale et de l’Arizona.

Il est tellement secret, ce père, Gunther, devenu Georges Goldsmith, interprété à la perfection par Bruno Ganz, ex-flûtiste classique immigré en 1938 avec son épouse Rose-Marie, altiste de métier.

C’est un voyage que l’on nous conte, un long voyage comparable en tous points à celui que décrit Schubert, piano et voix, dans Le voyage d’hiver. Un voyage fait de douleur et de grandeur humaine, un voyage tout à la fois sombre et solaire.

De la même façon, par une sorte de rythme tout à la fois alangui et maîtrisé, le film mêle habilement le présent et le passé, les couleurs lumineuses et le soleil éblouissant des paysages américains, le noir et blanc d’une acidité crépusculaire des souvenirs de l’Allemagne nazie, le réalisme pointilleux d’un documentaire et la symbolique stylisée à la manière expressionniste d’un film d’évocation. Le tout est baigné par la musique, évidente, divine, aérienne, comme si elle seule pouvait encore donner l’espoir à l’Humanité. Mozart, Beethoven, Schubert et Tchaïkovski surent insuffler la vie, même quand cette dernière paraissait perdue.

Gunther Goldsmith, le père de Martin, ne se sentait pas particulièrement juif même si, comme lui fait remarquer son fils, son nom « est tout aussi juif que la carpe farcie ». Il ne se sentait pas juif, mais il a été rattrapé par la réalité, les événements, l’Histoire.

Lorsqu’en 1935, à peine âgé de vingt-deux ans, il est chassé de son académie de musique, qu’il trouve refuge dans le Kulturbund, l’organisation culturelle juive, tolérée par le régime, et que, finalement, il s’apercevra qu’il n’est d’autre solution que la fuite, même si celle-ci signifie l’abandon des autres membres de la famille et la fin, au moins pour lui, de la musique.

1938, avoue-t-il à son fils, ce n’est pas la fin des juifs, c’est la fin de tout. Winter Journey est une évocation envoûtante du passé.

Si Bruno Ganz prête ses traits au père, c’est le fils en personne, Martin Goldsmith, qui pose les questions hors champ, comme il le fit dans la réalité lorsqu’il voulut connaître le passé de sa famille.

Il ne s’agit nullement, une fois encore, de raconter l’irracontable et de ressasser l’horreur, il s’agit de connaître le passé pour ne pas le reproduire, et ne pas se permettre de juger trop vite ceux qui survécurent et qui ont tant de mal à se confier.

Un film d’une grande intensité et d’une réelle émotion.

Winter Journey, d’Anders Ostergaard

 

 

 

 

 

 

 

 

Source : http://www.cultures-j.com]

LAS MINORIYAS

Prezentado por İsak Eskinazi

El filmo « THE CLUB » me izo pensar a la forma ke estamos vistos komo “Minoriya” o komo ”LOS OTROS” en Turkiya.  El Djudyo en los Estados Unidos es en primero Amerikano, despues Djudyo. El Djudyo en Turkiya es en primero Djudyo, despues Turkano. El Turko es Turko no solo porke apartiene a la rama turka ma tan bien porke es Muzulman. El Djudyo ni apartiene a la rama turka ni es Muzulman. Entonses es “EL OTRO”. El Otro, mismo ke no seya i mismo kon una muy chika probabilidad, puede ser enemigo al Estado turko porke puede kolaborar kon los poderes estranjeros. Por esto no vamos a ver ningún Djudyo en una pozisyon dominante komo governador, ambasador o djuzgador. Klaro ke lo ke digo no es solo por el Djudyo, ma por todas las otras minoriyas ke no son de relijyon muzulmana. Así, puedemos dizir ke el elemento esansyel para ser Turko, no es la provenansya de la rama, ma la relijyon muzulmana. Dezde la epoka otomana, puevlos de fe muzulmana i de rama ke no es Turka fueron asimilados; ama puevlos de relijyon non muzulmana kategorikamente fueron konsiderados komo LOS OTROS, LOS ESTRANJEROS.

El Otomano dirijo su imperyo bazandose sovre doz umas (puevlos): la uma muzulmana i la uma non muzulmana. La tradisyon era de ver la uma muzulmana syempre superior a la otra uma. Los “Otros” no puediyan tener kazas mas altas, no puediyan kavalgar sin permisyon, deviyan vistirsen de kolor diferente ke los muzulmanes i mas, i mas. Kon las reformas otomanas del siglo 19, todos tuvieron la igualdad de derechos nasyonal, siendo independente en sus derechos relijyozos. Kon la emigrasyon muzulmana de los Balkanes, de Krimea i de los Kaukasos, la minoriya non muzulmana apartuvo muncho mas a “LOS OTROS”. Esta apartenensya se firmo en el kapitulo 3 del Tratado de Lozan, yamando MINORIYA solo los NON MUZULMANOS.

Las penas ke mos izyeron sentir i tanto sufrir kon la taksa del Varlik, kon las vente klasas, kon lo ke afito en Trakya, el vandalizmo del 6-7 septiembre, todo esto izo parte de la mentalidad i del pensamiento por “Los Otros”. Aun oy, estamos konsiderados komo los OTROS. Kreyo ke ansi estamos vistos de la parte de la mayoriya, malgrado ke las leyes dizen ke semos igual.

Sentirse bien en muestro país kerido es lo ke dezeamos, sin olvidar de tener siempre el ojo bien avierto.

Siempre buena ventura, salud i pas para todos.

 

 

[Orijin: http://www.salom.com.tr]

Invitación a un paseo de observación estética

Museo del Gaucho y la Moneda. Conocido como Palacio Uriarte de Heber. De estilo neoclásico tardío con algo de romántico, en su fachada se despliegan grandes cabezas de león sosteniendo argollas en sus fauces. El trabajo decorativo es de superior calidad, casi escultórico.

Escrito por Alejandro Michelena

La avenida 18 de Julio es desde hace más de un siglo la ‘‘calle mayor’’ de Montevideo. Son muchas las generaciones de montevideanos, de uruguayos y de visitantes que la han conocido como la arteria céntrica de la capital, por lo que resulta difícil imaginarse el trazado urbano sin ella. Sin embargo no siempre ha sido así; vale recordar que hasta pasada la mitad del siglo XIX la actual 18 era apenas el comienzo del camino que en su recorrido hacia el este comunicaba con Maldonado. En aquellos tiempos Montevideo era lo que es hoy la Ciudad Vieja y poco más. Fue después de la Guerra Grande que se posibilitó el nacimiento urbanístico de lo que se denominó la Ciudad Nueva, que con eje centralizado en la (ahora sí) avenida 18 de Julio, se desplegaba hacia sus costados, al sur y al norte, llegando hasta los viejos ‘‘ejidos’’, después de los cuales comenzaba el ya existente poblado –a partir de entonces barrio– del Cordón.

Llegando a la esquina de la calle Ejido, en un edificio de gran porte se destaca un bajorrelieve que muestra a un hombre con un velero en la mano y una mujer con una espiga de trigo, con reminiscencias de friso clásico pero también de estilo modernista.

El crecimiento de la futura zona céntrica fue explosivo, tanto sobre la avenida como por las transversales. El oportuno y precoz diseño de una plaza en mitad de ese trayecto fue un acierto, generando un punto de inflexión que le agregó un espacio de armonía y la posibilidad de un pulmón verde al entorno para el cual se preveía un futuro edilicio en progresión creciente. La plaza Cagancha en sus primeros años fue apenas un descampado rodeado de galpones y depósitos, con poco atractivo salvo por la columnata con la alegoría femenina en homenaje a la Paz de 1851, equívocamente considerada por gran parte de los montevideanos desde entonces como ‘‘estatua de la Libertad’’, de ahí el otro nombre con el que se conoce a esta plaza, donde se ubica el kilómetro cero de las principales rutas uruguayas.

Museo del Gaucho y la Moneda. A ambos costados de la fachada del primer piso se ubican grandes cariátides femeninas con reminiscencias grecorromanas.

Comenzado el cuarto final del siglo XIX arranca el proceso por el cual el centro de la capital se iba a trasladar de su antigua ubicación –en cuanto a lo burocrático en la calle Sarandí de las primeras cuadras y comercialmente en 25 de Mayo– a la nueva avenida. Fue un proceso lento pero persistente, que iba a agudizarse sobre el final de esa centuria, con una Plaza Independencia que recién tomaría el perfil que le conocemos luego de la demolición de los restos del antiguo fuerte de la Ciudadela. Todo esto en el contexto de un país que tuvo un quiebre institucional y que

Exsede del diario El Día. En el pretil de la azotea, a ambos lados, parejas de niños festivos custodian pirámides truncas. Representan criaturas fantásticas de la naturaleza; tal vez los cuatro elementos, y el triángulo de vida y creación insinuado en las figuras piramidales.

Llegando a la esquina de la calle Ejido, en un edificio de gran porte se destaca un bajorrelieve que muestra a un hombre con un velero en la mano y una mujer con una espiga de trigo, con reminiscencias de friso clásico pero también de estilo modernista.

Vería surgir el militarismo con Latorre, Santos y Tajes, y que se iba a beneficiar de una etapa de prosperidad para luego –en la década de los noventa, poco antes del 900– soportar el latigazo de la crisis económica y financiera generada por el crack bancario.

El London París. Construido en 1905 por el arquitecto Adams para una empresa de seguros, la Standard Life, ostenta una cúpula con columnatas y sobre ella una escultura en bronce que alegoriza a Atlas sosteniendo el mundo.

A todo esto, el crecimiento de la Ciudad Nueva se tornó irreversible e imparable, surgiendo los lujosos petits hôtels, esos palacetes de vivienda a la francesa que fueron señas de prestigio para las familias que estaban en la cima de la pirámide de las grandes fortunas. Pero a su vez, los paseantes vieron con asombro cómo se construía el primer edificio de varios pisos con ascensor, con fachada sobre la avenida y los costados a plaza Cagancha y Paraguay: el Palacio Jackson, que sobrevivió hasta los años ochenta del siglo XX, cuando el ministro de Cultura de la pasada dictadura decidió su demolición, lo que desencadenó un negociado más de los que jalonaron aquellos años.

Palacio Brasil, donde dos figuras alegóricas portando instrumentos musicales y confeccionadas en bajorrelieve, ocupan la parte superior de la fachada de planta baja. En la misma línea, pero sobre las puertas de acceso: cabezas imponentes de genios o dioses.

El nuevo siglo trajo consigo, a lo largo de 18 de Julio, los llamados ‘‘palacios’’. Así se llamó a los edificios en altura que calificaron arquitectónicamente la avenida, dándole un perfil ecléctico y cosmopolita –correspondiente con aquel país democrático y próspero– donde convivieron el neoclasicismo, los barroquismos, las vanguardias y el art déco, en un formidable impulso que tuvo su mayor vitalidad entre los años veinte y los cuarenta.

Entre lo decorativo, lo alegórico y lo simbólico

Esta larga etapa de constante crecimiento inmobiliario en el área céntrica, que tuvo su correspondencia en procesos equivalentes en los barrios, necesitó (además de los excelentes arquitectos que la protagonizaron y la extensa mano de obreros de la construcción) ciertos artesanos especializados, llamados frentistas, encargados de realizar las terminaciones, adornos, bajorrelieves y decoraciones que fueron una constante de las fachadas durante toda la primera mitad de siglo pasado (que fue desapareciendo luego, con el triunfo definitivo de las corrientes racionalistas). En torno al 900, la mayoría de los frentistas estaba compuesta por inmigrantes europeos que traían el oficio de sus países de origen, pero más adelante se formaron en el arte de las fachadas muchos uruguayos: algunos trabajando junto a los maestros extranjeros, y muchos más egresados de la entonces reciente Escuela de Artes y Oficios que ideara e implementara el doctor Pedro Figari.

Así fue que las calles de Montevideo se enriquecieron con una mampostería cargada de íconos, confeccionada en yeso o en cemento, que muchas veces queda en lo meramente decorativo pero que otras se aventura en lo alegórico, en lo literario, en lo simbólico. Una suerte de arte popular colgado en relieve de paredes, balcones, portales y ángulos. Naturalmente, la zona céntrica fue una de las más favorecidas debido a la concentración y riqueza de propuestas; y dentro de ella, la avenida 18 de Julio.

Proponemos un posible itinerario contemplativo desde el Monumento al Gaucho hasta la Plaza Independencia, que el lector podrá corroborar en vivo: mejor un día no laborable y, en lo posible, a tren de paseo. La clave es realizar el recorrido observando más arriba de las marquesinas de una y otra acera.

Palacio Santos. En este caso, el elemento decorativo más sobresaliente está en la enorme puerta de doble hoja, de madera tallada, con alegorías conformadas por criaturas fantásticas con aspecto de dragón que suben en espiral. Arriba de la puerta, presidiendo el conjunto y justo en medio de ambas hojas, se destaca la silueta de una mujer desnuda.

Caminando entre cariátides, gárgolas y leones rampantes

Apenas iniciado el recorrido, si transitamos por la explanada municipal, podemos apreciar en mitad de cuadra de la acera de enfrente –en un edificio de apartamentos de comienzos de los años cuarenta– cabezas de hombre y mujer ubicadas alternativamente a la altura de cada planta. Muestran un diseño levemente modernista y clara intención decorativa. Complementan los elementos de esa fachada pequeñas gárgolas que ofician de desagüe de los balcones. Y llegando a la esquina de la calle Ejido, en un edificio de gran porte y de la misma época que el anterior, se destaca un bajorrelieve que muestra a un hombre con un velero en la mano y una mujer con un telar, con reminiscencias de friso clásico pero también de estilo modernista. Era común en aquellos años celebrar con alegorías escultóricas aspectos del trabajo y la industria.

En la cuadra siguiente, casi Yaguarón y en la acera sur, en un edificio de dos plantas de comienzos del siglo XX, se pueden apreciar figuras femeninas desnudas en bajorrelieve de muy buena calidad, producto de las manos de artesanos –seguramente europeos– que conocían su oficio. Para más datos: se trata de la planta alta de la clásica librería La Feria del Libro. Y los balcones del inmueble lucen gárgolas fantásticas.

Sala Nelly Goitiño del Sodre. Alegoría del drama

Por enfrente, en el edificio del Cine Trocadero (hoy propiedad de un grupo religioso), sobre el ángulo de la esquina, arriba, se ve una figura de mujer sosteniendo en sus manos una máscara de teatro griego. Es una pequeña escultura ubicada en un pretil, de estilo moderno y confección similar a las que se pueden encontrar en otras salas de cine de los años treinta, cuarenta y cincuenta.

Sala Nelly Goitiño del Sodre. Alegoría de la comedia

Cruzando Yaguarón, en la otra esquina, se alza el imponente edificio de los años veinte que fue por décadas la sede del diario El Día y hoy alberga un casino. En el pretil de la azotea, a ambos lados, parejas de niños festivos custodian pirámides truncas. Representan criaturas fantásticas de la naturaleza; tal vez los cuatro elementos, y el triángulo de vida y creación insinuado en las figuras piramidales. Son de estilo clasicista, y junto con otros elementos decorativos de esa fachada tenían como objetivo transmitir la idea de la grandeza de la prensa diaria que día a día se elaboraba en el enorme recinto, donde convivían la redacción, los talleres de armado y linotipo, y la gran imprenta.

Sala Nelly Goitiño del Sodre. Alegorías de la comedia y del drama. En el centro de la fachada hay un gran friso en bajorrelieve, donde en compleja alegoría aparecen Apolo con su lira y las nueve musas. Es un trabajo escultórico que responde al modernismo en boga promediando el siglo XX.

Caminando dos cuadras por esa misma acera norte se llega a la esquina de 18 de Julio y Cuareim. Allí luce una de las construcciones más antiguas de la avenida –de la década de 1880– que fuera residencia del dictador Máximo Santos en sus comienzos y que desde 1957 es sede del Ministerio de Relaciones Exteriores. Construido por el ingeniero Juan Alberto Capurro, es un palacete de evocación itálica, que tiene la particularidad de ser desde hace muchos años la única edificación de una sola planta en todo el trayecto de la avenida. En este caso el elemento decorativo más sobresaliente está en la enorme puerta de doble hoja, de madera tallada, con alegorías conformadas por criaturas fantásticas con aspecto de dragón que suben en espiral. Se complementan con relieves que muestran caras de viejo con aspecto leonino, que oficiarían como genios guardianes. Arriba de la puerta, presidiendo el conjunto y justo en medio de ambas hojas, se destaca la silueta de una mujer desnuda. Estudiosos de simbología han creído percibir en los elementos alegóricos de esta puerta referencias al trabajo alquímico.

Librería La Feria del Libro, en la acera sur casi Yaguarón. En los balcones del inmueble, producto de las manos de artesanos, seguramente europeos, lucen gárgolas fantásticas.

Por la misma acera y en esquina con la Plaza Cagancha, no pasa desapercibido un enorme y elegante edificio neoclásico de 1925 –proyectado por el ingeniero Trigo– que supo albergar desde 1939 hasta 1988 al legendario café Sorocabana. Su fachada principal da a la plaza, lo mismo que las puertas de sus dos cuerpos; con su decena de pisos y su buhardilla con mansarda no niega en su estilo la influencia francesa, y su imponente y reluciente cúpula centraliza desde lejos la atención. En su penúltima planta se destaca una gran cabeza sobre el arco que enmarca las ventanas centrales de la fachada hacia 18 de Julio. Y cabezas más pequeñas se asoman sobre las ventanas del entrepiso. Todos elementos decorativos habituales en edificios de apartamento de alto nivel de su tiempo.

Edificio donde estuvo el Sorocabana. Su fachada principal da a la plaza Cagancha, lo mismo que las puertas de sus dos cuerpos; con su decena de pisos y su buhardilla con mansarda no niega en su estilo la influencia francesa. En su penúltima planta se destaca una gran cabeza sobre el arco que enmarca ventanas centrales de la fachada hacia 18 de Julio. Y cabezas más pequeñas se asoman sobre las ventanas del entrepiso.

La avenida se puebla de figuras variadas

En una de las rinconadas de la plaza, hacia el norte, en esquina con Rondeau y algo alejado pero interactuando formalmente con 18 de Julio, eleva su prestancia el Ateneo de Montevideo, que combina elementos renacentistas itálicos y rasgos franceses. En este majestuoso edificio, inaugurado el 18 de julio de 1900, intervinieron los arquitectos José Claret, Julián Mazquelez y Emilio Boix. Sobre el pretil central, en línea con la puerta, se impone la enorme cabeza de Atenea, y un poco más abajo la palabra Ateneo en bajorrelieve, en griego.

Siguiendo la caminata por la principal avenida de Montevideo, en la otra esquina de la Plaza Cagancha, siempre por el costado norte, un elegante edificio de los años veinte muestra leones alados sobre el marco de su puerta de acceso, y en el primer piso aves fantásticas con sus alas desplegadas.

Dos cuadras más adelante, en la esquina con Río Negro y a mano izquierda, encontramos el característico inmueble que albergó por décadas a la que fuera la tienda más grande y famosa del Montevideo de la primera mitad del siglo XX: el London París. Construido en 1905 por el arquitecto Adams para una empresa de seguros, la Standard Life, ostenta una cúpula con columnatas y sobre ella una escultura en bronce que alegoriza a Atlas sosteniendo el mundo.

Una cuadra más adelante, cruzando Julio Herrera, está la actual sede del Museo del Gaucho y la Moneda. Conocido como Palacio Uriarte de Heber, por la matrona de la alta sociedad que a fines del siglo XIX lo mandó hacer, se inauguró como residencia en 1896 y es obra del arquitecto Massüe. De estilo neoclásico tardío con algo de romántico, en su fachada, en el pretil de planta baja, se despliegan grandes cabezas de león sosteniendo argollas en sus fauces. A ambos costados de la fachada del primer piso se ubican grandes cariátides femeninas con reminiscencias grecorromanas. El trabajo decorativo es de calidad superior, casi escultórico. Como en otros casos de petits hôtels de esa época todo llegó desde París: las puertas y ventanas, la herrería, las claraboyas, los mármoles, y también los planos y directivas del arquitecto (algo muy común entonces).

Vecino del anterior es el Palacio Brasil, donde dos figuras alegóricas portando instrumentos musicales y confeccionadas en bajorrelieve ocupan la parte superior de la fachada de planta baja. En la misma línea, pero sobre las puertas de acceso, cabezas imponentes de genios o dioses. Y siguiendo unos metros por la misma acera vemos un caserón de comienzos del pasado siglo que luce dos pequeñas y perfectas cariátides a los costados del balcón central de la segunda planta. Unas cabezas asoman por el pretil de la azotea y unas águilas con sus alas desplegadas un poco más abajo. Los balcones son de hierro labrado y tienen en sus costados pequeñas cabezas de ángeles.

Por la misma acera, luego de cruzar Río Branco está la sala Nelly Goitiño del Sodre, en el edificio que hasta los años setenta fue el Cine Eliseo. En su frente, arriba, tiene un gran friso en bajorrelieve, donde en compleja alegoría aparecen Apolo con su lira y las nueve musas. Es un trabajo escultórico que responde al modernismo en boga promediado el siglo XX.

Pérdidas y permanencias

En este recorrido hay que destacar el mantenimiento en buen estado de casi todos los edificios a que hicimos referencia. Incluso correctas restauraciones como la del arquitecto Julio Espasandín, en el caso del Palacio Uriarte de Heber, y adecuadas limpiezas de fachadas que realzan los valores arquitectónicos y decorativos. Pero es necesario también marcar lo que se ha perdido, como las decoraciones y figuras que lucía la fachada del Palacio Salvo, final de nuestro recorrido; el pretexto fue el peligro a causa de la caída de alguna mampostería desde los pisos altos hacia la calle, y se optó por lo más fácil que era eliminarlo todo, desvirtuando el espíritu barroco de la singular creación del arquitecto italiano Mario Palanti.

De todas maneras, 18 de Julio conserva en su tramo inicial y céntrico de pocas cuadras, aparte de esa variedad sincrética de propuestas arquitectónicas que fue característica común de Montevideo y Buenos Aires, una riqueza de elementos alegóricos y decorativos que merecerían –para su apreciación y goce– la eliminación de marquesinas comerciales que los esconden, los afean y los desvirtúan. Como tantas cosas, esta tarea anunciada hace veinte años por la Intendencia de la capital se viene cumpliendo con lentitud, y aún falta bastante para que se logre un objetivo que a juzgar por el tiempo transcurrido parecería una tarea faraónica.

Invitamos entonces a los lectores a realizar esta caminata en tren de paseo por 18 de Julio, apreciando la calidad del trabajo que dejaron en fachadas, en balcones y en pretiles tantos anónimos como calificados artesanos. Es parte de la identidad montevideana que nos remite a la ciudad en crecimiento, a la urbe cosmopolita de las primeras décadas del siglo pasado.

 

[Fuente: http://www.revistadossier.com.uy]

De la última novela de Alan Pauls a lo nuevo de Mercedes Halfon, varios libros se sitúan en la ciudad alemana, ideal para proyectar fantasías y deseos de extranjería, confrontar con “lo europeo” y cerrar experiencias migratorias

El mayor grafiti de Berlín, creado por la asociación Interbrigadas en 2006 para apoyar el cambio político en Latinoamérica.

Escrito por PATRICIO PRON

Las papeleras echan humo, las bicicletas y los vidrios rotos dominan el paisaje, hay restaurantes etíopes, sótanos en los que se proyecta nuevo cine esloveno, turistas japoneses y lagos en los que anticipar el verano, y la nueva novela de Alan Pauls (Buenos Aires, 1959) termina en uno de estos últimos junto con las aproximaciones a la inasible Carla que Savoy, su protagonista, ensaya durante su primera y última semana en la ciudad. El Berlín de La mitad fantasma es el de Moabit, el Sony Center y el lago Schlachtensee, pero hay muchas otras ciudades que responden a ese nombre; por ejemplo, la que cierta literatura en español lleva algún tiempo convirtiendo en superficie de proyección de fantasías y deseos de extranjería, urbanidad, confrontación con “lo europeo” y clausura de las experiencias migratorias propias y ajenas que tal vez desconcierte a sus habitantes, para los que Berlín es algunas otras cosas, no todas confesables.

La nueva novela de Pauls es producto del año de hospitalidad (y “malcrianza”, dice) que su autor pasó en la capital alemana gracias al programa de residencias artísticas del Servicio Alemán de Intercambio Académico (DAAD, por sus siglas en alemán), pero está presidida por una inadecuación que se pone de manifiesto, por ejemplo, en los zapatos para la nieve con los que su protagonista recorre un Berlín casi veraniego: están, como Savoy, fuera de lugar en “un mundo de reglas, usos y costumbres desconocidos” parecido al que el costarricense Luis Chaves (San José, 1969) narra en Vamos a tocar el agua, una crónica ligera pero no exenta de momentos significativos y poderosos del periodo que el autor y su familia pasaron allí, en 2015. “Yo me odiaba, odiaba a mi esposa porque era lo más cercano, pero odiaba también, y sobre todo, a Alemania, sus reglas y sus ciudadanos imposibilitados genéticamente de hacer excepciones, yo que vengo de la cultura de despreciar las leyes”, escribe; era la primera vez que sus hijas se subían a un avión y la primera en que la familia viajaba fuera del país en dirección a lo que para Chaves iba a ser principalmente el barrio de Friedenau, Iggy Pop y David Bowie, la Kommune 1 y Rosa Luxemburgo, una ciudad en la que el frío, el idioma y cierta rigidez alemana le recordarían que toda familia es principalmente un refugio.

Fabio Morábito muestra su perplejidad de no poder saber si la ciudad tiene río: no hay forma de orientarse

También Berlín se olvidadel mexicano Fabio Morábito (Alejandría, 1955), sigue una orientación similar y es producto de circunstancias parecidas (en 1998): comienza con la perplejidad de no poder determinar si la ciudad tiene río o no. “Un río marca una frontera natural en la conciencia de los habitantes de una ciudad y genera en ellos un sexto sentido que les permite ubicarse frente al río desde cualquier punto en que se encuentran”, escribe. No hay forma de orientarse en Berlín, las aguas del Spree no fluyen en ninguna dirección reconocible, la ciudad tiene dos centros y está plagada de huecos… Pero el metro elevado ofrece un teatro de la intimidad, los Schrebergärten o huertos urbanos son “representaciones de la Casa Soñada” y la ciudad es joven. “Al igual que los adolescentes […] Berlín transmite una sensación mezclada de desolación y de fuerza, de rudeza y de fragilidad […] da la impresión de recomenzar continuamente”.

Diario pinchado, de Mercedes Halfon (Buenos Aires, 1980), es, por el contrario, ficción. La visita de la narradora a su pareja, que reside en Berlín desde hace algunos meses gracias a una (otra) residencia artística, se convierte en una constatación de que “mucho más difícil que la distancia es la cercanía”. El Berlín de Halfon es el de Mitte, el cementerio judío de la Grosse Hamburger Strasse, el Treptower Park, la Volksbühne, el bosque de Grunewald, Walter Benjamin, la sinécdoque del “turista intenso” (“Cualquier alemán es los alemanes. Cualquier salchicha es las salchichas. Cualquier inmigrante es los inmigrantes. Cualquier esquina es Berlín”), la desorientación y el encontrar, por fin, un rumbo.

Ninguno de estos autores hace de Berlín un sitio en el que confluyan el pasado totalitario alemán y sus imitaciones en América Latina

Ninguno de los cuatro autores se inclina por hacer de Berlín el sitio en el que confluyan el pasado totalitario alemán y sus imitaciones en América Latina; pero, como escribe Graciela Wamba, la apuesta por esa confluencia está, total o parcialmente, detrás de muchos libros, entre ellos La octava maravilla, de Vlady Kociancich (1982); Hotel Edén, de Luis Gusmán (1998); Rai­ner y Minou, de Osvaldo Bayer (2001); La abuela, de Ariel Magnus (2007); Änderungsschneiderei Los Milagros (Sastrería Los Milagros), de María Cecilia Barbetta (2008); Lejos de Berlín, de Juan Terranova (2009); Lejos de dóndede Edgardo Cozarinsky (2009); Otoño alemán, de Liliana Villanueva (2019), o Decir Berlín, decir Buenos Aires, de Saúl Sosnowski (2020).

En este último, las fotografías, los espejos y los muros se alternan en la memoria de su protagonista estableciendo una identidad entre ambas ciudades, por las que, por cierto, también transitan los personajes de la segunda novela de Sosnowski (1945), El país que ahora llamaban suyo, la historia de su padre, quien emigró de Polonia a Buenos Aires; la de su hermano, que regresó a Varsovia, y la del hijo narrador, quien nació en Buenos Aires y reconstruye una historia de exilios y pérdidas, de objetos que hablan de las personas que los han utilizado y las circunstancias trágicas que debieron atravesar al tiempo que rompen la distancia entre dos lenguas, el yidis y el español, que son el único “país de para siempre” que sus personajes alcanzaron.

Al tiempo que Washington Cucurto traslada a Berlín su proyecto rabelesiano de liberación de los oprimidos en ‘El ejército neonazi del amor’ (en El curandero del amor, 2006), Ariel Magnus propone en Muñecas (2008) una historia sentimental cuya protagonista secreta es la ciudad que recorren los personajes: son las novelas más deliberadamente cómicas de la serie, pero, al igual que otras que presentan lo que Wamba llama “el alemán como el otro”, leerlas es constatar que “la linealidad del viaje de Buenos Aires a Berlín y viceversa” es solo aparente: seguimos recorriendo la capital alemana en verano con zapatos para la nieve, y esta es una magnífica noticia para los lectores.

Lecturas recomendadas

La mitad fantasma
Alan Pauls
Literatura Random House, 2021
320 páginas. 18,90 euros

Vamos a tocar el agua
Luis Chaves
Los Tres Editores, 2017 y 2021
102 páginas. 10,58 euros

También Berlín se olvida
Fabio Morábito
Sexto Piso, 2015
100 páginas. 14,90 euros

Diario pinchado 
Mercedes Halfon
Las Afueras, 2021
128 páginas. 15,95 euros

El país que ahora llamaban suyo 
Saúl Sosnowski
Paradiso Ediciones, 2021
128 páginas. Sin referencias de precio

[Foto: M.FLYNN (ALAMY STOCK PHOTO – fuente: http://www.elpais.com]

Le pays compte en son sein de nombreuses minorités, qui tentent de trouver leur place dans un ensemble dominé par les Russes ethniques.

Vladimir Poutine salue les représentants des nombreuses confessions religieuses présentes en Russie, sur la place Rouge à Moscou, le 4 novembre 2019, jour de l'Unité nationale. | Evgenia Novozhenina / AFP

Vladimir Poutine salue les représentants des nombreuses confessions religieuses présentes en Russie, sur la place Rouge à Moscou, le 4 novembre 2019, jour de l’Unité nationale. | Evgenia Novozhenina / AFP

Écrit par Sergei Fediunin 

Ce mois de décembre marque le trentième anniversaire d’un événement d’envergure mondiale: la dislocation de l’URSS. Parmi les quinze États qui en sont issus, la Fédération de Russie reste à bien des égards une exception, au-delà de sa superficie, de son poids démographique ou de son influence politique dans la région. En effet, sa trajectoire sociopolitique unique distingue également la Russie des autres ex-républiques soviétiques.

Existe-t-il une identité nationale russe? Les politiques mises en œuvre depuis trente ans n’ont pas permis d’apporter de réponse claire à cette question –particulièrement complexe dans ce pays d’une grande diversité ethnique et culturelle, et cultivant un rapport pour le moins ambigu au passé soviétique et impérial.

Un passé soviétique toujours présent

Contrairement à l’Ukraine voisine, le passé soviétique continue de fournir un ancrage identitaire fort à l’État russe. Tout comme la Biélorussie avec laquelle elle poursuit depuis vingt ans l’édification d’un «État d’union», la Russie n’a pas glorifié la sortie de la période soviétique en tant que mythe de fondation ou de renaissance nationale.

La Grande Victoire du 9 mai 1945 y est commémorée comme le principal évènement rassembleur, qui tient lieu de fête nationale, bien plus que la journée de la Russie, célébrée depuis 1992 en mémoire de l’adoption de la déclaration de souveraineté de la République socialiste fédérative soviétique de Russie (RSFSR) le 12 juin 1990, ou la journée de l’Unité nationale (ou populaire). Cette dernière est célébrée le 4 novembre depuis 2005 pour commémorer la libération en 1612, par les milices populaires, de Moscou occupée par des troupes polonaises, et la fin du Temps des troubles avec l’élection ultérieure du premier tsar de la dynastie des Romanov.

Les dirigeants actuels de la Russie, nés dans les années 1950 et 1960, ont progressivement élevé la mémoire de la période soviétique tardive –les années Brejnev (1964-1982)– au rang d’idéal normatif, celui de la «bonne» Union soviétique [khorochiï Sovetskiï Soïouz]. Pour le politologue Vladimir Gelman, il s’agit d’une image embellie du système soviétique dépourvu de ses défauts inhérents, comme les pénuries ou la violation systémique des libertés civiles. En invoquant la nostalgie de cet «âge d’or» soviétique, Vladimir Poutine et son entourage ne cessent de qualifier l’effondrement de l’URSS de «tragédie» et de «catastrophe».

Plus encore, l’Union soviétique symbolise, aux yeux des autorités russes, la puissance géopolitique d’antan que Moscou exerça sur une partie du monde de l’après-Seconde Guerre mondiale. Des références publiques à l’URSS permettent ainsi à la Russie contemporaine de justifier ses ambitions actuelles, tout en préservant son aura de grande puissance, attestée notamment par le statut de membre permanent du Conseil de sécurité de l’ONU. Cet état d’esprit, porté par le Kremlin depuis des années, fut consacré sur le plan juridique à l’occasion de la révision de la Constitution russe, en 2020, son article 67.1 stipulant désormais que la Fédération de Russie est l’«héritière», ou le «successeur en droit» [pravopreemnik], de l’Union soviétique.

La fin d’un Empire?

Contrairement aux récits historiques mis en œuvre par les autres pays postsoviétiques, la nouvelle Russie entretient un rapport ambigu à son histoire impériale. Trente ans après la chute de l’URSS et plus d’un siècle après celle de l’Empire des Romanov, la question «où s’arrête l’empire et où commence la nation?» demeure sans réponse définitive dans les débats russes. Les dirigeants de la Russie postsoviétique ont favorisé la promotion d’une lecture continuiste de l’histoire nationale, qui relie l’époque contemporaine au tsarisme et au communisme au nom du maintien d’un État fort et pérenne dans un vaste espace eurasien.

Il n’en est pas moins vrai que, même aujourd’hui, la Russie constitue un État de la taille d’un empire, quoique «diminué», qui englobe des régions autrefois réunies par conquête ou par consentement plus ou moins volontaire. Ces régions, ayant bénéficié du statut de territoires autonomes aux débuts de l’époque soviétique et appelées depuis «républiques» [respoubliki], sont des foyers à forte concentration de communautés ethniques avec leurs langues, leurs cultures et leurs mœurs, différentes de celles de la majorité ethnique du pays. Les relations entre les chefs locaux et le Kremlin évoquent le système de gouvernement impérial plutôt que fédéral, dans la mesure où l’exercice du pouvoir sans partage par ces chefs est conditionné par la déclaration d’une loyauté pleine et entière, sinon de la soumission, vis-à-vis du chef suprême: Vladimir Poutine.

Le maintien de cet espace mosaïque, qualifié par le président d’ «acte héroïque» [podvig] des Russes, représente une importante source de légitimité pour le régime politique en place. C’est au moment de la «deuxième guerre de Tchétchénie» que Poutine, fraîchement nommé Premier ministre avant de succéder à Boris Eltsine à la tête de l’État, jette les bases de son image d’homme fort capable d’endiguer la menace séparatiste et de garantir l’ordre et la sécurité pour tous. Par la suite, les dérives autoritaires du régime sont justifiées par cette stabilisation, dont l’un des objectifs serait d’éviter une nouvelle phase de désintégration du pays.

Vladimir Poutine, alors Premier ministre, et Akhmad Kadyrov, grand mufti de Tchétchénie devenu l’homme lige de Moscou dans la république à partir de 2000. Après son assassinat en 2004, son fils Ramzan Kadyrov lui succède. Il se trouve toujours à la tête de la Tchétchénie aujourd’hui et se pose en « premier parmi les poutiniens ». Itar-Tass/AFP

Toutefois, on a vu cette peur d’une dislocation de l’État s’estomper au fil des années, l’intégrité territoriale du pays «coûte que coûte» étant progressivement devenue sujet à controverse. Songeons au slogan «Arrêtons de nourrir le Caucase», lancé par des nationalistes russes au début des années 2010 et soutenu par l’opposant Alexeï Navalny pour protester contre les transferts budgétaires, jugés disproportionnés, que reçoivent les républiques musulmanes du Nord-Caucase. Un autre exemple, plus récent: le vif échange entre Vladimir Poutine et le cinéaste Alexandre Sokourov, membre du Conseil présidentiel russe pour les droits humains, qui a proposé de «laisser partir» les territoires «ne souhaitant plus vivre avec nous dans le même État» et selon les mêmes lois fédérales. Dans sa réponse, le président russe a mis en garde contre la reproduction du «scénario yougoslave» en Russie, faisant référence aux guerres ethniques qui se sont déroulées sur le territoire de l’ex-Yougoslavie dans les années 1990.

Une diversité intrinsèque

Si la construction nationale en Russie reste profondément marquée par le passé impérial du pays, les autorités cherchent à mobiliser des valeurs censées rassembler le plus grand nombre. Ce sont les valeurs patriotiques et conservatrices, ou «traditionnelles», promues par l’État et les acteurs paraétatiques, dont l’opposition parlementaire loyale au Kremlin, l’Église orthodoxe russe ou les autorités spirituelles musulmanes. Ce supposé consensus conservateur n’est pourtant pas la baguette magique qui permettrait d’outrepasser les divisions internes.

L’une d’elles est symbolisée par un écart persistant entre ethnos et demos, la communauté ethnoculturelle et la communauté de citoyens. Cette distinction est d’abord terminologique: ce qui est «russe» [rousskiï, l’adjectif relatif à la langue, à la culture et à l’ethnicité] n’est pas égal à ce qui est «de Russie» [rossiïskiï, l’adjectif relatif à l’État et au domaine public]. Mais elle reflète aussi une réalité tangible: sur près de 146 millions d’habitants du pays, trente millions environ appartiennent à des groupes ethniques (ou «nationalités») minoritaires. Une bonne partie de ces groupes se désignent comme des nations et peuvent, à certains égards, être décrits comme tels.

La diversité intrinsèque au contexte russe s’exprime également sur le plan religieux. Aux côtés d’une grande majorité de citoyens –jusqu’à 70%, soit cent millions de personnes– se déclarant comme chrétiens orthodoxes (bien qu’il s’agisse d’une identification culturelle plutôt que religieuse), 20 millions d’habitants de la Russie sont de culture ou de religion musulmane. La proportion de ces populations musulmanes est d’ailleurs susceptible de s’accroître dans les prochaines décennies, en raison des tendances démographiques et du facteur migratoire, ce qui aura des conséquences majeures sur les débats identitaires dans le pays.

La promotion de l’appartenance à une communauté des citoyens de Russie pourrait permettre de transcender ces différences ethnoculturelles. Or, en pratique, elle se heurte à la persistance d’une xénophobie «diffuse» qui vise les minorités dites visibles et couramment appelées «personnes d’apparence non slave».

Cette xénophobie n’épargne pas les citoyens de Russie ethniquement non russes, dont les représentants font systématiquement l’objet de stigmatisation et de discrimination. Les minorités, qu’elles soient autochtones ou issues de l’immigration récente (par exemple, des pays d’Asie centrale), sont les cibles d’émeutes ethniques ou raciales, comme ce fut le cas à Kondopoga, en Carélie, en 2006, ou à Biriouliovo, banlieue du sud-ouest de Moscou, en 2013.

Il est par ailleurs difficile de parler d’une communauté nationale qui adhère consciemment à l’État et à ses lois, pour reprendre la définition classique de la nation proposée par Marcel Mauss, dans un contexte où de nombreux Russes accordent une faible confiance aux institutions publiques. Ainsi, plus de 50% des interrogés ne font pas confiance à la police, aux pouvoirs régionaux et locaux, tandis que le taux de méfiance envers le gouvernement, le Parlement et les partis politiques dépasse, lui, les 60%.

Les choix ambigus des autorités russes

Ces dynamiques discordantes trouvent un écho dans l’ambiguïté des stratégies adoptées par les autorités russes pour y faire face.

D’abord, les autorités russes condamnent publiquement toute expression de xénophobie, mais contribuent en pratique à la légitimation des attitudes xénophobes via l’usage de notions comme «criminalité ethnique» ou le déploiement d’un discours anti-immigration. Par exemple, le maire de Moscou Sergueï Sobianine considère la «criminalité ethnique» comme «l’un des principaux problèmes» de la capitale russe et souhaite remplacer des travailleurs migrants sur les chantiers par des gens «d’une qualité supérieure», c’est-à-dire des citoyens de Russie issus des régions avoisinantes de Moscou.

Toutefois, depuis le début des années 2010, les autorités russes ont réprimé les groupuscules ultranationalistes et cherchent, dans le nouveau contexte géopolitique marqué par une confrontation aiguë entre la Russie et l’Occident, à canaliser la haine éprouvée par de nombreux habitants à l’égard des migrants et des minorités ethniques pour la projeter sur les pays occidentaux. En effet, l’annexion de la Crimée par la Russie en 2014, a provoqué une baisse significative de la xénophobie interne, celle-ci ayant été partiellement redirigée vers les États-Unis et l’Ukraine.

Ensuite, les dirigeants russes mettent systématiquement en valeur le discours sur la Russie en tant qu’État «pluriethnique et multiconfessionnel», en insistant sur l’égalité des citoyens d’appartenances ethniques ou religieuses diverses. Mais en même temps, aujourd’hui ils s’investissent davantage dans la promotion du terme rousskiï, et non rossiïskiï, dans l’objectif de renforcer leur politique d’influence vis-à-vis de la diaspora russe dans l’espace de l’ex-URSS, et au-delà. La décision de Vladimir Poutine de mettre fin à l’apprentissage obligatoire des langues minoritaires dans les écoles publiques situées sur le territoire des républiques autonomes contredit ce discours officiel et sème les germes de conflits futurs.

Enfin, la crise ukrainienne, dont l’issue reste indéterminée, a mis un terme définitif à l’idée d’un éventuel projet d’intégration nationale entre la Russie et l’Ukraine. La seconde s’émancipe de la première, que ce soit sur un plan politique, économique, culturel ou même spirituel –avec la création de l’Église orthodoxe d’Ukraine, en décembre 2018, rattachée au Patriarcat de Constantinople. Cette séparation de deux pays historiquement et culturellement proches pourrait donner un nouvel élan à la construction nationale en Russie, comme c’est déjà le cas en Ukraine. Cependant, depuis l’annexion de la Crimée, la Fédération de Russie se retrouve dans la situation d’un État dont les frontières sont, et resteront, contestées depuis l’extérieur du pays.

Aussi peut-on remarquer que, trente ans après la fin de l’URSS, les structures identitaires de la société russe demeurent indéfinies, et les obstacles à la consolidation nationale encore nombreux.

 

[Source : http://www.theconversation.com]

Però a pesar de l’aparent contradicció, segur que la majoria de la gent trobe raonable que l’anglès continuo sent la llengua de treball de la UE després del Brexit. De fet, és la llengua franca de les relacions internacionals. I no els és difícil entendre per què és així: Estats Units, l’excolònia britànica, continue dominant lo món en tots los aspectes. I el poder ho explique quasi tot.

Però anant a les llengües més menudetes, que es resistixen a desaparèixer entre tantes llengües de poder, d’Estat, de l’administració, etc. hi ha una cosa ben curiosa. Sabeu quines són les llengües europees no oficials a la Unió Europea que tenen més parlants? A banda del rus, per la seua influència als països de l’Est, les més parlades són la santíssima trinitat: la nostra del Matarranya, lo gallec i l’euskera. Havent passat dictadures, persecucions, prohibicions, i en lo nostre cas, inclús negant-los la dignitat de ser llengua. Lo castellà, llengua d’Estat, la parlen lo 15,1% dels europeus (5a posició), però el català el saben parlar el 2% dels europeus (15a), lo gallec, lo 0,6% i el basc, lo 0,3%. I per darrere, ja a una distància considerable, estan altres llengües també minoritzades, com lo gal·lès i el gaèlic escocès, però també altres llengües oficials de la UE, com l’estonià, el gaèlic irlandès o el maltès [Eurobarometer, 2012].

La pregunta que qualsevol impertinent considerarie pertinent és: per què nassos continuen encara mostrant vitalitat lo català, lo gallec i l’euskera, a estes altures de la història? Com és que no han corregut lo mateix camí que, per posar l’exemple més pròxim, va seguir l’occità a tot lo sud de França? L’occità, que tanta simpatia explosiva ha provocat per aquí com a «llemosí», se va parlar històricament entre la Vall d’Aran, l’Atlàntic i els Alps. I ara, ni ix als llistats. Però, com en lo cas de l’anglès a la Unió Europea, hi ha raons que expliquen per què les tres llengües minoritzades més parlades a Europa són espanyoles.

La primera raó és la més històrica: aquí ningú mai ha arribat a considerar ni el català ni el gallec com dialectes de l’«espanyol». La construcció nacional de l’Estat ni es va plantejar integrar les altres llengües com a “dialectes”, que és lo que va passar a Itàlia, integrant en una llengua única des del napolità al sicilià, o Alemanya, en lo bavarès.

La segona raó de pes és que la modernització va arribar molt més tard que als països del nord. L’alfabetització universal, l’emigració a les ciutats, la industrialització de l’agricultura, los treballs assalariats, la televisió a casa, o tantes altres ferramentes modernes que ajuden a reduir la diversitat lingüística, aquí van escomençar a operar tard. Per tant, l’Estat franquista, per més que tenie moltes ganes que tots fórem «unos», no tenie la manera de fer-ho. A diferència del Regne Unit, a on van ser ferramentes molt útils per a substituir el gal·lès o el gaèlic.

I la tercera i última raó és que aquí el patriotisme ha anat lligat sovint en processos no democràtics, principalment lo franquisme. Per contra, a França, lo francès és la base d’una suposada república d’iguals, un símbol contra el nazisme, etc. I evidentment, és més atractiva una llengua d’Estat democràtic que no una d’imposada pel feixisme.

Tres raons que poden explicar per què la trinitat de llengües resistents està a Espanya.

 

[Font: http://www.racocatala.cat]

Mani Leib (Mani Leyb, yiddish : מאַני לייב; né Mani Leib Brahinsky, russe : Мани Лейб Брагинский ; 20 décembre 1883, Nezhin, Empire russe – 4 octobre 1953, New York) était un poète de langue yiddish.

Il était l’un des huit enfants; son père vendait des fourrures, des peaux et des animaux lors de foires régionales. Sa mère a soutenu la famille en vendant des poules, des oies et des œufs. Dans A mayse vegn zikh (Une histoire de moi-même), il la décrit comme une source de rimes, de poèmes et d’épigrammes spontanés.

À l’âge de 11 ans, Leyb a quitté l’école pour être apprenti chez un bottier et comme participant à des « activités révolutionnaires », il a été arrêté deux fois alors qu’il était encore adolescent.

Il a émigré aux États-Unis à l’âge de 22 ans et s’est installé à New York City en 1906. Il a publié ses poèmes dans des journaux yiddish comme The Jewish Daily Forward. Écrivant dans les cadences du discours ordinaire, il a formé un groupe de poètes appelé Di Yunge (« le jeune »). Selon la Jewish Virtual Library, les poèmes sonores de Leib ont attiré une attention renouvelée sur la langue yiddish grâce à leur utilisation habile de allitération et répétition. « Ces poèmes se sont révélés controversés et ont été parodiés par Moyshe-Leyb Halpern en 1910 ; les deux, prétend-on, sont devenus rivaux.

Mani Leib a également écrit sur les enfants. Son classique, Yingl Tsingl Khvat, a été illustré par le maître d’avant-garde russe El Lissitzky.

Il a travaillé toute sa vie à fabriquer des chaussures et des bottes, et il fait référence à sa profession dans le poème « Je suis ». Il a contracté la tuberculose et a vécu dans un sanatorium pendant deux ans. Il n’a jamais perdu sa foi en « la capacité de la poésie à transformer le banal en divin ».

Sa réputation n’a cessé de croître après sa mort, lorsque son œuvre a été publiée: Lider un Baladn (Chants et ballades) en 1955 et Sonetn (Sonnets) en 1961. Lider un Baladn a été réimprimé en 1963 avec des traductions parallèles en hébreu par Shimshon Meltzer, et une introduction par Itzik Manger. Le deuxième volume de Lider un Baladn contient une brève autobiographie.

 

[Source : france2.wiki]

L’histoire des Juifs du Liban est celle d’un déchirement empreint de nostalgie, d’un amalgame qui a eu raison de leur présence, d’une marginalisation qui continue de les poursuivre, mais aussi d’une affection pour un pays qui les reconnaît, sur le papier, comme les siens, raconte Daraj.

Une pierre tombale emportée par un glissement de terrain suite à des intempéries dans le cimetière juif de Beyrouth, au Liban, le 26 décembre 2019.

Écrit par Mariam Seifeddine

[Photo : ANWAR AMRO / AFP – lisez l’intégralité de cet article sur https://daraj.com/en/82977/»

Laurent Cantet dissèque avec sa subtilité habituelle les différentes facettes de l’identité, à travers le sujet des débordements sulfureux sur les réseaux sociaux et le récit d’une dégringolade

Écrit par Fabien Lemercier

« Tu te rends compte de ce que tu as écris, quand même ? Les messages qui sortent, c’est immonde ! », « J’ai plus de 200 000 abonnés qui me suivent et personne ne m’a jamais rien dit », « La provocation, c’est dans l’air du temps », « On ne peut pas défendre l’indéfendable ». Dans l’univers parallèle de réseaux sociaux devenus un carburant médiatique quasi incontrôlable et un espace de confrontation d’opinions d’une violence délétère dopée par l’anonymat possible, s’enchevêtrent dans la plus pure anarchie liberté d’expression, culture du clash et propagation de la haine. C’est au cœur de la complexité de ce malstrom hyper contemporain que plonge Laurent Cantet avec Arthur Rambo [+] (le 8e long du cinéaste français, Palme d’Or en 2008), présenté dans la compétition Platform du 46e Festival de Toronto (et en route pour le 69e Festival de San Sebastián).

Ce sujet passionnant, le réalisateur l’étudie méticuleusement et avec son intelligence coutumière en évitant soigneusement les partis pris (ce qui n’était pas évident avec des thématiques où le jugement moral instinctif est le réflexe le plus naturel), au gré de variations subtiles, mais en donnant à l’ensemble une rythme intense (sur 48 heures) à travers le parcours emblématique d’un jeune homme en pleine ascension sociale dont les côtés Dr Jekyll et Mr Hyde éclatent au grand jour dans une atmosphère de tempête et de naufrage. Un miroir toxique individuel subitement révélé qui est également le reflet déformé de plusieurs fractures bien réelles traversant la société française.

30 000 exemplaire en rayon, plus 15 000 à suivre et une réimpression en suspens : en librairie depuis quelques semaines, le roman Débarquement de Karim D. (un très bon Rabah Naït Oufella) est l’événement du moment, offrant un regard nouveau et pertinent sur les banlieues, l’immigration et l’intégration. Coqueluche des médias, le jeune homme poursuit dans les cercles littéraires parisiens une ascension vers la célébrité initiée avec sa populaire web TV. Mais alors qu’on le fête et que mêmes les portes du cinéma s’entrouvrent, un ouragan surgit. Des centaines de tweets racistes, antisémites, homophobes, misogynes, etc., à l’humour noir abject qu’il a postés les années précédentes sous le pseudonyme d’Arthur Rambo refont surface, suscitant instantanément des réactions en chaîne démultipliées de condamnation, mais aussi d’exploitation politique, des fans de base aux plus grands médias nationaux. Pris dans la tourmente, Karim D. va devoir répondre à son éditeur, à ses amis parisiens, à ses proches de banlieue, à sa famille, à ses admirateurs se sentant trahis, et surtout à lui-même à la question centrale de l’affaire : pourquoi ?

Librement inspiré de l’histoire du chroniqueur radio Mehdi Meklat, le scénario tissé par Laurent Cantet, Fanny Burdino et Samuel Doux explore méthodiquement toutes les ramifications de la double personnalité de cet Icare se brûlant les ailes au feu de la quête de la notoriété et du buzz, et de l’ambition de franchir des frontières sociales figées. Tenant très habilement l’équilibre (ce qui n’allait pas de soi) entre la nette réprobation du contenu des tweets haineux et un minimum d’empathie pour le personnage principal, le film (mis en scène avec une sobre maîtrise et utilisant avec beaucoup d’efficacité les incrustations de textes et les injections sonores) pose un regard très instructif sur une trajectoire cathartique symbolisant parfaitement une modernité chaotique, au croisement du rouleau-compresseur univoque et de la prolifération désorientée.

Produit par Les Films de Pierre, et coproduit par Memento Films Production et par France 2 CinémaArthur Rambo est vendu à l’international par Playtime.

[Source : http://www.cineuropa.org]

Depuis quelques décennies, la « question de l’immigration », devenue centrale dans la vie publique, n’a pas manqué de nourrir l’univers du cinéma français. Témoin des enjeux de son temps, le septième art offre des mises en scène de la diversité culturelle qui permettent de saisir le rythme des évolutions du statut de l’immigré au sein de la société française de la période des années 70 à nos jours. 

Image du film Le thé au Harem d'Archimède, de Medhi Charef (1984)

Image du film Le thé au Harem d’Archimède, de Medhi Charef (1984)

Images de détresse d’un sous-prolétariat

Parmi les quelques films mettant en scène des immigrés, on ne trouve que l’image furtive d’un individu rejeté, soumis à de dures réalités entre lieu de travail et lieu d’habitation, figé dans des attitudes stéréotypées.

Après mai 68, plusieurs films assez confidentiels abordent le thème de l’immigration à partir du monde du travail (voir Michel Cadé, L’Ecran bleu, la représentation des ouvriers dans le cinéma français, Presses universitaires de Perpignan, Perpignan, 2004).

Mektoub ?, réalisé par Ali Ghalem en 1969 narre les tribulations d’un Algérien dans l’Hexagone : pauvre, analphabète, Ahmed Chergi débarque à Paris, découvre le bidonville de Nanterre, la queue à l’embauche, le contrôle sanitaire, la quête d’une chambre pour se loger, la méfiance, les tracasseries administratives et policières.

Affiche du film Soleil O

Deux films du cinéaste mauritanien Med Hondo, Soleil Oen 1970 et Bicots-nègres, vos voisins en 1973 dénoncent la domination néocolonialiste de la France sur les travailleurs immigrés, notamment en matière de logement. En 1971, parmi les films sélectionnés par la Semaine de la critique au festival de Cannes, figure El Ghorba réalisé par Annie Tresgot : mêlant narration et entretiens sur fond d’images de la vie laborieuse des Nord-Africains, ce film s’apparente à un reportage réalisé selon la méthode du cinéma direct. Dans Les Ambassadeurs (1975) de Naceur Ktari, les travailleurs tunisiens, rejetés, vivent en groupe dans un quartier périphérique d’une grande ville.

Le meurtre raciste de deux d’entre eux suscite une prise de conscience qui prend la forme d’une manifestation inquiète de plusieurs dizaines de migrants demandant droits et dignité. Désarroi tout aussi évident dans le film de Jacques Champreux, Bako, l’autre rive (1979) qui relate l’odyssée tragique d’un jeune Malien. Bako est le nom de code de la France pour les Africains candidats à l’immigration clandestine. Sans papiers ni contrat de travail, il doit subir les pires humiliations, la fatigue, le découragement. Il passe la frontière en franchissant un torrent glacé et arrive à Paris tellement épuisé qu’au petit matin, on le découvre mort dans un escalier.

Affiche du film Les Ambassadeurs

Tous ces films insistant sur la détresse des étrangers son peu diffusés. En 1974, le relais est pris dans le cinéma « grand public » dans une scène de Peur sur la ville d’Henri Verneuil. Jean-Paul Belmondo, le commissaire et héros du film, procédant à une perquisition dans un bistrot sordide de la banlieue ouest de Paris, découvre, médusé, dans la cave de cet établissement, plusieurs dizaines de migrants clandestins, dans des conditions épouvantables, logés par le patron devenu « marchand de sommeil ».

Dupont Lajoie, la révélation d’une France raciste

Affiche du film Dupont Lajoie

S’il est un film qui a suscité un vaste questionnement sur le racisme, Dupont Lajoie, réalisé par Yves Boisset réalisant plus d’un million d’entrées en 1974, est bien celui-là.

Le scénario s’articule autour du racisme ordinaire de familles issues de la classe moyenne, susceptible d’engendrer un drame. Georges Lajoie (Jean Carmet), commerçant parisien, « franchouillard » et jovial, ne supporte pas les Arabes. Comme chaque année lors des vacances d’été, Lajoie part avec femme et enfant dans leur villégiature, un camping de Sainte-Maxime, où il y retrouve des amis. Tout serait parfait cette année-là, si ce n’est, non loin du camping, la présence dérangeante d’un chantier employant des Nord-Africains.

Une première altercation se produit pendant le bal du camping, lorsque Lajoie s’en prend à ces travailleurs qui dansent « trop près des femmes« . Puis, un incident tragique précipite les choses : Lajoie aperçoit la fille de l’un de ses amis qui profite du soleil dans un coin isolé. Pris de démence, sans préméditation, il tente de l’embrasser et, face à sa résistance, la viole et la tue. Pour se disculper, il transporte à la hâte le corps près des baraquements des immigrés pour faire croire que le crime a été commis par les Arabes. Le drame se noue. Ses amis, désemparés mais aussi racistes que lui, le croient volontiers. La nervosité gagne le camping : une expédition punitive s’organise contre les immigrés sous la houlette de Lajoie. L’un d’entre eux est tué dans la bagarre. Le commissaire chargé de l’enquête découvre qu’il s’agit bien d’un crime raciste, mais, sur ordre du ministre de l’Intérieur, il est contraint d’étouffer l’affaire. Georges Lajoie, de retour à Paris impuni, sera peu après assassiné par l’arme vengeresse d’un frère de la victime.

Yves Boisset délivre un message efficace contre les préjugés : sans nuance, il invite à réfléchir sur le racisme ordinaire qui ronge la France.

Malgré quelques critiques sur son manichéisme, le succès du film est immédiat. Avec Dupont Lajoie, par effet de miroir, l’opinion prend conscience de l’ampleur des discriminations, repérables dans les moindres faits de la vie quotidienne. Le film bénéficie d’une telle notoriété qu’il connaît une seconde carrière à la télévision, chaque rediffusion occasionnant un questionnement sincère mais angoissé sur le racisme.

Incompatibilités culturelles et délinquance

Affiche du film Elise ou la vraie vie

Inimitiés, échec de la mixité à cause de conflits culturels, vols ou meurtres : les images négatives de l’immigré reposant sur des stéréotypes tenaces sont nombreuses au cinéma. Certains films abordent timidement le problème des unions mixtes. La plus connue est l’adaptation d’un roman de Claire Etcherelli publié en 1967, Élise ou la vraie vie, par le cinéaste Michel Drach en 1969 : la jeune Élise Letellier, provinciale issue d’une famille pauvre, s’installe à Paris en pleine guerre d’Algérie. Elle trouve un emploi dans une usine où elle rencontre Arezki, ouvrier algérien. Ils tombent amoureux. Mais Arezski, militant du FLN, est arrêté par la police et disparaît sans laisser de traces. Le scénario repose sur l’évolution d’une union mixte qui s’avère impossible dans un contexte historique et social bien particulier.

Affiche du film Pierre et Djemila

Deux décennies plus tard, insistant volontairement sur les incompatibilités culturelles, Pierre et Djemila, réalisé par Gérard Blain en 1987 et présenté au festival de Cannes en compétition officielle, narre l’amour impossible d’un Français et d’une jeune fille issue de l’immigration : passionnée pour un jeune apprenti géomètre, l’adolescente, fille d’émigrés algériens vivant dans une cité HLM du nord de la France, tente en vain de se dégager du veto de sa famille et du poids des traditions. En effet, les barrières culturelles sont trop lourdes et l’union se révèle totalement impossible. Une vive polémique accompagne la sortie du film et sa projection à Cannes : Gérard Blain, idéologiquement proche de la Nouvelle droite, est accusé de racisme.

L’image de l’immigré bandit ou proxénète se retrouve dans la plupart des films policiers produits au début des années 80 tels La balance, de Bob Swaim (1982) ou Les ripoux (1984) de Claude Zidi. Le gang tunisien de la drogue des frères Slimane est démantelé dans Police de Maurice Pialat (1985), tandis que dans Tchao pantin de Claude Berri (1983), Spécial police de Michel Vianney (1985), les petits délinquants sont souvent des Maghrébins. En 1984, Sergio Gobbi présente dans L’Arbalète des malfaiteurs noirs, arabes et vietnamiens se livrant à une guerre des gangs sans pitié et faisant régner la terreur à Belleville.

Affiches de films

La banlieue, outre les conditions difficiles d’habitation, apparaît comme un terrain d’expression de la délinquance. Depuis les rodéos des Minguettes à Vénissieux en 1981, elle est présente dans la plupart des films qui mettent en scène les « secondes générations ». Le Thé à la menthe, d’Abdelkrim Bahloul (1985), brosse le portrait d’un fils d’Algérien vivant de combines à Barbès. Mais, le film le plus emblématique de cette génération, Le thé au harem d’Archimède de Mehdi Charef (1984), grand succès avec plus de 500 000 entrées, propose une chronique sociale de la vie quotidienne de jeunes de toutes origines en cité HLM.

Scènes d’intégration dans les années quatre-vingt

Affiche des films Le Thé à la menthe et Le thé au harem d'Archimède

La figure de l’immigré peut être aussi positive. Respect des valeurs nationales, amitiés, gestes de solidarité sont présents dans les films mettant en scène des immigrés.

L’amitié entre un Français et un « Beur » a été symbolisée en 1983 par Tchao pantin. Dans un univers de délinquance et de drogue, dur et violent, Lambert, interprété par Coluche, pompiste alcoolique et solitaire, s’attache à un jeune d’origine maghrébine (Richard Anconina). Entre les deux hommes se noue une relation douloureuse et profonde.

Majdid, dans Le Thé au harem d’Archimède ou Hamou, dans Le Thé à la menthe, parlent parfaitement le français et refusent même de s’exprimer en arabe, au grand désespoir de leur famille. Les deux jeunes se « débrouillent » comme ils peuvent pour obtenir leur place au sein d’une société qui ne fera pas de cadeau. Les jeunes issus de l’immigration partie prenante du paysage social, sont présents dans de nombreux films sur la jeunesse comme Le grand frère, de Francis Girod (1982), P’tit con, de Gérard Lauzier (1983) ou encore Laisse béton, de Serge Le Péron (1983).

Dans Marche à l’ombre, de Michel Blanc et Patrick Dewolf (1984), c’est auprès de squatters africains d’un immeuble insalubre que deux amis, perdus dans leurs rêves, pourront « faire une pause dans leur vie« , dans un contexte de fraternité chaleureuse. La smala, de Jean-Loup Hubert (1984), met en scène la réalité du métissage par l’union mixte : Victor Lanoux y incarne un père de famille, chômeur aux Minguettes, que les infidélités de sa femme ont doté de cinq enfants de toutes origines.

Affiche du film Black micmac

La sympathie pour les Africains s’est encore plus révélée à l’occasion de la sortie de Black micmac. Réalisé par Thomas Gilou en 1986, le film est un gros succès commercial avec plus de 800 000 entrées. Un représentant de la protection sanitaire plutôt maladroit (Jacques Villeret) enquête dans la perspective de la destruction d’un foyer insalubre de Paris occupé par des Africains. Au terme de nombreuses péripéties, marabouté et séduit, le fonctionnaire renonce à exécuter sa mission. Dans Les keufs (1987), Josiane Balasko décrit les rapports tumultueux entre une « femme-flic » qu’elle incarne et un commissaire noir (Isaac de Bankolé). Les deux héros épris l’un de l’autre décident finalement de vivre ensemble.

En 1989, Coline Serreau, dans Romuald et Juliette, met en scène un couple mixte : une femme de ménage noire, mère de cinq enfants (Firmine Richard) redonne goût à la vie à un PDG (Daniel Auteuil) grugé par les siens. Puis, Métisse (1993), réalisé par Mathieu Kassovitz raconte l’histoire de la jeune Lola et de ses deux amants, l’un blanc, juif et pauvre, l’autre noir, musulman et riche. Enceinte, Lola ne sait pas qui est le père, mais, après diverses brouilles, les deux hommes se retrouvent au chevet du nouveau-né.

Rôles plus complexes, thèmes diversifiés

Affiche du film L'autre côté de la mer

Avec les années quatre-vingt-dix et deux mille, si la « question de l’immigration » continue d’agiter l’opinion, un nombre croissant de films mettent en scène des personnages « immigrés » avec davantage d’épaisseur psychologique. C’est notamment le cas de L’autre côté de la mer (1996) de Dominique Cabrera : un Pied-noir (Claude Brasseur), quitte Oran et arrive pour la première fois en France afin d’y subir une opération. La relation ambiguë qu’il noue avec son chirurgien Tarek Timzert (Roschdy Zem), enfant d’Algériens, rappelle les tourments de la décolonisation.

Drôle de Félix (1999), d’Olivier Ducastel et Jacques Martineau offre l’occasion à Sami Bouajila de jouer le rôle d’un fils de migrants, homosexuel, séropositif, et chômeur qui vit a Dieppe.

Les personnages féminin ne sont pas en reste : Samia (1999), réalisé par Philippe Faucon présente une adolescente d’origine maghrébine (Lynda Benahouda) qui vit à Marseille. Décidée à vivre sa vie, elle résiste au verrou familial que représentent ses parents immigré et son grand frère, pour trouver sa place dans la société.

Affiche des films Drôle de Félix et Samia

Grand succès populaire avec plus de 6 millions d’entrées, Taxi (1998) et ses suites, réalisé par Gérard et produit par Luc Besson, met en scène à Marseille un Français du nom de Daniel Moralès interprété par Samy Naceri, acteur d’origine algérienne, qui par ses talents de pilote, aide la police à déjouer des complots.

Ces films présentent une vision plus profonde des français issus de l’immigration. La question n’est plus tellement de savoir si elles sont intégrées ou pas, mais plutôt de s’interroger sur la capacité de la société de leur donner les conditions pour vivre sans être perpétuellement assignées à leur origine. Les scénarios proposés oscillent entre des réalités qui n’ont rien de différent de celle des Français « de souche » et des situations spécifiques liées à leurs origines ethniques.

Certains réalisateurs issus de l’immigration connaissent une grande notoriété. Ainsi, Rachid Bouchareb créée l’événement avec le succès et les polémiques autour de Indigènes en 2006 puis Hors-la-loi en 2010 qui évoquent le passé colonial de la France. Dans un autre style, Abdellatif Kechiche avec L’Esquive (2004) évoque des lycéens de la banlieue parisienne répétant une pièce de Marivaux pour la classe de français. Bien que tourné avec des acteurs débutants et un budget réduit, le film remporte quatre Césars en 2005. Abdellatif Kéchiche est à nouveau salué par la critique en 2006, lorsque dans La graine et le mulet il narre le parcours d’un ouvrier d’origine maghrébine désirant se reconvertir dans le métier de restaurateur sur le port de Sète.

Affiche du film L'esquive

Affiche du film IndigènesEn quatre ou cinq décennies, la figure cinématographique initiale du migrant sous prolétaire, « bouc émissaire » a beaucoup évolué : l’imaginaire collectif autour de l’immigré s’est largement diversifié et enrichi. Réalisateurs français, étrangers ou issus de l’immigration ont progressivement façonné un personnage ou plutôt des personnages incontournables dont les traits sont de moins en moins figés dans le paysage du septième art en France.

Le grand succès de certains acteurs comme Jamel Debbouzze dans Astérix et Obelix aux Jeux Olympiques (2008) et dans Sur la piste du Marsupilami (2012), atteste d’une définitive mutation : les acteurs d’origine immigrée peuvent désormais jouer tous les rôles.

Yvan Gastaut, maître de conférences à l’Université de Nice Sophia-Antipolis – Laboratoire URMIS.

[Source : http://www.histoire-immigration.fr]

O secretario xeral de Política Lingüística participou hoxe na presentación deste documental, dirixido e producido por Xan Leira

O secretario xeral de Política Lingüística, Valentín García, participou esta tarde na presentación do documental Buenos Aires, a capital do libro galego no exilio. O traballo audiovisual –guionizado, dirixido e producido por Xan Leira– conta co apoio da Xunta de Galicia e ofrece un repaso polo traballo da colectividade na diáspora para manter viva a edición en galego.

O representante da Consellería de Cultura, Educación e Universidade saudou un documental “que pon en valor o papel de emigrantes e exiliados na promoción da nosa lingua e literatura en América durante o século XX, algo do que todos oímos falar, pero que, en realidade, non adoita ter a visibilidade e o recoñecemento que merece”. “E o máis interesante”, sinalou o secretario xeral de Política Lingüística, “é que ese empeño por darlle vida á lingua galega en América segue vivo hoxe en día , algo do que dan fe as voces de galegos e galegas das novas xeracións que se recollen neste documental”.

Canda Valentín García participaron nesta presentación, que acolleu a Biblioteca Pública de Santiago Ánxel Casal, o director do proxecto, Xan Leira, e o académico e escritor Xosé Luis Axeitos, participante no audiovisual.

O libro galego no exilio

A cidade de Bos Aires foi, durante as seis primeiras décadas do século XX, un centro de produción artística e intelectual galega. Isto quedou patente na edición de boletíns asociativos, revistas e libros a través das entidades emigradas, exiliados e mecenas, do que se dá boa conta no audiovisual.

Buenos Aires, capital do libro galego no exilio recupera e presenta, en apenas 57 minutos, a historia da produción editorial en lingua galega que se desenvolveu na capital arxentina durante os primeiros 60 anos do século pasado. O audiovisual reconstrúe este feito histórico con testemuños de protagonistas ou investigadores daqueles feitos como Xesús Alonso Montero, Xosé Luís Méndez Ferrín, Xosé Luis Axeitos ou os xa desaparecidos Xosé Neira Vilas, Maruxa Seoane, Isaac Díaz Pardo, Francisco Fernández del Riego, Arturo Cuadrado ou Mariví Villaverde, entre outros persoeiros. Tamén teñen cabida as voces das novas xeracións de galegas e galegos da diáspora, o que lle confire unha perspectiva actual a estes sucesos.

Un traballo do guionista, produtor, director e escritor Xan Leira (Bos Aires, 1955) que ten centrada a súa obra na recuperación da memoria histórica de Galicia, fundamentalmente nos eidos da II República, a Guerra Civil, o Exilio, a diáspora galega e a lingua galega. Sobre estes e outros temas ten producido, dirixido e escrito máis de 40 filmes documentais e máis de 100 horas de televisión.

 

[Fonte: http://www.lingua.gal]

La autora aventura la segunda vuelta de las presidenciales francesas será un duelo entre Macron -que podría declararse candidato hacia febrero o marzo-y un representante de la derecha más radical

El presidente francés, Emmanuel  Macron.

El presidente francés, Emmanuel Macron

Escrito por  

Con la elección de Valérie Pécresse como candidata de Les Républicains a la presidencia de Francia se dibuja ya claramente el que será el panorama electoral de unas elecciones que, sin duda, son un claro indicador de la situación actual de la política en Europa. O más concretamente, del cada vez más evidente distanciamiento de los ciudadanos de las instituciones y del corazón de lo que representa la acción política.

Las primarias de Les Républicains, que se han celebrado las dos últimas semanas, son un interesante termómetro del estado de ánimo político y social en el país vecino. Los candidatos a priori favoritos, los perfiles más de hombre de Estado, Michel Barnier y Xavier Bertrand, ni siquiera alcanzaron la segunda vuelta. El vencedor inesperado de esa primera vuelta fue Eric Ciotti, el candidato con un discurso más radicalmente de derechas. El relato de Ciotti tiene muchos puntos en común con el de Éric Zémmour, ese expolemista transformado en centro de todas las polémicas electorales. Con él coincide en cuestiones como eliminar el ius solis, es decir, el derecho a obtener la nacionalidad francesa por haber nacido en suelo francés, reforzar la seguridad, o crear un Guantánamo a la francesa en el que ubicar a aquellos sujetos considerados peligrosos que atenten o puedan atentar contra Francia.

Tras Ciotti, se clasificó para la segunda vuelta Valérie Pécresse, una mujer con amplio recorrido político y amplia experiencia en gestión pero que no hace tanto, en 2019, renegaba de Les Républicains e intentaba crear su propio movimiento para refundar la derecha francesa. Con un perfil en principio más moderado, finalmente, ante el empuje de Ciotti, se ha desplazado hacia posiciones más duras, por ejemplo, apoyando la idea de la desaparición del ius solis y endureciendo su discurso en lo referente a seguridad.

Aunque Ciotti ha jurado y perjurado que apoyará siempre la elección Pécresse y que no traicionará a su familia política, lo cierto es que el escenario que queda en la derecha francesa merece ser seguido con atención. Por un lado, Marine Le Pen, que continúa en su línea tradicional de nacionalismo francés excluyente, lucha contra la inmigración y amenazas de desvincularse de Europa. Por otro, Éric Zemmour, a quien los sondeos dan resultados de hasta un 18%, lo que le posiciona con opciones para pasar a la segunda vuelta, y que presentó este fin de semana su movimiento Reconquête (Reconquista) en un mitin en el que consolidó su gran línea argumental, la del gran reemplazo, es decir, la de la desaparición de lo francés –y de los franceses– por el efecto de la llegada de la inmigración. Un discurso que no es solo propio de la extrema derecha francesa, pero que Zemmour ha sabido personificar gracias a la coherencia con sus escritos y declaraciones en su faceta de polemista y gracias, también, a usar un cierto aire nostálgico gaulliano en alguna de sus apariciones.

Con estos dos contendientes a la derecha de la derecha, lo que hagan los votantes de Les Républicains que optaron por Ciotti (un 39%) será clave. Zemmour, por ejemplo, ya los está cortejando, a través de una carta abierta en la que le invita al perdedor de la primaria de LR a unirse a Réconquête y a trabajar juntos por unas propuestas que comparten en gran medida. Pécresse, por su parte, tendrá que conseguir la cuadratura del círculo si quiere tener posibilidades. Tendrá que ganarse a los electores más radicales, los que han votado a Ciotti, que podrían decantarse por Zemmour o Le Pen y, a la vez, satisfacer a los electores más moderados, aquellos que en las elecciones de 2017 se decantaron por las propuestas de Emmanuel Macron, atraídos por la moderación y el centrismo. Sin duda, un trabajo de precisión en el que cualquier desliz puede ser fatal.

En el otro fiel de la balanza, una izquierda clásica muy debilitada en la que ni siquiera aupar a una mujer popular y carismática como Anne Hidalgo a la candidatura presidencial parece poder salvar, y un partido ecologista que puede perfectamente dar un sorpasso al PS y posicionarse por delante incluso la France Insoumise de Jean-Luc Melénchon. Los verdes, con Yannick Jadot como candidato presidencial y la ecofeminista Sandrine Rosseau como contrapunto para satisfacer a las posiciones más radicales, han sabido mediatizar adecuadamente su campaña y ocupar un espacio comunicativo que, unido a sus buenos resultados en las municipales donde ganaron en grandes ciudades como Lyon, Burdeos, Tours o Grenoble, pueden convertirlos en un incómodo compañero de viaje para la izquierda más tradicional.

Hoy por hoy, el panorama parece indicar que la segunda vuelta de las presidenciales será un duelo entre Macron –que aún no se ha declarado candidato, pero que, como casi todos los candidatos-presidentes suelen hacerlo más tarde, hacia febrero o marzo– y un representante de la derecha, más que probablemente, de la derecha más radical.

Si así sucede será interesante ver qué pasará entre el 10 y el 24 de abril, es decir, en el periodo entre las dos vueltas. Aunque una alianza Zemmour-Le Pen parece, en estos momentos, poco probable, dependerá de si vence el ego o la sed de gobernar. Si es lo segundo y ambos llegan a un acuerdo, por ejemplo, repartiéndose la presidencia y el cargo de primer ministro, podríamos encontrarnos ante un duelo Macron contra la extrema derecha francamente complicado, ya que se sumarían las fuerzas de los Le Pen y Zemmour –según los últimos sondeos de Harris y de Ifop podrían acumular un 35% del voto fácilmente–, y añadirse parte del voto de Les Républicains, sobre todo ese 40% aproximadamente de votantes de derecha que le apoyaron en la segunda vuelta de las primarias.

Más allá del análisis puramente político o de la mayor o menor inquietud que estas probabilidades puedan despertar, la clave de la interpretación de estos posibles resultados está en un sistema de partidos que no está satisfaciendo las expectativas de los ciudadanos, hasta el punto de que estos prefieren arriesgarse a opciones menos consolidadas, más espectaculares, más basadas en promesas que en la garantía que deberían suponer las estructuras clásicas. Que una sociedad interesada en política por encima de la media como la francesa y con una larga tradición de reivindicación y de acción esté en proceso de enfrentarse a esta disyuntiva tiene que hacer reflexionar sobre qué ofrece el sistema de partidos políticos a los ciudadanos hoy en día y desde qué nuevas perspectivas debe afrontarse la elección de responsables políticos para ser capaces de responder a las expectativas de los pueblos y poder desarrollar, realmente, liderazgos que vuelvan a recuperar la confianza en la democracia.

Bethlem Boronat es doctora en Periodismo (Comunicación Política) y Profesora en EAE Business School.

 

[Foto: JOHANNA GERONREUTERS – fuente: http://www.elmundo.es]