Archives des articles tagués Théâtre

abaixar la persiana

Primera documentació: 3/03/2016

Tipus sintagmació
Contextos
L’històric teatre de Gràcia, gran planter de la dramatúrgia catalana contemporània, temps de mudança a la Beckett abaixa la persiana i es trasllada, 27 anys després, al Poblenou, on celebrarà al novembre la inauguració oficial d’un espai catalogat com a fàbrica de creació. [El Periódico, 3/03/2016]
En Kenya i l’Anna Perayre van abaixar la persiana del seu restaurant del carrer Regàs de Barcelona per obrir, el desembre passat, Wagokoro a Gerri de la Sal, al plàcid municipi del Baix Pallars, a prop de Sort. [La Vanguardia, 15/08/2021]
Observacions En acabar la jornada laboral, els comerciants tanquen els establiments i n’abaixen les persianes, per tornar-les a apujar l’endemà al matí i continuar oferint els seus serveis o els productes als consumidors. En aquests casos, el significat del sintagma abaixar la persiana és literal; és la suma dels significats dels mots que el formen.

Prenent com a referència la idea de tancament, la construcció abaixar la persiana s’ha lexicalitzat i ha adquirit un segon sentit, proper al del verb clausurar. Figuradament, doncs, designa l’acció de tancar un negoci de manera definitiva. Tot i això, l’ús d’aquesta locució verbal no es limita únicament a les botigues físiques o els locals, sinó que s’aplica a totes les activitats econòmiques, siguin del tipus que siguin, tal com s’observa al primer context.

 

[Font: neolosfera.wordpress.com]

Ingrid Caven

Escrito por Heitor Augusto

Ingrid Caven, Musica e Voz não é um filme, mas um show filmado. As impressões deste texto se guiam por essa constatação: o filme-show corresponde mais a um desejo de Bertrand Bonello em registrar Ingrid no palco e dividir com o mundo essas imagens do que fazer um documentário ou retrato de uma artista. É um registro de urgência, já que Bonello a filmou na última apresentação do Cité de la Musique, em Paris.

Só não é de todo descabido procurar resquícios de filme na peça musical de Bonello porque a protagonista, Ingrid, não só é atriz, mas articula seu show como um pequeno teatro. Ela, muito branca, cabeleira loura, atirada no pretume do palco, fazendo malabarismos com a voz, ora lírica, ora artista de cabaré. Ela sozinha justifica o uso do termo cênico nesse filme-show.

A impressão é que Ingrid é uma personagem saída de Berlim Alexanderplatz. Nos momentos em que ela se entrega  ao calor do palco, há uma vaga lembrança da atmosfera, da volúpia e do desequilíbrio do epílogo da antológica série de Fassbinder.

A referência ao diretor alemão não é à toa. Ingrid é uma de suas ex-companheiras (a lista é longa e tem tanto homens quanto mulheres) e também trabalhou em seus filmes – maior destaque para Num ano de 13 luas.

Espectadores desavisados na Mostra foram assistir a Ingrid Caven, Música e Voz provavelmente sem saber que se tratava de um show filmado. Resultado: a sala terminou praticamente vazia. Não é para tanto: se não temos um filme ou se em nada ele lembra o impacto de L’apollonide – Os Amores da Casa de Tolerância, Ingrid dá conta de prender a atenção.

Há um pouco de cabaré, de Brecht, de Stockhausen e de Fassbinder na sua performance. E há algo de fantasmagórico no pretume do palco que envolve a brancura de Ingrid, no jeito de cantar, que desafia o formato da canção popular de disco. Trechos de sua performance me lembraram o trabalho que Thiago Pethit tem feito aqui no Brasil.

Só não dá para se debruçar sobre Ingrid Caven, Música e Voz como fazemos com um filme. Que o vejamos como um show filmado. E aguardemos o próximo filme de Bonello.

 

[Fonte: http://www.revistainterludio.com.br]

Xesús Ron (coord.)

Chévere 1987-2022. Trinta e cinco anos de axitación cultural. Isto non pode ser obra de galegos!

Kalandraka, Pontevedra, 259 páxinas, 39 €, 2022

 

Escrito por Ramón Nicolás

Hai escasos días a peza N.E.V.E.R.M.O.R.E., da compañía Chévere, resultaba galardoada na modalidade de Artes Escénicas dos Premios da Crítica Galicia 2022. Cadra este premio, pois, con outro galano que nesta ocasión chega ás persoas interesadas no teatro, aínda que non só, grazas ao traballo -coidadoso e requintado- de Kalandraka: editora que desde hai tempo vai dando a coñecer as diversas pezas teatrais da compañía compostelá e que, coa edición deste Chévere 1987-2022 epilogado por Roberto Pascual, posibilita que accedamos á reconstrución das experiencias acumuladas polo grupo ao longo dos seus trinta e cinco anos de vida, isto é, desvela o ADN desta compañía de axitación teatral.

Asomarse ás páxinas deste libro supón, dalgunha maneira, achegarnos á súa intrahistoria, a todas aquelas vicisitudes experimentadas, cheas de atrancos mais tamén de grandes e extraordinarios logros, que agora xa é tempo de calibrar na voz dos seus propios protagonistas. Mais este volume non resulta unicamente operativo para coñecer polo miúdo as claves dunha filosofía e dunha traxectoria sólida e insubornable pois coma se fose un libro de conversas coral e espontáneo, a través da voz dos seus catro integrantes máis estables como son Miguel de Lira, Xesús Ron, Patricia Lorenzo e Manuel Cortés, aproxímansenos as dinámicas que abrazou unha compañía estable referencial, sen esquecer nin as dimensións do que significou ese espazo alternativo que foi a Nave de Servizos Artísticos-Sala Nasa desde 1992 ata o seu peche provocado por persecución política, nin tampouco as montaxes que neste tempo se foron sucedendo, alén de nos achegar, por extensión, aqueles acontecementos culturais e socio-políticos máis recentes aos que o grupo sempre estivo atento.

Sen abandonar a ironía, presente no subtítulo e tan acaída ao espírito do grupo, esta sorte de fotobiografía colectiva conta cun abondoso material documental e fotográfico e  confirma como se pode abrazar unha idea, perseverar nela e gradualmente converterse talvez sen querelo nunha parte indisociable do noso imaxinario cultural e colectivo recente polo seu compromiso, por non ter medo á transgresión e por exhibir talento a mancheas. Por moitos anos.

 

[Fonte: cadernodacritica.files.wordpress.com]

El dinámico sello neoyorquino Pro Latina Press expresa sus logros y proyectos a través de una entrevista realizada a su titular, María Amelia Martin (1). Recientemente fue incorporada a su fondo editorial la colección Narradoras Latinoamericanas.

María Amelia Martín – (foto: cortesía de Pro Latina Press)

Escrito por LUIS BENÍTEZ

¿Cuál es la trayectoria de Pro Latina Press hasta la fecha?

Pro Latina Press es un sello editorial con poco más de un año de trayectoria. Iniciamos la actividad en septiembre de 2021 con el lanzamiento de la colección Literatura de los confines, integrada por seis títulos de escritores del nordeste argentino. En esa colección, que coeditamos con Editorial Palabrava de Argentina, hay cuentos y novelas de excelentes narradores como José Gabriel Ceballos, Enrique Butti, Patricia Severín, Susana Ibáñez, Carlos Roberto Morán y Yamil Dora, todos ellos autores que estuvimos felices de acercar a nuevos lectores aquí en Estados Unidos. Nuestra segunda colección, lanzada en los primeros meses de este año, es la de Narradoras Latinoamericanas, la cual nos genera muchísimo entusiasmo, y que hasta el momento cuenta con cuatro títulos a los que vamos a ir sumando otros en los próximos meses. La nuestra es una trayectoria corta pero a pesar del poco tiempo que llevamos en el mercado editorial, ya publicamos diez títulos y todos tuvieron una muy buena recepción.

¿Cuáles son los principios rectores y los criterios empleados por su sello editorial?

El principio que sustenta este sello editorial es el de la calidad literaria de los textos que se publican. A ese criterio sumamos el de la calidad del diseño gráfico y de todo lo que hace al cuidado de la edición, para lo que contamos con un equipo técnico magnífico. Fundamos este espacio con el objetivo de promover la obra de escritores latinoamericanos, incluyendo la de aquellos que residen lejos de las grandes capitales de Latinoamérica y que, por distintas razones, no siempre logran acceder al mercado internacional. Intentamos crear un puente entre estos autores y lectores de otras latitudes y de esa manera, ayudar a difundir la literatura que se produce en las distintas regiones de Latinoamérica.

¿Por qué sumó a su fondo editorial una colección de narradoras latinoamericanas?

Sumamos esta colección para apoyar el impulso que en este momento tiene la mujer latinoamericana en el ámbito de la creación literaria. Lamentablemente, en algunos países de nuestro continente el hecho de ser mujer todavía supone desventajas en algunos aspectos de la vida. Como bien ilustra nuestra autora Denise Phé-Funchal en su novela Ana sonríe, el género puede ser un factor determinante en países como Guatemala, así como en otros de Latinoamérica, por lo que nos parece importante acompañar toda expresión que sirva para darles una presencia activa dentro del espacio en el que nos movemos, que es el de la literatura. Pero hay otras dificultades que se suman a la cuestión del género. Nuestras autoras nos hablan de la distancia que impone la geografía a los escritores de países como, por ejemplo, Bolivia o Paraguay; no solo en cuanto a la proyección internacional de lo que se escribe en el país, sino también en cuanto a lo que de literatura les llega de otras partes del mundo. Y eso es algo que a mí como editora me parece importante atender porque creo que de los intercambios pueden surgir talentos que, muchas veces, se esconden detrás de la falta de oportunidades.

¿Cómo realiza Pro Latina Press la selección de las autoras que pasan a integrar esta colección?

El criterio que usamos para la selección de las autoras de esta colección, como para todos los casos, es el de la calidad de sus textos. Buscamos escritoras cuyas obras estén de acuerdo con los lineamientos de nuestro fondo editorial, que no son otros que la calidad literaria de las obras. Las autoras que seleccionamos para integrar esta colección son, además de buenas narradoras, escritoras reconocidas, premiadas y con una trayectoria importante en sus respectivos países. Cada una de ellas con un estilo particular, único, pero todas con esa fuerza que tiene la narrativa femenina.

¿Puede citar las obras que componen esta colección?

Las obras que componen esta colección son, hasta el momento, cuatro: Y en el fondo tu ausencia, una novela de ficción histórica de la escritora boliviana Rosario Barahona Michel (2), en la cual la autora rescata hechos y personajes de la Charcas del siglo XVIII y los recrea en un universo ficticio pero muy verosímil, mediante un manejo muy cuidadoso del lenguaje y excelentes estrategias narrativas. Antropofaguitas, de la escritora ecuatoriana Gabriela Ponce (3), que es un conjunto de diez relatos protagonizados por mujeres. Diez historias en las que sus personajes se van enfrentando a la vida cotidiana con una intensidad brutal y conmovedora. Humberstone, de la escritora paraguaya Mónica Bustos (4), es una novela surrealista que se va transformando como sus personajes, retratando el ciclo de la vida con desventuras que nos recuerdan que, cada tanto, todos somos extraños en un mundo que apenas conocemos. Finalmente, Ana sonríe, de la escritora guatemalteca Denise Phé-Funchal (5), una novela intensa donde, a través de la historia de tres hermanas, la autora retrata el mundo de la mujer guatemalteca. Un mundo de soledad y de maltratos donde también caben los sueños y la esperanza de escapar de una realidad que las amenaza en cada esquina. Cuatro obras muy interesantes, por cierto.

¿Que otras autoras se sumarán a la colección Narradoras latinoamericanas?

Estamos considerando varias autoras de diferentes países. La próxima a sumarse es una escritora chilena, que va a integrar nuestro catálogo con un conjunto de relatos que saldrán publicados en diciembre de 2022. Pero son varias las autoras que queremos sumar a esta colección tan especial para nuestra editorial, de manera que Narradoras latinoamericanas va a permanecer abierta de manera indefinida.

¿Qué otros proyectos tiene su sello editorial?

Tenemos varios proyectos en curso. Uno de ellos, ya próximo a concretarse, es el de una colección de poesía que queremos lanzar a fines de diciembre de 2022 y que, anticipamos, reunirá la poesía más exquisita de Latinoamérica; un proyecto con el cual cerraremos un año que ha sido extraordinario para nosotros. Más adelante, probablemente a partir de marzo de 2023, vamos a comenzar a publicar obras traducidas al inglés y ediciones bilingües. Esto nos permitirá llevar la obra de nuestros autores a un número mayor de lectores, y a promover la literatura latinoamericana más allá de sus horizontes.

 

NOTAS

(1) Maria Amelia Martín nació en la provincia de Corrientes, Argentina. Cursó la carrera de Letras en la Universidad Nacional de Mar del Plata, donde también incursionó en el ámbito de las Artes Visuales como artista plástica. Estudió francés, alemán y lenguas bíblicas en la Universidad Adventista del Plata, de Entre Ríos, y continuó su formación académica en Inglaterra con el programa de Lengua y Literatura Inglesa de la Universidad de Cambridge. Al radicarse en Nueva York trabajó como profesora de Español como Segunda Lengua en escuelas públicas e instituciones privadas. Es traductora graduada del programa de Translation Studies de Hunter College, City University of New York, y desde 2006 dirige el estudio de servicios lingüísticos, Linguistic Arts Studio, especializado en terminología legal, técnica y científica. Publicó el libro de poemas Artilugios en 2019, en Argentina, y varios de sus relatos y poemas forman parte de antologías de la editorial Dunken de Buenos Aires y de la revista en línea de Libros y Letras de Colombia. En 2020 compiló y tradujo la antología de relatos de escritores del nordeste argentino Tales of a Deep Land, publicada por Floricanto Press de California. Actualmente dirige la editorial Pro Latina Press (https://www.prolatinapress.com) con sede en la ciudad de Nueva York, de la que es cofundadora y editora.

(2) Rosario Barahona Michel es una escritora e historiadora boliviana. Estudió narrativa en la Universidad Andina Simón Bolívar, la carrera de Historia en la Universidad de San Francisco Xavier de Chuquisaca y la maestría en escritura vreativa en la Universidad de Salamanca. Participó en diversas antologías y su primera novela Huésped fue publicada en Sucre (2010). Es autora de varios artículos de historia boliviana, entre ellos: «De Asturias a La Plata: la vida y entorno del doctor Josep de Suero González y Andrade» (2010), trabajo que dio pie a su novela histórica Y en el fondo tu ausencia, la cual obtuvo el Premio Nacional de Novela (Alfaguara, 2013). (Segunda edición Pro Latina Press, 2022). Su última novela se titula De esta noche no te marchas (La Paz, 2021).

(3) Gabriela Ponce nació en Quito, Ecuador en 1977. Es narradora, dramaturga, directora de teatro y docente investigadora de artes escénicas en la Universidad San Francisco de Quito. Entre sus publicaciones está el libro de cuentos Antropofaguitas (2015) Premio del Ministerio de Cultura de Ecuador, reeditado en 2022 por Pro Latina Press, NY, el monólogo Cama (2016) y la obra de teatro Lugar (2017) Premio Gallegos Lara, y la novela Sanguínea, Candaya, España (2020). Actualmente integra el colectivo Mitómana/Artes escénicas y es cofundadora de Casa Mitómana-Invernadero cultural. Forma parte del consejo editorial de la revista digital Sycorax.

(4) Mónica Bustos nació en Asunción, Paraguay, en 1984. Publicó León Muerto, su primera novela, con Editorial Cría Cuervos, 2004. Su segunda novela, Chico Bizarro y las moscas, obtuvo el Premio de Novela Augusto Roa Bastos y fue publicada por Editorial Alfaguara en 2010. Ese mismo año fue seleccionada para participar en las Residencias para Artistas Iberoamericanos del FONCA-CONACULTA en Ciudad de México. En 2012 publicó la novela juvenil El club de los que nunca duermen para la Serie Roja de Editorial Alfaguara. En 2013 se publicó en México Novela B con Suma de Letras, que se reeditó en 2020 en España con Obscura Editorial. Humberstone, una novela corta, apareció por primera vez en la Colección de Literatura Paraguaya del Diario ABC en 2016. En 2022 se reedita en Estados Unidos con Pro Latina Press.

 

[Fuente: http://www.todoliteratura.es]

Pascal Rambert écrit et met en scène son propre texte, Deux Amis, avec deux comédiens de choix : Charles Berling et Stanislas Nordey.

L’élément déclencheur de cette tragédie présentée au Théâtre du Rond-Point est un message provenant du téléphone portable de Stanislas. À partir de ce simple appel, une sorte de drame imprévisible va peu à peu se nouer entre Charles et Stanislas. Les deux hommes sont amants et Charles, à la personnalité plutôt ombrageuse, va exiger avec une rage non dissimulée une explication sur l’origine de ce message. Bien entendu, Stanislas va opposer une farouche résistance à la demande outrancière de Charles qu’il juge insupportable.

Mais ce conflit engendré par ce message n’est qu’une simple péripétie dans ce texte foisonnant, obliquant en permanence vers des contrées inattendues. En effet, un des sujets majeurs abordés dans ce texte est le théâtre. En particulier celui d’Antoine Vitez, metteur en scène de quatre pièces de Molière, à savoir : Le MisanthropeL’École des FemmesTartuffe et bien sûr Don Juan. De tous les spectateurs qui ont eu la chance de voir ces quatre pièces de Molière mises en scène par Antoine Vitez, aucun n’a oublié la vision radicale et d’une efficacité inouïe que ce metteur en scène a su injecter dans ces pièces. Mais ce drame qui se déroule sous nos yeux ne saurait se borner à des joutes uniquement axées sur la vision novatrice d’Antoine Vitez face au génial Molière. Car les évocations du passé rattrapent avec une vélocité inquiétante nos deux amants, qui en viennent à évoquer certaines phases de leur passé commun. Comme par exemple le récit du jour où Charles a failli se noyer, secouru in extremis par Stanislas. Ce grave incident qui aurait pu se transformer en drame n’a pas eu lieu grâce à la ténacité de Stanislas, déjouant ainsi tous les traquenards tendus par la mort. Ce drame évité de justesse les unira plus que jamais face à un destin capricieux toujours prêt à frapper dans les circonstances les plus imprévisibles.

Les scènes finales s’assombrissent de plus en plus, donnant à ce drame une teinte blafarde annonçant de manière explicite et cohérente une plongée inéluctable vers ce qui ressemble à l’anéantissement.

Une pièce sans concession menée tambour battant par deux comédiens en état de grâce abordant sans détours un texte complexe, s’orientant souvent assez brutalement vers des horizons théoriquement inaccessibles.

Texte de Michel Jakubowicz

Plus d’infos

  • Deux Amis
  • Texte et mise en scène : Pascal Rambert
  • Avec : Charles Berling et Stanislas Nordey
  • Lumières : Yves Godin
  • Costumes : Anaïs Romand
  • Collaboration artistique : Pauline Roussille
  • Régie générale : Alessandra Calabi
  • Régie lumière : Thierry Morin
  • Régie plateau : Antoine Giraud
  • Direction de production : Pauline Roussille
  • Administration de production : Juliette Malot
  • Coordination de production : Sabine Aznar
  • Du 23 novembre 2022 au 3 décembre 2022, à 20 h 30
  • Théâtre du Rond-Point, Salle Renaud-Barrault
    www.theatredurondpoint.fr

 

[Source : http://www.on-mag.fr]


Una pareja lleva veinte años de relación. Tienen dos hijos. Pero ella guardó un secreto insólito y definitorio.

Escrito por Marcelo Birmajer

Lugur esperó a que se enfriara el café; en rigor, prefirió dilucidar la expresión de su esposa antes de beberlo. El rostro de Adela denunciaba cierto malestar: como si algún comportamiento de Lugur, desconocido para él, la hubiera irritado. No habría más remedio que hablar, o escucharla. Pero no quería arruinarse el primer sorbo de café del día. Prefería incluso arrojar el contenido frío de esa taza por la rejilla de la pileta de la cocina, y prepararse otro cuando la discusión hubiera amainado. En más de veinte años de matrimonio y dos hijos, Lugur había aprendido que las discusiones pasaban; pero un café mal bebido arruinaría su jornada.

—Tengo que decirte algo —anunció Adela.Los músculos del estómago de Lugur se tensaron.

Rocío, la menor, de 19 años, entró repentinamente en la cocina, y tanto Lugur como Adela impostaron cierta normalidad, o falta de intencionalidad en sus miradas. La muchacha los saludó con un buenos días y en cuanto clavó los ojos en su propia taza de café, Adela le hizo una seña a Lugur de que salieran. En el patio, al fondo, podían hablar sin ser escuchados. Lugur encendió un cigarrillo para justificar esa posición en la casa. Nunca fumaba por las mañanas. Pero aquella mañana quizás fuera necesario hacerlo.

—Llegó la hora de decirte una verdad —comenzó Adela.

Lugur ni siquiera imaginaba cuál sería esa noticia personal.

Por supuesto, todas las adivinanzas eran lamentables. Pero ninguna coincidía con alguna sospecha previa.

—Todos estos años —detalló Adela, hizo una pausa, y descerrajó—: Fueron un ejercicio teatral.

Lugur apagó el cigarrillo. De todos los desastres posibles —lo previsible, lo terrorífico, lo patético, una tragedia griega o una tragicomedia italiana—, esa revelación no la había catalogado. Era una irrupción tan inesperada que incluso en algo lo alivió. Su pregunta no fue original:

—¿Cómo un ejercicio teatral?

—A los 20 años, cuando nos conocimos, yo integraba el grupo de Teatro Vital.

Adela buscó con la vista un punto invisible en el cielo manso, ni gris ni celeste, en un clima indeterminado.

—Si quiero ser totalmente sincera —siguió— Yo integraba el grupo de Teatro Vital, y por eso nos conocimos. Nunca escuché hablar de ningún Teatro Vital —tartamudeó desconcertado Lugur—. Nosotros nos conocimos en la clase de Geografía del profesor Ervind; vos preguntaste si la historia y la geografía…

—Sí, sí —reconoció Adela—. Lo dijimos un millón de veces.

Pero yo ya te había seleccionado. Yo ya participaba del Teatro Vital. Había que elegir una pareja, un novio, un marido. Alguien con quien hacer la vida.

No entiendo— mintió Lugur. Entendía, le costaba aceptar. Nuestro noviazgo, nuestro matrimonio, esta vida… fueron parte de un ejercicio teatral.

—¿Los hijos? —preguntó con un hilo de voz Lugur—. ¿Rocío? ¿Nacho?

Adela asintió en silencio. Lugur creyó que se le crisparía el gesto, que confesaría entre lágrimas. Pero ella solo repitió, impasible:

—Un ejercicio teatral.

Lugur estalló en una carcajada que lo sorprendió.

—¿Y ahora cómo sigue?—consultó, como si el exabrupto le destrabara la garganta.

—Ahora ejerceré mi oficio —apuntó Adela—. Esa es mi vocación. Seré actriz. Estoy preparada.

20 años de vida pasaron en un instante por la memoria de Lugur. Cada situación había sido una ficción. El sufrimiento de los partos diez años, es probable que no vuelva por acá. La parte de actuación en escenario es muy exigente.

—Ellos podrían ir a visitarte —murmuró Lugur.

—A su propio riesgo —desafió Adela—. Biológicamente, son mis hijos. Pero mi relación real con ellos es como la de cualquier actriz con los personajes que hacen de su familia en una serie. Tratá de pensar en eso: como si fuéramos la familia Ingalls, pero fuera del set.

—No lo puedo pensar —reconoció Lugur, y emitió una risa apagada y triste—. Necesitaré otros 20 años para asimilarlo.

—No es tanto tiempo —relativizó Adela—. Somos jóvenes. Y ahora más: porque inicio mi vida.

—Los chicos… —musitó Lugur.

—Ya son grandes —desestimó Adela—. Ellos también deben tener sus cosas. No creo que les importe tanto.

Lugur se llevó la mano a la cara. Se tomó la mandíbula. Decidía a toda velocidad.

—¿Cuándo te vas?

—No me puedo quedar ni una hora más —dijo ella—. Es parte del ejercicio.

—Vení conmigo a la cocina —declaró Lugur—. Despertamos a Nacho. Les repetís todo lo que me acabás de decir, y te vas.

Adela asintió.

Lugur se encendió el segundo cigarrillo. Aquella mañana sí era para fumar, después de todo.

 

[Ilustración: Hugo Horita – fuente: http://www.clarin.com]

Escrito por ANTONI PUIGVERD

 

La literatura catalana no pasa por sus mejores tiempos. Se editan, sí, muchos libros, algunos de ellos bastante buenos (junto con una enorme cantidad de libros prescindibles o directamente malos). Aparecen con regularidad voces nuevas e interesantes. No faltan las reflexiones críticas (como las que contiene el último ensayo de Valentí Puig: L’os de Cuvier). Pero algo falla. Es como si la literatura en lengua catalana se alzara sobre cimientos de cartón piedra. El público culto en catalán brilla por su ausencia. Se dice que las editoriales están en bancarrota. Las facultades de letras son estrictamente necrófilas. El IEC, que debería ser nuestra Academia, está literariamente (y casi lingüísticamente) desaparecido. Las instituciones están en perpetuo baño maría. No existe sociedad literaria. Las polémicas entre escritores, cuando se producen, son de bolsillo o se refieren al bolsillo. Son bastantes, es cierto, los admirables individuos que siguen dando la vida por un adjetivo o se pelean duramente con las musas por una historia verdadera. Pero el aire que se respira está viciado y flota en el ambiente aquella máxima con la que Monzó, hace ya algunos años, remató uno de sus artículos más realistas: « El último, que apague la luz ».

Bezsonoff habla con atropello y pasión, con un discurso lleno de referencias ideológicas y rebozado con aparato gestual

De vez en cuando, sin embargo, alguien abre una ventana y penetra un poco aire nuevo. No hace falta que llegue con un gran libro bajo el brazo: basta que venga cargado de excéntricas vitaminas. Vitamínica es, ciertamente, la presencia de Joan-Daniel Bezsonoff, cuyo apellido suscita, ya de por sí, curiosidad. ¿De dónde sale un escritor en catalán con este apellido ruso? De Perpiñán. Gracias a este nieto de un ruso blanco exiliado que sobrevivió en París como taxista, el lector de la Cataluña sureña descubre, maravillado, escenarios completamente imprevistos para unas novelas en lengua propia: Saigón, el Magreb o las trincheras de la Primera Guerra Mundial. De estas trincheras habla precisamente La revolta dels cornuts, novela que desarrolla también, con buen rigor documental, la vida barcelonesa de aquellos años, observada por las miradas de un refinado diplomático francés y de un joven oficial militar del Rosellón.

Conocí a Bezsonoff en la Llibreria 22 de Girona, durante la presentación de La guerra dels cornuts (ofició Vicenç Pagès, otro fabricante periférico de vitaminas). Tal como explicaba Jordi Puntí en las páginas del Quadern, « La guerra dels cornuts, sin ser extraordinaria, es una novela interesante y amena que destila una notable y muy curiosa expresividad. Expresividad que deriva, por una parte, de la gracia con que Bezsonoff manipula el catalán del Rosellón y, por otra, de su estilo sentencioso, que bebe de la mejor tradición francesa ». Traduzco, para que se hagan una idea, algunas de las sentencias que aparecen en boca de distintos personajes: « El onanismo es un humanismo ». « Si no hiciéramos más que lo razonable, todos seríamos santos; y la vida un infierno ». « La filosofía española es equiparable a la gastronomía de Londres ». « La guerra es la única aventura de nuestro tiempo ».

Bezsonoff no solo escribe de manera sentenciosa, también habla de esta forma. Y habla mucho, atropelladamente, con mezcla de pasión y razón, rellenando el discurso con todo tipo de referencias ideológicas y culturales, rebozándolo con gran aparato gestual. Maravillado ante este formidable parlanchín, decidí visitarlo en su Perpiñán para observarlo en su salsa. Me citó en un restaurante vietnamita, donde, según me dijo, comeríamos bien. Lo dijo un francés que escribe en catalán « por emmerder mon père »; quiero decir que la cena no respondió para nada al tópico refinamiento francés. Torrencialmente, sin parar de tragar, tan glotón como hablador, Bezsonoff empezó por la historia de su familia (en la que la sangre del ruso blanco exilado se mezcla en venas del Empordà y el Rosellón). Y siguió con las peleas de sus progenitores, su infancia en París con el padre, su juventud en Cannes con la madre, sus veranos en el Rosellón con los abuelos (de ahí el recuerdo de la lengua de los viejos como una especie de regresión infantil: « Escribo en catalán y regreso al líquido amniótico »). Me habló del arcaico cantante Luis Mariano (de cuya asociación es miembro). De sus estudios de filología hispánica y francesa en Niza. De su pasión por Cervantes, Luis de León y García Márquez perfectamente mezclados con Gérard de Nerval, Céline y Proust. De sus ilusiones: « Quisiera ser el Frank Sinatra de las letras catalanas: Una gran voz al alcance de todos ». De sus problemas: « ¿Cómo puedes escribir después de Tolstoi y Flaubert? Somos enanos a su lado ». Del teatro: « Este anacronismo tan encantador como el servicio militar ». De la importancia de afiliarse a un buen escritor menor (el suyo es Jean Dutourd, del que me recomienda Les horreurs de l’amour (un título que le parece un pleonasmo). De sus problemas con las mujeres: « Clio y Clito son los dos temas de mis novelas: la musa y el clítoris ». De la situación del catalán en Francia: « Un patués de lujo ». De su interés por escribir en este patués: « Es una lengua virgen: tengo la sensación de ser el primer hombre que la coloniza ». De sus aventuras en Valencia conversando sobre Ausiàs March con un taxista blavero. De su visión del mundo: « Todos somos el gabacho de alguien ». De su ideal político: « Vivir a la catalana bajo una Administración a la francesa ». De las costumbres españolas: « Hay dos tipos de españoles: el que llega tarde y el que llega muy tarde ». De su visión de Cataluña: « Es un zombi: tiene el sabor de un Estado pero no es un Estado, igual que el Canada Dry, la bebida que simulaba ser alcohólica. Eso es una ventaja para el escritor, aunque sea una desgracia para el país ». Idea que remata de manera deliciosamente ambigua: « Escribir en catalán es una prueba de orgullo extraordinaria ».

 

[Fuente: http://www.elpais.com]

 

 

 

Santiago Llach y Magdalena Cámpora, dos de los especialistas que participarán de las jornadas « Experiencia Proust » explican cómo la monumental obra del autor francés que murió el 18 de noviembre de 1922 arroja luz sobre las complejidades del presente. 

Marcel Proust murió el 18 de noviembre de 1922.

Publicado por CARLOS DANIEL ALETTO

Esta semana se conmemora el centenario de la muerte de Marcel Proust, fallecido en París el 18 de noviembre de 1922 y autor de « En busca del tiempo perdido », cuyos siete volúmenes, publicados entre 1913 y 1927, influyeron en todo un siglo de novelistas, filósofos y teóricos del mundo, como aseguran expertos que se reúnen estos días para explicar por qué hay que seguir leyendo al escritor francés.

Valentin Louis Georges Eugène Marcel Proust nació en una familia adinerada en París el 10 de julio de 1871 y su obra maestra, la extensa novela « En busca del tiempo perdido », en francés original « À la recherche du temps perdu », es una obra cumbre del siglo XX.

Del 14 al 19 de noviembre las jornadas « Experiencia Proust » recorrerán la vida y la obra del célebre autor francés, en la misma semana en que se conmemora el centenario de su muerte, pensadas para que mediante streamings y los cursos online tengan llegada a todo el país.

Las jornadas se organizan alrededor de su novela « En busca del tiempo perdido », en cuyo primer tomo -el más leído, « Por el camino de Swann »-, aparece la escena en la que el narrador moja la magdalena en el té y aparecen recuerdos de su infancia, una referencia que conocen incluso quienes no leyeron la novela. A partir de ese momento recupera el tiempo perdido.

¿Pero el tiempo perdido es aquel tiempo malgastado o es el tiempo que se olvidó en el pasado? « Ambos« , dice a Télam el escritor Santiago Llach, quien participará de la « Experiencia Proust »: « Por un lado es una investigación -la palabra ‘recherche’, en francés quiere decir busca, pero también investigación- en el tiempo pasado, en el tiempo perdido, una investigación sobre la memoria y quiénes somos a lo largo del tiempo ».

« Pero también puede pensarse que está ese matiz del tiempo derrochado, porque lo que cuenta la novela es la historia de alguien que quiere escribir una gran novela, a quien la frivolidad de la vida social en los salones y los amores tormentosos distraen de la tarea de la escritura. Esto por supuesto es lo que le pasó al propio Proust, que tuvo una juventud de ocio y derroche, y que ya enfermo se embarcó en la escritura de la novela, contrarreloj, intentando recuperar el tiempo perdido en los salones », determina el autor de « La raza » y « Crónicas canallas ».

La profesora de literatura francesa Magdalena Cámpora, quien también participará de las jornadas, ayuda a pensar cómo la obra de Proust permite pensar nuestro presente en sus complejidades y pobrezas.

« Su propuesta -destaca la especialista- coincide asombrosamente con los modos en que nos relacionamos y nos presentamos ante los otros, en los tiempos del algoritmo: primero, por el aparente solipsismo del yo, su encierro, su lugar central en la organización de la percepción del mundo -‘cada uno se siente el centro del teatro’, escribe Proust- y segundo, en la descripción que hace de las tramas sociales que nos contienen, donde es posible solo escuchar aquello que se quiere oír y donde la repetición y las máscaras son la regla de conducta, interacciones limitadas a un grupo que reproduce o dialoga con ideas que ya conocen. Del mismo modo funciona el algoritmo ».

Llach entusiasma a los lectores señalando que la aventura de leer a Proust es una de las más interesantes y desafiantes que puede emprender una persona: « Puede ser tarea de una vida, sobre todo porque -perdón, spoiler-, cuando uno la termina quiere volver a leerla. Para mí, leer a Proust es sobre todo un placer. El placer de la lectura (uno sobre el que el propio Proust teorizó) es un placer siempre extraño, complejo: un placer en contra de la vida, de la que la literatura siempre es un espejo deforme ».

« Si leer por ejemplo el ‘Ulises’ de Joyce, por citar otra obra mayúscula y difícil, es meterse en la selva con un machete dispuesto a que te devoren los mosquitos o las serpientes, leer a Proust es deslizarse sobre una pista de nieve, extensa pero placentera« , sostiene el poeta.

El manuscrito de En busca del tiempo perdido

El manuscrito de « En busca del tiempo perdido »

Para Cámpora, Proust es la absoluta puesta en tensión y contradicción de todo lo que el presente plantea, lo implosiona: « ‘En busca del tiempo perdido’ es un teatro de caretas y el relato marca siempre la distancia entre la persona que lleva tal nombre (lugar, profesión, estatus) en el mundo y los múltiples yo sucesivos que la constituyen y la modifican desde adentro, para luego ser olvidados ».

Y agrega: « Es exactamente lo contrario de las fórmulas que ordenan la expresión de la subjetividad en las redes -‘no importa cuándo leas esto’, ‘es todo lo que está bien’, etcétera- que mineralizan y moralizan la identidad ».

Cámpora que es doctora en Literatura Comparada por la Universidad Paris IV-Sorbonne con una tesis sobre causalidad ficcional en Borges y Rimbaud, también compara la literatura de Proust con la de otros escritores donde encuentra su influencia.

La investigadora explica que en Proust lo que hay son múltiples « yo de recambio » y un giro en busca de esos otros yo en el tiempo, que surgen de modo involuntario, con un olor, un gusto, una música y que solo el arte puede asir.

« Es ahí, desde los ojos vueltos hacia dentro, donde se da la comprensión y apertura hacia el mundo y donde se toca la vida verdadera; eso lo entendió bien uno de sus lectores más finos, Juan José Saer, y por eso es posible leer el principio de ‘El limonero real’: « Amanece y ya está con los ojos abiertos » como un efecto, una ramificación casi en clave fantástica y animal de esa famosa frase de ‘Un amor de Swann’: ‘Un hombre que duerme tiene en torno suyo el hilo de las horas, el orden de los años y los mundos' », indica Cámpora.

Para Llach « En busca del tiempo perdido » exige un esfuerzo del lector, pero « el premio es asistir al espectáculo de la escritura de la novela más ambiciosa de la historia, a la narración delicada, intensa, nerviosa, sublime de la formación de una sensibilidad y el funcionamiento de una sociedad. Lo vale ».

Para concluir, Cámpora relata que cuando le dieron el premio Goncourt, en 1919, Léon Daudet, uno de los jurados, dijo que Proust adelantaba cien años: « Mirado desde 2022, habría que decir más bien que somos nosotros los que atrasamos cien años respecto de Proust », concluye la profesora.

La agenda de las Jornadas

En la misma semana en que se conmemora el centenario de su muerte, desde este lunes y hasta el próximo sábado se realizarán las jornadas denominadas « Experiencia Proust », que recorrerán la vida y la obra del célebre autor francés en formato presencial y transmisión vía streaming con la participación de investigadores y escritores como Jean Paul Enthoven, Santiago Llach, Walter Romero, Magdalena Cámpora, Tirso Díaz Jares Rueda, Cecilia Szperling, Martín Buceta y Daniel Link, entre otros.

Organizado por la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación de la UBA y el Rojas, en cooperación con la Alianza Francesa y el Instituto Francés, el ciclo ofrecerá experiencias performáticas, clases magistrales y charlas a cargo de especialistas transmitidas vía streaming a través de UBA WEB TV, presentaciones de la orquesta de la UBA Rector Ricardo Rojas, entrevistas, lecturas, la proyección de un documental, teatro y cursos a distancia.

Las clases magistrales en el Rojas serán gratuitas, con aforo limitado y cupo por orden de llegada. Hay cursos con inscripción previa. Las entradas para las funciones de cine estarán a la venta el día de la función mientras que las de la función de teatro estarán disponibles online durante la semana previa a la función.

En la programación se destacan las actividades en la Alianza Francesa, que comienzan este lunes a las 19 con la clase magistral « Marcel Proust, los celos y el amor », dictada por el reconocido escritor y editor francés Jean Paul Enthoven, quien acercará sus lecturas y libros publicados sobre Proust. Con entrada libre y gratuita.

El martes las actividades en el Centro Cultural Rojas comenzarán a las 18.30 con « ¿Por qué leer a Proust? Razones para perder el tiempo en el Himalaya de la literatura », del escritor argentino Santiago Llach. En esta clase el autor dará razones para embarcarse en una experiencia que parece ir contra esta época de distracción masiva. Será con entrada gratis, con aforo limitado y cupo por orden de llegada. También accesible vía streaming.

Ese mismo día a las 19.45 integrantes de la orquesta de la UBA Rector Ricardo Rojas presentarán un programa de obras musicales de autores contemporáneos a la obra de Proust y de los que el escritor reconoció su influencia, como Wagner, Debussy y otros.

A las 20.00 la clase magistral será « Proust, una introducción » , del doctor en Letras Walter Romero, la cual será un recorrido a modo de clase introductoria que acercará al público a los modos de leer a Proust e ingresar a su ciclo novelesco de la « Recherche » a partir de su reciente libro « Formas de leer a Proust. Una introducción a ‘En busca del tiempo perdido' » (Malba Literatura, 2022). La propuesta incluye revisitar en la escritura proustiana marcas de vida, temas nucleares, la originalidad de los procedimientos que su estilo impuso, su refinada estética y la manera en que esta obra célebre y su autor, a cien años de su fallecimiento se constituyen en texto y figura ineludibles de la literatura toda.  También será gratuito con cupo por orden de llegada y accesible vía streaming.

El miércoles a las 18.30 la clase magistral « Marcel y las novelas catedrales de Francia » estará a cargo de la investigadora independiente del Conicet y profesora titular de literatura francesa Magdalena Cámpora. El autor del siglo veinte ¿qué relación mantiene el novelista con las lecciones y « las reglas del arte » de la densa y larga tradición novelística en Francia?

El jueves a las 18.30 la clase magistral « ¡Proust ha resucitado! » será dictada por el doctor en filosofía Martín Buceta, quien planteará: ¿Se puede volver a la vida, resucitar, cuando se ha muerto hace cien años? La respuesta inmediata es: no. Sin embargo, Proust sugiere una idea inquietante sobre este problema que se cristaliza en su colosal « En busca del tiempo perdido ». La escritura proustiana y su obra máxima pueden ser consideradas desde una perspectiva filosófica. La obra pone en juego conceptos como tiempo, memoria, verdad, e inmortalidad del arte que nos invitan a pensar en una forma de pervivencia particular.

Buceta es autor de « Merleau-Ponty lector de Proust: lenguaje y verdad » (SB 2019) y « Camus, Sartre, Baricco y Proust. Filósofos escritores & escritores filósofos » (SB 2021).

A las 20.00 habrá una entrevista a Daniel Link realizada por Cecilia Szperling, en la cual el docente y ensayista examinará sus propias marcas en el libro de Proust para, al cotejarlas con las de la escritura de la poeta estadounidense Anne Carson, registrar un giro novedoso sobre « En busca del tiempo perdido ».

Todas las actividades se podrán ver en https://www.rojas.uba.ar/proust

[Fuente: http://www.telam.com.ar]

L’acteur français incarne dans «Vous n’aurez pas ma haine» Antoine Leiris, un jeune père de famille ayant perdu sa femme dans les attentats du 13 novembre 2015

Pierre Deladonchamps à Locarno, le 12 août 2022. — © Marco Abram / Locarno Film Festival / Ti-Press

Écrit par Stéphane Gobbo

Le lundi 16 novembre 2015, le journaliste Antoine Leiris publie sur Facebook un texte qu’il conclut ainsi: «Nous sommes deux, mon fils et moi, mais nous sommes plus forts que toutes les armées du monde. Je n’ai d’ailleurs pas plus de temps à vous consacrer, je dois rejoindre Melvil, qui se réveille de sa sieste. Il a 17 mois à peine, il va manger son goûter comme tous les jours, puis nous allons jouer comme tous les jours et toute sa vie ce petit garçon vous fera l’affront d’être heureux et libre. Car non, vous n’aurez pas sa haine non plus.»

Trois jours plus tôt, la femme d’Antoine, la mère de Melvil, a été assassinée par un commando djihadiste au Bataclan, où elle était allée écouter avec un ami le groupe de rock américain Eagles of Death Metal. Elle fait partie des 130 morts des attentats du 13-Novembre. Cette phrase d’une force et d’un humanisme bouleversants, «vous n’aurez pas ma haine», devient alors un slogan, et Antoine Leiris un symbole de résilience. Au lendemain de la mort tragique de celle qu’il aimait, il devient un jeune père veuf s’occupant seul d’un enfant qu’il ne veut pas élever dans la colère et la terreur. Son post deviendra plus tard un livre, et voici ce livre aujourd’hui adapté au cinéma par le réalisateur allemand Kilian Riedhof, après avoir fait l’objet d’un monologue théâtral en 2017.

À l’instar du récent Revoir Paris, d’Alice Winocour, il y est question d’une reconstruction. Non pas d’une victime ne sachant plus vraiment ce qui lui est arrivé le soir des attentats, mais d’un père de famille soudainement amputé d’une partie de sa vie. Avec beaucoup de sensibilité et une constante retenue, à l’image de son personnage central, Vous n’aurez pas ma haine est un long métrage traversé par une belle universalité dans sa manière d’effacer tout discours politique au profit d’un récit de vie. Présenté en août dernier sur l’écran géant de la Piazza Grande du Locarno Film Festival, le film déjoue en outre parfaitement le piège du mélo et du sentimentalisme pour coller au plus près des mots d’Antoine Leiris. Rencontre avec son interprète, Pierre Deladonchamps, dont c’était là le troisième film ayant les honneurs de la Piazza après Le vent tourne de Bettina Oberli en 2018, et Notre Dame de Valérie Donzelli l’année suivante.

Le Temps: À travers le parcours d’Antoine Leiris, le film évoque la manière dont il est salutaire de ne pas se laisser submerger par cette émotion facile qu’est la haine. En tant que citoyen, aviez-vous réussi, au lendemain des attentats, à ne pas être en colère, ce qui est le premier pas vers la haine?

Pierre Deladonchamps: Je ne veux pas paraître présomptueux, mais n’ayant pas vécu les attentats en tant que victime ou proche de victime, je ne connaissais personne au Bataclan ou sur les terrasses, j’ai très vite ressenti ce que dit Antoine dans son post. Pour lui, la haine aurait pu venir du fait qu’on lui a retiré l’amour de sa vie. Moi, je me suis simplement dit que ces attentats contre les bars, les terrasses, les concerts voulaient nous empêcher de vivre. Et c’est ce que j’ai trouvé fort dans le livre d’Antoine: ça ne marche pas. Je me souviens de son intervention en direct dans C à vous, une émission que je regarde souvent. Il m’a impressionné par ses mots bien choisis, son intelligence émotionnelle et sa force.

Le fait d’incarner un personnage réel, et a fortiori vivant, s’accompagne-t-il, en marge de la liberté d’interprétation, de la licence artistique, une sorte de devoir moral?

Vous avez touché juste: dès le début je voulais être à la hauteur de ce que j’imaginais qu’Antoine pouvait attendre de moi. J’étais d’ailleurs content qu’il ait validé le scénario, qui ne tombe jamais dans le misérabilisme. Je tenais à essayer de rendre Antoine le plus proche possible de ce que j’avais ressenti à travers son livre – que j’avais lu à sa sortie – et ses interviews. Je n’ai pas voulu faire du copier-coller, mais être digne de ce qu’il a dit et écrit. On ne s’est jamais rencontrés, mais on a communiqué par messages.

Le récit de vie d’Antoine Leiris exigeait de la justesse et de la retenue, là où la douleur et la tristesse tendent souvent vers le pathos ou le mélo. Or ici, tout sonne juste… Est-ce difficile de parvenir à cela?

Merci de percevoir le film de cette manière! Je ne suis pas un acteur de performance, je n’aime pas «le trop», je laisse cela à des gens qui le font bien mieux que moi. Avec Kilian, qui, même s’il parle un très bon français, ne parvient pas à percevoir toutes les subtilités de certaines intonations, je me suis parfois autodirigé, lui demandant de refaire telle ou telle scène. J’avais à cœur de ne pas être dans le sensationnalisme, de ne pas donner trop d’émotions: qui peut le plus peut le moins, je voulais que cela soit sobre. Avec Kilian, on parlait d’ailleurs en anglais. Dès lors, il me laissait assez libre avec le texte, je pouvais tricher un peu, rajouter ou enlever un mot. Même au montage, je me suis permis de lui donner mon ressenti sur certaines scènes.

Vous êtes-vous préparé d’une manière différente que pour une pure fiction, avez-vous par exemple été tenté de contacter des associations regroupant des victimes et proches de victimes afin de glaner des petits détails que vous auriez pu utiliser?

Honnêtement, je ne sais pas ce que j’aurais pu obtenir. Ce n’est pas que je n’y croie pas, mais j’ai tendance à penser que parfois on le fait juste pour se dire que c’était bien de le faire… Or au cinéma, on n’a pas besoin d’avoir tué quatre personnes pour faire semblant de tuer. Si on a besoin d’avoir vécu les choses pour les faire, c’est qu’on n’est pas acteur.

Pierre Deladonchamps (avec la petite Zoé Iorio) en père courage dans «Vous n’aurez pas ma haine». © Praesens-Film

Il y a beaucoup de moments où l’émotion passe par des silences, des postures, des regards…

J’aime beaucoup le jeu non verbal, tout ce qui n’est pas de l’ordre du dialogue; comment un interprète, à travers sa façon de se mouvoir, de regarder, de payer à la caisse d’un supermarché, de passer sa main dans ses cheveux ou de les mettre dans ses poches, amène des petits suppléments d’informations. J’aime beaucoup chercher autour de cela, observer. Et c’est ce que j’ai pu faire avec Antoine en visionnant ses interviews: j’ai pu voir la manière dont il se présentait au monde à ce moment-là de sa vie.

Et il y a aussi toutes ces scènes avec Melvil, incarné par la petite Zoé Iorio, avec là aussi une justesse et une intensité incroyables…

Ne pouvant pas faire autrement, j’ai rencontré Zoé lors d’un autre tournage, près de La Rochelle. Elle est venue quelques jours avec ses parents pour qu’on se rencontre, qu’on joue, qu’on se parle, qu’on aille à la piscine… Une coach nous a dirigés vers des jeux à faire ensemble afin que j’aie sa confiance et qu’elle ait la mienne. Je l’ai adorée tout de suite. On vient de se retrouver ici à Locarno et on s’est sauté dans les bras! Sur le plateau, on a dû composer avec ce qu’est un enfant, c’est-à-dire quelqu’un qui joue mais ne travaille pas. Et quand il en a marre de jouer, il s’arrête, de même que s’il ne veut pas faire la même chose cinq fois, il ne la fait que deux fois… Il faut donc trouver un autre truc ou y revenir le lendemain. Parfois, je me suis même retrouvé à jouer seul, avec personne en contrechamp, lorsque Zoé était trop fatiguée. Cette expérience a été très enrichissante et notre relation n’a jamais été feinte.


Vous n’aurez pas ma haine, de Kilian Riedhof (Allemagne, France, Belgique, 2022), avec Pierre Deladonchamps, Zoé Iorio, Camélia Jordana, Thomas Mustin, 1h42

 

[Source : http://www.letemps.ch]

La companyia argentina Piel de Lava ha presentat l’espectacle ‘Petróleo’ al Temporada Alta

Una escena de l’espectacle ‘Petróleo’, que es va poder veure al Temporada Alta. © Piel de Lava

Escrit per Oriol Puig Taulé

Crític i cronista d’arts escèniques. Cap de L’Apuntador.

Divendres passat vaig fer un puja-i-baixa fins a Salt per veure Petróleo, l’espectacle que la companyia argentina Piel de Lava presentava al Temporada Alta. S’agraeix que el festival gironí programi, per fi, una producció internacional d’un nom que no havia vingut mai a casa nostra. Castellucci, Donnellan, Jatahy o Korsunovas estan molt bé, sí, però descobrir una companyia nova sempre fa una il·lusió especial. Les quatre actrius de Piel de Lava fa quasi vint anys que giren pel món amb els seus espectacles, i la seva carta de presentació a Catalunya ha sigut immillorable: Petróleo és un retrat divertit i tendre sobre la masculinitat. I totes quatre estan estupendes fent d’homes.

Aquesta crítica té un pròleg: gràcies a l’avís, via Twitter, de la llibretera Isabel Sucunza, el diumenge anterior vam poder conèixer les Piel de Lava a la Llibreria Calders. La companyia està girant l’espectacle Petróleo per l’estat espanyol, i van aprofitar la seva visita a Barcelona (on una de les seves actrius havia viscut) per passar per la Calders i presentar, de pas, el volum que reuneix els seus espectacles anteriors. Cuatro obras aplega els textos de NeblinaTrenColores verdaderos i Museo, i va ser publicada per l’Editorial Entropía el 2015. Nota al marge: em va acompanyar a la presentació un bon amic dramaturgista que és molt fan de La flor, pel·lícula de catorze hores dirigida per Mariano Llinás i protagonitzada per les quatre actrius de Piel de Lava. Es veu que el film es podia trobar a Filmin durant una època, però que ara ja no hi és. Senyor Jaume Ripoll Vaquer, un prec: no podria tornar a estar disponible a Filmin, si us plau?

Petróleo és la història de quatre homes que treballen i conviuen en una explotació petroliera de la Patagònia. Masculinitat, treball, intimitat i força bruta es combinen amb l’humor i la tendresa d’un retrat fet amb molt d’amor. Que el gènere és una cosa que es performa ho sap la Judith Butler, la nostra cosina Modesta d’Hostalets de Pierola i nosaltres mateixos. I cada dia més gent: només cal veure com juga i experimenta el jovent amb les representacions de gènere. L’arribada d’un nouvingut al pou de petroli farà disparar totes les alarmes als seus companys, que han de compartir feina, però també lavabo, cuina i lliteres durant uns dies. Les peces de roba que porta el nou treballador per recordar la seva xicota –un abric de pells, un jersei “divertit”, uns sostenidors aptes per al bricolatge– faran trontollar el fràgil equilibri dels mascles en captivitat. La interpretació de les quatre actrius és una filigrana: Pilar Gamboa fa el retrat de traç més gruixut (mocs cap amunt i molt d’entrecuix) amb grans resultats còmics, Laura Paredes dibuixa l’home més fràgil (bigoti canós i molts dubtes) amb gran empatia i Valeria Correa és pur nervi en el paper de l’home que es transforma més (el pintallavis li queda de meravella). Menció especial mereix Elisa Carricajo, que fa de Palladino, el personatge que ho capgirarà tot: sap combinar a la perfecció les cames espaterrades del manspreading amb la delicadesa, uns grans coneixements en electricitat amb un curiós gust per la moda (“Usás unos jerseys un poco distractivos!”, li diuen).

Imatge promocional de l'espectacle 'Petróleo', de la companyia Piel de Lava. © Carlos Furman

Imatge promocional de l’espectacle ‘Petróleo’, de la companyia Piel de Lava. © Carlos Furman

Perquè aquests quatre homes compartint casa, feina i fred a la Patagònia també acabaran mutant, quan la roba que ha dut en Palladino acabi impregnant tota l’estança. El poder d’unes sabates de taló (“Lo lindo que se ve todo desde aquí arriba”) o d’un vestit de lluentons és quelcom que coneixen molt bé tots els historiadors de la moda. No en va, la relació amb la roba és tan important a Orlando, en què el protagonista de la novel·la de Virginia Woolf viu durant diversos segles i passa de ser home a ser dona. Fins i tot quan la mescla i la hibridesa contamina els quatre protagonistes de Petróleo, quan descobrim el truc (la titola de goma) o la cosa pot caure en la caricatura, continuem comprant la història. Com la Julie Andrews a Victor, Victòria (Blake Edwards, 1982): una dona interpreta un home que interpreta una dona. Tot és ficció, tot és producció. Com el pou que no deixa de produir petroli, perforant la terra al ritme d’una cançó coneguda. La masculinitat també es produeix. La masculinitat també es performa. La masculinitat és una gran mentida.

[Font: http://www.nuvol.com]

Tenía 77 años y una carrera que atravesó la MPB desde mediados de la década del 60. Se fue un símbolo de Brasil y una cantante que interpretó de todo y de muchas formas. 

Gal Costa, dueña de una voz afectuosa y clara, desplegaba también un gran carisma. 

Gal Costa, dueña de una voz afectuosa y clara, desplegaba también un gran carisma.

Escrito por Santiago Giordano

“Como artista corrí riesgos y asumí desafíos”, decía Gal Costa en una entrevista a Página/12 en 2017, en ocasión de la que fue su última visita a Buenos Aires. En esa frase, con la que entonces explicaba su magnetismo sobre los más jóvenes, hoy bien se podría resumir el credo estético de una cantante extraordinaria, que efectivamente corrió el riesgo de ceñir con su voz los serpenteos del tiempo que le tocó vivir; y también asumió el desafío de cantar hasta el final. Gal Costa murió este miércoles, a la mañana temprano. La información fue dada por su oficina de prensa. Tenía 77 años, estaba en plena actividad y se desconocen las causas del deceso. Había hecho una pausa en la gira As várias pontas de uma estrela, con la que estaba recorriendo Brasil, para operarse un nódulo en su fosa nasal derecha. Estaba a punto de volver a los escenarios, pero el último fin de semana suspendió su presentación en el Primavera Sound de Sao Paulo. Tenía programadas actuaciones para diciembre, además de una gira europea para el año que viene.

Popular en el sentido amplio de la palabra, con Gal Costa, ni falta hace decirlo, se va un símbolo de Brasil. Apenas la noticia comenzó a circular por las redes sociales, las condolencias se multiplicaron. Dilma Rousseff fue una de las primeras en expresarse. La expresidenta brasilera dijo que la muerte de Gal Costa era “shock para todos”. “Perdimos hoy a uno de las más grandes cantantes de nuestra historia”, escribió en su cuenta de Twitter. También Lula se manifestó enseguida. “Gal Costa fue una de las más grandes cantantes del mundo, una de nuestras principales artistas, que llevó el nombre y los sonidos de Brasil a todo el planeta. Su talento, técnica y audacia enriquecieron y renovaron nuestra cultura, formaron y marcaron la vida de millones de brasileños”, señaló el presidente electo y acompañó el posteo con una foto en la que abraza a la cantante que le expresó su apoyo en la última campaña presidencial.

También desde el universo artístico hubo muestras de afecto en la despedida. “Hoy vengo a hablar del dolor de perder a Gal. Brasil, al que siempre encantó con su voz única y magistral, hoy la llora como yo”, lamentó María Bethania, mientras Gilberto Gil se mostró “Muy triste e impactado por la muerte de mi hermana”. Fue justamente Gil, cuya obra Gal Costa conoció, contaba ella, cuando trabajaba en una tienda de discos de su ciudad natal, uno de los nombres que marcaron sus comienzos. Todavía se presentaba como María da Graça cuando en 1965 lanzó “Eu vim da Bahia”, un samba de Gil. Ese mismo año ya como Gal Costa cantó “Sol negro” junto a María Bethania en el disco debut de la otra gran bahiana. Ese tema era de Caetano Veloso, a quien Gal conoció a principios de los ’60, con quien mantuvo un largo y fecundo vínculo personal y artístico que dio su primer fruto discográfico con Domingo, un disco compartido de 1967.

Más tarde, en 1976, Gilberto, María, Caetano y Gal hicieron el espectáculo Doces bárbaros, uno de los hitos de la música brasileña de todos los tiempos. De ahí salió un disco doble con el mismo nombre, que fue al mismo tiempo afirmación y de alguna manera despedida de la experiencia del Tropicalismo, el movimiento que tuvo un potente manifiesto discográfico en Tropicalia ou panis et circensis, un trabajo lanzado en 1968, donde están además Tom Ze, Os mutantes y Nara Leão. En ese disco, Rogério Duprat, que venía de Europa de estudiar con Karlheinz Stockhausen y Pierre Boulez, trabajó en los arreglos, y Torquato Neto, poeta y agente de la contracultura, participó como letrista.

Con Gilberto y Caetano, Gal había debutado como cantante en 1964, en Salvador de Bahía, en el espectáculo Nos, por caso, con el que se inauguró el teatro Vila Velha. Ahí estaba también Tom Ze, el gran olvidado del Tropicalismo. Con el mismo grupo viajó al año siguiente a Sao Paulo para presentar los espectáculo Arena canta Bahía y Em tempo de guerra, con puesta en escena de Agusto Boal, director teatral y teórico del “Teatro del oprimido”.

Eran años de dictadura en Brasil, vigilancia y exilios limitaban los caminos posibles para esa modernidad juvenil e insurrecta que ante el acecho del control instintivamente empezaba a domesticarse en el rótulo de MPB (Música Popular Brasilera). En 1971 Gal hizo uno de los espectáculos que mayor repercusión alcanzó en esa época y quedará como otro hito en la MPB. Fa-Tal se llamó el show que dirigió Waly Salomao y que con ese nombre, más el agregado “Gal a todo vapor” se hizo disco y de ahí memoria.

La bendición popular, masiva y definitiva, le llegó a partir de “Modinha para Gabriela”, el tema de Dorival Caymmi que cada noche escuchaban millones de brasileros cuando comenzaba la telenovela de la red Globo, protagonizada por Sonia Braga e inspirada en Gabriela cravo e canela, la novela de Jorge Amado. Sobre estas bases, Maria da Graça Costa Penna Burgos, nacida el 26 de septiembre de 1945 en Salvador de Bahía, se había convertido en Gal Costa, la que fines de los ’70 ya era una estrella internacional.

La voz afectuosa y clara, la melena oscura e insinuante y la tierna firmeza del gesto de quien supo de tristezas sin concederse a melancolías, distinguieron a esa figura que llegando a los ’80 estaba perfilada definitivamente en la ancha avenida de la MPB. En 1978 Gal reunió algunos de sus éxitos en Agua Viva, un disco con arreglos de Wagner Tirso, donde entre otros están “Folhetim”, de Chico Buarque, “Paula y Bebeto”, de Milton Nascimento y “O ben do mar” de Caymmi.

Si bien Gal cantó de todo y de muchas formas, más acá y más allá de las músicas del sistema discográfico, siempre llevó la marca de la adolescente que escuchó por radio, casi de casualidad, “Chega da saudade” en la voz de Joao Gilberto. Era 1959 y eso estaba en el primer long play de la Bossa Nova. “En esa manera de tocar y cantar escuché algo que me marcaría para siempre –comenta–. Fue la primera lección de tantas que a lo largo de mi vida aprendería de Joao Gilberto. Él fue quien cambió todo”, supo decir a este diario. Otra gran influencia declarada fue Lupicinio Rodrigues, compositor e intérprete de distintas formas de la tristeza desde el samba-canción, a quien en 2014 dedicó un disco.

Hermano Caetano

Musa de numerosos compositores, Gal mantuvo una relación especial con otro bahiano, Caetano Veloso. La figura de Gal quedó como símbolo de la resistencia artística en Brasil cuando Caetano y Gilberto Gil se vieron obligados a exiliarse en Londres y uno de los temas emblemáticos de esta hermandad artística es “Da maior importancia”, que grabó en India (1973), el año del regreso de Caetano del exilio, disco producido por Gilberto Gil, que además toca la guitarra en este tema. Este álbum tuvo su portada censurada, porque mostraba la tanga roja y los pechos de Gal. La solución que encontró el sello fue envolver el álbum en plástico azul, lo que aumentó aún más la curiosidad del público y, claro, terminó multiplicando sus ventas.

En los ‘90 la artista global reelaboró su patrimonio de distintas maneras. Grabó O sorriso do gato de Alice, un disco producido en Estados Unidos por Arto Linsday con los autores de siempre, entre Caetano, Gilberto y Djavan, y una década después entraba en el Hall de la fama del Carnegie Hall. Recanto, un disco de 2012, señala un decidido rejuvenecimiento sonoro junto a jóvenes como Moreno Veloso, Kassin y Pedro Sá. Ese sentido se extiende hasta Estratosférica (2016), grabado de un show en vivo en el que recupera temas de Caetano, Jards Macalé y Roberto Carlos, Tom Ze y los conjuga con la energía de un sonido eléctrico y desprejuiciado. En los últimos tiempos Gal prolongó esa actitud de reunirse con colegas jóvenes en busca de frescuras. Así fue como grabó “Cuidando de Longe”, con Marília Mendonça e hizo un disco Nenhuma Dor, en el que interpretó grandes éxitos de su vida, al lado de temas de Tim Bernardes, Seu Jorge y Jorge Drexler.

Su última visita a Buenos Aires, ciudad de la que decía extrañar el asado, el público caluroso, las librerías y la voz inolvidable de Mercedes Sosa, fue en mayo de 2017, en el Teatro Gran Rex, la sala que fue el epicentro de una relación que comenzó en los ’70 y desde entonces, arriba y abajo del escenario, nunca dejó de crecer.

 

[Fuente: http://www.pagina12.com.ar]

 

Inspirada en la novela “Los ríos profundos” de José María Arguedas.

Este viernes 11 y sábado 12 de noviembre en el Centro Cultural de España, Shaya Teatro, presenta dos únicas funciones en Lima de su último estreno “Zumbayllu”, unipersonal inspirado en la novela “Los ríos profundos” de José María Arguedas; interpretado por la actriz y directora de teatro Shirley Paucara, peruana radicada en Sevilla, y musicalizado por el destacado director musical Chano Díaz.

La obra es un viaje que conecta a Ernesto con la magia del “Zumbayllu”, el trompo; un juego que nos permite ser testigos de todo lo que pasa en la escuela y el pueblo: la discriminación, el abuso, el poder. A través de los ojos del inocente Ernesto, la dulzura de algunos textos en quechua, el canto y la música en vivo, nos sumergirá de manera sublime al mundo andino, el de Los ríos profundos de Arguedas; ello convierte a este unipersonal en un concierto dramático andino, un homenaje a la memoria y presente de los Andes.

La actriz interpreta a seis personajes: Ernesto, el Añuco (el pasado de la clase), el Ukuku (cómico andino), el Padre-director, el hacendado y la Chichera Doña Felipa. Mientras que Chano Díaz, gran músico y compositor peruano, acompaña todo el tiempo con al menos una docena de instrumentos andinos-prehispánicos. El ingreso es libre, por orden de llegada, gracias al CC España.

Shirley Paucara

Actriz, directora, investigadora teatral y gestora cultural, con maestría en la Universidad de Girona y la Universidad Abierta de Cataluña. Cuenta, además, con una especialización en la cátedra de la UNESCO. Inició su formación como actriz cuando apenas tenía 18 años de edad, (2003), en el histórico Grupo de Teatro Cuatrotablas, y ha pertenecido al grupo hasta el año 2019.

Se ha nutrido de destacados grupos y maestros nacionales e internacionales como el Odin Teatret de Dinamarca, con Eugenio Barba, Julia Varley y Roberta Carreri. Con Luz Arcas – España, el Teatro la Candelaria – Colombia. Nottle Teatret- Corea del Sur. Clive Mendus, Complicité Teatro de Reino Unido.  Baldío Teatro – Argentina. Wili Pinto de Maguey Teatro; Ana Correa del Grupo de Teatro Yuyachkani; Mario Delgado, Lucho Ramírez, José Miguel De Zela y Pilar Nuñez de Cuatrotablas, entre otros.

Luego de la partida del director del grupo Cuatrotablas, decide afianzar su camino independiente. Su última creación colectiva “Zumbayllu”, con Edith Palomino y Raúl Durand, viajó por diversas provincias de Ayacucho y fue invitada al Hooyoung Festival de Corea del Sur. Actualmente esta obra ha sido adaptada como unipersonal y ha realizado una gira por México, en ciudades como Coyoacán, Cuernavaca y Puebla.

Cuenta con otro unipersonal “La pasionaria”, basada en la vida de política y feminista peruana Magda Portal, y ha dirigido otro espectáculo colectivo: “Alicia en la ciudad”, espectáculo de danza-teatro, inspirado en la novela de Lewis Caroll.

Actualmente radica en España. Es directora de Shaya, culturas libres, la Red Latinoamericana de Mujeres de Teatro Las Shaya’s y el Intercambio Internacional de Culturas Teatrales Emancipadas – Ayacucho-Perú.

Chano Diaz, director musical 

De familia en Huamanga (Ayacucho, Perú), estudió en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (Lima, Perú) y emigró a Europa, donde se dedicó a la música de una manera autodidacta. En Londres, Inglaterra, laboró como músico de sesión y musicalizó obras de teatro. Realizó la dirección musical de obras como: « In the summer house » en el Teatro Lyric Hammersmith de Londres, “El Loco de los Balcones”, de Mario Vargas Llosa, en el Teatro “The Gate” de Londres.

Trabajó en la coproducción musical con Cameron McBride de Dean Street Studios y en Brilliant Music (Production Music) en Inglaterra. Y la producción musical para JW Media Music como compositor y arreglista en Inglaterra y Alemania. También fue director musical de la agrupación Amaru 111 en Londres (grabación de 4 CD y giras internacionales por 4 continentes).

Como instrumentista de quena y charango ha representado al Perú en diversos festivales internacionales. Ha dictado cursos y talleres en el Centro de Música y Danza de la Universidad Católica (CEMDUC) y la Escuela de Música de Ayacucho. Ha producido 24 CD de música peruana, incluyendo el CD “Tankar” y “The Best Instrumental Music from the Andes”, ambos premiados por Récord de Ventas de la Música Peruana.

Ha dirigido y participado en las grabaciones de los más grandes exponentes de la música andina, como William Luna, Manuelcha Prado, Nelly Munguía, entre otros. Ha dado conferencias sobre la historia y origen de los instrumentos andinos en las universidades de Michigan (USA) y Granada (España), y la Escuela Superior de Folklore J.M. Arguedas (Perú).

Ha sido productor y conductor del programa “Confusiones” en Radio Nacional 2000-2002. Coanimador del programa “Miski Takiy” en TV Perú (2001-2003). El 2012 recibió el Premio Esmeralda (máxima distinción de la Asociación de Autores y Compositores APDAYC) por su trabajo autoral. Tuvo a su cargo la dirección y producción musical de la película “Sigo Siendo” del reconocido cineasta Javier Corcuera (2013).

ENTÉRATE!!!

Lugar: Centro Cultural de España, Jr. Natalio Sánchez 181, Lima

Días y horario: Viernes 11 y sábado 12 de noviembre, 8 de la noche

Actúa y dirige: Shirley Paucara

Dramaturgia: Shirley Paucara

Música: Chano Díaz Limaco

Compañía: Shaya Teatro

Duración: 60 minutos

Shaya Teatro. www.shayaculturaslibtres.com

[Fuente: http://www.ernestojerardo.com]

Il s’agissait du plus grand camp de prisonniers français à Berlin durant la Deuxième Guerre mondiale. Et pourtant, il était tombé dans l’oubli. Ses dernières traces devaient disparaître à jamais avec le lancement d’un énorme projet immobilier. Mais des initiatives citoyennes se sont mobilisées pour que l’histoire ne soit pas effacée à jamais. Une exposition « Le passé, on oublie ? » consacrée à ce camp vient de s’ouvrir à Berlin.

Prisonniers de guerre français lors d’une distribution de nourriture, 1940. CICR

Écrit par Pascal Thibaut

Joseph Baby a 22 ans lorsqu’il est mobilisé en 1939. Le jeune Français est fait prisonnier de guerre après la défaite de la France quelques mois plus tard. Il arrive au camp de Lichterfelde, au sud de Berlin, en août 1940 ; il porte le matricule 28 468. Au total, 1,8 million de Français seront prisonniers durant la guerre en Allemagne. Les Soviétiques seront trois fois plus nombreux et devront endurer des conditions bien plus dures. Les jeunes Allemands sont au front ; la main d’œuvre des pays occupés doit permettre à l’industrie germanique de tourner.

Joseph Baby restera cinq ans dans la capitale du IIIᵉ Reich où d’innombrables camps de prisonniers et de travailleurs forcés sont créés. Il rentre en France durant l’été 1945 et ne parlera quasiment jamais de ces années à Berlin.

Prisonniers de guerre français au camp de Lichterfelde, 1940. CICR

Les anciens prisonniers ne parlent pas forcément de leur passé en Allemagne. Le pays tourne la page. L’armée américaine utilise le site de l’ancien camp pour un centre d’entraînement et rase ce qu’il en reste dans les années 1990. Des petites entreprises utilisent d’anciens bâtiments du camp. Depuis les années 1950, des soldats français stationnés à Berlin-Ouest rendent hommage à leurs 400 camarades morts en détention durant la guerre dans la capitale allemande. Leurs restes sont transférés vers la France.

C’est très tard, il y a cinq ans, que des initiatives citoyennes, engagées dans le travail de mémoire dans cette partie de Berlin, effectuent des démarches pour sauvegarder le site après son rachat par un investisseur qui prévoit un vaste projet immobilier de 2 500 logements. L’engagement de ces groupes auprès de l’entreprise et de l’arrondissement permet de trouver un compromis : deux bâtiments de l’ancien camp seront sauvegardés. L’un d’eux sera utilisé dans les prochaines années comme centre de rencontre pour la jeunesse ; le second deviendra un lieu de mémoire rappelant l’existence du camp de prisonniers français.

La caserne Landweg 35a sera préservée, un mémorial doit être construit ici. © Antonia Weiße/Dokumentationszentrum NS-Zwangsarbeit frei.

Thomas Schleissing-Niggemann dirige l’une des initiatives sur place. L’engagement de l’infatigable septuagénaire est intimement lié à son histoire familiale : « Mon père était membre du parti nazi et de l’organisation Todt. Ma propre biographie est liée à l’histoire avec un grand H. Je m’engage pour que ce sombre passé ne soit pas oublié. Le travail de mémoire reste central ».

Lors du vernissage de l’exposition « Le passé, on oublie ? », Thomas Schleissing-Niggemann a interpellé l’adjoint au maire à la Culture de la ville de Berlin présent, lui déclarant « Adoptez cet enfant. Faites en sorte que notre engagement pour conserver cette mémoire ne reste pas un feu de paille ». Une fois le projet immobilier réalisé, il faudra savoir qui gère ce lieu de mémoire et avec quels moyens.

Agnès Tanière, la fille du prisonnier de guerre Joseph Baby, a pu rencontrer ceux qui ont permis au camp de ne pas être oublié, et qui contribuent quelque part à ce que le passé de son père ne disparaisse pas : « J’ai été très émue d’apprendre que ces personnes s’étaient engagées pour que la mémoire du camp ne disparaisse pas. Ça réchauffe le cœur de voir qu’elles éprouvent une responsabilité devant l’histoire ; elles ont compris la souffrance de tous ces prisonniers qui étaient dans ces camps ».

L’exposition temporaire, lancée et hébergée par le Centre de documentation sur le travail forcé sous le IIIᵉ Reich et visible jusqu’à fin mai 2023, se veut aussi un moyen de rendre cette redécouverte publique et de contribuer à pérenniser un projet encore balbutiant.

Exposition sur l’ouverture du camp de Lichterfelde avec le sénateur pour la Culture Klaus Lederer et Christine Glauning, responsable du centre de documentation NS-Zwangsarbeit. © Andreas Schoelzel/Dokumentationszentrum NS-Zwangsarbeit frei.

L’exposition présente la vie des prisonniers dont les conditions de vie ont été perçues comme décentes lors de premières inspections de la Croix Rouge. Elles se détériorèrent par la suite. Les détenus travaillaient dans des entreprises ou déblayaient les dégâts causés par les bombardements alliés. Ils disposaient au sein du camp de leur logement sommaire, mais aussi d’une bibliothèque. Des cours furent organisés ainsi que des performances théâtrales. René Duverger, ancien champion olympique en haltérophilie, participa aux activités de cette troupe. Le magazine « Matricule X » aura environ 50 numéros entre 1941 et 1945. La publication réalisée par les prisonniers était soumise à une étroite censure et reprenait à son compte la propagande collaborationniste du régime de Vichy.

Des artistes français firent le déplacement pour « remonter le moral des troupes », comme Edith Piaf, qui chanta devant des prisonniers de guerre en Allemagne, également à Berlin à deux reprises. On la voit dans l’exposition sur une photo avec d’autres artistes au pied de la porte de Brandebourg. Après la guerre, l’artiste pourra prouver que ses voyages en Allemagne avaient été utilisés pour aider des prisonniers à s’évader.

Agnès Tanière aura sans doute beaucoup appris à travers les recherches des historiens sur le camp où fut interné son père et sur sa vie quotidienne à Berlin entre 1940 et 1945. La fille de Joseph Baby avait déjà en amont découvert, après la mort de son père, une centaine de lettres que ce dernier avait rédigées durant sa captivité. « Lorsque j’ai lu la première, j’ai dû m’interrompre et pleurer. C’était vraiment trop dur de découvrir ce passé dont il n’avait jamais parlé ».

Agnès Tanière, fille de l’ancien prisonnier de guerre français Joseph Baby © Andreas Schoelzel/Centre de documentation sur le travail forcé NS.

 

[Source : http://www.rfi.fr]

Este jueves en cines y en Amazon Prime Video se estrena la película que reconstruye el juicio a las juntas militares argentinas y que fue presentada en el Festival de Venecia

El equipo del fiscal en Argentina, 1985

Escrito por FERNÁN CISNERO

Sin ánimo de comparar, Argentina, 1985, que se estrena este jueves en cines locales y en Amazon Prime Video, es del porte de El secreto de sus ojos. O sea una película argentina de factura internacional con Ricardo Darín y con una historia atrapante.

La dirige Santiago Mitre, que empezó con la sorprendente El estudiante y con La cordillera, y ahora Argentina, 1985 confirma su capacidad para entregar una película de hechura clásica y capaz de seducir a una audiencia internacional.

Es la historia del juicio a las juntas militares argentinas en los primeros tiempos de la democracia recuperada. Fue llevado adelante por el fiscal Julio Strassera (Darín) asistido por Luis Moreno Campo (Peter Lanzani) y es un hito de la historia reciente.

Hay quienes ya hablan de nominación al Oscar y sus exhibiciones en los festivales de Venecia y San Sebastián -donde ayer ganó el premio del público- fueron saludadas con ovaciones de las largas.

Para ubicarnos en tal terrible contexto histórico reflejado desde el guion (firmado por Mitre y Mariano Llinás) Argentina, 1985 apela al drama de tribunales, un género tradicional del cine que Mitre conoce y respeta. Hay testimonios tomados de las actas oficiales que dan el contexto de horror y se presenta el entorno amenazante que no amedrentó a los fiscales y los jueces.

El País charló, en dos entrevistas separadas (que acá se presentan reunidas) con Mitre por un lado y con Darín y Lanzani, por el otro, sobre el proceso que llevó a Argentina, 1985, su importancia y lo que significa hoy hacer algo así.

—Es un drama de tribunales. ¿Cuáles fueron sus referencias?

Mitre: Hay un aire a cine de la década de 1970 (Pakula, Costa Gavras) y una filiación con cierta tradición de cine clásico vinculada a John Ford. Es que nadie como los americanos han filmado sus propias historias para ponerlas otra vez en el presente. Así que con Llinás nos dimos cuenta de que había que utilizar esa manera de narrar para hacer que esta historia tuviera la mayor amplificación posible.

—Los Strassera y Moreno Campo de Darín y Lanzari remiten así, a la tradición del héroe del cine.

Mitre: El héroe a su pesar es un tópico muy del cine clásico que por otro lado se adaptaba muy bien a nuestra historia y a la investigación que habíamos hecho. A Strassera era fácil llevarlo hacia ese lugar siendo fieles con lo que la investigación nos había dado.

—¿Viene de ahí también el uso de ciertos alivios de humor?

Mitre: Eso llega de cierta tradición clásica del cine americano, pero también estaba ahí: Strassera era un tipo con un sentido del humor muy particular y la manera en que fuimos trabajando era muy permeable a ese tipo de cosas.

—¿Cómo construyeron los personajes?

Darín: No perseguimos la construcción de ningún tipo de héroe o antihéroe. Son unos tipos simples, gente de la Justicia con diferentes caminos generacionales que, de golpe, la vida los coloca frente a frente. Mi sensación es que se retroalimentaron y precisamente por eso fueron capaces de ir para adelante y poner lo que había que poner para el juicio. La juventud, la energía, la mirada y la lucidez de Moreno Ocampo se combinaron muy bien con cierto criterio y enfoque tradicional ético de Strassera.

—No fueron por la imitación…

Darín: No tuvimos ninguna intención de mimetizarnos con ellos.

Lanzani: No buscábamos características exactas ni hacer exactamente lo mismo que ellos. Hay, además, muchísimas escenas que están ficcionalizadas. Así que la preparación pasó más por encuentros con Santiago, charlas, entender un poco las dinámicas de los textos o el tipo de léxico que se necesitaba. Y más para mi que vengo de interpretar personajes con otro tipo de formación. Y después, encuentros con Ricardo, conocernos para que fuera más sencillo a la hora de rodar.

—¿Cómo nos permite ver el presente, una historia como la de Argentina,1985?

Mitre: El juicio siempre me pareció un hecho de un coraje cívico admirable de parte del presidente Alfonsín, de los jueces y de todos los que participaron. Es un ejemplo de cómo se puede sanar una herida tan fea. Eso, para la Argentina de hoy tan fragmentada y tan peleada entre sí, está bueno poder mirar hacia el pasado, hacia ese inicio de la democracia y ver que Argentina fue capaz de hacer eso en un contexto en el que se requería tanto coraje. Así, puede ser una película que nos reconcilie un poco con el ser argentino algo que a veces nos cuesta bastante.

Darín: Tengo muchas esperanzas básicamente de que en la película haya valores rescatables para la gente joven que a pesar de escuchar, todos los días, lo que es el valor y la decencia, necesita ejemplos efectivos de todo eso y no solo chamuyo. Estoy muy esperanzado en ese sentido a través de lo que creo transpira un relato que es muy humano.

—Es esperanzadora. Y en eso está el discurso final de Strassera, que es, además, un muy buen momento de cine.

Mitre: El juicio a las juntas nos demuestra que se pueden lograr cosas con vocación y voluntad.

Darín: La película es luminosa, te deja respirar, te devuelve el oxígeno que te tomó prestado durante un rato. No es truculenta, podía serlo pero no lo es. Es muy prudente.

Mitre: Y, sí, el discurso de Strassera es una inolvidable pieza política de unión y justicia.

—Y hay todo un ámbito doméstico, de historia chica. ¿Por qué integrar eso?

Darín: Eso le aporta humanidad porque uno puede ver las flaquezas de los personajes en su ámbito familiar. Y te acerca muchísimo y humaniza todo el relato. Eso es algo que yo por lo menos agradezco mucho porque me permite ver la película tantas veces como sea necesario y nunca aburrirme. Siempre le encuentro detalles nuevos.

—Vienen de presentarla en festivales, ¿cómo es todo ese mundo? Desde lejos se ve cansador.

Lanzani: Lo disfrutamos muchísimo y era, además, la gran prueba de fuego porque era la primera vez que veíamos la película en una sala con público. Es muy increíble después de haber leído un guion, hacerlo una película, haber estado en todos los procesos y acompañarla, poder sentarse en una butaca y como un espectador. Mostrarla nos llenó de emoción y orgullo.

Darín: Esto de andar de festival en festival, los traslados, estar en un lugar dos días, en otro tres días, cambiar de cama de hotel, es -a pesar de todo lo que parezca tener de “glamoroso”- muy cansador. Pero una vez que pusiste el culo en una butaca y ves lo que pasa con la gente y con vos mismo, la película te devuelve toda la energía que le invertiste. Nos encanta verla de nuevo por las reacciones de la gente, cómo siguen el relato y todo lo que le aportan con un silencio, un aplauso, una carcajada, una sensación de estupor. Ver todas esas reacciones allí en una sala es muy nutritivo.

Lanzani: Nunca me había pasado de estar en una sala de cine y que la gente aplauda durante una escena o grite algo como si fuese una obra de teatro. Fue una experiencia nueva.

Mitre: Haber tenido un recibimiento así de cálido nos hizo dar cuenta de que la película funciona bien con gente de países que tienen historias similares pero también distintas a la Argentina. Que incluso hablando de un hecho tan profundamente argentino logra comunicarse y ser valiosa.

[Fuente: http://www.elpais.com.uy]

 

Publicat per Toni Mateu

L’actor Iván Martín, que també és mestre de Primària, tenia clar que volia ajuntar els seus dos caires professionals en una mateixa ocupació. És per això que va tirar endavant el projecte Aula Teatral (www.aulateatral.com), que és un proposta de teatre aplicat. És a dir, els tallers que ofereix volen ser una eina educativa i de socialització. Fa mesos que l’Ajuntament de Manacor va oferir el seu taller Llengua Divertida, amb molt d’èxit de participació. L’objectiu és que persones que estan empegueïdes de parlar català s’amollin a utilitzar-lo en situacions comunicatives habituals. Ara, contractat per l’Ajuntament de Palma, ofereix aquest mateix taller a Can Alcover.

El lema del vostre taller és ‘si no t’atreveixes a parlar català, el teatre t’ajudarà’. Com us va passar pel cap crear aquests cursos?

— L’any 2016 vaig tornar a Mallorca, després d’haver viscut molts d’anys a fora i haver treballat en el món teatral. Necessitava fer feina, i com que som mestre, em vaig incorporar al claustre d’un col·legi privat de Palma. A les classes de català, vaig veure que els alumnes eren molt poc competents a l’hora de parlar-lo, cosa que com a madrileny em sorprèn. Tenien molts pocs recursos lingüístics. Això em va fer prendre consciència de com ha reculat l’ús social del català a determinats entorns de Mallorca, i vaig comparar aquesta situació a la meva experiència personal, com a castellanoparlant d’origen, amb la llengua catalana.

Quin és el vostre vincle amb el català?

— Jo som nascut a Madrid, fill d’una família madrilenya, que es va traslladar a Artà per motius laborals als anys vuitanta, quan jo tenia sis anys. M’he criat en aquest poble, hi he anat a escola i hi he après a parlar català, que és una llengua que ara sent meva. Em sent mallorquí, i també artanenc. M’encanta expressar-me en català, i també en castellà. La llengua és una creació humana, i deixar-la perdre és un crim contra la humanitat. I és per això que em va fer posar trist veure quin és el coneixement lingüístic d’alguns joves d’ara.

I essent fora de Mallorca, com vàreu viure la vostra consciència lingüística?

— En acabar l’institut, me’n vaig anar a les Illes Canàries, per estudiar teatre a l’Escuela de Actores, que és un centre d’ensenyament superior semblant a l’ESADIB que tenim aquí. Hi vaig viure durant anys, a les Canàries, i després a Madrid, d’on, com he dit, vaig tornar l’any 2016. Durant tots aquests anys, he enyorat expressar-me en català. Tenc amics de la Península que sovint venen a Mallorca i, tot i que saben que aquí hi ha una llengua pròpia, se sorprenen que tingui un ús social. “Ah, idò sí que s’utilitza!”, diuen.

Com va ser la primera experiència, a Manacor, dels tallers de Llengua Divertida?

— Quan en vaig haver preparat unes primeres sessions, amb un material didàctic, ho vaig presentar als Serveis Socials de Manacor. Jo tenia la idea que el taller seria una eina d’inclusió social per a persones considerades vulnerables. Llavors, el Servei Lingüístic de l’Ajuntament en va oferir la proposta a la ciutadania, i per sorpresa meva em vaig trobar que la majoria d’assistents eren persones motivades que vingueren per iniciativa pròpia, no perquè els hi haguessin derivat els tècnics de Serveis Socials. Eren persones amb moltes ganes d’aprendre, amb perfils sociolaborals diversos. Sobretot són estrangers que volen conèixer la realitat del lloc que han triat per viure. Al primer taller va venir gent de Manacor, però també de pobles de prop: de San Carrió, de Son Servera, de Sant Joan… I també hi havia alguns assistents mallorquins de naixement i castellanoparlants. Aquests, tot i tenir un coneixement elevat de català, no s’havien llançat mai a parlar-lo, i necessitaven una empenta.

I com és aquesta empenta que els donau?

— Bàsicament consisteix a crear unes situacions comunicatives en què els participants s’amollin a parlar, sense passar pena per la correcció linguística. Les sessions, les he batiades com ‘El meu nom és…’, ‘Uep! Com anam?’, ‘El que m’agrada és…’. Als meus tallers hi ha moltes rialles, i també procur que entre sessió i sessió les diferents persones entrin en contacte. Per exemple, durant la setmana, entre ells, s’han d’enviar àudios de WhatsApp per comentar quin temps farà. Al final de cada sessió també proposam reptes, com fer un text oral i enregistrar-se amb el mòbil. Sempre hi ha persones que no fan els deures; no els hi obligam, però la majoria respon bé. El teatre aplicat ja ho té, això: els participants no senten la pressió d’haver de fer una obra de teatre de final de curs. L’objectiu és col·laborar, aprendre, relacionar-se. Als cursos que vaig fer de mestre en una escola de Primària amb majoria d’alumnes castellanoparlants, vaig crear situacions perquè els al·lots acabassin parlant català, perquè s’amollassin. Eren nins que no l’havien parlat mai. Amb alguns no ho vaig aconseguir, però amb la majoria, sí. És una llàstima que els currículums educatius no incloguin aquestes pràctiques.

 

[Foto: Isaac Buj – font: http://www.arabalears.cat]

Les dix-sept années de règne du despote chilien ont débuté dans le sang. Le chanteur populaire socialiste fut l’une des premières victimes des tortures et massacres perpétrés par le régime dictatorial.

Victor Jara à Helsinki lors d’une manifestation contre la guerre au Vietnam, le 25 août 1969. | Hannu Lindroos / Lehtikuva  via Wikimedia Commons

Écrit par Brice Miclet — édité par Sophie Gindensperger 

Quarante ans. C’est le temps qu’il aura fallu à la justice chilienne pour faire son travail. Le 3 janvier 2013, elle condamnait huit militaires à de la prison ferme, dont Pedro Barrientos Núñez, ancien lieutenant de l’armée chilienne vivant aux États-Unis. Le 16 septembre 1973, cet officier avait supervisé l’exécution de Victo Jara, musicien et poète, torturé et tué pour ses positions communistes sous le régime d’Augusto Pinochet.

En 2009, déjà, le corps du chanteur avait été exhumé, laissant apparaître les stigmates des quarante-quatre balles l’ayant emporté, mais montrant également que, contrairement à la légende, il n’avait pas eu les mains coupées avant de mourir. Un détail? Pas tant que cela.

Ses restes avaient ensuite été transportés dans un cimetière pour y être enterrés, la cérémonie rassemblant plus de 5.000 personnes, dont sa veuve et ses filles, suivie de trois jours d’hommage national et populaire. Car Victor Jara, en plus d’être l’une des nombreuses victimes de la dictature, est surtout devenu un symbole rayonnant à l’international, une incarnation de la dureté de Pinochet et de sa junte.

Ambassadeur culturel

Né dans la campagne de la province de Ñuble, au sud de Santiago, Victor Lidio Jara Martinez aurait bien pu devenir paysan, comme ses parents. Mais en partant étudier la comptabilité à l’université de la capitale, il découvre le théâtre, d’abord comme acteur, puis comme metteur en scène. Il y mêle déjà la musique, pare ses pièces de chansons populaires et de chants ancrés dans la mémoire collective.

C’est ce qui le pousse vers la musique et qui l’amène à écrire «Palomita Verte Quiero», sa première production connue. À l’université, il est également happé par une tout autre passion qui finira par avoir raison de son existence: le marxisme. Mais pour le moment, les portes lui sont ouvertes. Il devient directeur de l’Académie folklorique de la Maison de la culture de Ñuñoa et dirige l’institut de théâtre de son université.

Mais c’est la musique qui lui permet de mieux véhiculer ses idées. Dès le milieu des années 1960, il tient publiquement des propos frontaux contre l’impérialisme américain, se positionne comme un chanteur révolutionnaire, est profondément marqué par la mort de Che Guevara en 1967.

À l’époque, le Chili est gouverné par un démocrate-chrétien, Eduardo Frei Montalva. Victor Jara, lui, soutient un homme politique qui marquera l’histoire du pays lors de son accession au pouvoir le 4 septembre 1970: Salvador Allende.

Lorsque le leader socialiste accède au pouvoir, Victor Jara est nommé ambassadeur culturel et parcourt le monde, notamment Cuba, la Suède ou l’URSS. Il s’oppose à la guerre du Vietnam, dispense des discours politiques sur des scènes gigantesques… Sa musique est reconnue dans tout le monde socialiste grâce à ses quatre premiers albums, Victor Jara et Canciones folklóricas de América parus en 1967, Pongo en tus manos abiertas en 1969 et Canto Libre en 1970.

La reprise

Bref, durant les premières années du régime d’Allende, Victor Jara est déjà un symbole musical chilien. Il devient l’un des hommes clés de la refonte culturelle du pays.

Mais, dès 1972, l’administration d’Allende vacille: l’opposition de droite organise de gigantesques manifestations et blocages afin de renverser le gouvernement. Victor Jara appelle la population à faire du bénévolat pour que le train économique maintienne sa vitesse de croisière, mettant lui-même les mains dans le cambouis. Mais rien n’y fait. Le Chili s’enfonce très rapidement dans une crise financière qui met Allende en difficulté. Une reprise du pouvoir par le camp militaire chrétien semble imminente.

Le 11 septembre 1973, quatre généraux aidés par les États-Unis guident le coup d’État qui va renverser l’éphémère régime socialiste. L’un d’eux, Augusto Pinochet, chef de l’armée de terre, s’apprête à prendre le pouvoir par la force pour dix-sept années.

Salvador Allende, qui a choisi de ne pas fuir et de rester au palais de la Moneda, siège de la présidence du Chili, est tué lors du bombardement du bâtiment. Des milliers de personnes sont arrêtées, soupçonnées d’organiser la lutte armée, dont Victor Jara, qui est emmené à l’Estadio Chile avec 6.000 autres prisonniers le 12 septembre. Commencent alors quatre jours de torture et de sévices.

L’ultime poème

Les détails de cette captivité sont sujets à débat. Il y a les légendes, les témoignages glorificateurs, les controverses entre historiens. Mais quelques certitudes subsistent: Victor Jara a notamment le temps d’écrire son ultime texte, intitulé «Estadio Chile» [«Stade du Chili» en français], avant de se faire briser les mains et les doigts par ses tortionnaires, puis d’être abattu d’une balle dans la tête à l’arrière du stade, sur un terrain vague.

Les militaires vident leurs chargeurs dans son corps et exposent ce dernier à l’entrée de l’enceinte, comme un avertissement. Au bout de quelques jours, il est déplacé avec d’autres corps, puis identifié par des civils qui, après avoir prévenu la femme de Victor Jara, Joan, l’emmènent au cimetière municipal et l’enterrent enfin dignement.

Durant les quarante années qui suivent, Victor Jara devient un symbole de la lutte socialiste chilienne et de la violence du régime de Pinochet. En France, de nombreuses chansons sont écrites en son honneur, notamment «Le bruit des bottes» de Jean Ferrat ou «La Samba» de Bernard Lavilliers.

En 2008, le colonel Mario Manríquez Bravo, chef de la sécurité de l’Estadio Chile à l’époque du coup d’État, est le premier militaire à être condamné pour sa participation aux exécutions. L’année suivante, il est établi que des militaires conscrits, dont un certain José Adolfo Paredes Márquez, ont en fait joué à la roulette russe avec la tête de Victor Jara, jusqu’à ce qu’une balle soit tirée. Il est également condamné, comme de nombreux protagonistes, jugés jusqu’en 2015.

Encore aujourd’hui, la justice chilienne attend l’extradition de plusieurs militaires retraités établis à l’étranger et supposément responsables des massacres de 1973. En attendant, l’Estadio Chile a été renommé Estadio Victor-Jara, en hommage au chanteur résistant.

 

[Source : http://www.slate.fr]

Non era posible, ata agora, ler textos teatrais galegos coma Judite, de Marcos Abalde, ou As do peixe, de Cándido Pazó. O primeiro por falta de distribución e o segundo porque non fora nin editado. A Antoloxía do teatro galego contemporáneo de Cena Lusófona veu rematar con esta anomalía e con outras semellantes, xa que reúne nunha edición en dous volumes unha representación de voces da historia do teatro galego desde pouco antes de Abrente a primeiros dos anos 70.

Ás oito da tarde cando morren as nais, de AveLina Pérez © CDG

O primeiro tomo recolle, así, Un hotel de primeira sobre o río, de Xohana Torres; O cabodano, cerimonia de laios e salaios, de Euloxio Ruibal; Días sen gloria, de Roberto Vidal Bolaño; Cando chega decembro, de Manuel LourenzoAs certezas de Ofelia, de Luísa Villalta; Lugar, de Raúl Dans e Footing, de Gustavo Pernas, mentres que o segundo volume xunta As do peixe, de Cándido Pazó; Judite, de Marcos Abalde; Voaxa e Carmín, de Esther E. CarrodeguasNome: Bonita, de Vanesa Sotelo e Ás oito da tarde, cando morren as nais de AveLina Pérez.

Voaxa e Carmín, de Esther Carrodeguas © MIT

A asociación portuguesa para o intercambio teatral cos países lusófonos Cena Lusófona é a responsable desta publicación, que contou co asesoramento das investigadoras e profesoras Inma López Silva e Dolores Vilavedra -autora do texto que introduce a edición- e da directora de escena Ánxeles Cuña, coa colaboración de António Augusto Barros e de Pedro Rodrigues. Todos os textos inclúense, en 1900 páxinas, na normativa do galego da ILG-RAG e en portugués padrón. As versións en portugués foron realizadas por Sofia Lobo e Zé Paredes.

A relación de Cena Lusófona co noso teatro viña xa de atrás. A asociación conta cunha revista especializada, setepalcos, na que publicara xa no 2003 unha panorámica da historia do teatro galego. “Dúas décadas despois” -explica Dolores Vilavedra no texto que serve como limiar do libro- “a Cena Lusófona segue adiante, teimosa, co seu obxectivo de tentar situar o teatro galego nesas encrucilladas culturais que son, por unha banda, a comunidade de países en lingua portuguesa e, por outra, o ámbito iberoamericano”.

Antoloxía do teatro galego contemporáneo forma parte da colección de teatro Cena Lusófona, unha serie de publicacións de dramaturxia na que este dobre volume dedicado a Galicia comparte espazo con outros dez números centrados en autores e autoras de Angola, Moçambique, São Tomé e Príncipe, Cabo Verde, Portugal, Brasil e Guiné-Bissau. A edición de textos teatrais supón, á súa vez, un dos ámbitos de actuación de Cena Lusófona, cuxo proxecto de intercambio teatral entre os países da lusofonía inclúe a formación, coprodución e distribución de espectáculos, creación de infraestruturas teatrais, investigación, dramaturxias compartidas, debates e conferencias, exposicións e programas de cooperación.

Antoloxía do teatro galego contemporáneo vén complementar e actualizar, ademais, a Antoloxía do teatro galego publicada a primeiros dos anos 80 por Edicións do Castro baixo a coordinación de Manuel Lourenzo e Francisco Pillado. A selección de textos, explica Vilavedra no limiar do dobre libro de Cena Lusófona, “podería ser outra” -discutible como todas as escolmas- “certamente, mais que vén avalada practicamente en todos os casos pola concesión dalgún galardón, polos nomes dos seus autores e autoras e polo innegable interese das propostas artísticas que nos ofrecen. Doce textos non son moitos para máis de cincuenta anos, certo, mais abondo para debuxar aquí a cartografía do que hoxe é a literatura dramática galega e de como chegou a selo”.

As do Peixe, de Cándido Pazó © Contraproducións

A escolla comeza por un texto anterior á data na que adoita situarse o inicio do teatro contemporáneo galego, o 1973, momento do nacemento dos proxectos de Abrente. Trátase de Un hotel de primeira sobre o río, de Xohana Torres, obra coa que esta autora, moito máis coñecida como poeta, gañara o premio de textos teatrais en galego promovido por O Galo no tempo do espertar do asociacionismo cultural dos anos 60. Vilavedra relaciona este texto co teatro existencialista francés e co simbolismo que servía para tratar problemas sociais silenciados pola censura coma a especulación urbanística. Segue á obra de Xohana Torres O aniversario de Euloxio R. Ruibal, peza que obtivo no 1975 o Premio Abrente de Textos Teatrais que, segundo Vilavedra, critica a división social provocada pola guerra civil.

Antoloxía do Teatro Galego Contemporáneo recolle outros dous textos representativos da xeración Abrente, Días sen Gloria de Roberto Vidal Bolaño e Cando chega decembro de Manuel Lourenzo. O primeiro deles, relacionado co Camiño de Santiago e editado tamén por Positivas, foi gañador do Premio Rafael Dieste en 1992 e finalista do Premio Nacional de Literatura Dramática. O segundo incluíuse en Veladas indecentes, o volume que tirou do prelo Laiovento co que Manuel Lourenzo gañou o Premio Nacional de Literatura Dramática en 1997.

A transición xeracional desde Abrente está representada na antoloxía de Cena Lusófona por Luísa Villalta ou Raúl Dans. As certezas de Ofelia, de Luísa Villalta, fora publicado en Casahamlet, a revista ligada ao estudio homónimo de Manuel Lourenzo e Santiago Fernández, dando continuidade segundo Vilavedra ao proxecto de Lourenzo de pór en diálogo o teatro galego coas figuras do teatro universal.

Roberto Vidal Bolaño, nunha imaxe divulgada durante as homenaxes que recibiu en 2013, cando lle foi dedicado o Día das Letras Galegas © Henrique Alvarellos

Lugar, de Raúl Dans, premio Álvaro Cunqueiro de textos teatrais, formou parte da colección Biblioteca 120 de La Voz de Galicia e foi, ademais, unha das poucas pezas deste autor levadas ás táboas, estreada polo Centro Dramático Galego no 1999. Vilavedra sitúa a Gustavo Pernas e Cándido Pazó nun modelo de autor teatral, máis propio dos anos 90, que escribe textos para a súa propia compañía. Do primeiro a antoloxía recolle Footing, premio Rafael Dieste no 2001, e do segundo As do Peixe, Premio María Casares ao mellor texto orixinal no 2014 e un dos éxitos de público do teatro galego dos últimos anos.

A escolma da Antoloxía do Teatro Galego con autores e autoras de distintas xeracións formados xa na ESAD. Marcos Abalde, cuxo teatro político é doado de relacionar por exemplo co de Gustavo Pernas, constrúe en Judite, Premio Marqués de Bradomín de textos dramáticos do InJuve no 2012, unha potente e moi expresiva metáfora da violencia obstétrica cando este tema estaba moito menos presente no debate público, mentres que Esther F. Carrodeguas indaga no exilio interior das Marías, Maruxa e Coralia, en Voaxa e Carmín, peza que estreou coa súa propia compañía, ButacaZero, tras gañar con ela o Premio Abrente de Textos Teatrais da MIT de Ribadavia. 

A antoloxía escolle por último, como representantes do teatro posdramático a Vanesa Sotelo e AveLina Pérez, aínda que inclúe, da primeira, un texto máis convencional, Nome: Bonita, premio Mondoñedo 10 de teatro, e da segunda Ás oito da tarde cando morren as nais, Premio Álvaro Cunqueiro para Textos Teatrais no 2018, peza levado á escena recentemente polo Centro Dramático Galego.

 

[Fonte: http://www.praza.gal]

Escrito  

La fachada de un edificio en Múnich, con amplios ventanales en sus plantas, es el lugar donde vive el director de cine Peter von Kant junto a su criado, Karl. Quizás «un admirador, un esclavo, un amigo, un siervo», como diría José Luis López Vázquez en Atraco a las 3. Pero Karl no abre la boca, solo cumple órdenes: trabaja, mecanografía, plancha la ropa, limpia y observa todo lo que sucede allí. Fascinado por la gran estrella Sidonie, amiga de Peter. Envidioso de Amir, el joven amante de su amo. Testigo de romances, discusiones o despedidas. Consciente de toda la situación, menos de unas lágrimas amargas de cocodrilo que no afloran en la pueril furia de Peter.

El rótulo inicial amarillo escrito con una tipografía estilo años setenta sobreimpresionado tras el título advierte sobre la inspiración libre del film en la obra de teatro Las amargas lágrimas de Petra von Kant. Ya deja patente que Peter von Kant no es solo un drama, tampoco una versión nueva de la cinta rodada el mismo año en la cual se desarrolla la acción de la más reciente. Este 1972 está habitado por fumadores empedernidos, alcohólicos reconocidos y amantes viajeros. La unidad de amplios espacios interiores en la casa de Peter. Se suceden ahí las acciones, entradas, salidas de escena, junto a un par de escasas apariciones del exterior, casi siempre con algún personaje que llama desde cabinas telefónicas, más alguna conversación en automóvil. François Ozon no traiciona el texto ni el modelo. Tampoco lo deja intacto. Desde un inicio fulgurante para mostrar la dependencia de Karl y Peter, cuando el primero le sube las persianas y acerca al protagonista el teléfono que suena. Peter, caprichoso, vicioso sin titubeos, apabullante podría llamarse Rainer Werner Fassbinder también, porque de algún modo el físico del actor Denis Menochet, su pelo, vestuario, los rasgos y costumbres delatan al sujeto que inspira su personaje. Aunque cinco décadas no pasan en balde para el amor, el deseo, los delirios ni la furia en este siglo veintiuno, marcado por el escepticismo romántico.

Fassbinder lo rodó como un melodrama de sus venerados referentes o influencias del cine mudo, estudios de Hollywood y maestros europeos. Pero siempre con Douglas Sirk, Frank Borzage, George Cukor, William Wyler y Roberto Rosellini en su equipaje emocional, más la tradición teatral, además de la folletinesca en la televisión sobre aquel extenso repertorio de historias, personajes femeninos y texturas audiovisuales a los que se añade la prolífica filmografía del propio cineasta, nacido y fallecido en la región de Bavaria. Así que Ozon incluye al mismo Fassbinder como influencia temática, formal e incluso como protagonista de su revisión. Aunque llamar revisión a Peter von Kant no plantea una copia del original, sino un nuevo acercamiento que cuestiona los modos, el material de procedencia o la época en que se desarrolla: los rompedores setenta. Y tal vez, lo más sorprendente sea cierto ajusticiamiento sobre la figura del cineasta germano que, visto con nuestra perspectiva moral contemporánea. resultaría una persona de conducta reprobable.

En una filmografía que mantiene su ritmo anual desde hace casi dos décadas, el director y guionista francés desmonta la tragedia, recomponiéndola como una “melocomedia” o tal vez un “comedrama”. Da igual el barbarismo usado porque utilizar uno que servía para acuñar las comedias de situación televisivas más serias como “dramedias”, no responde a una película en la que lo cómico impera sobre lo trágico. Ozon maneja bien el ritmo interno de los planos, réplicas, miradas y movimientos de los intérpretes en escena. Marca con exactitud el tempo total por medio de la estructura teatral de tres actos, coordinando la dirección artística, fotografía, iluminación y sonido para representar el paso de las estaciones durante un período de varios meses. Orquestando un largometraje que por momentos se lanza a la comedia de risas, sin problemas ni sutileza, manejando un texto que se originó desde la ruptura amorosa. Los ecos se intuyen por geografía física y temporal, más cerca de Ernst Lubitsch, Billy Wilder e incluso en Édouard Molinaro en algunos detalles delirantes o desde las actitudes del reparto hasta ese francés que entonan tan bien, siendo alemanes.

De tal manera, el realizador francés logra empezar un homenaje en un principio, pero termina como un ajuste de cuentas a Fassbinder al final. Una propuesta válida pero que podría ser más curiosa si el mismo François Ozon es cuestionado por algún cineasta, tan personal o prolífico como los implicados, en las próximas décadas.

 

[Fuente: http://www.cinemaldito.com]