Archives des articles tagués Neologismos

far

Primera documentació: 21/07/1997

Tipus semàntic
Contextos
A Guardiola se l’espera amb admiració, malgrat que Alemanya, i el Bayern de Heynckes, sobretot, s’ha convertit aquesta temporada en el far del futbol europeu perquè ha destronat, precisament, els blaugranes amb un cruel 7-0 en la semifinal europea, encadenant Lliga, Copa i Lliga de Campions. [El Periódico, 24/06/2013]
Malgrat que el president Donald Trump sosté ferma la seva mà de ferro al seu Twitter, intimidant qualsevol del seus que gosi criticar-lo, alguns càrrecs republicans han començat a plantejar-se el futur del partit sense el far de Trump. [La Vanguardia, 4/08/2020]
Observacions
A partir de la primera accepció de far, ‘torre amb una llanterna al cim edificada en indrets ostensibles de les costes, o en un escull, perquè serveixi de referència als navegants tant de nit com de dia’ (DIEC2), els parlants han generat una ampliació de significat en què el far esdevé metafòric i s’aplica a la persona que serveix de guia o que il·lumina, figuradament, una situació complexa. Per tant, el far és la referència que prenen els altres a l’hora de comportar-se, prendre decisions o actuar.

 

 

[Font: neolosfera.wordpress.com]

 

Primera documentació: 1/09/2008

Tipus
manlleu de l’anglès
Contextos
Un cop desembarcat, vaig anar descobrint, al ritme lent del tuk-tuk, una ciutat encantadora que els temples revestien d’una pàtina sagrada, amb un tel de colonialisme francès. [Ara28/07/2015]
L’avinguda és un bullici de gent: hi ha botigues improvisades al carrer que serveixen cafè, te o menjar, conductors de tuk-tuks que et porten de franc i molts punts d’atenció sanitària que s’han convertit en una mena de petits museus dedicats a les víctimes. [Ara, 18/11/2019]
Observacions
El tuk-tuk és la denominació que rep en alguns països del món la versió motoritzada dels bicitaxis o rickshaws. Així, tenen la mateixa estructura que aquests últims, però inclouen un motor: són vehicles lleugers de tres o quatre rodes (normalment tenen una roda maniobrable davant i dues de motrius al darrere) destinats generalment al transport de passatgers. El tuk-tuk és originari del Japó, però es va popularitzar en altres països asiàtics, com ara Tailàndia, que és el lloc d’on prové la denominació onomatopeica tuk-tuk, que imita el soroll que feien els primers motors que van portar aquests vehicles. Actualment es fan sevir a països de tot el món i, tot i que poden servir per transportar mercaderies si la part posterior es condiciona específicament, en general serveixen com a taxis en zones amb molta congestió de trànsit o com a vehicles turístics per fer rutes per les ciutats.

 

 

[Font: neolosfera.wordpress.com]

Escrito por Angelo Mestriner

Trisal é um termo utilizado para designar o relacionamento público estabelecido entre três pessoas que pode ter a qualidade de namoro ou propósito de constituir uma família.

A relação de um trisal se assemelha à relação de um casal, a diferença é que existe mais uma pessoa para compartilhar as alegrias, as vitórias e também as tristezas. Enfim, tudo é feito geralmente a três pessoas. Os três tomam decisões conjuntas.

Essa nova configuração de relacionamento entre três pessoas tem quebrado tabus diante do modelo clássico dual de relacionamento.

O ordenamento jurídico reconhece somente o casamento e a união estável entre duas pessoas como modelos tradicionais de constituição de uma família, prevalecendo a monogamia como atributo destes tipos de relações.

Nesse sentido, não existe nenhuma regra específica no ordenamento jurídico brasileiro de constituição de uma família formada por meio de um relacionamento entre três pessoas.

O CNJ (Conselho Nacional de Justiça), inclusive, em 2018, recomendou aos cartórios que suspendessem o registro de qualquer tipo de documento que declare a união estável de três pessoas (trisal) ou mais.

Com base nesse entendimento adotado pelo CNJ, a primeira conclusão à que se chega é de que atualmente a figura do trisal não é reconhecida juridicamente, de modo que essas pessoas não terão direitos reconhecidos para fins de partilha de bens na hipótese de dissolução desse relacionamento, herança no caso de morte ou mesmo de direitos previdenciário, por exemplo.

De todo modo, nada impede que os trisais possam buscar o reconhecimento da família por meio de ações judiciais no Poder Judiciário.

Esse tipo de assunto provavelmente chegará ao Supremo Tribunal Federal, que terá que decidir, à semelhança do que aconteceu quando em maio de 2011 (ADI nº 4277 e a ADPF nº 132) o STF reconheceu a união estável homoafetiva e, em outubro de 2011, o STJ determinou que o mesmo princípio se aplicava ao casamento.

De todo modo, até que as entidades resolvam realizar uma análise / discussão mais profunda sobre esse fenômeno, uma medida que o trisal pode tomar para resguardar seus direitos no campo patrimonial, quando possível, seria registrar escrituras de imóveis conjuntas ou constituir empresas (tal como ocorre para casais que buscam blindar o patrimônio por meio de holding familiar e patrimonial).

Portanto, neste modelo de registro de bem imóvel e criação de empresa para gerir o patrimônio do trisal, teríamos, de certo modo, resguardado boa parte dos problemas patrimoniais relacionados à partilha de bens adquiridos na constância da união estabelecida pelo trisal.

Muitas pessoas também perguntam se trisal é crime? E a resposta definitivamente é negativa, ou seja, o relacionamento estabelecido entre três pessoas não é crime, tão pouco contravenção penal, uma vez que essa escolha é individual de cada um dos participantes desse tipo de relacionamento.

O crime acontece somente quando uma pessoa casada se casa novamente, sem ter-se divorciado antes. Nesse cenário, estamos diante do crime de bigamia, conforme disposto no artigo 235 do Código Penal.

Outra dúvida que surge é sobre o registro do filho do trisal.

A princípio, o ordenamento jurídico não reconhece maternidade tripla ou paternidade tripla dentro desta nova configuração familiar, contudo, o ordenamento jurídico reconhece a multiparentalidade.

A definição de multiparentalidade é denominada pela possibilidade de uma criança ter em seu registro civil de nascimento o nome de mais de um pai e / ou o nome de mais de uma mãe, onde o afeto sobrepuja o fator natural da consanguinidade. Nesse contexto, a paternidade / maternidade socioafetiva é baseada nos laços de afeto desenvolvidos na relação entre o filho e o pai / mãe que o acolheu como tal.

Uma vez reconhecida a multiparentalidade, é possível incluir o sobrenome do pai ou da mãe socioafetivo no nome do filho, retificando a certidão de nascimento da criança.

[Fonte: http://www.angelomestriner.adv.br]

 

postmemòria                                                                                                                                             Primera documentació: 4/06/2016

Tipus prefixació
Contextos
La nova edició del Col·loqui Internacional Walter Benjamin abordarà el tema de les vies de record i reparació en la sobremodernitat: memòria, postmemòria i història crítica. [Diari de Girona, 27/07/2018]
És llicenciada en comunicació audiovisual per la Universitat Autònoma i en teoria de la literatura i literatura comparada per la Universitat de Barcelona, té un doctorat amb una tesi sobre postmemòria i cinema documental argentí, i ara assumeix la direcció del departament d’estudis de Comunicació a la URV. [Avui, 29/02/2020]
Observacions L’any 1992 Marianne Hirsch, catedràtica de literatura anglesa, va encunyar el terme postmemòria per al·ludir al procés d’elaboració de la memòria traumàtica de l’Holocaust per part de les generacions posteriors, principalment dels fills dels supervivents del genocidi jueu, basant-se en els records dels seus pares, ja fossin relats, fotografies, documents, etc. La postmemòria, formada a partir del prefix post- ‘després de’, estudia com “la generació de després” conviu amb el trauma personal i col·lectiu dels seus predecessors, que van transferir la seva experiència de manera tan viva i emotiva als fills que aquests l’acabarien adoptant com si es tractessin de records propis.

Aquest concepte, que va gaudir d’una gran acceptació entre estudiosos i va demostrar ser d’una gran eficàcia per analitzar i comptabilitzar casos, es va començar a aplicar a guerres i dictadures de la història recent, com ara les d’Amèrica del Sud en la segona meitat del segle passat o la Guerra Civil espanyola, que permeten, encara avui dia, recuperar vivències de la transmissió intergeneracional amb l’objectiu de superar el dolor a partir del record comú perquè esdevingui compartit. Alguns aspectes fonamentals que té en compte la postmemòria són la necessitat de maduració del trauma heretat, la mediació i manipulació artística o la instrumentalització de les fotografies com a mitjà de projecció emocional i de reconeixement del passat.

 

 

[Font: neolosfera.wordpress.com]

nachos

Primera documentació: 8/05/1995

Tipus manlleu del castellà
Contextos
Dividits en espais segons la categoria, la crème de la crème de la societat catalana comentava la jugada entre canapès agraïts i bosses de nachos que podien anar sucant en diverses salses picants. [Avui, 21/07/1998]
L’altre dia vaig proposar una recepta de nachos cruixents de cigrons. [La Vanguardia, 14/03/2020]
Observacions Els nachos, juntament amb els tacos i els burritos, són alguns dels plats típics de la gastronomia mexicana que darrerament s’han popularitzat arreu del món. Un altra característica que tenen en comú aquests tres productes culinaris és que s’elaboren amb tortilles, una mena de coques circulars molt primes típiques d’alguns països de l’Amèrica Central, com Mèxic, i també de la cuina tex-mex (la versió estatunidenca de la cuina mexicana). Mentre que, en el cas del taco o del burrito, la tortilla es doblega o s’enrotlla amb algun tipus de farciment a dins (de carn, peix, verdura…), per fer els nachos, la tortilla, normalment de blat de moro, es parteix en fragments triangulars i es fregeix. Aquest plat s’acostuma a servir en forma d’aperitiu i s’acompanya amb algun tipus de salsa espessa, com ara guacamole, i també amb xilis picants o formatge ratllat, entre d’altres tipus d’acompanyaments.

Curiosament, aquest producte gastronòmic deu el seu nom al cuiner mexicà Ignacio Anaya García (1895-1975), conegut com a Nacho, que és considerat el creador d’aquest famós plat.

Cal dir que el Termcat proposa la grafia adaptada natxo, tot i que no l’hem documentat encara als mitjans.

 

[Font: neolosfera.wordpress.com]

beatnik

Primera documentació: 4/02/1989

Tipus
manlleu de l’anglès
Contextos
I tot això integrat dins l’evolució de la història del jazz i dels fenòmens culturals que l’han acompanyada, com ara la literatura beatnik. [El Temps, 14/08/1995]
Jo em considerava beatnik, els hippies els trobava una mica bledes, però jo vivia en una casa comunitària, on hi havia diferents parelles. [Ara, 17/12/2021]
Observacions El beatnik va ser un moviment juvenil sorgit entre les dècades de 1950 i 1960 als Estats Units, antecessor del moviment hippy, que es caracteritzava pel rebuig d’alguns valors socials tradicionals i per una actitud vitalista, la qual cosa es reflectia en la moda i la conducta anticonvencionals. Així mateix, el beatnik promovia una concepció molt lliure de la sexualitat, el nomadisme, el consum de drogues o el pacifisme.

Segons l’Oxford English Dictionary, el manlleu està creat per la forma beat (usada també en llenguatge col·loquial per referir-se a aquest mateix moviment, i que és l’escurçament del sintagma beat generation) i el sufix de l’ídix -nik, un ètim originàriament del rus que crea noms que denoten membres d’una classe o grup, partidaris d’una causa, etc. La primera documentació en anglès es recull el 1958, any en què Herb Caen, un famós periodista de San Francisco, va encunyar aquest terme, amb una connotació clarament despectiva, amb l’objectiu de parodiar els seguidors d’aquest moviment contracultural, mesos després d’haver-se publicat la novel·la On the road (A la carretera), concebuda com a manifest del moviment, escrita per Jack Kerouac (1922-1969).

 

 

[Font: neolosfera.wordpress.com]

halloumiPrimera documentació: 25/08/2007

Tipus manlleu del grec
Contextos
Aquí es pot obrir la gana amb una copa de vi i una taula de formatges turcs i halloumi de Xipre a la graella o delectar-se contemplant el panorama de la Banya d’Or, el Bòsfor i el mar de Màrmara. [El Periódico, 25/08/2007]
Fernández posa com a exemple el rostit de formatges clàssics com el camembert, el brie i el provolone, i d’altres potser més desconeguts com el halloumi i el kefalotyri. [Ara, 30/07/2020]
Observacions El halloumi (en grec, χαλλούμι) és un formatge blanc salat propi de l’illa de Xipre, però produït també a Turquia, fet amb llet de cabra i d’ovella, tot i que tradicionalment s’elaborava també amb llet de vaca. El halloumi té una textura semblant a la de la mozzarella, si bé conté més sal, per la qual cosa el seu sabor és més potent i se sol combinar amb altres ingredients. Generalment es consumeix fregit o a la graella, com a entrant o sobre l’amanida.La paraula halloumi, que té el seu origen en el grec antic als ‘sal’, significa ‘conservat en salmorra’. El primer registre escrit d’aquest ingredient apareix en un manuscrit datat el 1554 del qui es convertiria, anys més tard, en dux de Venècia, Leonardo Dona

 

 

[Font: neolosfera.wordpress.com]

pdfPrimera documentació: 17/04/2008

Tipus siglació
Contextos
Un espai molt important l’ocupa la secció de publicacions, que permet realitzar consultes o descarregar en format pdf una trentena de documents, però l’objectiu és incloure a poc a poc les més de 200 publicacions que ha elaborat la institució des que fou creada el 1927. [Pàgina26, 9/05/2008]
El problema dels QR no és el concepte d’enllaç si no a què enllaça. Molts restaurants enllacen a un pdf cutre que dona tots els problemes que dius (zoom, diverses planes…). [Twitter, 13/07/2021]
Observacions Pdf és una sigla que es llegeix i es pronuncia lletrejada, que hem agafat de l’anglès, llengua en la qual es correspon a les inicials del sintagma portable document format ‘format de document portàtil’. Es tracta d’un format d’intercanvi de documents electrònics, que manté el contingut del document, amb text, gràfics, imatges, taules, etc., independentment del sistema en què es visualitzen. Els fitxers que tenen aquest format s’identifiquen precisament amb l’extensió .pdf. Aquest format va ser creat per l’empresa estatunidenca Adobe Inc. el 1993 per substituir el format PostScript, tot i que des de 2008 és un estàndard obert (ISO 32000-1).

Com a sigla, originalment s’ha d’escriure en majúscula, tot i que l’ús habitual fa que el trobem ja en els mitjans amb minúscula, tant per referir-se als fitxers com, en aposició, als dispositius i productes que segueixen les normes d’aquest format, tal com es veu en el primer context.

 

 

[Font: neolosfera.wordpress.com]

 

bici holandesa

Primera documentació: 25/10/2017

Tipus sintagmació
Contextos
Al seu blog explica la utilitat de la bici holandesa per desplaçar-se d’un lloc a un altre per a les activitats quotidianes, bicis que ell anomena “bicicletes normals”, però que la resta del món coneix com a “bicicletes holandeses”, en les quals se seu amb l’esquena dreta. [Urban Thinkers Campus, 25/10/2017]
Swapfiets ofereix per llogar la clàssica bici holandesa sense marxes i una d’urbana de set velocitats, a banda de bicicletes elèctriques (per 75 euros al mes) i, properament, patinets i motos elèctriques. [Avui, 5/04/2021]
Observacions La bicicleta holandesa, abreviada com a bici holandesa, és un tipus de bicicleta el disseny de la qual prové dels Països Baixos, en què l’ús d’aquest mètode de desplaçament és tota una cultura, perquè resulta pràctic i ràpid per a tothom. Les bicis holandeses estan dissenyades perquè s’hi pugui pujar i baixar-ne còmodament, sigui quin sigui el tipus de roba que es porti (fins i tot un vestit o unes faldilles). A més, com que duen parafangs i un protector per a la cadena, les persones no s’embruten. La característica més prominent d’aquestes bicis és que permeten mantenir l’esquena recta mentre s’hi està assegut i pedalejant, la qual cosa resulta una posició molt còmoda i natural. Per aquest motiu, és un dels tipus de bicicleta preferits dels holandesos per als desplaçaments diaris i han aconseguit exportar-lo arreu del món. En l’actualitat, en què cada cop més països aposten per la sostenibilitat, l’ús de la bicicleta s’està estenent i, gràcies a la seva practicitat, les bicis holandeses són un dels models que té més èxit, sobretot a les zones urbanes.

 

 

[Font: neolosfera.wordpress.com]

Publié par Sarah Zingraff

RÉSUMÉ

Le terme « psychédélique » est un savant mélange entre deux mots d’origine grecque (psyche – delos) qui signifierait littéralement « la conscience claire », au sens d’un esprit purifié. Cet esprit « purifié » nous permettrait alors de voir le monde différemment, c’est-à-dire dans toute sa splendeur et toute sa dimension métaphysique — haute réalité qui nous est d’ordinaire occultée. Cependant, vers le milieu des années soixante, le vocable « psychédélique » s’extirpe du champ pharmaceutique pour s’introduire là où personne ne l’attendait : dans le domaine musical. Dans le cadre d’une publication scientifique estimée au premier semestre 2023, nous recherchons un texte portant sur le psychédélique d’un point de vue musical.

ANNONCE

Appel à contribution pour un ouvrage collectif sur le psychédélisme.

Présentation

Le terme « psychédélique » est un savant mélange entre deux mots d’origine grecque (psyche – delos) qui signifierait littéralement « la conscience claire », au sens d’un esprit purifié. Cet esprit « purifié » nous permettrait alors de voir le monde différemment, c’est-à-dire dans toute sa splendeur et toute sa dimension métaphysique — Haute Réalité qui nous est d’ordinaire occultée. Il nous ouvrirait les « portes de la perception » vers un périple aux confins de l’extase au cours duquel les choses apparaîtraient à l’homme telles qu’elles sont, infinies.

Néologisme inventé par le psychiatre Humphry Osmond en 1957 suite à une expérimentation au LSD25, cet adjectif n’avait pour destinée que le milieu médical. Le fameux acide lysergique synthétisé par le chimiste Albert Hofmann était à l’époque commercialisé sous forme de Delysid, un médicament délivré par les laboratoires Sandoz pour pallier entre autres, à certaines addictions, hémorragies et prévenir des migraines grâce à ses bienfaits vasodilatateurs. Utilisé en psychiatrie, on parlait d’ailleurs de thérapies psychédéliques au LSD pour soigner certains traumatismes et maladies psychiques graves.

Cependant, vers le milieu des années soixante, le vocable « psychédélique » s’extirpe du champ pharmaceutique pour s’introduire là où personne ne l’attendait : dans le domaine musical. Dorénavant, le psychédélisme ne désigne plus seulement une substance chimique vouée à guérir le corps et l’âme, mais il s’identifie à un genre de musique qui prendra forme sous un nouveau style : le rock psychédélique (parfois appelé « acid rock »).

De nombreux groupes voient le jour dont on ne saurait citer la liste tant ils sont pléthoriques et surtout éclectiques. Certaines formations déjà connues de la scène artistique délaissent progressivement leurs sonorités folk pour se tourner davantage vers une électrification instillée par les effets sismiques du LSD, effets qui ne seront pas sans répercussions sur leur mode de production, laquelle se verra complètement bouleversé, ainsi remanié à coups d’expérimentations en tout genre, les plus audacieuses les unes des autres.

The 13th Floor Elevators, groupe de garage rock texan, sera le premier à faire référence au psychédélisme en termes de « sonorités » et de musicalité, avec le titre sans équivoque de leur album The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators sorti en 1966. En 1967, Country Joe and The Fish sort également un album au titre implicitement dédié aux vertus enivrantes et « curatives » du LSD : Electric Music for the Mind and Body.

Si dans le jargon scientifique : est psychédélique, toute substance qui permettrait de rendre l’esprit purifié (on parle même de « conscience élargie », ou d’état de conscience modifié), alors, au vu de ces dernières considérations : en quoi, et comment un terme propre à l’industrie pharmaceutique a-t-il pu devenir un adjectif désignant un style musical ? Si l’on prend l’appellation mot à mot, le rock psychédélique serait donc le « rock de la conscience claire ». Permet-il d’ouvrir notre psyché pour que l’on atteigne l’extase, auquel cas, le rock remanié à l’acid, deviendrait un substitut de LSD ? Ou Bien, est-il le résultat d’une ouverture de la conscience expérimentée au préalable par la plupart des musiciens des années soixante, leur ayant permis de concevoir leur création musicale sous une autre approche ?

À travers cette étude sur le rock psychédélique ou la musique psychédélique à plus vaste mesure, il pourrait être intéressant de soulever plusieurs axes relatifs à l’identité et à l’essence du « son » psychédélique.

Plusieurs hypothèses seraient à approfondir à travers des analyses musicologiques prenant en compte ces postulats :

– Serait psychédélique, tout style de musique rock dont les paroles des chansons évoquent de manière plus ou moins explicite l’expérience du LSD ou autres substances hallucinogènes.

– Serait psychédélique, tout morceau qui tente de « transposer » c’est-à-dire de recréer dans ses sonorités et sa structure les effets du LSD (ex : surexcitations sensorielles et vibratoires sollicitées par la saturation et les volumes sonores exacerbés, variations de rythmes suggérant le dislocation temporelle de l’expérience psychédélique, absence de linéarité structurelle du morceau imitant l’abrogation de toute logique temporelle du trip, embardée emphatique illustrant la montée puis la phase d’extase, collages sonores, boucles, disruption et césure abrupte… le tout, formant un morceau que l’on pourrait qualifier d’ « hallucinatoire » car aux antipodes des repères habituels pour l’auditeur).

  • Serait psychédélique, tout album, tout morceau de rock, créé sous LSD.
  • Serait psychédélique, tout album, tout morceau de rock créé après avoir pris du LSD – dont l’inspiration majeure provient de l’expérience psychédélique éprouvée par les musiciens (sous influence créatrice générée a posteriori par le LSD).
  • Serait psychédélique, tout morceau de rock qui imite les effets du LSD ET qui fait obligatoirement référence dans les paroles de chansons aux substances psychédéliques et hallucinogènes (ici fond et forme sont en accord).
  • Serait psychédélique, tout morceau procurant l’effet d’un trip de LSD sur la personne qui l’écoute, sans prendre de LSD, c’est-à-dire, un morceau nous faisant partir en trip, nous induisant un état de transe, puis nous faisant atteindre la béatitude. Il s’agirait purement et simplement d’un morceau qui modifierait notre perception (notre état de conscience ordinaire) pour nous faire pénétrer les Paradis Métaphysiques.

On interrogera aussi le revival qu’a connu le rock psychédélique au début des années quatre-vingt, et, plus récemment, depuis les années 2010.

Depuis plusieurs années, nous assistons à une résurgence sans précédent. En matière de musique, le rock et le Stoner renouent avec les sonorités bien « oldschool » qui ont sustenté toute la bande originale d’une époque révolue : fuzz, distos, feedback, overdrive… tous les ingrédients sont de nouveau réunis pour nous replonger tout droit au cœur des Psychedelic Sixties. Les festivals psychédéliques sont de plus en plus nombreux et se voient programmés un peu partout dans le monde. L’un des plus connu reste le Psych Fest à Austin au Texas qui existe depuis 2008 et a été fondé par le groupe The Black Angels.

Toutefois, nous pouvons toujours questionner ce « mimétisme » sonore et sa légitimité en matière d’innovation. Hommage ou réappropriation ? Simple copier-coller ? Succédané sans saveur ou bien réelle révolution musicale en marche ? Est-ce peut-être tout simplement cette envie cyclique de défricher l’héritage de l’âge d’or du rock et le propulser de nouveau dans notre société actuelle ; société dans laquelle nous n’écoutons plus la musique à la manière dont nous respirons l’air et dont nous vibrons de tous nos sens exaltés, mais société dans laquelle on entend, tel un bruit de fond au quotidien, un « produit » calibré dont on ne peut contester l’efficacité commerciale et divertissante (anesthésiante ?). Il s’agirait de mettre en exergue cet engouement notable et d’en comprendre sa nature (davantage socioculturelle que musicale ?) et envisager son éventuelle plus-value en matière de son et de technique. Qu’est-ce qui différencierait le psychédélisme des années soixante ce néopsychédélisme de l’ère ultracontemporaine ?

Sous un autre aspect, le versant antagoniste du mouvement mériterait que l’on y prête attention et que l’on y consacre ainsi une étude malgré les amalgames, l’antiscène psychédélique n’a jamais été aussi bien illustrée que par le Velvet Underground et son Exploding Plastic Inevitable, sorte de light-show monté par Andy Warhol avec les Superstars de la Factory. Spectacle total, corrosif et « sur-amphétaminé » – ode antihippy, EPI et l’univers du Velvet ouvrent une brèche dans laquelle va s’immiscer la scène Glam et Punk new-yorkaise de la décennie suivante. Nous pourrions mettre en évidence l’articulation des divergences intrinsèques de la scène rock de l’Est et de l’Ouest des États-Unis, dont les facteurs géographiques et l’héritage culturel demeurent non dénués de sens quant à l’identité, l’esthétique et la prestation scénique de ces styles sous-jacents au rock.

En matière d’ouverture à d’autres styles, on dit que le rock psychédélique et (surtout l’acid rock) a frayé la voie au Hard Rock (dont le groupe Blue Cheers fait incontestablement figure de proue). Il semble néanmoins tout aussi notable d’interroger le lien avec le rock progressif, le Space Rock et surtout la musique électronique venue tout droit d’Allemagne au début des années soixante-dix que l’on connaît sous le nom de Krautrock : ce rock planant et cosmique mené par des groupes ou artistes emblématiques comme Tangerine Dream, Klaus Schulze, Kraftwerk, Can, Amon Düül, Ash Ra Tempel (dont l’album Seven Up a d’ailleurs été réalisé avec la collaboration de Timothy Leary, l’apôtre du LSD et grand défenseur de la cause hippie).

Dans ce franchissement des frontières américaines, vers d’autres contrées, il serait également concevable d’aborder des groupes psychédéliques plus « exotiques », sans doute moins connus, moins médiatisés, car provenant d’autres territoires plus discrets. Il est vrai qu’outre le pays de l’oncle Sam, l’Angleterre et la France, le rock psychédélique implanté dans d’autres nations semble beaucoup moins mis à l’honneur et il ne serait pas négligeable de ce fait, de le mettre en lumière à travers l’analyse et la présentation de certains groupes aux origines les plus variées.

Thèmes et axes de réflexions

– Les différents revivals de la musique psychédélique depuis la fin du mouvement hippy.

– Le « cas Velvet Underground », ou l’antithèse du psychédélisme hippy.

– Le rock psychédélique au-delà des frontières américaines et britanniques.

– L’héritage du jazz et de John Coltrane dans le rock psychédélique des années soixante.

– L’influence du compositeur Karlheinz Stockhausen chez les musiciens de rock psychédélique des années soixante.

– La scène Glam et Punk new-yorkaise des seventies comme réponse au rock des hippies.

– « East Coast VS West Coast » : enjeux esthétiques et socioculturels de deux scènes rock bien distinctes.

– Rock psychédélique anglais et rock psychédélique américain : analyse et comparaison des marqueurs identitaires respectifs.

– Analyse et approche du San Francisco Sound : quelles spécificités ? Quelle identité ?

– Rock psychédélique et acid rock : similitudes, nuances et distinctions.

– La France et le rock psychédélique.

– Les premiers usages du terme psychédélique en musique et appropriation du LSD dans la composition : expérimentations sonores, significations et impacts.

– Les racines du Garage Rock dans le rock psychédélique des années soixante.

– Caractéristiques du « psychedelic sound » du groupe The 13th Floor Elevators.

– Le « psychédélisme électronique » : l’ère du Krautrock allemand des années soixante-dix.

– Space rock, rock cosmique, rock planant et rock progressif : enfants du rock psyché ?

– Comment « définir » le rock psychédélique ? À partir de quel moment et selon quels critères peut-on affirmer qu’un morceau est psychédélique ?

– Le « Freak Out » comme manifeste représentatif de la musique psychédélique.

– L’usage des drogues dans la création et la conception musicale : nouvelle appréhension de la composition.

Modalités de soumission

Toute proposition de texte portant sur le psychédélique d’un point de vue musical est à envoyer à eleonorewillot@hotmail.fravant le 15 avril 2022 dernier délai (en vue d’une réponse fin avril 2022).

La.le candidat.e prendra soin de joindre à sa proposition de texte une brève biographie précisant son statut et son parcours dans la recherche scientifique.

Les propositions seront évaluées en double aveugle.

Le texte définitif sera corrigé et mis en page par les soins de l’auteur selon le cahier des charges prévu à cet effet. Il devra comprendre 40 000 signes maximum et devra être délivré au plus tard en novembre 2022.

La publication scientifique est estimée au premier semestre 2023.

Responsable

Eléonore Willot, docteure en Arts et Esthétique, LIR3S Laboratoire Interdisciplinaire de Recherche « Sociétés, Sensibilités, Soin » UMR7366 CNRS-Ub

Contact : mail : eleonorewillot@hotmail.fr

Comité scientifique

  • Eléonore WILLOT, docteure en Arts et Esthétique, chercheure associée au CNRS, LIR3S Laboratoire Interdisciplinaire de Recherche « Sociétés, Sensibilités, Soin » – UMR 7366 CNRS – Université de Bourgogne
  • Philippe Gonin, maître de conférences, responsable du master Musicologie, directeur adjoint des Éditions Universitaires de Dijon, directeur de la collection « musiques » des EUD. Compositeur – arrangeur, Université de Bourgogne, LIR3S (Laboratoire Interdisciplinaire de Recherches « Sociétés, Sensibilités, Soin) UMR
  • Solveig Serre, chargée de recherche HDR au CNRS, professeure chargée de cours à l’École Polytechnique, coresponsable, avec Luc Robène, du projet de recherche PIND Punk is not dead, une histoire de la scène punk en France (1976-2016)
  • Luc Robène, historien / professeur des Universités / Université de Bordeaux, UMR 7172 THALIM chargé de cours / Sciences-Po Bordeaux / École Polytechnique / École nationale des Chartes

DATES

  • vendredi 15 avril 2022

MOTS-CLÉS

  • psychédélisme, psychédélique, acid rock, rock, rock’n’roll, musique, LSD, sixties, contre-culture, mouvement hippy, création musicale, drogue

CONTACTS

  • Eléonore WILLOT
    courriel : eleonorewillot [at] hotmail [dot] fr

SOURCE DE L’INFORMATION

  • Eléonore WILLOT
    courriel : eleonorewillot [at] hotmail [dot] fr

POUR CITER CETTE ANNONCE

« Musique et rock psychédélique : lorsque le LSD s’invite dans la création musicale », Appel à contributionCalenda, Publié le jeudi 24 mars 2022, https://calenda.org/980695

col·laboratiu

Primera documentació: 22/06/2009

Tipus sufixació
Contextos
Un es pot imaginar tot tipus d’aplicacions: empresarials, de teleformació, eines de publicació col·laborativa de continguts per als mitjans pensades per a la participació activa dels lectors… les possibilitats semblen infinites. [El Periódico, 22/06/2009]
Les més competitives seran les que assegurin que aquestes activitats presencials són aquelles que poden aportar més valor afegit o continuar l’aprenentatge col·lectiu i col·laboratiu un cop acabada la classe, al bar o passejant pel campus. [Ara, 30/04/2021]
Observacions
En català, l’adjectiu col·laborador -a és l’únic que inclou el DIEC2, amb la definició següent: ‘que col·labora’. No obstant això, per expressar la idea que una cosa es porta a terme en col·laboració, es fa en comú entre diverses persones o entitats, s’utilitza l’adjectiu col·laboratiu -iva, que també es deriva a partir del verb col·laborar, al qual s’adjunta el sufix d’origen llatí -iu -iva. Generalment, podem trobar aquest adjectiu acompanyant substantius com ara treballestudipublicacióconsum o economia (amb aquest darrer nom fa referència al model econòmic que consisteix en l’intercanvi i la posada en comú de béns o recursos entre particulars, mitjançant eines informàtiques).

 

 

[Font: neolosfera.wordpress.com]

bildungsroman

Primera documentació: 5/09/2018

Tipus
manlleu de l’alemany
Contextos
Un llibre on Conroy és Conroy, sense espai per a àlter egos; un llibre que, sense vulnerar els límits del gènere, pot disfrutar-se com un extraordinari bildungsroman, i també com la prova de foc d’algú que vol demostrar-se a si mateix que serà un escriptor de raça. [El Periódico, 5/09/2018]
És així com Lahuerta construeix el seu bildungsroman amb un text ple d’incorreccions lingüístiques, és a dir, perfectament adequat a la història que conta. [Ara, 10/03/2021]
Observacions En alemany, es coneix com a bildungsroman un tipus de novel·la que se centra en l’evolució del protagonista mitjançant el viatge, les aventures o el pas del temps. En l’obra, el personatge principal comença sent un infant innocent, però els esdeveniments el fan madurar i forjar la seva personalitat, que esdevé el nucli de la narrativa.

El 1819 el filòleg alemany Johann Carl Simonn Morgensten va encunyar aquest terme per designar aquest gènere literari, la producció del qual va experimentar un fort auge durant la Il·lustració. Moltes de les grans novel·les del segle xix i xx, sense ser estrictament bildungsromans, comparteixen alguna de les característiques del gènere. Són el cas de Solitud (1904) de Víctor Català, A la recerca del temps perdut (1913-1927) de Marcel Proust, La muntanya màgica (1924) de Thomas Mann, Nada (1945) de Carmen Laforet, o El vigilant en el camp de sègol (1951) de J. D. Salinger.

En català, també podem anomenar el bildungsroman (Bildung pren aquí el sentit de ‘formació, educació’) novel·la d’aprenentatge o novel·la de formació, formes que el Termcat proposa a més del manlleu.

 

 

[Font: neolosfera.wordpress.com]

contrapedal

Primera documentació: 17/01/2013

Tipus prefixació
Contextos l subjecte de la jaqueta blava, que calça una bella bici de pinyó fix, d’aquestes en què s’ha de frenar fent contrapedal, circula per un estret corredor de vianants de menys de cinc metres d’amplada. [El Periódico, 17/01/2013]
Swapfiets és la unió de les paraules compartir i bicicleta en holandès i els seus models porten el fre posterior amb el sistema de contrapedal, habitual als Països Baixos. [El País, 3/04/2021]
Observacions Per frenar, les bicicletes tradicionals del sud d’Europa incorporen una maneta a cada extrem del manillar, tot i que hi ha altres sistemes, com el de les fixies, que frenen bloquejant la tracció amb les cames, o el que es designa amb la paraula prefixada contrapedal, que es defineix com ‘fre de la bicicleta constituït per un tascó encabit dins el rodet de la roda posterior, que, en moure lleugerament els pedals cap endarrere, és estampit contra la cara interior del rodet per l’acció d’un tirant o d’un cable que transmet l’esforç’ (Termcat). El contrapedal té diversos avantatges: no necessita pràcticament manteniment, és suau, permet bloquejar la roda amb facilitat, deixa les mans lliures per maniobrar i visualment deixa la bici més polida de cables.

El sistema de contrapedal és molt habitual a països del nord d’Europa, com Holanda, Dinamarca o Alemanya.

 

 

[Font: neolosfera.wordpress.com]

La russofòbia s’ha estès entre les institucions culturals, que des-programen activitats artístiques entorn l’ecosistema rus per mostrar el seu posicionament

Escrit per Clara Cardona

Probablement russofòbia (juntament amb desnazificar i tantes altres paraules que ens porta i ens portarà l’atac a Ucraïna) passi a ser de les candidates a Neologisme de l’Any 2022. L’Observatori de Neologia de la Universitat Pompeu Fabra (UPF) i l’Institut d’Estudis Catalans (IEC) des de fa anys obren un procés participatiu per escollir el neologisme de l’any. Ambdues entitats seleccionen deu paraules i els usuaris voten. Encara queda temps perquè acabi l’any, però veurem on ens porta tot plegat. El neologisme del 2021 va ser negacionisme, el del 2020 va ser coronavirusemergència climàtica i animalista van ser els de 2019… Així que l’actualitat i la cultura mediàtica, a l’hora d’escollir la paraula de l’any, hi tenen molt a veure.

Aquestes alçades de la pel·lícula (perquè tot plegat és com una pel·lícula, tenint en compte que la realitat sempre supera sempre la ficció), el mot russofòbia ja no necessita ser explicat ni definit. A Catalunya en poden ser exemples el Festival de Música de Peralada, que va anunciar recentment la suspensió de les funcions programades del Ballet del Teatre Mariinsky de Sant Petersburg, que havia d’inaugurar la 36ª edició del festival amb una doble participació les nits del 8 i 9 de juliol; o el Liceu de Barcelona, que va confirmar que la soprano russa (tot i que nacionalitzada austríaca) Anna Netrebko no cantarà al concert commemoratiu previst per al 175è aniversari de la institució el proper 3 d’abril.

Aquests en són només alguns exemples del que està succeint aquest dies al nostre país, sempre sota la premissa de que si es des-programen activitats artístiques entorn l’ecosistema rus és perquè “hi ha la necessitat d’un posicionament clar de les institucions artístiques i dels seus dirigents contra la guerra i en compromís amb la pau”.

Molts altres països estan fent el mateix que a casa nostra, mentre que a altres llocs es “limiten” a restringir aquells esdeveniment artístics o produccions que han rebut diners públics del govern rus, com és el cas del Glasgow Film Festival que ha descartat les pel·lícules vinculades amb Rússia d’aquesta manera, per exemple.

Tot això ens fa pensar en quin seria avui el debat si finalment Barcelona hagués acceptat acollir la seu del Museu Hermitage, un projecte que, malgrat estar descartat, encara genera polèmica -ja que el fons d’inversió promotor del projecte manté oberta la via judicial per aconseguir una indemnització (milionària!) per part del consistori-. Fonts del mateix Hermitage van confirmar en el seu moment que tenien propostes d’altres ciutats on “instal·lar” el museu, com Lisboa o Madrid. Caldria veure en quin estat estan aquestes propostes que segurament ja no conserven l’interès ni l’atractiu inicial- però, de moment, només impera (d’imperialisme, sobretot) el silenci. De moment l’Hermitage reclama que unes obres cedides temporalment a museus de Roma i Milà tornin a Sant Petersburg. Així que potser hem estat beneïts d’un cop de sort que ens ha portat a l’exempció de polèmica en unes setmanes on la màxima és més que certa: no news, good news. I així no se’ns pot acusar de res.

 

[Font: http://www.nuvol.com]

 

 

Escrito por Agustín María García López

La poesía de José Saramago[ii] se articula en torno a tres poemarios: Los poemas posibles, el primero de ellos, se publica en 1966, cuando su autor contaba 44 años —una segunda edición aparece en 1982, 16 años más tarde, y la tercera y definitiva, con 146 poemas, en 1985—; Probablemente alegría, segundo de sus libros, ve la luz en 1970, cuando aún faltaban cuatro años para la dilución de la dictadura, y, finalmente, en 1975, aún en pleno apogeo de la Revolución de los Claveles, da a la estampa su tercer y último poemario, El año de 1993, visión —distópica y utópica a la vez— de un mundo futuro.

Si hubiésemos de buscar una marca de agua que diese sentido unitario a la producción poética de José Saramago, no hallaríamos otra más conspicua que el humanismo, un humanismo radical, en el sentido preciso que la expresión adquiere en estas palabras de Erich Fromm: «Por humanismo radical entiendo una filosofía global que insiste en la unicidad de la raza humana; en la capacidad del hombre para desarrollar sus propios poderes, y para llegar a la armonía interior y establecer un mundo pacífico. El humanismo radical considera como fin del hombre la completa independencia, y esto implica penetrar a través de las ficciones e ilusiones hasta llegar a una plena conciencia de la realidad. Implica, además, una actitud escéptica respecto del empleo de la fuerza; precisamente porque, a lo largo de la historia del hombre, la fuerza ha sido, y sigue siendo (al crear el temor) lo que ha predispuesto al hombre para tomar la ficción por la realidad, las ilusiones por la verdad. La fuerza volvió al hombre incapaz de independencia y, consiguientemente, embotó su razón y sus emociones»[iii].

De este modo, el humanismo que trasmina a través de toda la obra de Saramago responde, como no podía ser de otra manera, a una llamada de rebeldía: «Reyes, sacerdotes, señores feudales, patrones de industria y padres —escribe, en otro lugar, Erich Fromm— han insistido durante siglos en que la obediencia es una virtud y la desobediencia es un vicio. Para presentar otro punto de vista, enfrentemos esta posición con la formulación siguiente: la historia humana comenzó con un acto de desobediencia, y no es improbable que termine por un acto de obediencia»[iv].

La poesía de Saramago se inscribe así en la teoría luminosa de un profundo lirismo humanista, las dos categorías inseparables que trazan el orden y el sentido de la poesía portuguesa de todos los tiempos. En palabras de Eugénio de Andrade, que consuenan de manera armónica con la voz del sujeto ético de Emmanuel Lévinas, surgido de las cenizas del propio sujeto de la modernidad: «Ecce Homo, parece decir cada poema. He aquí el hombre, he aquí su efímero rostro hecho de millares y millares de rostros […]. No es otro el rostro al que cada poeta se halla religado. Su rebeldía se alza en nombre de esa fidelidad»[v].

«Catorce de Junio», el poema que sirve de colofón y epílogo a esta Poesía completa, es claro testimonio tanto de la profunda arquitectura lírica como del anchísimo y fluido río de humanidad que prestan su carácter a la poética de José Saramago:

Catorce de junio

Cerremos esta puerta.
Lentas, despacio, que nuestras ropas caigan

Como de sí mismos se desnudarían dioses.
Y nosotros lo somos, aunque humanos.
Es nada lo que nos ha sido dado.
No hablemos pues, solo suspiremos
Porque el tiempo nos mira.
Alguien habrá creado antes de ti el sol,
Y la luna, y el cometa, el espacio negro,
Las estrellas infinitas.
Ahora juntos, ¿qué haremos? Sea el mundo

Como barco en el mar, o pan en la mesa,
O el rumoroso lecho.
No se alejó el tiempo, no se fue. Asiste y quiere.

Su mirada aguda ya era una pregunta
A la primera palabra que decimos:
Todo.[vi]

Sí. Sagrados por humanos. Con una delimitación siempre aplazada. En la obra poética de Saramago es recurrente el símbolo de la sombra, de la sombra en rebeldía que huye de sí misma, de la sombra que no consiente orillas ni contornos que la inscriban en la burbuja de un ser monádico que no es sino el olvido de los entes, de los pobres entes palpables, como las flores, o como las piedras, o como los gorriones, o como tú o como yo. De acuerdo con Lévinas, «lo que se trata de captar con toda su pureza» es «esta categoría de salida no asimilable ni a la renovación ni a la creación. […] Tema inimitable que nos propone salir del ser. Búsqueda de una salida, pero en absoluto nostalgia de la muerte, porque la muerte no es una salida, así como tampoco una solución. El fondo de este tema lo constituye —que se nos disculpe el neologismo— una necesidad de excedencia. Así, si se hace precisa la evasión, el ser no aparece solamente como el obstáculo que el pensamiento libre tendría que franquear, ni como la rigidez que, invitando a la rutina, exige un esfuerzo de originalidad, sino como un aprisionamiento del que se trata de salir»[vii]:

Donde tu sombra

Donde tu sombra, mi perfil
Es línea de certeza. Ahí convergen

Las olas circulares, en su límite
El punto riguroso se propaga.
Ahí se reproduce la voz inicial,
La palabra solar, el lazo de la raíz.
De nosotros nace el tiempo, y, creadores,

Por la fuerza del perfil coincidente,

Cogidos de la mano amanecemos dioses.[viii]

El poeta proyecta su perfil de niebla apenas disipada, como silueta provista de todas las posibilidades, sobre la honda superficie cálida de la presencia amada, y, a partir de su eclosión, sobre los diez mil seres, sobre las diez mil cosas, pudiendo decir de sí mismo, como Luis Felipe Vivanco: «Cansado de ser otro (tal vez de ser yo mismo), / me entregaré a las cosas que no ambiciona nadie / para ignorar con ellas, libre de otros dominios»[ix].

En el prólogo a su Poesía completa, Saramago trae a colación un poema gnómico de Antonio Machado que abre —como cita inicial— el libro: «Demos tiempo al tiempo: / para que el vaso rebose / hay que llenarlo primero»[x]. El secreto consiste, no obstante, en no colmarlo nunca, como nunca se colmaría el pozo sin fondo de las Danaides. La clave está en saber que «…no hay camino. / Se hace camino al andar»[xi].

La navegación vital y literaria de José Saramago es natural y fluida: poco a poco, su poesía fue abandonando el metro y la rima, para abrazar finalmente la prosa en los poemas de El año de 1993. En su derrotero circular y ascendente, la poesía de Saramago va adquiriendo, de manera paulatina e indirecta, un sesgo narrativo que irá determinando progresivamente el carácter de los libros que siguieron: Manual de pintura y caligrafía, Levantado del suelo, Memorial del convento, El año de la muerte de Ricardo Reis…

No precisa de otro ámbito la vida que no sea un rimero de memorias, y la memoria, desde aquella noche remota en que nos atrevimos a bajar de los árboles, a jugar a ser humanos, y a nombrar —asombrados— las cosas, no vive, por ser vida, en los conceptos. La andadura poética de la sangre recobrada sobrepasa los límites de las definiciones, y sigue un camino de significados que, precisamente por ser de raigambre puramente humana, se pierde en su vacío transparente, más allá de todos los límites, más allá de todo absoluto:

Paisaje con figuras
No hay mucho que ver en este paisaje:
Campos alagados, ramas desnudas
De sauces y álamos encrespados:
Raíces descubiertas que cambiaron
Lo natural del suelo por el cielo vacío.

Aquí nos cogemos las manos y caminamos,

Rompiendo nieblas.
Jardín del paraíso, obra nuestra,
Somos aquí los primeros»[xii].

 

Notas

[i] El presente texto fue leído por su autor en el Homenaje a José Saramago celebrado, con motivo de la Feria del Libro de Sevilla correspondiente a 2019, dedicada a la literatura portuguesa, en el Consulado General de Portugal en Sevilla.

[ii] Saramago, José: Poesía completa, traducción de Ángel Campos Pámpano, colaboración de Pilar del Río, prólogo del autor, Madrid, Alfaguara, Biblioteca José Saramago, 2005.

[iii] Fromm, Erich: Y seréis como dioses, traducción de Ramón Alcalde Dalmau, Barcelona, Paidós, Nueva Biblioteca Erich Fromm, 2020, págs. 23-24.

[iv] Fromm, Erich: Sobre la desobediencia, traducción de Eduardo Prieto, Barcelona, Paidós, Nueva Biblioteca Erich Fromm, 2016, pág. 11. Los subrayados son del autor.

[v] Andrade, Eugenio de: «Poética», Poemas de Eugénio de Andrade. O homem, a terra, a palavra, apresentação crítica, selecção, notas e sugestões para análise literária de Paula Morão, Lisboa, Seara Nova/Editorial Comunicação, Colecção Textos Literários, n.º 22, 1981, págs. 139-140. La traducción es nuestra.

[vi] Saramago, José: Op. cit., pág. 637.

[vii] Lévinas, Emmanuel: De la evasión, introducción y notas de Jacques Roland, Madrid, Arena Libros, 1999, pág. 82.

[viii] Saramago, José: Op. cit., pág. 371.

[ix] Vivanco, Luis Felipe: Los caminos (1945-1965). Seguido de Continuación de la vida, El descampado y Lugares vividos, Madrid, Ediciones Cultura Hispánica, 1974, págs. 153-154.

[x] Machado, Antonio: «CLXI. Proverbios y cantares», LI, Nuevas canciones, en Poesías completas, edición de Manuel Alvar, Madrid, Espasa-Calpe, Colección Austral, n.º 33, 1995, 20.ª edición (1.ª edición —con exclusión de doce poemas de las «Poesías de la guerra» —en adelante, «Poesías de guerra»—: 1975), pág. 297.

[xi] Machado, Antonio: «CXXXVI. Proverbios y cantares», XXIX, Campos de Castilla, en Poesías completas, op. cit., págs. 239-240.

[xii] Saramago, José: Op. cit., pág. 365.

 

[Fuente: http://www.culturamas.es]

Créée par les Ottomans en 1461, Sarajevo est la capitale de la Bosnie-Herzégovine et compte environ 405 000 habitants. Elle a été surnommée la « Jérusalem de l’Europe » en raison de la coexistence entre judaïsme, christianisme et islam et du rayonnement du judaïsme dans cette cité. Arte diffuse dans le cadre de « Voyages et découvertes », la série documentaire « Flâneries dans les Balkans, de Bucarest à Sarajevo » (Metropolen des Balkans).

 

Publié par Véronique Chemla

Arte diffuse dans le cadre de « Voyages et découvertes », la série documentaire « Flâneries dans les Balkans, de Bucarest à Sarajevo » (Metropolen des Balkans). Autrefois surnommée « la poudrière de l’Europe », la région des Balkans a connu bien des maux. »
« Aujourd’hui les métropoles renaissent et se transforment, façonnées par leurs histoires et leurs cultures diverses mais ô combien entrelacées. Témoins d’un temps révolu, Sofia, Bucarest, Ljubljana, Belgrade et Sarajevo se tournent désormais vers la modernité. Un voyage à travers cinq capitales des Balkans, entre histoire, culture et perspectives d’avenir ».
À Sarajevo, a été assassiné l’archiduc François-Ferdinand d’Autriche par Gavrilo Princip. Ce qui déclencha la Première Guerre mondiale.
Dans les années 1990, la ville a été assiégée durant plus de trois ans.
En 2019, Sarajevo a été admise dans le Réseau des villes créatives de l’UNESCO. « Ce réseau rassemble des villes qui fondent leur développement sur la créativité, qu’il s’agisse de musique, d’artisanat et des arts populaires, de design, de cinéma, littérature, d’arts numériques ou encore de gastronomie ».

« Dans aucune autre ville européenne, les religions n’ont aussi fortement coexisté : mosquées, synagogues et églises font partie intégrante de l’identité de Sarajevo, métropole des Balkans historiquement multiculturelle. »

La présence de Juifs en Bosnie-Herzégovine remonterait à l’Antiquité romaine, à Sarajevo à 1541, et dans toute la contrée en 1565. Dans ce territoire de l’empire ottoman, ces Juifs sépharades parlant le judéo-espagnol sont des commerçants.

Œuvre remontant au XIVe siècle et provenant d’Espagne, la Haggada de Sarajevo est un manuscrit très richement enluminé en hébreu contenant le texte lu lors du Seder de Pessa’h. Protégée durant la guerre dans les Balkans dans les années 1990, elle est inscrite sur la liste des monuments nationaux de Bosnie-Herzégovine et est conservée au musée national de Sarajevo.

En 1581 est édifiée à Sarajevo la synagogue Il Kal Grande où se trouve l’actuel musée juif. Autres synagogues : le Vieux Temple (Il Kal Vijezu) et le Nouveau Temple (Il Kal Muevu) qui remonte XVIIIe siècle.
En octobre 1819, eut lieu le « Pourim de Sarajevo ». Ruzdi-pacha, gouverneur ottoman de la Bosnie, avait emprisonné l’élite de la communauté juive de Sarajevo, soit 11 personnes dont le rabbin Mose Danon, et menaçait de la tuer si une rançon au montant élevé ne lui était pas versée. « Des musulmans de Sarajevo se sont soulevés, ils sont allés devant la prison et ont menacé de tout détruire et incendier si Rav Mose Danon et les autres n’étaient pas libérés », a raconté Jakob Finci, président de la communauté juive. La fête juive de Pourim « rappelle la délivrance de la communauté juive exilée en Perse (vers – 520), grâce au courage d’Esther et de son cousin Mardochée pour contrecarrer le décret d’extermination d’Aman. »
En raison de la croissance urbaine (1879-1910), plus de 93 % des Juifs vivent dans des villes, et près de 6 % dans des villages. Dès 1879, des Juifs ashkénazes rejoignent leurs coreligionnaires sépharades. La population juive vit alors « dans 30 villes, en 1885 dans 50 villes, en 1895 dans 58 villes et en 1910 dans 62 villes de Bosnie-Herzégovine ».
Au début de la Deuxième Guerre mondiale, « en 1940, environ 14 000 Juifs vivent en Bosnie-Herzégovine, dont 10 000 à Sarajevo. »
Les forces de l’Axe envahissent la Yougoslavie. Le 10 avril 1941, est créé l’État indépendant de Croatie qui comprend la Bosnie-Herzégovine et a, à sa tête, le gouvernement pronazi des oustachis d’Ante Pavelić.
Débutent alors les persécutions antisémites. Le 16 avril 1941, les nazis détruisent les quatre synagogues de Sarajevo. D’août à novembre 1941, l’État croate interne la quasi-totalité des Juifs de Bosnie dans des camps de concentration. « Les prisonniers (femmes et enfants compris) juifs ainsi que serbes chrétiens orthodoxes, Tziganes, résistants aux nazis et aux oustachis sont déportés, notamment dans le camp de Jasenovac créé entre août 1941 et février 1942 par les autorités de l’État indépendant de Croatie, le plus grand en Croatie, le plus sadique et cruel, dirigé par le général oustachi Vjekoslav Luburić. Ce camp ne possédant pas de chambres à gaz, les victimes y sont tuées de « 57 façons différentes », par épuisement au travail, par maladies, en les affamant, avec des armes à feu et des armes blanches (marteaux, couteaux) ou des pierres. Elles sont enterrées alors que d’autres sont brûlées dans des fours crématoires. Gideon Greif, historien israélien spécialisé dans l’histoire de l’Holocauste, déclare en octobre 2017 « que le camp de Jasenovac était le camp de concentration le plus monstrueux de la Seconde Guerre mondiale, bien pire qu’Auschwitz ou les autres camps, et cela en raison du fait que le camp n’était pas tenu par des Allemands, mais par des Croates qui jouissaient de la souffrance de leurs victimes. Il a ajouté que le révisionnisme à ce sujet est une autre façon de tuer les victimes. » Des Bosniaques sauvent des Juifs persécutés.
Sur les 12 000 Juifs de Bosnie, 10 000 Juifs sont tués.

Le grand mufti de Jérusalem Haj Mohammad Amin al-Husseini (1897-1974) « participe à la création de la division SS Handschar, appelée ainsi en référence à une épée orientale. À cette occasion, les nazis inventent le néologisme de « musulgermain ». L’unité comptera jusqu’à 20 000 hommes ». Al-Husseini est chargé de la formation culturelle et philosophique de ces soldats qui jurent d’obéir jusqu’à la mort à Hitler et de « rapprocher le monde germain et le monde arabe. Himmler lui accorde mollahs et imams pour encadrer les troupes ». Le grand mufti al-Husseini les choisit et les forme dans une école particulière.

 

                                                                                                                                    Son antisémitisme imprègne le pamphlet Islam i židovstvo (Islam et Judaïsme) destiné aux musulmans bosniaques engagés dans les SS. En 2015, Boris Havel a traduit ce texte en anglais pour le Middle East Quaterly.

Dans « La croix gammée et le turban, La tentation nazie du grand mufti«  (Turban und Hakenkreuz, Der Großmufti und die Nazis), documentaire intéressant de Heinrich Billstein, Nasr ad-Din an-Nashashibi, écrivain, déplorait ce « triste jour », la défaite du maréchal Rommel. Fuad Mujakić, imam de la division Handschar, rappelle : « Pour tenter de rassurer mes camarades, je leur expliquais que… tout musulman qui perdait la vie au combat pour l’islam serait un shahid, un martyr. Ils savaient ce que cela signifiait ».
Alors que la Bosnie faisait partie de l’État indépendant de Croatie  – un État dans l’orbite des Forces de l’Axe – proclamé en 1941 par les Oustachis (Insurgés), fascistes et antisémites croates, Alija Izetbegović (1925-2003), futur président de la république de Bosnie-Herzégovine, a rejoint les rangs du mouvement panislamiste Les Jeunes musulmans (Mladi Muslimani). Quand cette organisation se divise sur la question de soutenir les partisans communistes yougoslaves ou la Division Waffen-SS Handschar, Izetbegović décida de soutenir cette Division SS. Brièvement détenu vers la mi-1944 en prison par les Serbes royalistes Chetniks, Izetbegović est libéré en signe de reconnaissance à l’égard du rôle de son grand-père en 1914 à l’égard de la libération d’otages serbes. Il est condamné par la justice yougoslave à trois années d’emprisonnement.
En 1969, il publie en 1969 la Déclaration islamique, « un manifeste totalitaire dans lequel il affirme que « tout est religion » et revendique la « fusion entre État et religion ». Il souhaite « l’introduction de l’Islam dans tous les domaines de la vie des individus, dans la famille et dans la société », et assène que « le musulman n’existe pas en tant qu’individu indépendant ». « Si  Izetbegović proclame l’impossibilité d’instaurer un « État islamique » dans un pays qui n’est pas à majorité musulmane, il y prétend aussi « l’impossible coexistence pacifique entre religion islamique et institutions non-islamiques », d’où la glorification du djihad contre les Infidèles ».En 1990, Izetbegovic fonde le Parti d’Action démocratique (SDA). Il bénéficie alors de soutiens en Europe et aux États-Unis, où il est présenté comme un « islamiste modéré ». Pendant la guerre civile, les nationalistes islamistes bosniaques vont accueillir plusieurs milliers de moudjahidin albanais, afghans, algériens financés par de, l’argent saoudien et des Émirats. Ils forment le noyau de la sinistre 7e Brigade musulmane qui brilla par ses atrocités. Izetbegović va même recréer la division Handjar, un hommage à la fameuse division de la SS à laquelle il a participé pendant la Seconde Guerre mondial ». La couverture ci-contre du numéro d’octobre 1991 du magazine de Sarajevo Novi Vox montrait un officier bosniaque musulman nazi posant son pied droit sur la tête décapité et sanglante du leader Serbe bosniaque Radovan Karadzic. Le titre : “La Division Handzar Division est prête.”

Quand la guerre éclate en Yougoslavie en 1992, la communauté juive transporte les personnes âgées en Croatie et Serbie et envoie des enfants en Israël. Elle se constitue des réserves alimentaires et en médicaments.
À Sarajevo, elle aide les Bosniaques de toute religion. Elle bénéficie du soutien d’organisations juives européennes, de l’American Jewish Joint Distribution Committee (JDC) et du World Jewish Relief. La « Benevolencijia, société culturelle et éducative juive en activité de 1892 à 1941 et depuis la fin de la Guerre froide, aide tous les citoyens de Sarajevo et, plus largement, de Bosnie-Herzégovine, sans distinction de croyance, procédant notamment à l’évacuation de 3 000 réfugiés musulmans, serbes et croates en dehors de la capitale bosniaque. Elle s’est ainsi imposée comme l’unique organisation humanitaire bosniaque partenaire du Haut commissariat des Nations unies aux réfugiés (HCR). Le club de femmes de l’association Bohoreta – du nom de Laura Papo-Bohoreta, écrivain féministe sépharade de Sarajevo du début du XXe siècle –, s’est particulièrement distingué durant la guerre, entre 1992 et 1995 en portant assistance aux personnes âgées et malades et aux enfants, distribuant des repas et des vêtements et servant de centre de distribution du courrier à tous les citoyens de Sarajevo quand les services postaux n’étaient pas opérationnels pendant le conflit. »
En 2018, sur les 1000 Juifs de Bosnie, 700 à 800 vivent à Sarajevo dont la synagogue est toujours en activité. Les trois quarts des Juifs de la capitale bosniaque sont sépharades ; le ladino est parlé par les plus âgés. La vie juive culturelle et sociale est dense.

« Flâneries dans les Balkans. Sarajevo » de Caroline Haertel et Mirjana Momirovic

Allemagne, 2018
Sur Arte les 24 février 2022 à 18 h 55 et 10 mars 2022 à 7 h 50
Sur arte.tv du 23/02/2022 au 25/03/2022
Visuels :
© DR

[Source : http://www.veroniquechemla.info]

Puede haber neologismos bien formados con los recursos del español y que sin embargo nos parezcan feos

Prueba de antígenos de covid-19, gripe B, SARS-CoV-2 y gripe A.

Escrito por ÁLEX GRIJELMO

La posibilidad de que la covid se aborde pronto como una simple gripe nos ha traído los neologismos “gripalizar” y “gripalización”. Se oyen críticas al respecto.

El sufijo -izar sirve para añadirlo a sustantivos o adjetivos y convertirlos en una acción: “normalizar”, “carbonizar”, “españolizar”… Y por ese carril discurre “gripalizar”; es decir, que la covid se vuelva como una gripe; que se gripalice. Y que con ello se produzca una gripalización.

En este tipo de debates sobre un neologismo, conviene distinguir entre palabras bien o mal formadas y palabras que a uno le gusten o no. Es decir, puede haber palabras correctas que nos parezcan feas.

“Gripalizar” y “gripalización” podrán parecerles un engendro a muchos, pero se trata de un engendro bien engendrado. Se ha montado con piezas disponibles (el adjetivo “gripal” y del sufijo -izar) que se ensamblan con eficacia objetiva. Pero el estilo –lo desagradable y lo grato– concierne ya al gusto de cada cual. Eso sí, a partir de innumerables gustos individuales coincidentes se conforma una idea general del buen estilo, basado (entre otros factores) en palabras comprensibles para el público previsto y que en su contexto ofrecen armonía y ritmo. El mal estilo, por el contrario, suele incurrir en imprecisiones, reiteraciones, cacofonías, pleonasmos, cursilerías… Los viejos libros de retórica ya analizaban todo eso.

Otro término alumbrado ahora sirve como contraste frente a la formación adecuada “gripalizar”: “flurona”, que salta ya de un periódico a otro para nombrar la infección simultánea de gripe y covid.

Cualquier hablante del español puede mirar con su lupa dentro del verbo “gripalizar” y hallar en él tanto el sustantivo “gripe” como su derivado adjetival “gripal” y el sufijo -izar. Pero el anglicismo “flurona” le resultará opaco salvo que conozca previamente que flu se usa en inglés como abreviamiento de influenza para nombrar la gripe, y que -rona sale de “co-rona (virus)”. El sistema morfológico del español ofrecía opciones más deducibles: “griperona”, “gripona”, “gricorona”… y “coronagripe”. Todas ellas estarían bien formadas. Pero seguramente a usted y a mí nos agrada más la última. ¿Por qué? Por cuestión del gusto general, que condiciona el estilo.

Y llaman la atención aquí dos hechos curiosos.

1. El término “flurona” llegó al mundo el 2 de enero en el diario The Times of Israel, que informó sobre esa supuesta novedad. Sin embargo, la infección conjunta de gripe y covid había sido advertida en España en mayo de 2020, cuando la revista The Lancet recogía una comunicación del Hospital Clínic de Barcelona, cuyos médicos la habían observado en cuatro pacientes. Pero claro, ese texto se escribió en inglés y habla de “covid 19 and influenza coinfection”. Su derrota ante el más sintético “flurona” estaba cantada.

2. “Coronagripe” ya circulaba por aquí antes. La hallo por ejemplo en un artículo del 25 de abril de 2021 en Granada hoy firmado por Magdalena Trillo, quien explicaba que la covid se convertiría en una coronagripe (o sea, que se gripalizaría).

Ahora bien, ¿por qué escribimos ahora “flurona” si está a nuestro alcance “coronagripe”? Volvemos al camino andado: el complejo de inferioridad. The Times of Israel aportó “flurona” en inglés y se extendió… en español. Pero bien podemos imaginar que si a ese mismo diario le hubiera llegado desde aquí el vocablo “coronagripe”, lo habría traducido como “flurona”, al imaginar que casi ninguno de sus lectores entendería la palabra en español.

 

[Foto: MYUNG J. CHUN (LOS ANGELES TIMES VIA GETTY IMAG) – fuente: http://www.elpais.com]

Ces femmes qui incarnent à elles seules les Années folles fascinaient déjà leurs contemporains.

Au moment où émerge la figure de la garçonne, la mode commence à jouer un rôle majeur dans la formation des représentations. | Wolfgang Sterneck via Flickr

Au moment où émerge la figure de la garçonne, la mode commence à jouer un rôle majeur dans la formation des représentations. | Wolfgang Sterneck via Flickr

Écrit par Christine Bard 

Figure phare des Années folles, la garçonne a gravé dans l’imaginaire collectif sa silhouette androgyne et ses cheveux courts. Symbole d’une émancipation controversée, elle cristallise les tensions d’une société ébranlée par la guerre, partagée entre fièvre de liberté et retour à l’ordre moral.
En nous propulsant au cœur d’une décennie fantasmée, Christine Bard analyse une révolution des représentations. Elle en saisit les déclinaisons, de l’univers de la mode à la scène lesbienne en passant par la littérature et le célèbre roman de Victor Margueritte. La garçonne incarne avec force l’ambivalence d’un monde en plein bouleversement.

L’essai réunit la culture des apparences, l’histoire politique et l’histoire sociale pour mieux cerner la puissance de cette figure entre subversion et modernité.

Nous publions l’introduction de Les garçonnes – Mode et fantasmes des Années folles de Christine Bard, paru le 13 octobre 2021 aux éditions Autrement.

La garçonne des Années folles résume la légende des années 1920. Le mot s’impose en 1922 avec le roman de Victor Margueritte, La Garçonne, et avec le succès foudroyant de la coupe de cheveux du même nom. Cette allure nouvelle excède le simple phénomène de mode. Le dictionnaire définit en effet la garçonne comme une «jeune femme menant une vie indépendante». Cette riche polysémie atteste le rapport entre la culture des apparences et l’histoire sociale: instrument de domination, la parure –et ses tortures que le XIXe siècle a raffinées– est aussi le lieu possible d’une libération.

Les facettes troublantes de cette «femme nouvelle» dérangent et fascinent les artistes, les journalistes, les moralistes. Ils nous en livrent de nombreuses représentations, révélatrices de leurs fantasmes et de leurs convictions, à la croisée de deux topiques particulièrement attractifs: la modernité et «la femme», liés dans une interrogation parfois joyeuse, mais le plus souvent inquiète, sur le brouillage des identités sexuelles. Le marquage du sexe par le vêtement est en effet un trait culturel fondamental. Il assigne chaque sexe à sa place dans toutes les manifestations de la vie sociale. Certes, la vieille tradition carnavalesque et la comédie autorisent bien des transgressions, mais l’inversion des rôles provoque un rire qui renforce souvent l’ordre établi.

Seule l’«inversion sexuelle», qui intrigue tant les médecins depuis le XIXe siècle, crée un trouble lisible dans les apparences. La mode de la garçonne transgresse donc un double tabou: celui de la différenciation sexuelle du genre vestimentaire mais aussi celui de l’homosexualité féminine. Préparée par l’explosion de la littérature saphique de la Belle Époque, la visibilité lesbienne devient éclatante dans les années 1920. La garçonne évoque inévitablement le goût des «inverties» pour le travesti. Dès 1889, Richard von Krafft-Ebing estime que l’«on peut presque toujours suspecter l’uranisme chez les femmes qui portent des cheveux courts ou qui s’habillent comme des hommes ou qui pratiquent les sports et passe-temps de leur entourage masculin; de même chez les chanteuses d’opéra et les actrices qui se montrent sur scène de préférence en travesti».

Les adversaires de l’émancipation des femmes ne manquent pas d’assimiler les garçonnes et les lesbiennes, utilisant ainsi l’homophobie/la lesbophobie contre l’ensemble des femmes. Car il n’est pas seulement question d’excentricité vestimentaire ou de mœurs: la garçonne semble témoigner des progrès inexorables du féminisme.

La garçonne touche un point sensible de l’imaginaire national, et les débats qu’elle soulève mettent à nu une dialectique tendue entre nostalgies archaïques et désir de modernité.

Sa déviance s’inscrit dans une époque précise, celle de l’après-guerre, celle de l’avant-Vichy. «L’esprit de jouissance l’avait emporté sur l’esprit de sacrifice», déclare Pétain en 1940, désignant la culpabilité des femmes pour mieux les renvoyer à leur «fonction naturelle», la maternité. Sans la garçonne, figure emblématique d’un défoulement collectif après les angoisses et les privations de la guerre, le mythe de l’éternel féminin aurait-il repris une telle vigueur dans les années 1940?

Paris, capitale de la mode, rendez-vous de l’avant-garde artistique, est au cœur de cette histoire. La Ville lumière bénéficie aussi de sa légendaire liberté de mœurs et de la réputation de tolérance de ses habitant·es. Réputation surfaite, sans doute, mais efficace. Paris accueille les influences étrangères, et la culture française intègre, non sans réticences, des idées, des produits, des films, des mots venus des États-Unis. Les Américain·es expatrié·es, peu nombreux mais remarqués, influencent l’air du temps. Paris, enfin, reste «la ville de la Femme». La France excelle dans l’apologie de l’éternel féminin et en diffuse une version flatteuse pour l’ego national, celle de l’élégance. Ce trait culturel explique la virulence des polémiques sur la masculinisation des femmes. La garçonne touche un point sensible de l’imaginaire national, et les débats qu’elle soulève mettent à nu une dialectique tendue entre nostalgies archaïques et désir de modernité.

Le mot «garçonne» lui-même se prête à de multiples interprétations. En partant à la recherche de toutes ses connotations, on découvre comment se constitue un mythe contemporain, surgi du magma de la culture de masse, empruntant à toutes les manifestations de la vie sociale. La garçonne n’entre pas dans l’imaginaire par la voie royale de la «grande littérature», des avant-gardes honorées par la postérité: les surréalistes ignorent la garçonne, trop triviale. C’est au contraire la littérature populaire –Victor Margueritte– qui assure le succès du nouveau modèle, en même temps que la mode qui en influence la perception et lui fournit son vocabulaire.

Loin d’être clos sur lui-même, ce discours de mode emprunte à l’air du temps tout en le créant. Sa rhétorique contamine le style des mémorialistes et des diaristes. Le goût des longues énumérations éclectiques, par exemple, y fait florès: de la garçonne, on dira qu’«elle adore» pêle-mêle «Freud», «le jazz», «les cheveux courts», «les partouzes», «Rudolf Valentino» et «les chiens pékinois». Remarquable contagion que l’on peut observer évidemment chez Paul Morand, le grand apologiste de la modernité des Années folles, mais aussi chez Emmanuel Berl, Maurice Sachs, Robert Brasillach, Maurice Bardèche. Ces juxtapositions insolites témoignent d’un temps riche de désirs, pétri de confusions, mais aussi, dit-on, dépourvu de hiérarchie, ce qui explique le succès de ce procédé chez des écrivains qui, après avoir goûté, ou avoir regretté de n’avoir pas vécu, les délices de l’hédonisme d’après-guerre, sont devenus les chantres d’un «ordre nouveau».

C’est la littérature populaire qui assure le succès du modèle de la garçonne, en même temps que la mode qui en influence la perception et lui fournit son vocabulaire.

La mode, il est vrai, offre aux écrivains les vertus poétiques de son lexique pour décrire la sensualité d’un vêtement, d’une matière, d’une couleur. Elle introduit aussi dans les récits une temporalité rythmée par le renouvellement de ses engouements. La longueur de la robe, baromètre du changement, devient ainsi un élément poétique de mesure du temps, source inépuisable de descriptions suggérant le climat de l’époque. Au moment où émerge la figure de la garçonne, la mode commence à jouer un rôle majeur dans la formation des représentations. L’écrit cède du terrain à l’image (affiches, publicités, dessins de mode, photographies de mode, d’art, d’information, peinture).

Grâce à son succès populaire, le cinéma fait entrer des stars, comme Dietrich ou Garbo, dans la légende de la garçonne. De ce cliché qu’est avant tout la garçonne, on trouve enfin des traces dans le discours politique, au sens large du mot. La voilà alors érigée en symbole de l’émancipation des femmes et de la «libération» –ou de la «dépravation»– des mœurs. Pamphlets, articles et caricatures abondent, surtout dans le camp de la droite, qui a fait de la dénonciation de la corruption des mœurs et de l’apologie des valeurs familiales son cheval de bataille. Mais la gauche se laisse gagner par la contagion et contribue à la formation d’un consensus républicain autour de valeurs traditionnelles. Par sa polysémie même, par ses douteuses et incertaines origines, la «garçonne», contrairement à la «femme nouvelle», à la «femme émancipée» du début du siècle, n’entre pas dans un cadre idéologique précis. Elle échappe même aux féministes, qui la condamnent.

La garçonne est donc avant tout un être de mots et d’images. Pour les féministes, cet être sort tout droit de l’imagination masculine. Le premier écrivain à avoir employé le mot, à avoir usé du pouvoir démiurgique de la nomination, est un homme: Joris-Karl Huysmans, écrivain fin de siècle, naturaliste mystique et misogyne, à propos d’une jeune femme androgyne et perverse au «sein dur et petit, un sein de garçonne, à la pointe violie». Victor Margueritte –le «Zola» des années 1920–, représentant d’un naturalisme plus «social», «progressiste» et plutôt philogyne, donnera au néologisme sa notoriété. Avec ces deux pères, la garçonne dispose d’une hérédité à la fois propice au fantasme et au commentaire social.

C’est dans un imaginaire encore très proche du XIXe siècle qu’il faut situer l’hypersexualité de la garçonne, proche parente des nymphomanes, tribades et prostituées du siècle victorien. La nouveauté des années 1920 réside peut-être dans cette idée que le «vice» n’est plus confiné dans les marges (aristocratie décadente et bas-fonds), mais gangrène le cœur de la société bourgeoise, pompe la sève des élites et se démocratise dans les classes moyennes.

Loin d’être dupes, ces femmes disent la part de rêve qu’elles trouvent dans la mode –rêve d’identité et d’altérité– et la part de jeu qu’elle procure.

Autre conviction de l’époque, le vice autrefois hypocritement caché s’étalerait désormais au grand jour à grand renfort de reportages voyeuristes, de complaisance exhibitionniste et de justifications «freudiennes». Est-il utile de préciser ici que toute cette littérature de dénonciation du vice fournit aux vertueux quelques frissons inavouables?

Les femmes évoquent la garçonne dans des textes qui sont plus réalistes, plus concrets, plus critiques et plus personnels. Certes, beaucoup participent à l’écriture de la mode et affectionnent cet univers qui modèle leur imaginaire, leur apparence, les soins qu’elles apportent à leur corps. Mais, loin d’être dupes, ces femmes disent la part de rêve qu’elles trouvent dans la mode –rêve d’identité (être soi) et d’altérité (être une autre)– et la part de jeu qu’elle procure: «jouer au garçon», écrit Colette, dont la lucidité et l’humour accompagnent le cheminement de ce livre.

[Photo : Wolfgang Sterneck via Flickr – source : http://www.slate.fr]

En un contexto digital en el que las redes sociales generan el retrato del mundo, la vulnerabilidad económica sigue siendo relegada –en ocasiones, de forma intencionada– a un plano invisible. Como si la realidad de hoy fuese la que dibujó Julio Cortázar hace 70 años: una sociedad que se lamenta de la pobreza, pero huye de ella.

TikTok

Escrito por Mauricio Hdez. Cervantes

El mundo tiene dos maneras de mostrarse: como uno imagina que es; y como lo es en realidad. Respecto a la primera opción, en tiempos de una revolución digital ya plenamente asentada, Instagram (con 1.386 millones de usuarios, la cuarta red social más grande después de Facebook, Youtube y Whatsapp) y, especialmente, TikTok son las herramientas más potentes para hacerlo. En cuanto a la segunda, basta con salir a la calle, buscar un nuevo empleo o mirar algunas cifras duras –como los 800.000 nuevos pobres que, según Oxfam Intermón, ha dejado la pandemia en España–.

La situación es aún peor en otros países como México, donde la cifra oficial de personas que cayeron bajo el umbral de la pobreza en los últimos tres años roza los 10 millones. ¿Y en Venezuela? Allí la realidad superó incluso a la ficción hace tiempo: el salario mínimo de los venezolanos es de 98 céntimos al mes. Aunque hay que tener en cuenta que sus datos, marcados por la opacidad, siempre aluden a estimaciones, por lo que queda un margen inexistente para pronósticos optimistas.

A pesar del contexto socioeconómico, las redes sociales aportan una realidad completamente (y aparentemente) distinta que lleva a ignorar, como norma, la vulnerabilidad. La filósofa Adela Cortina ya le dio nombre a ese fenómeno: aporofobia. Rechazo a la pobreza, a la marginalidad. Acuñado hace más de 20 años, no fue hasta 2017 cuando la Fundeu lo consideró como un neologismo válido y la distinguió como ‘palabra del año’. A propósito de su impacto social, Cortina hablaba de la aporofobia como «un auténtico delito contra la dignidad humana», y, en especial, «contra aquellas personas que viven en la fragilidad más extrema».

Un fenómeno de criminalización de las personas más indefensas del sistema económico que ha sido una constante histórica, si bien ahora recrudecida digitalmente por el contexto en el que nacieron las redes sociales: de acuerdo con un estudio de la Royal Society of Public Health, ya en 2017, Instagram se consideraba nociva para la salud mental de los jóvenes, pues la tendencia de los cuerpos idealizados en atuendos a la moda, luciendo vidas perfectas, y, en esencia, exhibiendo ‘postales’ idílicas lo más alejado posible de la realidad demostró disparar la ansiedad y la depresión. Algo no muy distinto sucede hoy con TikTok, que ha sido testigo de un crecimiento meteórico. Y es que, según la plataforma Empantallados y GAD3, ocho de cada diez padres reconoció que para sus hijos era imprescindible estar en las redes sociales para sentirse integrados. Aceptados por la sociedad en virtud de la moda, los viajes, las experiencias.

¿Dónde quedan entonces los que no pueden comprar un smartphone o no cuentan con recursos económicos para cumplir con esas exigencias de vida? La respuesta es sencilla: en la exclusión. Precisamente TikTok saltó a la polémica el año pasado cuando el medio The Intercept consiguió acceder a las normas internas de la empresa china que solicitaban a los moderadores de la plataforma penalizar a usuarios considerados «pobres, gordos, feos o que mostraran alguna discapacidad».

Más concretamente, la compañía obligaba a los algoritmos a omitir vídeos donde se visualizaran «decoraciones poco respetables, grietas en paredes, pobreza rural y barriadas» para evitar que aparecieran en la página de inicio de la app. Así, los periodistas responsables de la investigación concluían que «los documentos revelan que se necesita muy poco para ser excluido para atender al objetivo principal de la plataforma: atraer nuevos usuarios». Como argumento, los documentos defendían, textualmente, que «si la apariencia del protagonista del vídeo o el entorno en el que se graba no es buena, el contenido es mucho menos atractivo y no puede mostrarse a los nuevos usuarios». En tiempos en los que la monetización de contenido digital a través de las visualizaciones se presenta como una pata relevante del sistema económico, estas normas no solo alejan a aquellos con menos recursos del acceso del contenido mundial de la aplicación, sino que les priva de la oportunidad de incrementar sus ingresos y mejorar su situación. Y contribuyen a alimentar esa realidad idealizada que omite la pobreza. 

La aporofobia desde la ficción cortazariana

Mucho antes de que Adela Cortina tratara la cuestión de la otredad y la digitalización llevara a TikTok a esta moderación de la pobreza; sociólogos, economistas y periodistas ya habían tratado de encontrar el motivo de esta problemática. Ryszard Kapuściński, por ejemplo, escribió sobre ello en su libro Encuentro con el otro, donde relata que no han sido pocas las comunidades que han optado por confrontar y conquistar al considerado ‘diferente’ antes que apostar por la cooperación y el desarrollo conjunto. Menciona, además, que el mundo –el físico– está plagado de monumentos y vestigios arqueológicos que representan el rechazo al ‘otro’, lo que alimenta la memoria colectiva e inconsciente de las sociedades.

También el escritor argentino Julio Cortázar lo abordó hace 70 años con Casa tomada, en su legendario Bestiario (1951), un relato que pone el miedo al ‘otro’ como protagonista narrando la angustia de una pareja de hermanos de la antigua aristocracia bonaerense al sentir que alguien ha irrumpido en su mansión porteña (heredada de sus bisabuelos). El narrador, cuyo nombre jamás es revelado, e Irene, su hermana, comienzan una fuga interior, como si estuviesen siendo perseguidos o amenazados, puertas adentro de la casa –y de sus vidas– ante el temor de que alguien haya entrado a despojarles por la fuerza de sus gustos, de su presente y de su pasado.

Una de las formas más comunes de interpretar ese relato –considerado como el ‘clásico de clásicos’ por la crítica literaria– es desde el contexto de la problemática social de la Argentina de mediados del siglo XX. La hipótesis Sebreli (atribuida al sociólogo, filósofo, y crítico literario, Juan José Sebreli) es una de las más populares y establece la casa como una analogía de la Argentina misma y a los ‘ocupantes’ (spoiler: jamás se conoce ni sus identidades, ni sus motivos) en representación de los sectores más pobres, aquellos que –a ojos de muchos– vienen a quedarse con lo que ya está tomado. Una representación de la confrontación social y política que sigue vigente en la actualidad del país y que, en el contexto de cada nación, puede extrapolarse a otros.

«Antes de alejarnos tuve lástima, cerré bien la puerta de entrada y tiré la llave a la alcantarilla. No fuese que a algún pobre diablo se le ocurriera robar y se metiera en la casa, a esa hora y con la casa tomada», cierra este relato de Cortázar. Una ficción convertida en realidad en la que no solo se siente lástima de la pobreza, sino que se le da la espalda y se huye de ella.

 

[Fuente: http://www.ethic.es]

Pour persuader le peuple de la supériorité de son régime, Hitler a recouru à une novlangue répondant à des règles précises. Voici lesquelles.
Écrit par Michel Feltin-Palas
Les mots, parfois, deviennent des armes politiques. Les premiers à l’avoir compris sont sans doute les Révolutionnaires français, qui modifièrent les noms de lieux (Tremblay-le-Vicomte devint Tremblay-sans-Culottes) ; les civilités (« citoyen » et « citoyenne » à la place de « monsieur » et « madame ») et même la manière de diviser le temps (nivôse, pluviôse, ventôse remplacèrent les anciens mois de janvier, février, mars). Bien des régimes totalitaires retinrent la leçon, au premier rang desquels l’Allemagne nazie.
La manière dont Hitler et ses affidés créèrent une novlange a été étudiée de manière magistrale par Victor Klemperer. Converti au protestantisme, mais juif de naissance, ce spécialiste des langues romanes ne dut longtemps son salut qu’à son épouse, Eva, considérée comme « racialement pure ». Du moins jusqu’en février 1945, date à laquelle tous deux furent envoyés en camp de concentration dont ils réchappèrent par miracle « grâce » au bombardement de Dresde par les Alliés. Après-guerre, ce grand philologue se replongea dans son journal intime, où il avait consigné les transformations de la langue allemande imposées par les nazis. Il en tira un livre, qu’il intitula LTI, pour Lingua Tertii Imperii, soit la langue du IIIe Reich. Celui-ci fait aujourd’hui figure de référence sur ce sujet. En voici quelques illustrations.
· Le « peuple » pour étendard. Les nazis veulent à tout prix convaincre les Allemands que le nouveau régime est à leur service. Aussi multiplient-ils les néologismes comprenant le mot Volk, « le peuple ». C’est alors, par exemple, qu’est créée la marque Volkswagen (la « voiture du peuple ») et que sont promus les volksgenosse (« camarades du peuple ») et les volksfest (« fêtes du peuple »).
· Des mots martelés jusqu’à l’abrutissement. « Peuple » n’est pas le seul terme ainsi martelé à l’envi. D’autres servent à légitimer la discrimination (« étranger à l’espèce », « de sang allemand », « racialement inférieur », « nordique », …) ou à favoriser l’absence de réflexion (« spontané », « instinct », « aveuglément », …). Certains illustrent le caractère totalitaire du régime (« éternel », « historique », « mondial »). Selon Klemperer, ce lexique est à la fois le moyen de propagande privilégié du régime et le révélateur de sa nature profonde.
· Un vocabulaire religieux. Ennemi fanatique des juifs, mais aussi, dans une moindre mesure, des chrétiens, le régime nazi n’en emprunte pas moins son vocabulaire à l’univers religieux, et notamment au catholicisme. Qu’il s’agisse du culte des « martyrs » du parti, de la « résurrection » de l’empire grand-allemand ou de la présentation d’Hitler comme un nouveau « Sauveur » guidé par la « Providence ». Comme s’il fallait répandre la « foi » dans une nouvelle église.
· Le recours aux sigles. Ce n’est pas un hasard si Klemperer choisit pour titre LTI, une suite de trois lettres a priori incompréhensible. Il fait ainsi référence au goût prononcé des nazis pour les sigles. Parmi les plus célèbres : SS, pour Schutzstaffel (échelon de protection) et SA pour Sturmabteilung (section d’assaut). Selon Klemperer, le recours à ces abréviations permet à la fois de mécaniser le langage et de déshumaniser les êtres.
· Un goût prononcé pour les superlatifs. « Héroïque », « fanatique », « ploutocratie » … Le IIIe Reich use et abuse d’un registre hyperbolique qui vise à habituer les esprits à l’exagération, à anesthésier la réflexion, à empêcher le recul et l’analyse. Ce recours à l’emphase, écrit Klemperer, vise à provoquer « un état d’hébétement, d’aboulie et d’insensibilité » qui permet de trouver « la masse nécessaire des bourreaux et des tortionnaires ».
· Des changements de sens. Le IIIe Reich invente des mots nouveaux, tels Untermenschentum (sous-humanité), entjuden (déjudaïser), arisieren (aryaniser) ou aufnorden (rendre plus nordique). Le plus souvent, toutefois, il s’emploie à modifier le sens du vocabulaire existant. Traiter un individu de fanatique était auparavant péjoratif ? Désormais, il s’agit de louer son courage, sa volonté et son dévouement au führer. À l’inverse, le régime recourt parfois à l’euphémisation. Une aktion masque en réalité un massacre et les figuren (marionnettes) des cadavres.
· Même la typographie est mise au service du nazisme. Le signe SS est dessiné avec des runes, un alphabet ancien utilisé dans l’écriture des langues germaniques. Il s’agit d’inscrire le régime dans la continuité de l’Allemagne éternelle et de mieux asseoir sa légitimité en recourant à une erreur de raisonnement classique : si la langue utilisée est plus ancienne que les autres, alors elle est plus prestigieuse, et le peuple qui l’emploie est fondé à exercer une forme de prééminence.
Klemperer comprit donc très tôt les raisons pour lesquelles Hitler et les siens s’employèrent à modifier l’allemand pour façonner les esprits et renforcer leur pouvoir. Et l’on aimerait être certain que ces méthodes appartiennent définitivement au passé…
(1) Voir notamment le documentaire consacré à ce livre : La langue ne ment pas

 

 

[Source : http://www.lexpress.fr]