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Vénérés au Portugal, les azuléjos, ces carrés de faïence atteignent des prix tels que des trafiquants vont jusqu’à les desceller des murs des palais ou des églises. La riposte s’organise.

Portugal : au sein de la "brigade spéciale azulejos", ces petits carrés de faïence très convoités

Azuléjos à côté du marché de Bolhão à Porto.

 

Écrit par François Musseau

Domingos Lucas s’engouffre dans les entrailles du siège de la police judiciaire, bâtiment mastodonte de style soviétique dans le centre de Lisbonne. L’inspecteur en chef descend au deuxième sous-sol, s’aventure dans d’interminables couloirs, puis franchit trois lourdes portes s’ouvrant grâce à un digicode et une carte magnétique, avant d’accéder à la caverne d’Ali Baba : une succession de coffres-forts emplis de fausses toiles de maître, sculptures et masques africains et, surtout, d’innombrables azuléjos, ces carreaux de faïence peinte emblématiques du Portugal. Domingos Lucas se fraye un chemin dans le poussiéreux amoncellement d’objets d’art volés ou contrefaits que la police a récupérés, écarte du pied des caisses de céramiques non encore répertoriées et s’exclame :

Voici ma plus belle trouvaille de ces dernières années !

Il désigne quatre petits carrés aux motifs floraux datant du XVIIe siècle, arrachés aux façades d’un palais lisboète abandonné. « Ils ont été dénichés chez un brocanteur véreux que j’ai repéré à la Feira da ladra [le marché aux puces], explique l’enquêteur. Ce receleur se fournissait auprès d’une bande de truands et refourguait sa marchandise à prix d’or en Algarve. » Valeur estimée de ces quatre morceaux de carrelage de chacun quinze centimètres sur quinze : 6 000 euros.

C’est en 2007 qu’a été créée au sein de la police judiciaire la « brigade spéciale azuléjos ». Son rôle : juguler un vaste trafic, avec des moyens limités. « Je n’ai que cinq hommes à ma disposition pour tout Lisbonne, on est débordés, explique Domingo Lucas. La législation oblige les antiquaires à identifier l’origine des céramiques anciennes sous peine d’amende (3 700 euros), mais la plupart ne le font pas. De plus, lorsqu’on localise des azuléjos suspects, la loi ne nous donne que vingt jours pour enquêter : c’est trop peu ! »

Néanmoins, avec quelques autres enquêteurs dans le pays, Lucas et ses hommes ont réussi, en presque quinze ans, à faire chuter le trafic d’environ 80 %. Une statistique que l’inspecteur relativise car, de son propre aveu, certains vols restent sous le radar des autorités, faute de dépôt de plainte. Pire : d’après lui, ces méfaits ont repris de plus belle entre début 2017 et 2020 en raison de l’afflux de touristes, et donc d’acheteurs potentiels. Des milliers de pièces ont été descellées de murs d’églises, de palais… L’inspecteur a interpellé sept trafiquants en 2018, six en 2019 et cinq début 2020, avant que la pandémie de coronavirus ne vienne freiner les délinquants.

« La difficulté est que notre brigade doit non seulement fournir la preuve du vol mais aussi attester que telle faïence correspond à une série d’azuléjos signalée comme arrachée à tel mur, autrement dit résoudre d’inextricables puzzles ! », dit-il. Selon ses calculs, le trafic est lucratif : un seul carreau se négocie en moyenne 1 200 euros, s’il date du XVIe siècle ; de 250 à 500 euros, pour le XVIIe siècle ; de 100 à 125 euros, pour le XVIIIe siècle ; et 10 à 15 euros la pièce datant du siècle dernier. Difficile pour les acheteurs de s’y retrouver entre le circuit de contrebande et le marché légal alimenté par des donations ou des ventes à l’occasion de la rénovation ou la destruction de vieux édifices.

Cette chasse au trésor reflète la valeur de l’azuléjo pour le Portugal

Plus qu’un élément décoratif, c’est un symbole de son identité. « Chez nous, pas de Louvre ou de statue de la Liberté, mais nous avons cette céramique, qu’on ne retrouve nulle part ailleurs avec une telle maestria », souligne Maria Antónia Pinto de Matos, conservatrice en chef du Musée national des azuléjos, qui est logé dans un ancien couvent donnant sur le port fluvial de Lisbonne. Au XVIe siècle, lors d’un voyage à Séville, le roi Manuel Ier du Portugal eut le coup de foudre pour les al zulaydj (littéralement; « petite pierre polie ») prisés par les Maures, eux-mêmes inspirés par les mosaïques romaines, raconte- t-elle. Des ateliers ne tardèrent pas à voir le jour à Lisbonne, croulant sous les commandes de la monarchie et du clergé.

En longeant les murs du couvent ornés de grandes fresques faïencées, Maria Antónia Pinto de Matos détaille les spécificités de chaque période : les azuléjos exclusivement blanc et bleu des origines ; l’introduction plus tardive d’autres couleurs et de thèmes profanes, comme la chasse ou la pêche, dans les palais au XVIIe siècle ; et surtout l’événement charnière que constitua le tremblement de terre de Lisbonne de 1755, puisque la reconstruction de la ville alla de pair avec la production en série de carrelages résistants et faciles à laver. Au fil du temps, les artisans formés aux Beaux-Arts redoublèrent d’inventivité : motifs bibliques, figuratifs, géométriques ou symboliques, leur inspiration ne connut pas de limite. « Le succès des azuléjos tient à leur beauté, mais aussi aux histoires qu’ils racontent, telle, ici, celle de ce négociant du XIXe siècle dont on suit l’existence comme dans une BD », poursuit l’experte; en glissant son doigt sur un panneau de trois mètres de long.

 

[Photo : SOPA Images / Getty Images – source : http://www.geo.fr]

Verticais do Private Selection da Herdade do Esporão mostram como um vinho ícone pode evoluir em todos os sentidos

Garrafeira é um termo que os produtores portugueses costumavam usar para designar alguns de seus vinhos mais especiais, a ideia é que ele fosse um “vinho de garrafeira”, ou seja, o lugar onde eles são guardados e conservados, a adega, por exemplo. Com o tempo, o termo passou a integrar a legislação dos vinhos portugueses que diz:

“Garrafeira”, menção reservada para vinho associada ao ano de colheita que apresente características organolépticas destacadas e tenha, no caso do vinho tinto, um envelhecimento mínimo de 30 meses, dos quais pelo menos 12 meses em garrafa de vidro, e, no caso dos vinho branco ou rosado, um envelhecimento mínimo de 12 meses, dos quais pelo menos 6 meses em garrafa de vidro, devendo constar de uma conta-corrente específica.

Atualmente, porém, boa parte dos produtores prefere usar outros nomes. Em 1987, por exemplo, a Herdade do Esporão lançou seus primeiros garrafeiras. Na época, eles selecionavam as melhores barricas do Reserva para compor esse vinho. No entanto, com o passar dos anos, Esporão compreendeu que não bastava selecionar as barricas, mas sim as parcelas de vinha. Assim, em 2001 nasceu o Private Selection, a evolução do garrafeira.

Degustação

[Colocar Alt]

Para entender melhor como esse vinho evoluiu tanto em diversas frentes para chegar ao que é hoje (e também para onde vai), o enólogo David Baverstock, australiano radicado em Portugal, apresentou uma vertical de 10 safras tanto do rótulo tinto quanto do branco (este último criação sua) com exclusividade para ADEGA. Esta foi a primeira e única vez que ele fez uma vertical com tantas safras de Private Selection fora de Portugal. Confira a seguir.

VERTICAL DE ESPORÃO PRIVATE SELECTION BRANCO

SAFRAS 2005, 2006, 2007, 2008, 2009, 2010, 2011, 2012, 2013 e 2014

Apesar de se dizer praticamente português, o enólogo australiano David Baverstock pensou nas similaridades entre o clima alentejano e de algumas regiões mais quentes da Austrália para se inspirar num branco majoritariamente de Sémillon com pequenas partes de Marsanne e Roussanne em pleno Alentejo. Segundo ele, que trabalha na Herdade do Esporão desde 1992, essa ideia foi baseada nos brancos produzidos em Barrossa Valley, na Austrália, “mais estruturados e mais alcoólicos dos que os vindos de Hunter’s Valley”. Assim, em 2001 foi lançada a primeira safra do Esporão Private Selection Branco. “Desde então, passamos a ter um melhor conhecimento da variedade e de como é importante controlar os rendimentos no vinhedo se se pretende obter maior qualidade”, diz Baverstock. Conjuntamente a essa maior compreensão do vinhedo, a partir da safra 2012 as barricas de 225 foram trocadas por barris de 500 litros para fermentar e estagiar os vinhos, buscando maior expressão da fruta.

Ao experimentarem-se as 10 safras deste branco, é evidente o direcionamento para um estilo mais vertical, privilegiando mais fruta fresca e maior precisão nas safras mais recentes. Nesse sentido, Baverstock divide em três etapas a produção do Private Branco. A primeira, de 2001 até 2005, de vinhos mais gordos, maduros e mais potentes. A segunda, entre 2005 e 2009, uma fase intermediária. E a terceira, de 2010 até o presente momento, “já com uma visão mais clara do estilo do Sémillon alentejano que queríamos”. E resume: “Creio que na safra 2014 realmente atingimos a maturidade em nosso entendimento do que possa ser a Sémillon no Alentejo”.

AD 90 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION BRANCO 2005

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível). Ano mais fresco, no início mostra algo oxidativo, depois foi abrindo e mostrando camomila, erva cidreira e toques de mel, tudo envolto por acidez vibrante. Potente, amanteigado, com ótimo volume e textura. Tem final cheio, com traços cítricos e tropicais em compota, além de toques de caramelo. Álcool 14,5%. EM

AD 90 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION BRANCO 2006

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível). Ano mais quente. Comparado ao 2005, mostra estilo menos gordo e mais refinado, com ótima acidez e textura, tudo envolto por notas cítricas e defumadas aportadas pela madeira. Álcool 13,5%. EM

AD 93 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION BRANCO 2007

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível). Ano clássico (para o Alentejo significa dias quentes e noites frias). Foi um dos que melhor se mostrou na vertical de 10 safras deste branco, surpreendendo, inclusive David Baverstock, o enólogo. Tenso, fresco, vibrante, mantendo o estilo estruturado e amanteigado, porém com mais verticalidade. Final longo, cremoso e persistente, com toques minerais e de camomila. Álcool 14,5%. EM

AD 91 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION BRANCO 2008

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível). Ano clássico (para o Alentejo significa dias quentes e noites frias). Mantém a acidez, o frescor e o estilo do 2007, porém com mais notas florais e menos cremosidade e volume de boca. Álcool 14%. EM

AD 89 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION BRANCO 2009

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível). O ano mais quente se sente nos aromas e sabores de frutas brancas e de caroço compotadas. Num estilo mais cheio quando comparado ao 2008 e também ao 2007. Mostra final mais cheio que longo, com notas de mel e de cera de abelha. Álcool 14,5%. EM

AD 92 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION BRANCO 2010

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível). Ano clássico (para o Alentejo significa dias quentes e noites frias). Comparado aos anos anteriores, este 2010 mostra mais precisão tanto nos aromas quanto no palato. As frutas cítricas e tropicais aparecem envoltas por notas florais, amanteigadas e de especiarias doces. Longo, refinado e com ótima textura. Álcool 14,5%. EM

[Colocar Alt]

AD 91 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION BRANCO 2011

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível). Ano clássico (para o Alentejo significa dias quentes e noites frias), mas com chuva fora de época. Mostra cativantes notas de mel que envolvem os aromas de frutas cítricas e de caroço maduras. Mais preciso como o 2010, porém menos potente. Mantém o estilo cremoso, característico da cepa, com menor volume de boca quando comparado à safra anterior. Álcool 14,5%. EM

AD 92 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION BRANCO 2012

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível). Um ano mais frio para os padrões do Alentejo. É o mais mineral quando comparado aos provados anteriormente, mostrando perfil de fruta mais fresca, acidez vibrante, ótima textura e final persistente, com notas florais e amanteigadas. Álcool 14%. EM

AD 93 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION BRANCO 2013

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal. Nesta safra, é ainda mais clara a expressão que este branco está buscando ano após ano, gradativamente ganhando frescor, tensão e texturas, que equilibram seu lado untuoso e de frutas tropicais, brancas e de caroço maduras. Aqui é claramente perceptível que a madeira passou a ser somente uma coadjuvante, trazendo estrutura e complexidade ao conjunto, praticamente não interferindo nos sabores. Álcool 14%. EM

AD 94 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION BRANCO 2014

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal. Aqui parece a consumação do que David Baverstock entende que possa ser a Sémillon cultivada no Alentejo. Mostra estilo menos potente e cheio, mas mais tenso, com os nervos e texturas da cepa dando as caras, mas mostrados com precisão e refinamento. Um vinho compacto, bem nascido, de final profundo e que se projeta com intensidade na boca. Ainda está jovem e tem tudo para ficar ainda melhor nos próximos anos. Álcool 14,5%. EM

VERTICAL DE ESPORÃO PRIVATE SELECTION TINTO SAFRAS

1997, 1999, 2000, 2001, 2003, 2005, 2008, 2009, 2011 e 2013

O “Garrafeira” do Esporão começou como uma seleção das melhores barricas e evoluiu para uma “seleção” de parcelas.

A primeira safra deste tinto foi elaborada em 1985, na época era chamado Garrafeira. Até 1997 foi realizado com o conceito de ser a seleção dos melhores vinhos Reserva da vinícola. Segundo Baverstock, a partir da safra 1999, mudou-se esse conceito, passando a ser pensado desde o vinhedo e a usar somente barricas de carvalho francês, deixando de lado as de carvalho americano. Já em 2001, para refletir essas mudanças, o nome foi alterado para Private Selection Garrafeira Tinto, que foi usado até 2005. Depois disso, tirou-se a expressão Garrafeira e o vinho recebeu o nome atual de Private Selection Tinto.

Essas mudanças são evidentes também nas cepas usadas no blend. Das safras provadas, entre 1997 e 2001, possuía Trincadeira, Aragonês e Cabernet Sauvignon. Em 2003, mudou radicalmente, sendo elaborado majoritariamente partir de Alicante Bouschet, com pequena porcentagem de Aragonês. Já em 2005, incorporou-se Syrah à mescla, mantendo-se assim em 2008, 2009 e 2011. Em 2014, além de Alicante Bouschet, Aragonês e Syrah, foi incorporada Petit Verdot pela primeira vez.

Assim como nos brancos, a degustação comparativa de dez safras de Private Selection Tinto mostra um caminho semelhante, ou seja, progressivo em direção a mais frescor, mais precisão e maior respeito à fruta, com a madeira tendo cada vez menor impacto nas safras mais jovens, comprovando na taça que as mudanças realizadas neste vinho nos últimos 20 anos valeram a pena.

AD 91 pontos

ESPORÃO GARRAFEIRA 1997

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível).

Tinto composto de Trincadeira, Aragonês e Cabernet Sauvignon, com 12 meses em barricas de carvalho americano e francês. Vivo, intenso e estruturado, com vibrante acidez e ótima textura de taninos. Complexo nos aromas, mostra frutas negras envoltas por notas terrosas, defumadas, florais, de tabaco e de ervas secas. Elegante, gastronômico e em ótima forma para seus 20 anos. Álcool 14%. EM

AD 90 pontos

ESPORÃO GARRAFEIRA 1999

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível). Tinto composto de Trincadeira, Aragonês e Cabernet Sauvignon, com 12 meses em barricas de carvalho francês. Tenso, cheio de fruta e de vivacidade, com refrescante acidez e taninos de ótima textura. Segundo David Baverstock, lembra mais um Dão que um Alentejo. Álcool 14%

AD 91 pontos

ESPORÃO GARRAFEIRA 2000

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível). Tinto composto de Trincadeira, Aragonês e Cabernet Sauvignon, com 12 meses em barricas de carvalho francês. Mostra cativantes notas florais, de chocolate e de tabaco envolvendo as frutas negras mais maduras. Cheio de vida, com gostosa acidez e taninos macios dando os contornos. Comparado ao 1999, apresenta mais volume e fruta de melhor qualidade. Álcool 14%. EM

AD 92 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION GARRAFEIRA 2001

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível). Tinto composto de Trincadeira, Aragonês e Cabernet Sauvignon, com 12 meses em barricas de carvalho francês. Aqui já se percebe maior concentração, estrutura e volume de boca, com taninos marcante e muita fruta negra madura acompanhado de especiarias e de cânfora. Álcool 14,5%. EM

AD 90 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION GARRAFEIRA 2003

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível). Tinto composto majoritariamente de Alicante Bouschet e pequenas parte de Aragonês, com 18 meses de estágio em barricas de carvalho francês. Mostra os efeitos de um ano mais quente no perfil de fruta negra mais madura, quase em compota. Tem taninos de ótima textura, acidez na medida e final persistente, com toques de alcaçuz. Álcool 14,5%. EM

AD 91 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION GARRAFEIRA 2005

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível).

Tinto composto de Alicante Bouschet, Aragonês e Syrah, com 18 meses de estágio em barricas de carvalho francês. Sedutor e cativante, mostra notas florais envolvendo os aromas de ameixas maduras, que se confirmam na boca. Tem taninos de ótima textura e final persistente, com toques de tabaco e de especiarias doces. Álcool 14,5%. EM

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AD 91 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION TINTO 2008

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível). Tinto composto majoritariamente por Alicante Bouschet, Aragonês e Syrah, com estágio de 12 meses em barricas de carvalho e mais 18 meses em garrafa antes de ser comercializado. Mostra aromas de ameixas e cassis escoltados por notas florais, tostadas e de especiarias doces, além de toques de chocolate. Estruturado tem acidez refrescante, taninos finos e final longo e carnudo. Ainda cheio de vida. Álcool 14,5% EM

AD 92 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION TINTO 2009

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor – não disponível). Tinto composto majoritariamente por Alicante Bouschet, Aragonês e Syrah, com estágio de 18 meses em barricas de carvalho e mais 18 meses em garrafa. Semelhante ao estilo maduro do 2008, porém com mais potência e força. Estruturado e untuoso, tem taninos firmes e de ótima textura e final persistente e cheio, com toques minerais, florais, de tabaco e de especiarias doces. Álcool 14%. EM

AD 94 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION TINTO 2011

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor R$ 485). Tinto composto majoritariamente por Alicante Bouschet, Aragonês e Syrah, com estágio de 18 meses em barricas de carvalho francês 30% novas. Beneficiando-se da ótima safra 2011, esta versão esbanja frescor e verticalidade, mantendo a qualidade da fruta e a ótima textura de taninos. Está também mais tenso e vibrante, mostrando maior precisão e o uso mais consciencioso da madeira. Seguramente a melhor versão deste tinto até agora. Álcool 14,5%. EM

AD 93 pontos

ESPORÃO PRIVATE SELECTION TINTO 2013

Herdade do Esporão, Alentejo, Portugal (Qualimpor R$ 485). Tinto composto majoritariamente por Alicante Bouschet, Aragonês, Syrah e Petit Verdot, com estágio de 18 meses em barricas de carvalho francês 30% novas. Mesmo em pequena proporção, a força e os ossos da Petit Verdot são sentidos aqui. Em comparação ao 2011, mostra estilo mais potente e de maior concentração, tudo envolto por cativantes notas florais e de especiarias doces. Ainda está jovem e tem tudo para ficar ainda melhor nos próximos 10 anos. Álcool 14,5%. EM

História

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A torre do Esporão é um monumento histórico da região de Monsaraz, edificada no século XV.

Incrustada no Alentejo, não muito distante da histórica cidade de Reguengos de Monsaraz fica a Herdade do Esporão. As primeiras demarcações da herdade (na época Defesa do Esporão) são de 1267, não muito depois da reconquista cristã de Monsaraz, então nas mãos dos mouros. Desde então, os limites quase não se alteraram. O primeiro proprietário teria sido Soeiro Rodrigues, juiz da cidade de Évora e somente em 1973 é que os condes de Alcáçovas venderam o local para a José Roquette e Joaquim Bandeira. A primeira colheita, que dá origem à marca Esporão, ocorreu em 1985 e as primeiras exportações quatro anos depois.

A herdade tem três monumentos históricos: a Torre do Esporão (símbolo do poder militar da região), o Arco do Esporão e a Ermida de Nossa Senhora dos Remédios – ligada a um culto popular que faz com que as pessoas sigam em procissão sempre que há estiagem na região. Em 1995, Esporão adquiriu a Herdade dos Perdigões, onde encontrou-se um complexo arqueológico importantíssimo para a descoberta de artefatos de 4.500 até 2.000 antes de Cristo.

Enoturismo

O enoturismo é uma vocação da Herdade do Esporão. Além das visitas guiadas, que apresentam a história dos edifícios da propriedades, como a Torre do Esporão (edificada por D. Álvaro Mendes de Vasconcelos entre os anos 1457 e 1490), o Arco do Esporão e a Ermida de Nossa Senhora dos Remédios, das caves, do famoso túnel das barricas etc., e degustações, há ainda o complexo arqueológico dos Perdigões, uma referência para a pesquisa da pré-história europeia e também o charmoso e excelente Restaurante Esporão, comandado pelo chef Pedro Pena Bastos, que faz maravilhas com ingredientes locais. Em suas paredes ainda estão os quadros originais dos artistas portugueses comissionados para ilustrar os rótulos que adornam as garrafas da Herdade do Esporão desde 1985. Para quem quiser algo mais descontraído, há a Sala dos Petiscos, onde podem-se provar os vinhos e azeites locais acompanhados de típicos petiscos alentejanos.

David Baverstock

[Colocar Alt]

Australiano de Adelaide, David Baverstock é o enólogo responsável pelos principais vinhos da Herdade do Esporão desde 1992. Ele conheceu Portugal pouco depois de formar-se em enologia, quando vinha para a Europa participar de colheitas na França e na Alemanha e, em seguida, aproveitava para tirar férias em terras portuguesas. Nesse período, conheceu uma lisboeta com quem se casou. Decidiu então mudar-se para Portugal e, ao não encontrar trabalho na área de “vinho de mesa”, pôs-se a trabalhar com Vinho do Porto (na Croft e com os Symington). Depois começou a atuar nos tintos do Douro como enólogo da Quinta de la Rosa e da Quinta do Crasto. Fã de tênis, esporte que pratica com frequência, Baverstock é um dos mais respeitados enólogos em atuação em Portugal atualmente.

Arnaldo Grizzo e Eduardo Milan

[Fonte:  revistaadega.uol.com.br]

 

 

Paranaländer escribe sobre el escritor, dramaturgo y médico Mijaíl Bulgákov, con un recuento de las anotaciones del espía que le asignó la URSS: Semión Guendin.

«Fíjate lo bien que me van las cosas, que no deseo nada más que la muerte».

La figura gris, el pyrague asignado a la vigilancia de Bulgákov, era un tal Semión Guendin: delegado de la séptima sección del servicio secreto, se le confió la vigilancia de Bulgákov y en esa tarea demostró un celo que, lejos de menguar, crecía sin pausa.

«El 7 de marzo de 1925 asistí a un sábado literario en casa de Ye. F. Nikítina (calle Gazetni, número 3, apart. 7, tel. 2-14-16)».

«Bulgákov ha leído su última novela. Argumento: un profesor extrae el cerebro y los órganos genitales a un cadáver y los trasplanta a un perro, produciéndose, en consecuencia, la «humanización» del animal».

Más que un pyrague, ¡ese hombre era un verdadero artista!

«Cuando se citaba el nombre de Bulgákov en el «diccionario de palabras muertas», entre palabras como «burocracia», «bohemia» y «bogoiskatelstvo» (búsqueda de Dios), el público lo abucheaba».

«Produce asombro la paciencia del poder soviético que, hasta hoy, no ha impedido la difusión del libro de Bulgákov Los huevos fatales (publicado en la editorial Nedra). Este libro representa una calumnia insolente e indignante contra el poder rojo. Describe con vivacidad cómo, bajo la acción de un rayo rojo, nacen unos reptiles feroces que se disponen a atacar Moscú. Hay una alusión desagradable al camarada Lenin, cuando un sapo muerto se mueve con expresión malévola sobre su cara, incluso cuando el padre de la Revolución ha fallecido».

Aleksei Balabanov filmó en 2008 “Morfina”, que se puede ver aquí con subtítulos en inglés:

 

 

 

El filme fue titulado propiamente Morfina, donde el médico protagonista, el Dr. Bomgard —el propio Bulgákov— sirve tan solo de presentador para el diario del morfinómano y suicida Dr. Poliakov —también Bulgakov, quien realmente sufrió de adicción a la morfina hasta 1919—, el filme opta, con perfecta lógica cinematográfica, por fundir en uno solo ambos personajes.

El joven Dr. Poliakov no solo mantiene, como en el libro de Bulgakov, un romance con una de sus enfermeras, sino también con una atractiva paciente ninfómana, perteneciente a la aristocracia de la región, y desarrolla una inevitable antipatía y desconfianza, que deviene en enfrentamiento final, con otro médico vecino, el judío Lev Gorenburg, socialista dispuesto a aprovechar de inmediato el triunfo de la Revolución. La banda sonora son las canciones de cabaret de Aleksandr Vertinskii, el popular cantante, poeta, actor y compositor ruso, nacido en Kiev —como el propio Bulgakov—, y conocido como el «Pierrot Negro» durante su época de mayor éxito.

Mijaíl Bulgakov perfilado por la policía secreta soviética. Año de nacimiento: 1891. Origen: hijo del consejero civil, el profesor Bulgákov. Profesión: novelista y dramaturgo. Propiedades: ninguna. Formación: escuela secundaria en Kiev en 1909, estudios universitarios en la Facultad de Medicina en 1916. Afiliación y convicciones políticas: no vinculado a ningún partido. Desde 1914 hasta la Revolución de febrero de 1917: en Kiev, estudiante en la Facultad de Medicina. Me licencié en 1916. Desde la Revolución de febrero de 1917 hasta la Revolución de octubre de 1917: en Viazma, era médico en un hospital. No participé en la Revolución de octubre de 1917. Desde la Revolución de octubre de 1917 hasta la actualidad: en Kiev hasta finales de agosto de 1919. Mi primera obra importante apareció en el almanaque de Nedra [Entrañas] con el título Diavoliada. He publicado asiduamente folletines en el periódico Gudok [La sirena] y relatos en diversas revistas. Después escribí la novela La guardia blanca, a continuación Los huevos fatales, publicados en Nedra, y una selección de relatos. En 1925 escribí la novela Corazón de perro, que permanece inédita. Con anterioridad, escribí la novela Apuntes sobre los puños…Murió en 1940.

[Fuentes consultadas: “La palabra arrestada” (2018), Vitali Shentalisnky y “Aleksei Balabanov” (2009), Jesús Palacios – publicado en http://www.eltrueno.com.py]

 

 

 

Écrit par Christophe Steyne

John Dowland (1563-1626) : A Fancy. Bor Zuljan, luth. Livret en français et anglais. Février 2020. TT 65’57. Ricercar RIC 425.

Pour son premier album en tant que soliste, Bor Zuljan a choisi ce compositeur qu’il pratique depuis une quinzaine d’années et dont il admire dixit l’inégalable compréhension de son instrument, au travers les Fantasias qui trônent pour lui « au sommet de la musique pour luth », écrit-il dans sa notice. Parmi la centaine d’opus inventoriés par Diana Poulton en 1981 dans un catalogue qui fait référence, le CD aborde effectivement la plupart des Fancies et Fantaisies, pimentées du chromatisme que Dowland côtoya auprès des Italiens protobaroques. Le programme inclut aussi quelques pages plus ouvertement inspirées de la danse courtoise, au travers une poignée de PavansAlmains et Galliards.

Gustav Mahler disait se sentir trois fois sans domicile : en tant que Bohémien en Autriche, qu’Autrichien parmi les Allemands, et comme un Juif de par le monde. Dowland aussi peina à fixer ses attaches, à se faire reconnaître en sa patrie, suspectant que sa religion catholique fit obstacle à un poste d’envergure à la Cour de son Angleterre natale. Tout comme le cyclothymique auteur du Lied Ich bin der Welt abhanden gekommen, Dowland serait-il bipolaire, ainsi que le suppose Bor Zuljan ? Du moins son vague-à-l’âme, sa douleur d’être-au-monde restent-ils, aux yeux de la postérité, associés à l’emblématique mélancolie de celui qui écrivit les Seven tears.

Pourtant, ce qui frappe en ce récital, c’est le ton débarrassé de la langueur élisabéthaine que certains interprètes se plaisent à compasser, voire à travestir. Au-delà de l’image romantisée et simpliste du semper dolens, le jeune professeur du Conservatoire de Genève concentre avant tout le génie polyphonique de ces œuvres, qu’il fouille et cisèle avec une étonnante précision. Le lyrisme (et Dowland fut un sublime mélodiste) semble ici le vêtement accessoire de la structure. Vertu ou rançon d’une conception analytique. Au prix de tempos vifs qui creusent le relief, par exemple dans la Galliard to lacrimae. Les gras entrelacs dont nous reput jadis Anthony Rowley, laissant transpirer les pores de la partition, sont ici éconduits par un phrasé d’acupuncteur qui hérisse les textures, resserre le contrepoint, et fraichit l’haleine. Respiration tendue par une exceptionnelle vigueur rythmique (Lady Hundson’s Puffe !). Une telle vivacité d’esprit n’empêche pas d’accorder à chaque voix sa juste perspective, sa vie propre et néanmoins prodigieusement intégrée ; on en trouvera modèle dans Can she excuse et la Galliard du Earl of Essex : l’entrain (qui joue ça si vite ?!), la relance, l’abbellimento qui frise la corde avec une stupéfiante vélocité.

Le choix d’un instrument ténor (fait par Jiří Čepelák d’après un modèle padouan de Vendelio Venere, 1582), accordé bas, permet une nette focalisation du registre grave auquel les boyaux apportent leur moelleux, leur sensitivité animale. Les huit chœurs soupirent comme une seule âme, s’émoustillent avec aplomb, les registres sont parfaitement cohérents, et agrémentés de quelques bruits de scène qui crédibilisent l’écoute.

La multiplicité des alternatives disponibles autorise quelques libertés d’ornementation, peut-être stimulées par les réflexions que Bor Zuljan poursuit (en vue de thèse ?) sur le Ricercar, la Fantaisie et l’impact de l’improvisation sur le public. Ou sous l’influence de ses professeurs de guitare, comme il nous l’explique en interview. Certaines personnalisations textuelles s’osent aussi, à l’instar de la P73 dont l’extraordinaire trémolo (2’35) débordera, contrairement à l’habitude, en filigrane sur les ultimes accords conclusifs.

Malgré ces licences, le style ne prétend pas au théâtre d’humeurs d’un Paul O’Dette (Harmonia Mundi), plus extraverti, et certainement plus accessible. En revanche ici, on succombe moins à la palette de couleurs qu’à la calibration graphique. Voire à son introversion. On saluera le choix de la Fantasia P71 en guise d’introduction : la descente chromatique, amorcée sur la prolation, nous introduit à un univers progressivement animé de confidences muettes. Tout au long du disque, l’émotion reste contenue, presque secrète (le Lacrimae), peut-être car on s’y confronte par une acoustique rapprochée qui ne procure pas le secours de réverbération de l’église genevoise. Mais surtout car l’interprète ne galvaude pas les affects. Conclure ce récital dédié à ses grands-parents par le Farewell oblige à la dignité.

Aux antipodes de toute préciosité, la technique de Bor Zuljan, son agilité sans borne, convainquent surtout par leur intelligence qui soutire à chaque expression sa sobre grandeur, sa pleine rhétorique. Ce n’est pas ici qu’on pénétrera superficiellement la poésie de ces pièces dont l’imaginaire se retrouve circonscrit, subsumé à quelques vérités plus essentielles. Pour autant, avant qu’on ne laisse accroire un quelconque reproche de sécheresse,  rassurons nos lecteurs. Derrière l’austérité, l’humour n’en brille que plus délicatement, l’humanité affleure partout. Ainsi les effets imitatifs dans la Fantasie P1a, son délicieux frétillement en écho (3’23). Cette rhétorique est moins littérale que littéraire, tant la grammaire figure ici son lot de récits à tiroirs, de métaphores à décrypter. Le Dowland de Zuljan n’est pas celui des clichés Tudor de pacotille, mais mieux qu’aucun autre il élève, raffine, voire intrigue. Nous réécoutions la Forlorn Hope par Konrad Ragossnig, (Archiv Produktion, 1973) qui, comme bien d’autres luthistes, en explore patiemment le vernis doloriste. Bor Zuljan nous fait entendre autre chose, qui tient de la métamorphose, et instille le souvenir des magnifiques vers shakespearien du Ariel’s Song de La Tempête : « Full fathom five thy father lies ; Of his bones are coral made ; Those are pearls that were his eyes ; Nothing of him that doth fade, But doth suffer a sea-change Into something rich and strange ». Engloutie sous la surface de l’onde, une silhouette aimée et familière git et devient quelque chose de riche et d’étrange…

Ce disque n’a rien d’éblouissant. Quand on est éblouit, on n’aperçoit plus rien. Mais il révèle, se révèle à mesure qu’il se voudrait cacher. Ainsi pique la curiosité. Si on y voit mieux clair en ces pièces, au plus profond, c’est que le virtuose slovène, outre la finesse de son phrasé, la conviction de sa conduite, nous y guide en suivant le conseil d’Helena au début du Midsummer Night’s Dream : au-delà des apparences que courtiserait le cœur, il ouvre le regard de l’esprit. En naissent des instants particulièrement authentiques, fragiles et donc forts, qui ne sont pas là pour plaire ni même paraître, car surpris derrière la glace sans tain de notre impudeur, on croirait qu’ils s’ignorent admirés.

Son : 9 – Livret : 8 – Répertoire : 10 – Interprétation : 10

 

[Source : http://www.crescendo-magazine.be]

La OIV plantea un nuevo debate para comprender el fenómeno de los vinos naturales

El 15 de diciembre de 2020, la OIV celebró un webinar titulado « Vinos naturales: más allá de la filosofía », con el objetivo de arrojar luz sobre un tema complejo desde un punto de vista científico y hacer reflexionar sobre el tema.

El webinar de mesa redonda, moderado por el jefe de la Unidad de Enología de la OIV, Guido Baldeschi, reunió a 5 ponentes internacionales, con diferentes perfiles y amplia experiencia en el sector del vino.

La cita confirmó que el tema de los vinos naturales suscita largos debates, aunque solo sea sobre la terminología a utilizar, sobre todo al compararlos con otros tipos de vino. ¿Vinos convencionales? ¿Vinos poco convencionales? ¿Vinos tradicionales? ¿Vinos naturales? ¿Vinos clásicos? Las opiniones de la comunidad del sector vitivinícola difieren en cuanto a la terminología adecuada a utilizar.

En aras de la comodidad, durante el webinar, la OIV optó por contrastar los « vinos naturales » con los « vinos clásicos », consciente de que no todo el mundo está de acuerdo con esta terminología. La OIV tampoco hace ninguna recomendación al respecto, ya que aún no tiene una posición.

El origen de un movimiento

Justo al comienzo del webinar, Christelle Pineau esbozó un trasfondo detallado desde un punto de vista antropológico y destacó la multiplicidad de posibles definiciones incluso dentro del llamado movimiento del vino natural.

Jacques Dupont reconoció el « deseo de la gente por la pureza y la naturaleza y por volver a las raíces », pero destacó cierto tipo de confusión para el consumidor al distinguir entre vinos naturales y vinos orgánicos. El problema es que la gente no sabe exactamente qué es el vino natural.

Desde el punto de vista del hemisferio sur, Natalie Christensen mencionó « el creciente interés en producir natural; ya que Nueva Zelanda es un área muy innovadora donde la gente persigue lo inusual, especialmente porque el país tiene una generación de vinos muy joven ».

Cuando se le preguntó sobre una posible globalización del gusto y el hecho de que esto podría haber llevado al crecimiento del vino natural, Luigi Moio respondió que el poder del vino es su diversidad. « Por supuesto que tenemos cultivos internacionales como merlot y chardonnay, pero más allá de eso la gente busca vinos más excepcionales, regionales. Y el énfasis en el terruño aporta aún más diversidad en la actualidad », añadió.

Jamie Goode, por su parte, consideró que la gente quiere romper con los estereotipos, afirmando que « cuando se trata de vino natural, la parte más importante de la historia no es la variedad sino el lugar ».

¿Y el sabor?

A continuación, el moderador, Guido Baldeschi, planteó la cuestión de la característica de vivacidad: « La noción de vivacidad en relación con los vinos naturales proviene del hecho de que no bloqueamos el aspecto vivo durante la elaboración del vino y hasta el embotellado ».

Para Luigi Moio, en lugar de eso, los vinos naturales a menudo se pueden oxidar, algo que pensó que debería evitarse.

Acompañando la evolución de la cata, Jacques Dupont creía que un crítico de vinos no debe ser consciente de la filosofía de producción antes de degustar un vino y escribir una nota ya que « la cata a ciegas nos permite degustar sin ideologías ». Para él, « si quieres producir vino natural de alta calidad necesitas un conocimiento profundo ».

Para el periodista con sede en Londres, Jamie Goode, la noción de gusto y defecto es fundamentalmente subjetiva, ya que « los umbrales difieren entre las personas ». Planteó la cuestión de cómo decidir si un vino es defectuoso o no, si el « gusto a ratón » o el « olor a caballo » son principalmente un defecto o una virtud.

Formas de producción

En cuanto a la adición de sulfitos a la elaboración del vino, la experta enóloga Natalie Christensen señala los riesgos / ventajas de no usarlo. Para ella, sin SO2 se pueden obtener nuevos sabores que hubieran sido silenciados por SO2, y agregó que « producir sin SO2 es un negocio arriesgado, pero algunos dicen que sin riesgo no hay premio ».

Como explica Guido Baldeschi, el dióxido de azufre tiene un papel antioxidante y antimicrobiano en el vino; por tanto, permite que el vino envejezca. Dirigida a Jamie Goode, la pregunta que se planteó fue sobre la relevancia del concepto de « vins de garde » / « vino añejo » para los vinos naturales. « La producción natural puede aportar matices de envejecimiento más temprano en la vida de un vino », afirmó Goode. Para él, es difícil afirmar esto, porque la mayoría de los vinos naturales se consumen directamente.

Luigi Moio explicó en su último libro « El aliento del vino » que « no hay nada químico en las levaduras seleccionadas », y también que « una levadura autóctona presente en la uva o en la bodega no tiene ni idea de cuál será su papel durante el período alcohólico fermentación ». ¿Están justificadas las críticas a las tecnologías modernas? « Se necesitan conocimientos en microbiología, no para intervenir, sino para ayudar a los procesos de fermentación », resumió.

« La denominación garantiza el origen »

El desafío del vino natural también cuestiona la noción de denominación. Originalmente, como recuerda Jacques Dupont, el sistema de denominación pretendía combatir el fraude pero no garantiza el sabor sino el origen; hoy en día el gusto de las personas evoluciona y « tenemos que abrir las puertas a vinos con estilos diferentes ».

Mínima intervención para lograr la máxima pureza

El webinar organizado por la OIV fusionó con éxito dos filosofías y enfoques diferentes, demostrando que múltiples productores e interesados, del movimiento natural del vino o no, miran en la misma dirección: mínima intervención para lograr la máxima pureza. Más allá de la producción, este webinar arrojó luz sobre las expectativas de los consumidores, así como las diferentes experiencias cuando los amantes del vino disfrutan de una copa de vino, mostrando que los aspectos sociales deben tenerse en cuenta cuando se trata del tema del vino natural.

[Fuente: http://www.vinetur.com]

C’est bon pour votre santé.

Le rire active plusieurs zones de notre cerveau dont celles qui contrôlent notre motricité et nos émotions. | Priscilla Du Preez via Unsplash

Le rire active plusieurs zones de notre cerveau dont celles qui contrôlent notre motricité et nos émotions.

Repéré par Léah Boukobza

Rire est bon pour notre santé. Ce réflexe demande un réel travail de la part de notre corps. En effet, le rire active plusieurs zones de notre cerveau dont celles qui contrôlent notre motricité et nos émotions. En écrivant son livre An Introduction to the Psychology of Humor, Janet Gibson a remarqué que diverses recherches reconnaissent le pouvoir du rire à améliorer notre bien-être physique et mental.

Dès la petite enfance, les humains commencent à rire. Cela aide notamment à développer les muscles et la force du haut du corps des bébés. Notre capacité à rire dépend d’une combinaison complexe des muscles de notre visage, qui implique souvent un mouvement de nos yeux, de notre tête et de nos épaules.

Le fait de rire active plusieurs régions de notre cerveau: le cortex moteur, qui contrôle les muscles; le lobe frontal, qui nous aide à comprendre le contexte; et le système limbique, qui module nos émotions positives. En activant notre système nerveux émotionnel, le fait de rire peut améliorer notre humeur et réduire notre stress. Par exemple, cette action contrôle les taux de sérotonine, comme le feraient des antidépresseurs. Elle peut également limiter la libération de neurotransmetteurs et d’hormones, comme la cortisol, qui abîment notre système cardiovasculaire et immunitaire, ainsi que notre métabolisme avec les années.

Avoir le sens de l’humour et le rire qui en découle dépendent largement de notre intelligence sociale. Nous rions souvent face à l’incohérence ou à l’absurdité d’une situation. Ainsi, il faut être capable d’analyser cette dernière pour comprendre ce qu’il y a de drôle. Pour apprécier une blague, il faut donc faire preuve de vivacité d’esprit.

Le rire renforce les liens sociaux

Rire permet de créer des liens avec les personnes qui nous entourent. Selon le linguiste Don Nilsen, il est rare de glousser ou d’avoir un fou rire lorsque nous sommes seul, ce qui prouve que rire a un rôle social. Par exemple, lorsqu’un nourrisson se met à rire, cela lui permet de communiquer le plaisir qu’il ressent, ce qui renforce ses liens avec la personne qui s’occupe de lui. En grandissant, le rire devient une façon de signifier notre appréciation d’une situation donnée. En riant, il est possible d’améliorer ses compétences sociales et de partager ses émotions avec les autres.

Le rire est source d’émotions positives qui aident à devenir résilient et à développer notre esprit créatif. Rire améliore également notre bien-être et notre satisfaction dans la vieSelon une étude, plus une personne rit, moins elle fait l’expérience du stress. Confinés, nous rions probablement moins qu’habituellement. Il pourrait alors être judicieux de se mettre au «Yoga du rire», une technique qui permet de simuler l’action de rire, avec des effets positifs sur notre santé.

 

[Photo : Priscilla Du Preez via Unsplash – source : http://www.slate.fr]

 

Le Mémorial de la Shoah a présenté l’exposition Femmes en résistanceUn thème méconnu, défriché récemment par des historiens, et traité par les éditions Casterman dans des albums de bandes dessinées (BD) historiques montrant une « vivacité de la création graphique et éditoriale ». « Rescapée d’Auschwitz-Birkenau, juive, militante communiste et résistante, Paulette Sarcey (née Szlifke) est décédée le 4 mai 2020, à l’âge de 96 ans ». « Les 28es Journées de la Culture Juive orga1nisées par Hebraica auront lieu du 14 au 26 novembre 2020 sur ZOOM et sur RADIO KOL AVIV 101 FM. Le 24 novembre 2020 à 18 h 30 : Les femmes dans la Résistance – Conférence dialoguée d’Elerika Leroy et Intermèdes musicaux par Sarah Lugassy en partenariat avec la Wiso ».

Publié par Véronique Chemla

Sur le rôle des femmes en résistance, le colonel Henri Rol-Tanguy (1908-2002), résistant communiste artisan de la libération de Paris de l’intérieur avant l’entrée des blindés du général Leclerc, a affirmé : « La moitié de notre travail eût été impossible » sans les femmes.

En 1995, l’historienne Rita Thalmann (1926-2013) a « constaté que le rôle des femmes dans la Résistance reste encore à écrire. Depuis lors, les chercheurs soulignent la nature et l’ampleur de cet engagement féminin ». L’exposition lui est dédiée, ainsi qu’à Sara Halperyn (1920-2002), bibliothécaire au CDJC (1971-2002).

Documents d’archives originaux, photographies, une soixantaine d’objets et de planches de bandes dessinées (BD)… Cette exposition brosse un tableau des actions variées de ces femmes, étudiante, poétesse ou assistante sociale, juives ou chrétiennes, ayant résisté en Europe pendant la Deuxième Guerre mondiale.

Elle se déploie à l’Entresol et dans la Mezzanine, deux espaces dédiés l’un à des regards croisés entre BD historiques et résistantes, l’autre aux résistantes juives par une juxtaposition de biographies concises illustrées de photographies. Des portraits reproduits dans un feuillet mis à la disposition gracieuse du public. Parmi ces résistantes juives : Paulette Benroubi et Frida Wattenberg, Denise Gamzon, Hannah Szenes, Vivette Samuel.

« Dans leur très grande majorité, les résistantes ont déployé une activité ne supposant ni clandestinité ni même rupture apparente avec les attendus liés leur genre. Défense des valeurs de la démocratie, rejet de l’antisémitisme et de la xénophobie, volonté de sauver des êtres menacés… furent les points communs de leur engagement, lui-même spécifique par sa précocité, sa spontanéité, et son ancrage au cœur du foyer. Au regard du statut politique et juridique des femmes, ainsi que de leur faible engagement militant antérieur, cette mobilisation fut sans précédent ».

« Pourtant la place des femmes dans l’ensemble des mouvements de la Résistance, et la place de la Résistance spécifiquement juive dans ce même ensemble, ont été longtemps minorées, ou ignorées ». À l’instar de leurs homologues masculins, les résistantes juives ont résisté au sein de mouvements non confessionnels et juifs.

« Réalisée en partenariat avec les éditions Casterman sur une proposition d’Emmanuelle Polack, l’exposition bénéficie des prêts de plusieurs institutions publiques et privées : Musée de l’Armée, CHRD Lyon, Musée de la déportation et de la Résistance de Besançon, Musée de la Résistance Nationale de Champigny sur Marne, le Ghetto Fighters’ House, Israël…

Son parcours « s’appuie sur des textes scientifiques de Catherine Lacour-Astol, Philippe Boukara, Pierre-Emmanuel Dufayel, Isabelle Ernot et Emmanuelle Polack, et sur les albums de Régis Hautière, Francis Laboutique, Pierre Wachs, Marc Veber, Ullcer, Olivier Frasier. La coordination est assurée par Sophie Nagiscarde, Caroline François et Fanny Fernandez, du Mémorial de la Shoah ».

Le communiqué de presse sur l’exposition ne mentionne pas le vocable « nazi ». Pourquoi ?

En outre, la carte de l’Europe figurant dans cette exposition omet notamment Eretz Israël. Or, jeune juive hongroise, Hannah Szenes ou Chana Senesh (1921-1944) se réfugie en Palestine sous mandat britannique en 1939. Elle rejoint en 1941 la Haganah, organisation qui deviendra Tsahal, et entre dans les rangs de l’Armée britannique en 1943. Après un entrainement en Égypte comme parachutiste pour le service secret Special Operations Executive (SOE), elle est parachutée en mars 1944 en Yougoslavie avec Yoel Palgi et Peretz Goldstein. Seule, cette poétesse et dramaturge poursuit sa mission et est arrêtée par des gendarmes hongrois. Torturée, elle ne livre aucun nom, et est exécutée le 7 novembre 1944.

Ce sont pourtant des informations historiques essentielles pour éclairer l’exposition.

Autre curiosité, aucun des commissaires, coordinateurs ou auteurs des « textes scientifiques » n’a inclus dans ces biographies la célèbre journaliste italienne Oriana Fallaci (1929-2006), adolescente maquisarde émérite dans la résistance italienne contre le fascisme mussolinien et le nazisme hitlérien. Pourquoi ? Ignorance ? Soumission au « politiquement correct » ?

Genre et Résistance

Dans la Résistance, la « place occupée par les femmes varie fortement selon les organisations ».

« Sans surprise, elle est négligeable dans les maquis. Par tradition, la guerre est « l’affaire des hommes ». Plus conséquente dans les mouvements – entre 10% (Franc-Tireur) et 24% (Témoignage Chrétien) -, la part des résistantes est remarquable dans les réseaux (jusqu’à 41% dans le réseau Ali-France). Certaines activités, comme la liaison, le secrétariat, le service social, sont plus volontiers confiées aux résistantes, qui restent largement en marge des fonctions de décision. Les itinéraires d’une Jeanne Bohec, engagée début 1941 dans le Corps féminin des FFL et parachutée en Bretagne en février 1944 comme instructeur de sabotage, ou encore d’une Marie-Madeleine Fourcade, qui dirige le réseau Alliance, sont l’exception. Dans leur très grande majorité, les résistantes ont déployé une activité ne supposant ni clandestinité, ni même rupture apparente avec les attendus liés leur genre ».

« Nourrir, héberger, soigner, secourir, mais aussi renseigner, saboter, transporter des armes, voire les utiliser… Le spectre large, et dual des activités résistantes déclinées au féminin se traduit par un portrait de groupe très contrasté. Les très jeunes filles, qui aspirent à être « libres d’elles-mêmes », pour reprendre l’expression de Tereska Torres, y côtoient des femmes d’âge mûr, voire des « vétérans » de la Grande Guerre, telle Emilienne Moreau (l’une des six femmes Compagnon de la Libération), qui s’était déjà fait connaître pour son action contre l’ennemi dans les territoires envahis en 1914.
« De même, la résistance mobilise des femmes professionnellement indépendantes comme des femmes au foyer ».

« Enfin, la population résistante féminine mêle des femmes libres de tout engagement conjugal (célibataires, divorcées, veuves) et des femmes mariées, en plus grand nombre ».

« Loin d’être seconde, la mobilisation des femmes conditionne la survie de la Résistance, d’une part en lui assurant la mise à couvert, d’autre part en autorisant son ancrage social ».

Parmi les résistantes juives, certaines étaient des femmes « courriers », arborant une fausse identité, et chargées du transport des armes, des documents, ou de l’argent. « Si ce rôle de « courrier » est mésestimé, en réalité, elles furent pionnières dans la lutte et se retrouvèrent en première ligne ».

Dans son documentaire « Résistantes », Pierre Hurel a évoqué trois jeunes résistantes qui, à « l’âge de 20 ans, se sont dressées contre l’ordre nazi et ont contribué à sauver la France. Trois femmes, Marie-José Chombart de Lauwe, 92 ans, entrée dans la Résistance à 16 ans, arrêtée par la Gestapo et déportée en Allemagne ; Madeleine Riffaud, 91 ans, l’une des seules femmes devenues franc-tireur, et Cécile Rol-Tanguy, 95 ans, qui a tapé à la machine l’appel à l’insurrection de Paris, racontent leur histoire ».

Les femmes dans la résistance à travers la tétralogie de Casterman 

« Scénaristes et dessinateurs de bandes dessinées s’approprient des faits historiques pour les restituer dans des publications aussi fidèles à l’Histoire que singulières dans leurs choix artistiques. Ces « BD-Histoires » sont plébiscitées dans les librairies par les néophytes et les passionnés du neuvième art ».

L’exposition « propose une mise en miroir des planches originales des albums de bande dessinée édités par Casterman et dédiés » à de célèbres résistantes – l’aviatrice britannique Amy Johnson active dans l’Air Transport Auxiliary (tome 1 / scénario : Régis Hautière, Emmanuelle Polack, Francis Laboutique / dessin : Pierre Wachs), Sophie Scholl (tome 2 / scénario : Francis Laboutique, Régis Hautière, Emmanuelle Polack / dessin : Marc Veber), Berty Albrecht (tome 3 / scénario : Régis Hautière, Francis Laboutique, Emmanuelle Polack / dessin : Ullcer) et Mila Racine (tome 4 / scénario : Francis Laboutique, Emmanuelle Polack, Régis Hautière / dessin : Olivier Frasier) – et « des pièces d’archive, objets et photographies illustrant leur parcours et ceux d’autres grandes résistantes, issus de diverses collections patrimoniales ».

Dans l’engrenage de la répression 

Les arrestations
Redoutée, l’arrestation « marque pour les résistantes un basculement. Le passage d’une vie d’action et de gestes souterrains à une vie de prisonnière. Conduites dès les premiers jours dans la prison la plus proche du lieu de l’arrestation, les résistantes sont internées ensuite dans les quartiers allemands des prisons françaises comme ceux de Montluc à Lyon ou de Fresnes à Paris ».« Beaucoup sont placées à l’isolement et mises au secret. Au cours de cette première étape, les résistantes impliquées dans l’activité de leur réseau ou de leur mouvement sont extraites de leur cellule pour être conduites sur le lieu de leur interrogatoire ».La « machine répressive allemande fait son œuvre et vient sceller le sort des résistantes ».Les déportations
De 1940 à 1944, « environ 6 700 femmes sont déportées depuis les territoires occupés, et près de 2 200 depuis les territoires de l’Alsace et de la Moselle annexée » par l’occupant nazi. « L’immense majorité d’entre elles étaient des résistantes ».« Cependant, les politiques répressives au cours de l’occupation évoluent. Les premières déportées de France sont ainsi des femmes lourdement condamnées par les tribunaux militaires allemands, conduites dans les prisons et les forteresses du Reich pour y purger leur peine ».« Dès 1941, les condamnations se font de plus en plus sévères face à une résistance qui progressivement se structure. Les femmes condamnées à la peine capitale, chaque mois plus nombreuses, sont alors transférées dans une prison allemande, la procédure interdisant de les fusiller en France ».

« Si la plupart voient ensuite leur peine commuée en réclusion à perpétuité (Yvonne Oddon par exemple), certaines résistantes membres d’organisations communistes et de groupe de francs-tireurs notamment ne sont pas épargnées », telles Françoise Bloch-Serazin, Olga Bancic ou Simone Schloss.
Décret NN 
En « décembre 1941, le « décret imposant la procédure dite « Nacht und Nebel » (nuit et brouillard) est promulgué par le maréchal Keitel, commandant en chef de la Wehrmacht ».

« Désormais, seuls les résistants dont la condamnation à mort peut être prononcée et exécutée moins d’une semaine après l’arrestation sont jugés en France ».

Les « autres suspects sont transférés dans le plus grand secret en Allemagne pour y être jugés par des tribunaux civils ou militaires ».

La « disparition de ces prévenus dans la « nuit et le brouillard », ayant pour but de renforcer le caractère dissuasif de cette mesure. Plus de 1 000 femmes de France sont victimes de la procédure NN entre fin 1941 et le printemps 1944. Renée Lévy sera l’une d’entre elles ».

Des transports directs vers les camps de concentration
La Sicherheitspolizei (« Police de sûreté »), ou Sipo, est la Police de sécurité allemande instituée en 1936 par Heinrich Himmler avec l’autorisation de Hitler. La Sipo réunit deux organes :
• la « Gestapo » (Geheime Staatspolizei) qui rassemble les services de police politique du IIIe Reich. Placée sous l’autorité de Hermann Göring, elle relève peu à peu, de facto, de Heinrich Himmler ;
• la « Kripo » (Kriminalpolizei) ou police criminelle qui combat la criminalité, sous la direction de Arthur Nebe.

Le 17 juin 1936, Himmler est désigné Chef der Deutschen Polizei (chef de la police allemande), couronnant l’institution policière du Troisième Reich. Il dirige l’Ordnungspolizei de Kurt Daluege et la Sipo.

Dès 1939, le Sicherheitsdienst (service de sécurité de la SS ou Schutzstaffel) est lié au sein du RSHA à la « Sicherheitspolizei » (Police de sécurité de l’État) et la nouvelle structure sera dénommée couramment Sipo-SD, sous l’autorité de Reinhard Heydrich, assistant d’Himmler.

Au début de 1943, la Sipo-SD « s’accorde officiellement le droit d’interner sans jugement les suspects, grâce au principe de la Schutzhaft (détention de sécurité). Dès lors, après plusieurs mois passés dans les prisons de France, l’immense majorité des femmes déportées sont rassemblées à Compiègne puis dans le fort de Romainville, qui devient à partir de 1944 l’antichambre de la déportation pour les femmes de France ».

Le « premier transport direct de femmes est formé le 23 janvier 1943. Dirigé vers Auschwitz, il emporte 230 femmes dont une grande majorité d’illustres militantes communistes, parmi lesquelles Danielle Casanova, Charlotte Delbo, Marie-Claude Vaillant-Couturier ».

En 1944, « environ 4 800 femmes sont déportées depuis les territoires occupés, soit les deux tiers des femmes déportées de France dans le cadre des politiques de répression ».

Le 31 janvier, « le plus important transport de femmes de l’occupation est formé avec 959 femmes dont Mila Racine et Odette Fabius, l’une des responsables en 1943 du réseau Centurie ».

« Dans le même temps, la déportation des femmes condamnées par des tribunaux militaires se poursuit. Plus d’une centaine sont ainsi transférées depuis la France vers des prisons outre-Rhin ».

À « l’automne 1944, l’immense majorité des prisonnières encore présentes dans les geôles allemandes sont transférées vers Ravensbrück ».

Le « camp de concentration pour femmes au nord de Berlin est alors une immense plaque tournante de la répartition des femmes de toute l’Europe dans l’industrie de guerre allemande ».

De « l’automne 1944 à sa « libération » en mai 1945, le camp de Ravensbrück occupe une place centrale dans le système concentrationnaire nazi, évolue et se transforme en un centre de mise à mort. Ce camp, majoritairement occupé par des femmes – de 1939 à 1945, « 132 000 femmes et enfants ont séjourné à Ravensbrück, et près de 50 000 y ont été exterminés » -, interroge aussi par ses spécificités : la Kinderzimmer (chambre des enfants), le statut des déportées politiques et l’arrivée de femmes d’Auschwitz ».

Les premières libérations (avril 1944)
« Dans les derniers mois de la guerre, face à l’avancée des armées » alliées « de l’Est et de l’Ouest, les Allemands tentent de regrouper dans le mince couloir encore sous leur contrôle les détenues des camps de concentration ».

Ravensbrück « est l’un des derniers camps à être libérés. Au cours des ultimes semaines, plusieurs missions de libération et de rapatriement sont organisées ».

Une « première opération de sauvetage a lieu à partir du 4 avril. Au total 299 femmes sont soigneusement sélectionnées par l’administration du camp et embarquées dans des bus de la Croix-Rouge Internationale. Ces premières femmes libérées du camp de concentration » retournent en France le 14 avril 1945.

Le 22 avril, les « déportées présentes au camp de Mauthausen sont libérées et rapatriées par la Croix-Rouge alors que les 23 et 25 avril de nouvelles négociations, menées sous l’impulsion du comte Bernadotte notamment, permettent à la Croix-Rouge suédoise de sauver une grande majorité des femmes encore détenues au camp de Ravensbrück ».

Les femmes dans la résistance juive en Europe

À « côté des résistants d’origine juive mêlés aux autres résistants, il existait une Résistance juive spécifique par sa composition, ses buts et ses méthodes ».

« Face aux conditions très variées de l’occupation de l’Est à l’Ouest de l’Europe, elle concentra principalement son action sur le sauvetage, la lutte armée et la résistance spirituelle ».

« Se défiant des stéréotypes, la Résistance juive a mené des révoltes armées dans les conditions désespérées des centres de mise à mort et des ghettos, regroupé des milliers de partisans ou maquisards juifs sur le front de l’Est, en France, en Belgique, aussi bien dans les villes que dans les campagnes ».

Elle « a aussi déployé une Résistance dite spirituelle, pour pérenniser l’identité du groupe juif et pas seulement son existence physique : culture, religion, éducation, valeurs furent des terrains de lutte, en direction des adultes comme des enfants ».

Dans les rangs de « réseaux aux idéologies multiples, les femmes furent au premier plan de la lutte et l’historiographie leur accorde aujourd’hui une reconnaissance légitime. Plus de 50 portraits parmi des centaines d’autres résistantes sont mis à l’honneur dans l’exposition ».

Certaines ont livré leur témoignage, telle Paulette Sarcey, née Paula Szlifke en 1924 « dans une famille polonaise. Elle s’engage dès 1940 dans la section juive du mouvement de résistance communiste de la MOI auprès de son compagnon Henri Krasucki, avant d’être déportée à Auschwitz- Birkenau le 23 juin 1943, par le convoi n° 55. Rentrée à Paris en juin 1945, devenue épouse et mère, elle ne cessera de militer et de témoigner ».
ADDENDUM

Le 23 mai 2018 à 23 h 35, Arte diffusa Sophie Scholl – Les derniers jours (Sophie Scholl – Die letzten Tage), réalisé par Marc Rothemund. « Le portrait bouleversant d’une jeune résistante allemande face à la machine totalitaire nazie. Avec l’actrice Julia Jentsch qui incarne avec douceur et conviction une jeune fille qui, par son courage et sa droiture, apparaît, aujourd’hui encore, comme une figure de l’héroïsme. »

« Au début de l’année 1943, un groupe d’étudiants d’obédience pacifiste fonde à Munich un mouvement de résistance appelé La Rose blanche. Alors que les combats s’enlisent sur le front Est, Sophie Scholl, son frère Hans et leurs compagnons couvrent la ville de slogans dénonçant la folie meurtrière d’Hitler. Sophie et Hans, à peine âgés d’une vingtaine d’années, sont arrêtés alors qu’ils jettent des paquets de tracts à l’université. Interrogée pendant plusieurs jours par Robert Mohr, un agent de la Gestapo, Sophie Scholl fait preuve d’un courage inaltérable, refusant de livrer ses compagnons ou de renier ses idéaux. Elle est exécutée, ainsi que son frère et leur ami Christoph Probst, au terme d’un procès expéditif et caricatural. »

« Couverte de récompenses dans les festivals internationaux, cette reconstitution des six derniers jours de la courte vie de la jeune Sophie Scholl, figure lumineuse de la résistance allemande au nazisme, a rencontré un grand succès auprès du public, notamment outre-Rhin. Construit autour de la confrontation entre la jeune fille et l’agent de la Gestapo chargé de conduire son interrogatoire, ce film à la mise en scène sobre et épurée prend peu à peu la forme d’un huis clos glaçant, grâce à son scénariste Fred Breinersdorfer, qui a pu s’appuyer sur des notes précises comprenant les procès-verbaux des interrogatoires menés par la Gestapo, conservées dans les archives ouvertes au public après la chute du mur de Berlin. Outre cette approche très documentée, le film bénéficie de l’interprétation poignante de l’actrice Julia Jentsch. Elle incarne avec douceur et conviction une jeune fille qui, par son courage et sa droiture, apparaît, aujourd’hui encore, comme une figure de l’héroïsme. »

Yvette Lundy 
Le 3 novembre 2019, est décédée à 103 ans, à Epernay (Marne), la résistante Yvette Lundy qui s’était « engagée dès 1959 pour témoigner dans les écoles, collèges et lycées de son expérience dans le camp de concentration nazi de Ravensbrück ». Témoin de l’histoire, ancienne institutrice et grande figure de la Résistance, déportée en 1944 à Ravensbrück, elle a ensuite inlassablement témoigné des horreurs. »

« Encore aujourd’hui, il y a un moment de la journée où je pense au camp… C’est souvent le soir, avant de m’endormir », confiait en 2017 à l’Agence France-Presse la dame centenaire, assise dans un fauteuil du séjour de son appartement donnant sur les champs et les coteaux champenois d’Épernay. Coquette pour recevoir, enjouée pour deviser, la mémoire au garde-à-vous et le regard perçant propre aux fortes têtes, elle avait fait de la dérision son arme ultime, persuadée que « l’humour, ça aide à vivre ».

« Benjamine d’une famille de sept frères et sœurs, elle fut institutrice à Gionges, un village viticole près d’Épernay où elle officiait aussi comme secrétaire de mairie, poste clé qui lui permit d’intégrer le réseau de résistance Possum. Sa mission : fabriquer de faux papiers pour des juifs, des hommes fuyant le STO (service du travail obligatoire) en Allemagne ou des prisonniers de guerre évadés que son frère Georges – mort en déportation en 1945 – cachait dans sa ferme. « Il me disait : “J’ai encore un gars”, alors, j’opérais en conséquence », expliquait celle qui s’est engagée en 1940 dans cette « tricherie honnête » sans se poser « aucune question ».

« La combine dure jusqu’au 19 juin 1944, lorsque la Gestapo vient l’arrêter pendant sa classe, signant le prologue d’un périple inimaginable pour cette jeune femme d’alors 28 ans. Après un passage à la prison de Châlons-en-Champagne puis au camp de Neue Bremm près de Sarrebruck, dans le sud-ouest de l’Allemagne, Yvette Lundy est réduite au matricule 47360 dans celui de Ravensbrück, seul réservé aux femmes et aux enfants, dans lequel environ 130 000 personnes seront déportées. En passant le portail de ce camp nazi à 80 kilomètres au nord de Berlin, elle sent « une chape de plomb » lui tomber sur les épaules, incrédule face à la déshumanisation dès l’arrivée des détenues, forcées de se déshabiller devant les SS. »

« Le corps est nu et le cerveau tout à coup est en guenilles : on est comme un trou, un trou plein de vide, et si on regarde autour, c’est encore du vide », confiait Yvette. Sa constitution « assez robuste » et son caractère coriace l’aident à survivre dans ce « trou d’enfer » caractérisé par le travail harassant, « les chiens et les bâtons qui font partie de l’ordinaire », l’épuisement et la mort prompte à emporter les plus faibles. Finalement affectée dans un Kommando près de Weimar, elle est libérée par l’armée russe le 21 avril 1945 et réussit à regagner la France par avion, au terme d’un parcours retracé dans son livre Le Fil de l’araignée« .

« À la Libération, elle choisit d’abord de se taire devant une partie de sa famille qui croit cette survivante de l’indicible, comme tant d’autres, « déboussolée ». Mais dès 1959, poussée par l’Éducation nationale, elle intervient dans les écoles pour témoigner, répétant l’exercice devant des centaines d’élèves, surtout des collégiens français, parfois allemands, convaincue qu’ils ont compris « le drame » de la guerre et du nazisme. Ses conférences ont cessé en 2017, mais des jeunes venaient encore lui rendre visite dans sa résidence pour séniors, pour lui poser des questions ».

« Élevée en 2017 au grade de grand officier dans l’ordre de la Légion d’honneur, Yvette Lundy avait alors confié à l’Agence France-Presse n’être jamais retournée à Ravensbrück, par crainte d’être « trop chiffonnée ». Un hommage à sa mémoire sera organisé à l’occasion des cérémonies du 11 novembre, a indiqué Franck Leroy ».

« Yvette était la grande dame d’Épernay, même si elle n’aurait pas du tout aimé qu’on l’appelle comme ça, compte tenu de son parcours de résistante, de déportée et de son investissement incroyable au service du devoir de mémoire », a réagi auprès de l’Agence France-Presse le maire divers droite d’Épernay, Franck Leroy. « Elle avait aussi un regard sur la guerre et notamment sur la réconciliation franco-allemande qu’elle jugeait extrêmement importante », a-t-il ajouté.

« Ardente animatrice du réseau de la Résistance, même après la guerre », Yvette Lundy « avait rencontré des milliers d’élèves pour leur parler de la réconciliation, de la tolérance », notamment à travers le Concours national de la Résistance, a rappelé Franck Leroy. Connue « d’innombrables Marnais par ses déplacements », « elle était d’une générosité, d’une attention de tous les instants », a-t-il encore confié, saluant une « personnalité hors du commun, mais d’une grande humilité, extrêmement tournée vers les autres ». « J’apprends avec tristesse et émotion la disparition d’Yvette Lundy, grande dame de la Résistance, qui a su » perpétuer, « tout au long de sa vie, le devoir de mémoire auprès des jeunes générations », a tweeté le député LREM de la Marne, Éric Girardin. Le président du conseil départemental de la Marne, Christian Bruyen, divers droite, a, pour sa part, évoqué « une superbe figure marnaise à jamais dans nos mémoires ». « Elle avait choisi le danger face à l’occupant. Elle aura connu l’enfer là où le destin de notre siècle saigne. Elle aura consacré sa vie à l’éducation », a-t-il écrit sur Twitter. »

Paulette Sarcey
« Rescapée d’Auschwitz-Birkenau, juive, militante communiste et résistante, Paulette Sarcey (née Szlifke) est décédée le 4 mai 2020, à l’âge de 96 ans », durant la pandémie de coronavirus. Elle « était née le 11 avril 1924 à Paris de parents juifs polonais fraîchement arrivés en France, fuyant la misère et les persécutions antisémites. Son frère Robert vient agrandir la famille en 1934. La famille vit dans le XXème arrondissement de Paris. Paulette fréquente le patronage issu du mouvement progressiste juif proche de la Main-d’œuvre immigrée (MOI) du quartier de Belleville dans les années 1920 et 1930. »
« Son père Froïm, ouvrier du cuir, militant syndicaliste et communiste, avait déjà fait de la prison dans son pays ; sa mère, Jenta Przepiorka, travaillait dans la confection. »
« En 1940 à l’âge de 16 ans, Paula rejoint les Jeunesses communistes et fait ses premiers pas dans la Résistance aux côtés d’Henri Krasucki et de Marcel Rayman. Avertie de l’imminence de la rafle du Vel d’hiv, Paulette a le temps de prévenir ses parents de se mettre à l’abri et d’emmener son frère à la campagne ».
« Paulette poursuit ses activités dans la Résistance jusqu’au mois de mai 1943 où elle arrêtée suite à un coup de filet des Brigades Spéciales de la Préfecture de Police avec de nombreux camarades. Incarcérée au petit Dépôt de la Préfecture de Police, violentée lors de son interrogatoire, Paulette est transférée à l’hôpital Rothschild où un médecin complaisant déclare qu’elle doit être opérée d’urgence ».
« À peine remise, Paulette est transférée au camp de Drancy où elle retrouve ses camarades. Tous sont déportés par le convoi 55 du 23 juin 1943 à destination du camp d’Auschwitz-Birkenau. Paulette reçoit le matricule 46650. »
« Après la quarantaine, elle est d’abord  affectée au Aussenkommando avant d’être transférée au Kanada-II et dans divers kommandos. Au camp d’Auschwitz-Birkenau, elle assure la liaison entre son groupe issu des Juifs communistes parisiens et celui dirigé par Marie-Claude Vaillant Couturier. »
« Lors des marches de la mort en janvier 1945, elle est évacuée vers les camps de Ravensbrück puis de Neustadt-Glewe où elle est libérée le 2 mai 1945.
« À son retour à Paris en juin 1945, Paulette retrouve ses parents et son frère Robert, qui ont survécu cachés toute la durée de la guerre. En 1947, elle épouse Max Swiczarczyk-Sarcey, un camarade rencontré au patronage et résistant actif au sein des FTP MOI. »
« Dès son retour, Paulette devint une inlassable militante au sein de l’Association des Anciens Déportés Juifs de France aux côtés de d’Henry Bulawko, de l’UJRE et MRJ-MOI ».
« Paulette Sarcey était Chevalier de la Légion d’honneur et décorée de la Médaille militaire. »
Son histoire « est racontée dans l’ouvrage publié en 2015, Paula, survivre obstinément (Tallandier, 2015) : « À mon retour d’Auschwitz, le 22 mai 1945, j’ai eu la chance inouïe de retrouver à Paris ma famille miraculeusement épargnée. Je n’ai ni oublié, ni pardonné et j’ai tenu parole : j’avais promis à mes camarades de déportation de tout raconter. Aujourd’hui, souvent inquiète pour l’avenir, je suis heureuse que mon histoire puisse être lue par tous. » Paulette Sarcey »
« Tout au long de sa vie, elle a continué de militer et puis surtout de procéder à un travail de mémoire, participant à des débats dans des collèges et dans des lycées et, en particulier, en écrivant un livre, Paula survivre obstinément (Tallandier, 2015), témoigne son fils Claude Sarcey : son idée, c’était de témoigner de ce qui s’était réellement passé en rappelant notamment que ce ne sont pas les Allemands qui l’avaient arrêtée mais la police française et en insistant sur des aspects éducatifs qui sont quelquefois édulcorés dans les enseignements scolaires. Toujours avec ce sentiment qu’il fallait privilégier la Résistance quand c’est nécessaire. » (Source : L’Humanité)
28es Journées de la Culture Juive
« Les 28es Journées de la Culture Juive organisées par Hebraica auront lieu du 14 au 26 novembre 2020 sur ZOOM et sur RADIO KOL AVIV 101 FM pour permettre au plus grand nombre, confinés mais connectés, de rejoindre les différentes réunions réunissant des invités et invitées autour de la thématique « Femmes & Juives ». Ces journées sont dédiées à une figure emblématique toulousaine de la culture juive, décédée le 3 novembre, et qui aurait du présider la table ronde, Monique Lise Cohen, philosophe, auteure et poète…. »
Le 23 novembre 2020 à 18 h 30 : Rencontre avec Stéphanie Trouillard, auteure de BD
« Les lettres retrouvées de Louise Pikosvki » en partenariat avec le Musée de la Résistance et de la Déportation qui fait revivre en BD l’itinéraire d’une jeune lycéenne juive déportée par sa correspondance avec son professeure de Lettres. »
Le 24 novembre 2020 à 18 h 30 : Les femmes dans la Résistance – Conférence dialoguée d’Elerika Leroy et Intermèdes musicaux par Sarah Lugassy, en partenariat avec la Wiso ».
« Entretien avec Pierre Lasry, secrétaire général d’Hebraica, auteur et rédacteur en chef d’Aviv Magazine et fondateur de l’agence conseil en communication LSP :
Qui est à l’initiative du choix de cette thématique – Femmes et Juives – pour les 28 ème journées du Festival ?
C’est le bureau d’Hebraica qui décide des thèmes : une concertation qui se fait très en amont, à l’issue des dernières JCJ afin de faire émerger un thème qui soit à la fois d’actualité, propice au débat, proche de nos questionnements et susceptible de fournir un contenu lié au judaïsme et digne d’être offert à tous les publics. L’an dernier le thème était « un temps pour aimer », un moyen que nous nous sommes donnés pour sortir de la spirale de la déploration sur l’antisémitisme et de la morosité ambiante. Cette année, les statistiques indécentes des féminicides en France et ailleurs, les échos de #metoo et les fils de nos propres vies nous ont conduits à choisir cet axe de réflexion culturelle et de programmation du coup, avec des femmes ! Je crois que c’est Roger Attali qui a émis le premier ce choix.
Quelle est selon vous la place de la femme dans la Culture Juive en 2020 ? Une évolution est-elle en cours quant à la considération  de la femme-penseuse- auteure juive ? Une révolution ?
La femme est omniprésente dans la culture juive. Dans la Bible, elle joue un rôle déterminant, elle est souvent femme de pouvoir, d’influence, de décision et elle est aussi une source inépuisable de pensée, de poésie, de réflexion et d’amour pour tous les hommes au sens masculin comme au sens du genre humain. Il y a un débat à avoir avec la place – quantitative – de la femme dans la culture d’aujourd’hui. Beaucoup ne se sont fait un nom que très tard, et d’autres sont encore des oubliées de l’histoire et de la culture. On a dernièrement baptisé des noms de rues à Toulouse à la mémoire de femmes résistantes, Ariane Fixman en faisait partie.
Pourquoi cette volonté de partager la culture juive dans des sphères plus larges ? Quel est l’intérêt … ? 
Partager la culture juive est notre raison d’être : d’abord parce qu’on l’aime et qu’on en est fier, pour en faire profiter le plus grand nombre et ensuite parce que cette connaissance à partager, cette facilitation pour entrer dans nos codes, dans notre imaginaire, dans nos auteurs et artistes, est une clef d’importance pour lutter contre l’antisémitisme qui fait des ravages, qui tue encore aujourd’hui, deux générations après la Shoah. Juifs ou non juifs, il est toujours aussi important et urgent de la faire connaitre et de la faire rayonner autour de nous.  Par ailleurs, l’intérêt d’Hebraica est aussi d’aiguillonner, de réveiller et d’appuyer parfois sur des thèmes où un débat n’a pas eu lieu, ou a eu lieu mais il y a trop longtemps… »
CITATIONS


« Vous ne savez pas le bout de mon courage. Moi je sais. […] Je trahirai demain, pas aujourd’hui, Demain.[…] Aujourd’hui je n’ai rien à dire, Je trahirai demain ».
Poème de Marianne Cohn, 1943

« Ces jeunes filles héroïques mériteraient la plume d’un grand écrivain, ces héroïnes qui sillonnent le pays entre les villes et les petites localités. Leurs faux papiers d’identité portent le nom d’une Polonaise ou d’une Ukrainienne. Chaque jour elles affrontent les plus grands dangers, se fiant à leur aspect « aryen ».
Elles entreprennent les missions les plus risquées sans même un instant d’hésitation. S’il faut se rendre à Wilno, à Bialystock, à Lwow, à Kovel, à Lublin, à Czestochowa, à Radom et apporter là en contrebande de la littérature clandestine, de l’argent, des armes, elles le font tout naturellement. Aucune difficulté, aucun obstacle n’existe pour elles … Combien de fois ont-elles vu la mort en face ? Combien de fois ont-elles été contrôlées et arrêtées ? La femme juive a inscrit une belle page dans l’histoire des Juifs pendant cette guerre mondiale. »
Emmanuel Ringelblum dans Chroniques du ghetto de Varsovie


Jusqu’au 23 octobre 2016
Au Mémorial de la Shoah  
Entresol et Mezzanine
17, rue Geoffroy–l’Asnier. 75004 Paris
Tél. : 01 42 77 44 72
Fax : 01 53 01 17 44
Tous les jours sauf le samedi de 10 h à 18 h et le jeudi jusqu’à 22 h.
Entrée libre

Visuels 

Femmes en résistance Tome 3 – Berty Albrecht Scénario : Régis Hautière, Francis Laboutique, Emmanuelle Polack / Dessin : Ullcer / Casterman

Pirotte Julia (1907-2000)
Autoportrait dans la glace
1943
Paris, musée de l’Armée
Photo (C) Paris – Musée de l’Armée, Dist. RMN-Grand Palais / Marie Bour (C) Droits réservés

Sonia Erlich, dit Suzette, agent de liaison de David Diamant, un des fondateurs de l’UJRE, tire à la ronéo des tracts. Cette photo est une reconstitution prise à la Libération.
France, 1945.
Coll. Musée de la Résistance nationale à Champigny-sur-Marne/Fonds David Diamant/UJRE.

Vera Atkins (1908-2000), membre du SOE chargée de recruter des agents parachutés en France pour soutenir la Résistance

Tract clandestin réalisé par Lise London appelant à la mobilisation des mères de famille contre l’Etat français et l’occupant allemand.
France, 1942.
Coll. Musée de la Résistance Nationale à Champigny-sur-Marne

Simone Ségouin, « Nicole »
une partisane française qui a capturé 25 nazis à Chartes et en tua d’autres, pose avec son fusil automatique.
Chartres, France, le 23 août 1944.
Coll. NARA National Archives and Records Administratio

Matériel pour fabriquer des faux papiers.
France, circa 1940-1945.
Coll. Mémorial de la Shoah.

Détonateur d’explosif artisanal à mèche-crayon chimique.
France, circa 1940-1945.
Coll. Mémorial de la Shoah.

Femmes en résistance Tome 1 – Amy Johnson / Scénario : Régis Hautière, Emmanuelle Polack, Francis Laboutique / Dessin : Pierre Wachs / Casterman

Planche n° 30.
Femmes en résistance Tome 2 – Sophie Scholl.
© Hautière, Polack, Laboutique, Veber / Casterman 2014.

Siège de la Milice, 85 rue de la République, Lyon où cohabitent les mentions prison femmes / prison hommes.
Droits réservés.

Femmes au travail dans l’un des commandos extérieurs du camp.
Ravensbrück, Allemagne, circa 1939-1945.
© Bundesarchiv.

Dessin de Ravensbrück.
Oeuvre signée N.J.
Ravensbrück, 1941.
Coll. Centre d’histoire de la résistance et de la déportation/fonds Clavreul /dépôt Boileau
Les dessins rendent leur attribution possible à Nina Jirsikova, danseuse et chorégraphe dans un cabaret de Prague, déportée à Ravensbrück en 1941. Elle mit à profit ses talents de dessinatrice en illustrant de façon caricaturale le « Journal de mode de Ravensbrück » et en exécutant des dessins de la vie quotidienne. Huit dessins composent ce témoignage remarquable de la vie des déportées au camp de Ravensbrück : le travail forcé, l’appel, la toilette, l’espoir et la solidarité sont quelques-uns des thèmes évoqués.

Femmes en résistance Tome 4 – Mila Racine / Scénario : Francis Laboutique, Emmanuelle Polack, Régis Hautière / Dessin : Olivier Frasier / Casterman.

Tract : La voix de la femme juive : Journal clandestin émanant de l’Organe du Mouvement national juif de lutte contre le fascisme (section féminine), 15 août 1943.
Collection : Musée de la Résistance Nationale à Champigny-sur-Marne.

Groupe de résistants juifs FFI, combattant dans le bataillon Carmagnol et Liberté de Lyon devant la caserne de Cusset (Allier) le 5 novembre 1944.
De gauche à droite, au premier rang : Max Szulewicz Dina Lipka Au second rang : Serge Kamienny, Eliane Pessak, Henry Krischer, Thérèse Szykman, Nathan Sacks. Au 3e rang : Cari, Gilbert Bataille, Matricia Motti, Georges Filip-Lefort. Au 4e rang : Jean-Pierre Perelman, Raphael, Henri Hoch, Max
Peysakowicz, Jacques Szmulewicz.
Coll. Mémorial de la Shoah

Les citations sont du Mémorial de la Shoah. Cet article a été publié le 20 octobre 2016, puis les 22 mai 2018, 7 novembre 2019.

[Source : http://www.veroniquechemla.info]

« Venise et son ghetto » (Venedig und das Ghetto) est un documentaire réalisé par Klaus T. Steindl. « Le destin, marqué par les drames et la répression, mais aussi le brassage culturel, de la communauté juive de Venise, qui fut reléguée dans le premier ghetto de l’histoire ». Le 21 novembre 2020, Arte diffusera, dans le cadre d' »Invitation au voyage », « Venise. Derrière les palais, le ghetto juif« .
 
 
Publié par 

 

« Destination prisée des touristes et des amoureux du monde entier, Venise recèle un passé méconnu, moins romantique mais d’autant plus fascinant : l’histoire de sa communauté juive ». 
 
« En mars 1516, la République de Venise décide de tolérer en ses murs les Juifs, qui ont longtemps été exclus de la ville ». 
 
Ils « sont alors relégués dans un quartier où ils vivent à l’écart du reste de la population ». 
 
 
« C’est au bord de la lagune, dans l’actuel quartier de Cannaregio, que se développe le premier ghetto de l’histoire, que les habitants ont interdiction de quitter la nuit venue ». Non, le premier ghetto a été créé à Genève.
 
« Puisant ses racines dans une fonderie (getto en vénitien) qui occupait les lieux autrefois, le mot « ghetto » va dès lors s’imposer comme un synonyme de résidence forcée, mais également d’exclusion et de persécution ».
 
Cinq siècles d’échanges
 
« Pour autant, l’histoire du ghetto de Venise ne se résume pas à la relégation des Juifs ». 
 
« Devenu aujourd’hui un quartier résidentiel apprécié pour sa qualité de vie, il reflète cinq siècles d’échanges entre ses habitants marchands et le monde extérieur ». 
 
« Il témoigne aussi d’une immigration importante qui en a fait un lieu cosmopolite et vivant ». 
 
« Si les Juifs vénitiens se sont installés aux quatre coins de la ville depuis le démantèlement du ghetto par Napoléon, qui leur octroya le statut de citoyens à part entière, le Cannaregio demeure au cœur de l’identité religieuse de toute une communauté ».

 

Le 20 septembre 2017 à 7 h 37, Toute l’Histoire diffusa Le Ghetto de Venise. Une histoire des Juifs de Venise, d’Emanuela Giordano. « À l’occasion du 500ème anniversaire du premier ghetto juif au monde, celui de Venise, un adolescent américain retourne sur les traces de ses origines et de la communauté hébraïque de la Cité de Doges. Au travers de ses rencontres et de ses pérégrinations, il nous  fait traverser le temps et revivre tous les us et coutumes d’une communauté qui a façonné la ville et son art de vivre ».

Les 27 octobre 2019 à 18 h et 2 novembre 2019 à 11 hHistoire diffusa, dans la série « Des monuments et des hommes », « Italie – Les synagogues du ghetto de Venise« , documentaire réalisé par Célia Lowenstein et Lysianne Lemercier. « Venise est considérée comme l’une des villes les plus belles et romantiques au monde. Mais pour les Juifs, Venise est avant tout le premier ghetto du monde. Le long des canaux, Saul Bassi, professeur de littérature, nous raconte l’histoire mouvementé de ses ancêtres fuyant les pogroms d’Allemagne pour venir fonder une communauté, construire des synagogues, et apprendre à vivre ensemble, en respectant des règles strictes. Nous assistons à une cérémonie de Bar Mitzvah à l’intérieur de l’une des cinq synagogues du ghetto, dirigée par le rabbi Scialom Bahbout, chef rabbin de Venise. Il vit et travaille aujourd’hui dans ce ghetto et se promet de maintenir cette vivacité de la culture juive et de l’apporter aux générations futures. »

Le 21 novembre 2020, Arte diffusera, dans le cadre d' »Invitation au voyage » (Stadt Land Kunst), « Venise. Derrière les palais, le ghetto juif » (VenedigDas jüdische Ghetto). « La cité des Doges à travers trois reportages : La vie à Venise de Thomas Mann – Derrière les palais, le ghetto juif – À Murano, attention les yeux ! » de Fabrice Michelin.
« La vie à Venise de Thomas Mann »
« Entre splendeurs et mélancolie, la cité des Doges n’a cessé de fasciner les artistes, à l’instar de l’écrivain allemand Thomas Mann. Sa nouvelle La mort à Venise, portée à l’écran par Visconti, lui a été inspirée par son séjour dans la ville au printemps 1911. »
« Venise, derrière les palais, le ghetto juif « 
« C’est à Venise qu’est né il y a cinq cents ans le premier ghetto juif d’Europe. Des hommes et des femmes arrivés de toute la Méditerranée et du nord de l’Europe furent assignés dans des maisons inhabituellement hautes pour la ville. »
« À Murano, attention les yeux »
« Les touristes de passage à Venise se pressent à Murano pour admirer les maisons bariolées et découvrir l’une des spécialités de l’île, le verre. Sans ce matériau, un accessoire de mode lumineux n’aurait jamais vu le jour… »
France, 2019, 38 min
Sur Arte le 21 novembre 2020 à 16 h 25
Disponible du 14/11/2020 au 19/01/2021
 
 
« Italie – Les synagogues du ghetto de Venise » par Célia Lowenstein et Lysianne Lemercier 
ZED, France, 2018
Auteurs : Véronique Legendre, Célia Lowenstein, Bruno Victor Pujebet, Bruno Ulmer, Delphine Cohen, Alexis Barbier-Bouvet, Serge Turquier, Frédéric Lossignol, Lysianne Lemercier, Cécile Husson, Aurélie Saillard et Marie Baget.


« Venise et son ghetto » par Klaus T. Steindl
2016, 90 min
Sur Arte le 27 mai 2017 à 20 h 50
 
Visuels :
La poète vénitienne juive Sara Copia Sullam avec un philosophe juif (reconstitution)
© Helmut Wimmer
 
Synagogue dans le ghetto de Venise
La vie quotidienne dans le ghetto
La place centrale du Ghetto de Venise
© Klaus Steindl
 
 Cet article a été publié le 26 mai 2017, puis les 19 septembre 2017 et 28 octobre 2019.
 
[Source : http://www.veroniquechemla.info]

Deux parutions en français aux éditions québécoises Mémoire d’encrier montrent la vivacité des écritures amérindiennes du Canada, des années 1970 à aujourd’hui : le premier texte en langue innu, où An Antane Kapesh raconte la formation d’une identité dans la dépossession des terres, et le roman écrit en anglais de Joshua Whitehead, Jonny Appleseed, personnage de travailleur du cybersexe dans une réserve de la Première Nation manitobaine de Peguis.

Joshua Whitehead, Jonny Appleseed. Trad. de l’anglais (Canada) par Arianne Des Rochers. Mémoire d’encrier, 272 p., 19 €

An Antane Kapesh, Eukuan nin matshi-manitu innushkueu / Je suis une maudite sauvagesse. Trad. de l’innu par José Mailhot. Édition et préface de Naomi Fontaine. Mémoire d’encrier, 216 p., 19 €

En 1975, An Antane Kapesh publie un livre dans sa langue ; elle devient la première auteure innue. Le livre est traduit en français en 1976 (aux éditions des Femmes), puis sombre dans l’oubli. La version d’aujourd’hui se présente à la fois comme plus exacte, si tant est qu’une traduction puisse l’être, dans la restitution en français et plus en adéquation avec l’orthographe innue, pas encore fixée à l’époque de l’écriture. C’est un acte fondateur incommensurable, fruit d’une décision qui n’a rien de hâtif : « Quand j’ai songé à écrire pour me défendre et défendre la culture de mes enfants, j’ai d’abord bien réfléchi car je savais qu’il ne fait pas partie de ma culture d’écrire ».

Le livre est une charnière, à l’image de son auteure qui a connu l’existence nomade de son peuple avant la sédentarisation imposée par les Blancs. Une femme voit son mode de vie s’éteindre, ses enfants s’égarer, son peuple souffrir. Elle prend les outils des Blancs pour les mettre face à leurs mensonges et aux injustices faites aux Premières Nations : « avant que le Blanc nous enseigne sa culture, nous les Indiens, n’avons jamais vécu de telle manière que nous écrivions pour raconter les choses du passé. À présent que le Blanc nous a enseigné sa façon de vivre et qu’il a détruit la nôtre, nous regrettons notre culture. C’est pour cela que nous songeons, nous aussi les Indiens, à écrire comme le Blanc. Et je pense que, maintenant que nous commençons à écrire, c’est nous qui avons le plus de choses à raconter puisque nous, nous sommes aujourd’hui témoins des deux cultures ».

An Antane Kapesh, Joshua Whitehead : résistance des récits amérindiens

L’histoire des Premières Nations est connue : chassées de leurs terres, privées de leurs ressources, parquées dans des réserves. An Kapesh a vécu cette phase de perte et en tire d’amères leçons, mais son écriture reflète la dignité d’une vie sans duplicité – et qui parmi ceux qui l’appellent « maudite sauvagesse » peut en dire autant ? Cette appellation qui donne son titre au livre est d’ailleurs un motif de fierté : « Je suis une maudite Sauvagesse. Je suis très fière quand, aujourd’hui, je m’entends traiter de Sauvagesse [en français dans le texte innu]. Quand j’entends le Blanc prononcer ce mot, je comprends qu’il me redit sans cesse que je suis une vraie Indienne et que c’est moi la première à avoir vécu dans la forêt. Or, toute chose qui vit dans la forêt correspond à la vie la meilleure. Puisse le Blanc m’a toujours traiter de Sauvagesse ». Comment ne pas préférer l’identité de maudite sauvagesse à celle de « bon sauvage », cette créature naïve et docile ? En termes de bonté, elle n’a pas de leçon à recevoir ; elle n’a pas attendu le contact avec les chrétiens pour appliquer l’idée de ne pas faire à autrui ce qu’on n’aimerait pas qu’il nous fasse.

Une quarantaine d’années après sa publication, le texte est donc retraduit et redécouvert. Il entre en résonance avec ceux d’auteurs actuels comme Naomi Fontaine ou, dans la sphère anglophone, Joshua Whitehead. Jonny Appleseed examine l’identité amérindienne mais aussi l’identité queer, à travers le retour à la réserve du narrateur à l’occasion du décès de son beau-père. Il retrouve sa mère et la tombe de sa grand-mère, sa « kokum » qu’il adorait ; elle savait, bien avant qu’il ne le lui dise, qu’il était gay ou, comme elle dit, « deux-esprits ».

Son prénom, Jonny, était celui de son père, qu’il n’a jamais connu. Johnny Appleseed est une figure folklorique de l’histoire américaine, un pionnier célèbre pour avoir généralisé la culture des pommiers au XIXe siècle ; au début du livre, le narrateur explique qu’il a séjourné à l’âge de dix ans dans un camp chrétien où l’on chantait la chanson « Johnny Appleseed » et qu’il s’est retrouvé affublé du surnom Jonny Pomme Pourrie quand il s’est fait surprendre avec l’un des animateurs « pendant qu’on frenchait dans mon dortoir ». Pour couronner le tout, son beau-père l’a traité de pomme quand il a annoncé vouloir quitter la réserve : « T’es rouge en dehors, qu’il m’a dit, et blanc en dedans. » Les pommes ne figurent pas au menu quotidien dans les réserves, elles sont trop chères, mais il n’est pas invraisemblable que l’alphabet y soit enseigné en commençant par A comme « Apple » (comme aux enfants nigérians « qui n’ont jamais vu de pomme à l’œil nu sauf dans la télé » dans le récent The Girl with the Louding Voice d’Abi Daré, éditions Sceptre, non traduit). Le jeune NDN n’avait aucune raison, après tout ça, d’admirer Johnny Chapman dit Appleseed ; quand on sait que les variétés de pommes qu’il propageait, issues de graines et non de greffes, servaient surtout à faire de l’alcool (voir The Botany of Desire de Michael Pollan, traduit en français aux éditions Autrement par Sébastien Marty sous le titre Botanique du désir), cela fait réfléchir encore davantage.

An Antane Kapesh, Joshua Whitehead : résistance des récits amérindiens

Voici quelqu’un qui connaît très bien les deux cultures, celle des Amérindiens et celle des Blancs (de la mythologie grecque à Stranger Things en passant par Shakespeare et Nirvana). Jonny passe avec une fluidité incroyable de scènes de sexe à des souvenirs d’enfance, de fêtes très arrosées à des rêves presque chamaniques. Il a son lot de cicatrices au corps et à l’âme et connaît le quadrilatère infernal déjà remarqué par An Kapesh qui fait tant de mal dans les réserves : école, alcool, hôpital, prison. Il parle aussi des ravages du diabète, des grossesses adolescentes, des enfants retirés à leur famille, des filles disparues. Il choisit de quitter la réserve malgré un tiraillement insoluble. « Bon sang, j’ai joué les hétéros sur la réserve pour pouvoir être NDN, ici je joue les Blancs pour pouvoir être queer. On ne peut pas toujours tout avoir dans la vie. » Winnipeg n’a pourtant rien d’un Eldorado et détient le triste titre de ville la plus raciste du Canada : « C’est moi qui paie les impôts icitte, ciboire, c’est mes impôts qui paient pour ton aide sociale, maudit bon à rien ! » Les choses n’ont pas beaucoup changé depuis le témoignage d’An Kapesh : « Nous entendons le Blanc dire constamment : “Les Indiens, eux, ne veulent pas travailler, et c’est nous qui les faisons vivre en travaillant et en payant des impôts”. »

Hors de la réserve, le narrateur s’est construit une existence à base de cybersexe rémunéré. La fluidité de son identité et le fait qu’il peut passer pour un Blanc (« mes airs de Blanc […] m’aident à me transformer en différents individus sur Snapchat parce que le blanc est la base de toutes les couleurs ») le servent à merveille pour son gagne-pain ; il se met en scène devant sa webcam, en tenue à franges tout droit sorti d’un western ou en combinaison moulante de Catwoman. Il sait qu’il peut flatter une velléité qu’on pourrait qualifier de colonisatrice chez ses clients : « Ah, les hommes, c’en est presque trop facile : ils sont tous un peu voyeurs et un peu explorateurs. Ils veulent moins jouer au docteur avec toi qu’être le Jacques Cartier de ta ceinture pelvienne. » Revoilà l’ombre de Johnny Appleseed qui, malgré ses contacts amicaux avec les Indiens de l’époque, a joué un rôle important dans l’implantation des Européens en Amérique du Nord.

Même en dehors des jeux sexuels, c’est un jeune homme protéiforme, tour à tour « princesse pailletée », arbre foudroyé, écrevisse, fumée sacrée, pêcheur au harpon, oiseau-tonnerre. Son écriture, riche de cette sensibilité multiple, offre des passages pleins de poésie : « Je perçois le chant apocalyptique des orques, des loups et des ours tout autour de moi – le cri cacophonique d’un animal qui sent la mort s’approcher comme la texture d’un mélange de sang et de roches retenu dans la colle d’un pansement. » De très belles pages sur sa mère et sa grand-mère, des femmes fortes et tendres, résilientes (une fois de plus on pense à An Kapesh), et sur Tias, son véritable amour : « les fossettes de ses joues se levaient comme des étoiles ».

An Antane Kapesh, Joshua Whitehead : résistance des récits amérindiens

Le poète et romancier Joshua Whitehead

Jonny est un survivant et un raconteur d’histoires, sa langue un flot bouillonnant. « L’eau a toujours été un mentor pour moi, un compagnon de jeu ; l’eau est un enfant sauvage. […] La rivière est un lieu de convergence, où les dérives et les courants se rencontrent brièvement, une orgie où les flots s’embrassent, un théâtre de sexe et de nageoires qui claquent. » Avec des accents dionysiaques, il porte la mémoire de tout un peuple jusque dans sa chair : « nos corps sont une bibliothèque ». Pendant que certains Blancs s’accrochent à leur ADN comme au secret de leur identité, le personnage créé par Joshua Whitehead sait qu’il est, comme son bien-aimé Tias, un palimpseste : « l’histoire de sa sœur était ensevelie au fond de lui, sous une couche de sédiments durcis comme une pierre au rein, une couche pleine de cholestérol et de souffrances ».

Ces deux lectures montrent que, en quelques décennies, les Amérindiens n’ont eu aucun mal à transcrire leur(s) histoire(s). Et que si les langues amérindiennes sont en perte de vitesse, elles font de la résistance. Sans An Kapesh, aurions-nous Joshua Whitehead, Richard Waganese, Joy Harjo, Natalie Diaz ? Elles montrent aussi qu’après s’être familiarisés avec l’outil de la langue écrite, des hommes et des femmes partagent leurs déchirures et leurs espoirs, avec poésie, avec humour, ces réputés intraduisibles.

 

[Source : http://www.en-attendant-nadeau.fr]

Pour sa troisième saison, la Pinacothèque de Paris a présenté en association avec le Rijksmuseum, à Amsterdam, l’exposition passionnante L’Age d’or hollandais de Rembrandt à Vermeer. Ce XVIIe siècle hollandais, une période majeure de l’art, est évoqué par plus de 130 pièces dont une soixantaine de tableaux, une trentaine d’œuvres graphiques – dessins et aquarelles -, une dizaine de gravures et une dizaine d’objets : tapisseries, faïences, miniatures en bois, argenterie et verrerie. Au travers de cet art, cette exposition didactique vise à expliquer comment la jeune république des Provinces-Unies (1581), par sa réussite commerciale maritime et sa tolérance de pensée exceptionnelles, s’impose alors comme une puissance européenne. En 1672, un tiers de sa population était composé de juifs ou de membres de l’un des mouvements protestants dissidents. Un catalogue magnifique et un DVD remarquable ont accompagné cette exposition. Arte diffusera le 18 octobre 2020, dans le cadre de la série documentaire « Le monde dans un tableau » (Die ganze Welt in einem Bild), « Le chapeau de Vermeer » (Vermeers spätes Vermächtnis) de Nicolas Autheman.
Publié par Véronique Chemla
 
Au XVIIe siècle, les habitants de la jeune et petite république des Provinces-Unies (ancêtre des Pays-Bas) se distinguent par leur ingéniosité éclectique alliée à leur audace efficace dans des domaines très divers : « peinture, sciences, création de tissus, assèchement (endiguées dans des polders) et l’exploration maritime ». Ces réalisations impressionnent les Hollandais, dont la réserve est bien connue.       
  
Essor économique
 
La puissance de savoir se conjugue avec celle commerciale maritime et coloniale. Les raisons tiennent essentiellement en la vitesse de navires légers qui naviguent en mer Baltique. Amsterdam devient vite une des places économiques les plus importantes pour l’industrie, le commerce et l’art. 
 
Selon une étude récente, cet État parmi les plus petits en Europe, « met en place le premier système économique moderne ». Contrastant avec des nations européennes essentiellement rurales et agraires, les Provinces-Unies, et notamment la Hollande, atteignent « un niveau d’urbanisation et une confiance dans le commerce et l’industrie absolument inégalés ». Alors qu’ailleurs en Europe l’absolutisme conduit « à une forte concentration des pouvoirs, la républiques était gouvernée par les autorités régionales et locales ». Pour historiens et sociologues, cette république est la première où les citoyens, et non les nobles, détiennent le pouvoir – ce qui en fait de facto une vraie société bourgeoise.
 
Plusieurs organisations de marchands de différentes villes hollandaises s’associent pour former la Compagnie hollandaise des Indes orientales (Verenigde Oostindische Compagnie, ou VOC). Le gouvernement octroya un monopole aux navires hollandais en Asie et autorisa cette Compagnie à « passer des accords commerciaux et à maintenir des relations diplomatiques en son nom ». Le succès fut rapide et éclatant : « les épices, l’or, l’ivoire, la soie, la porcelaine et le sucre remplirent les entrepôts d’Amsterdam et firent de la VOC la plus grande compagnie de commerce et de transport maritime au monde. Pendant deux siècles, elle envoya plus d’un million de personnes en Asie, dans une zone allant de la mer Rouge au Japon ».
Ce commerce avec l’Extrême-Orient influa sur l’art hollandais. Répondant à la demande, des orfèvres conçurent de nouveaux récipients pour les épices exotiques et « les potiers de Deift s’inspirèrent de la porcelaine chinoise importée en grande quantité ». Dans les années 1640, les troubles politiques en Chine réduisirent la quantité de porcelaines d’Extrême-Orient. La réaction des poteries de Deift ? Ils produisirent une faïence imitant les décorations chinoises. « Toute l’Europe était friande des « chinoiseries de Deift», céramiques élégantes au modèle exotique ».

« Dans la deuxième moitié du siècle, il y avait davantage de régents (personnes occupant des charges officielles) et de citoyens nantis assez riches pour s’offrir un mode de vie jusque-là réservé à la noblesse. Un château ou un manoir à la campagne faisait partie de ce nouveau standing ».Ce climat constituait un facteur favorable pour les arts car les citoyens nantis, fiers de leur réussite ou de leur train de vie, souhaitaient se faire immortaliser dans des tableaux ou des sculptures, décorer leurs pièces de réception luxueusement meublées des portraits de leur famille, aux côtés de ceux des membres de la famille d’Orange, des « ecclésiastiques célèbres ou des personnages publics très admirés ». Ceci valorisait l’image sociale et économique de ces citoyens.

Parmi les familles d’aristocrates amateurs d’art, citons d’abord « les membres de la cour des Stathouders de la maison d’Orange qui rivalisaient de plus en plus avec les cours étrangères. Le stathouder Guillaume III et Marie Stuart, roi et reine d’Angleterre dès 1689, bâtirent et décorèrent de nombreux palais en Angleterre et aux Pays-Bas ». 

À la fin du XVIIe siècle, la république a traversé de nombreuses crises. Elle est placée sous l’influence de puissances européennes. Avec la signature du traité de paix avec l’Espagne, elle connaît un déclin économique induit par la crise économique affaiblissant l’Europe. Les raisons ? Rivalité de puissances mercantiles émergentes (France, Angleterre), excédent d’espace de cargaison et chute des prix, moindre compétitivité des chantiers navals hollandais par rapport à leurs homologues anglais qui bénéficient de la mécanisation et de bons cahiers des charges, supériorité croissante de la Compagnie anglaise des Indes orientales. Et c’est 1672, l’entrée en guerre de la république contre la France, l’Angleterre et les évêques de Munster et de Cologne qui signe la fin de cet âge d’or. L’État qui « s’était épanoui sous le roi et stathouder Guillaume III doit se contenter d’un rôle plus modeste sur la scène internationale ».

Un « second Israël »
Les habitants de cette république sont vus par leurs contemporains européens comme « un peuple pacifique, très attachés à sa liberté et à son indépendance ». Leur richesse suscite aussi l’envie. « Par contraste avec d’autres nations européennes qui s’enfoncent dans une récession endémique et font preuve d’intolérance religieuse », la république des Provinces-Unies « apparaît une « terre promise » où tout le monde peut vivre et travailler « en paix et en harmonie »… Elle [maintient] une pluralité de religions, ce qui allait à contre-courant de l’uniformité religieuse des pays alentour ».

Les protestants de cette nation se perçoivent comme un « peuple élu vivant dans un « second Israël ».

C’est en premier lieu la liberté de culte qui attire ceux persécutés pour leur croyance dans leur pays d’origine. De toute l’Europe affluent des écrivains et penseurs pour enseigner, publier et développer leur savoir.

« Pour des raisons pratiques et idéologiques, la république hollandaise était très tolérante. Si les documents administratifs mentionnaient le calvinisme comme seule véritable religion chrétienne, celle-ci ne parvint pas à atteindre le statut d’Église officielle car au moins un Hollandais sur trois avait une autre conviction religieuse. En 1672, un tiers de la population de la république était catholique, un autre tiers était calviniste et le reste était composé de juifs ou de membres de l’un des mouvements protestants dissidents ».


À voir, un portrait intimiste du docteur Ephraïm Bueno (1599-1665), médecin et écrivain juif d’Amsterdam par Rembrandt, c. 1647. C’est vraisemblablement un ami commun, Menasseh Ben Israel, « érudit juif portugais qui possédait une imprimerie à Amsterdam et comptait le docteur Bueno parmi ses clients et financiers », qui a fait se rencontrer l’artiste et ce médecin. « Bueno appartenait à une célèbre famille juive originaire du nord du Portugal, dont étaient issus de nombreux médecins… En 1642, alors qu’il vivait déjà à Amsterdam, Ephraïm Bueno reçut son titre de docteur en médecine de la Faculté de Bordeaux. C’était aussi un homme de lettres qui écrivait de la poésie et traduisait les œuvres de ses confrères en espagnol ».

Dans Intérieur de la synagogue portugaise d’Amsterdam (1680), Emanuel de Witte peint la synagogue qui était à l’époque la plus grande au monde, et était située un peu à l’extérieur de la ville, sur l’île marécageuse de Vlooienburg. Au début, la communauté juive était essentiellement composée de juifs séfarades qui avaient fui le Portugal et l’Espagne, mais après 1650, beaucoup venaient d’Europe de l’Est. À la fin du XVIIe siècle, Amsterdam abritait presque 10 000 juifs, soit la plus grande communauté juive d’Europe de l’Ouest. Représentant de l’école des peintres architecturaux de Delft, De Witte semble avoir été le premier artiste à choisir une synagogue comme sujet de tableaux.
 
Attribuée à Pieter Jansz van Hoven, la lampe de Hanoukka (1696) souligne la virtuosité du travail d’orfèvre. C’est « la plus ancienne des trois lampes hanoukka encore existante réalisées par l’artiste ». Il s’agit vraisemblablement « d’une commande du marchand Salomon Levie Norden, qui l’aurait offerte à sa fille lors du mariage de celle-ci ». Les motifs floraux sont finement ciselés.

Mécénat et guildes
La culture – lettres, arts – s’épanouit naturellement dans les Provinces-Unies. Un nouveau type de mécénat se développe. À la différence d’autres nations européennes où les mécènes sont issus de riches familles aristocratiques, ce sont les négociants issus de familles patriciennes et enrichis par ce commerce qui constituent une classe moyenne principale commanditaire d’œuvres. « Ceux qui s’enrichissaient devenaient à leur tour des commanditaires pour des œuvres, créant une forme de compétition entre les corps de métiers et les familles patriciennes, chacun éprouvant la nécessité de faire valoir sa réussite sociale et son ascension économique ainsi que son changement de statut. La région devint ainsi le pôle culturel majeur où pouvait se développer des ateliers d’artisans et d’artistes. L’art et la culture constituèrent une nouvelle forme de prospérité économique et industrielle ». En est résulté une surenchère sur les sujets, une recherche de sujets originaux, un traitement nouveau des paysages. Naît alors la peinture de genre.

« La majorité des peintures hollandaises créées durant cet âge d’or n’étaient pas des commandes de mécènes de la très haute noblesse ou de l’Église, mais étaient destinées à être vendues sur le marché de l’art. Et pour la première fois aussi, les riches classes moyennes achetaient des œuvres d’art sur une grande échelle ».

Des organismes publics ou de citoyens privés n’accordaient pas de commissions régulières à la plupart des peintres.

Artistes, artisans et peintres en bâtiment étaient membres de guildes spécifiques, sortes d’organisations professionnelles. Les membres d’une guilde étaient sûrs de bénéficier d’un « filet de sécurité plus ou moins solide quand ils traversaient des époques difficiles et d’une certaine protection contre la concurrence de confrères extérieurs à leurs propres villes ».

La première guilde de peintres fut instituée au XIIIe siècle et « fut nommée d’après leur saint patron : saint Luc ». Un artisan non membre de la guilde n’avait pas le droit d’exercer sa profession. « S’ils devaient respecter des normes de qualité et de prix, les membres de la guilde locale de Saint-Luc bénéficiaient cependant d’assurances sociales. Le système de la guilde reposait sur le système très complet de l’apprentissage, qui formait des peintres d’atelier jusqu’à ce qu’ils atteignent le niveau de « maître », qualification exigée pour appartenir à une guilde ».


Un tableau trouvait un acheteur sur le marché de l’art par divers moyens. Généralement, les artistes vendaient directement leurs œuvres aux clients se rendant dans leurs ateliers, ou les présentaient dans des expositions ou des ventes organisées par la guilde. Autre mode de vente : les tombolas ou ventes aux enchères à l’initiative de la confrérie. Il arrivait aussi que les peintres réglaient leurs dettes aux aubergistes ou aux marchands de tableaux par leurs tableaux. Ils recouraient aux vendeurs des rues ou aux marchands établis. Les artistes « pratiquaient régulièrement le commerce de l’art en seconde profession, comme le couple de peintres de Haarlemjan Miense Molenaer(c. 1610-1668) et Judith Leyster (1609-1660) ». Par la vente de leurs œuvres, ce couple acheta plusieurs immeubles dans diverses villes hollandaises et un manoir à la campagne. « Certains artistes, tel Vermeer, pouvaient compter sur un riche client ».

Le « règlement de la guilde empêchait les artistes d’accepter des commandes officielles en dehors des villes où ils habitaient. Exceptions : les portraits que Haarlem Frans Hais (1582/83-1666) a fait du brasseur d’Amsterdam Nicolaes Hasselaer et de sa seconde épouse, Sara Wolphaerts, et Rembrandt qui reçut des commandes même de collectionneurs étrangers ».

Des peintres spécialisés

Des peintres se spécialisèrent dans un genre précis : la nature morte ou la vanité – catégorie de nature morte dont la composition allégorique exprime l’idée d’une vie humaine vaine, précaire – avec Willem Claesz Heda et Pieter Claesz ; le paysage avec Jan van Goyen, Jacob van Ruysdael ou Meindert Hobbema. « Jan Steen ou Adriaen van Ostade illustrent la satire villageoise, tandis que Gerard ter Borch et Pieter de Hooch s’adonnent à la comédie de mœurs et aux scènes de genre dont font partie les fêtes paysannes. Emanuel de Witte et Pieter Jansz Saenredam se spécialisèrent dans la peinture de monuments, Thomas de Keyser et Frans Hals devinrent les spécialistes du portrait et Paulus Potter celui des animaux ».
 
Ces peintres nous offrent un témoignage précis sur la vie quotidienne des Provinces-Unies avec ses artisans (Portrait de l’orfèvre Johannes Lutman par RembrandtL’atelier du tailleur de Quiringh van Brekelenkam), son essor économique (Chantier naval à Amsterdam de Ludolf Bakhuysen), l’urbanisme (L’hôtel de ville d’Amsterdam de Gerrit Berckheyde), les grands évènements (Incendie entre la Elandsstraat et la Elandsgracht à Amsterdam, le 27 juillet 1679 de Jan van der Heyden), etc. Ils contribuent au siècle du clair-obscur et influenceront les impressionnistes, l’art moderne…
 
Souvent, « les scènes de genre qui semblaient avoir été peintes sur le vif étaient en réalité exécutées dans l’atelier de l’artiste ». Nombre de ces tableaux apparemment réalistes contenaient des messages cachés « révélant un principe moral » difficiles à déchiffrer. La popularité de ces œuvres montre combien « les spectateurs adoraient résoudre ces énigmes, tout en admirant la qualité artistique et en appréciant la vivacité des scènes amusantes ».
 
Au XVIIe siècle, les peintres hollandais découvrirent « leur environnement et peignirent les vastes panoramas de la campagne – plat pays traversé d’un réseau de fleuves ». Auparavant, ils avaient considéré le paysage comme une source d’inspiration afin de représenter dans leurs tableaux des arrière-plans imaginaires. Maintenant, leurs peintures accentuent le réalisme.
 
Cependant, d’autres artistes hollandais goûtaient davantage les paysages idéalisés italiens. « Parmi ces paysagistes italianisants, beaucoup venaient d’Utrecht », ville majoritairement peuplée de catholiques et qui « maintenait par tradition des liens forts avec Rome et de nombreux artistes allèrent y travailler ». Entre 1605 et 1620, des artistes quittèrent Utrecht, pour se rendre à Rome. Là, ils découvrirent l’œuvre du Caravage (1571-1610), le peintre italien le plus célèbre. Ils « adoptèrent sa technique du clair-obscur (contraste intense entre la lumière et l’ombre) et sa façon de peindre ses modèles – souvent des gens du peuple à qui il faisait incarner des personnages religieux – d’après nature. À leur tour les artistes de « l’école caravagesque d’Utrecht » influencèrent les œuvres des peintres hollandais qui ne s’étaient jamais rendus en Italie et adoptèrent la luminosité des paysages des artistes italianisants dans leurs peintures idéalisées du paysage hollandais. Parmi ces artistes influencés : le plus célèbre de tous les peintres hollandais du XVIIe siècle : Rembrandt ».
Vermeer et Rembrandt

Paradoxalement, Vermeer et Rembrandt sont devenus des symboles de cette époque, dont ils ne sont que peu représentatifs. Ils se distinguent des autres artistes par leur refus de la spécialisation, leur intérêt pour plusieurs genres. Depuis quatre siècles, ils demeurent des « modèles absolus », dont le génie leur confère un caractère intemporel.

Cette exposition souligne le rôle singulier de Rembrandt, artiste le plus influent de cette époque et qui aborde des genres divers : portraits, paysages, natures mortes, peinture d’histoire, genre alors populaire et d’une exécution difficile car elle exigeait intelligence, formation professionnelle solide, maîtrise technique et ingéniosité pour présenter l’essence d’un évènement qui sera immédiatement compréhensible par le spectateur.

Sa notoriété lui conféra un « statut très particulier et en fit le modèle de cette période par sa tolérance, sa modernité, son réalisme poétique et sa puissance émotionnelle traduite principalement par son usage de la lumière. Maître du clair-obscur, Rembrandt apporte à ses modèles, simples portraits ou scènes religieuses, une dimension, une densité, une beauté humaine inégalée qui font de lui le précurseur de la modernité, un analyste de l’âme et des consciences avec trois siècles d’avance sur ses contemporains ».

Cette exposition a connu un engouement exceptionnel dès son ouverture le 7 octobre 2009 : le 8 janvier 2010, elle comptabilisait 570 000 visiteurs ; en quatre mois, 700 000 visiteurs sont venus admirer les chefs d’œuvres du Rijksmuseum.

Le Bozar Palais Beaux-arts Bruxelles présenta l’exposition Rembrandt en noir et blanc (26 février-29 mai 2016).

L’Essentiel – Le guide de l’exposition. Livret avec une présentation détaillée des œuvres majeures de l’exposition. 1 €
 
Le Portfolio. Il propose dans un grand format les plus beaux tableaux de l’exposition. Broché. 23,8 x 32 cm. 64 pages. 9,50 €

Marc Restellini, Ruud Priem et Peter Sigmond. L’Âge d’Or hollandais de Rembrandt à Vermeer avec les trésors du RijksmuseumEd. Pinacothèque de Paris en association avec le Rijksmuseum d’Amsterdam. Relié – 28 x 24 cm. 304 pages. ISBN : 9782358670043. 45 €. Lire les premières pages.

L’Âge d’Or hollandais de Rembrandt à Vermeer avec les trésors du Rijksmuseum. Ed. Pinacothèque de Paris. Monté en HD, ce DVD « offre un parcours de l’exposition (66 minutes) avec 45 œuvres commentées, permettant de découvrir dans le détail, les techniques, les symboles et le discours de ces génies qui ont peint leur époque et furent fréquemment précurseurs d’une pensée artistique qui aujourd’hui nous apporte cette liberté dans le regard. Il inclut un entretien avec Marc Restellini. Réalisation : Dov Bezman et Frédérike Morlière. Image et montage : Frédérike Morlière. Texte et musique : Dov Bezman. D’après les textes de Ruud Priem. 1h21. 19,90 €. Découvrez un extrait du DVD ».

Le 10 décembre 2017, Arte diffusa « Petits secrets des grands tableaux – « La ronde de nuit » de 1642″.

Arte diffusera le 18 octobre 2020, dans le cadre de la série documentaire « Le monde dans un tableau » (Die ganze Welt in einem Bild), « Le chapeau de Vermeer » (Vermeers spätes Vermächtnis) de Nicolas Autheman.

« En partant d’un détail d’un tableau peint par Vermeer aux Pays-Bas en 1657, ce documentaire déroule un récit passionnant des prémices de la mondialisation. Avec la voix de François Morel ».

« À l’automne 1911, Henry Clay Frick, un riche industriel new-yorkais ayant fait fortune, enrichit sa collection particulière avec un chef-d’œuvre de l’histoire de l’art, L’officier et la jeune fille riant, peint par Johannes Vermeer en 1657. Il représente un homme de dos conversant avec une jeune femme séduisante ».

« Un élément dans ce tableau, attire le regard, détail dont le sens véritable n’aurait pas échappé aux contemporains du peintre : l’immense chapeau que porte l’officier. Pour en arriver à ce que la main de l’artiste inclue ce feutre démesuré, il aura fallu des inventions, des découvertes, des rencontres, des drames et quelques crimes : l’histoire de la naissance d’échanges autour du globe par un peuple hollandais passionnément épris de commerce ».

« Nicolas Autheman revient aux sources de cette mondialisation à travers ce chapeau peint par Vermeer, un feutre de castor dont la quasi-disparition en Europe poussa les marchands néerlandais à se tourner vers les États-Unis, présida au développement de New York et participa à la création de la première place boursière ».

« Narré par François Morel, un éclairage ludique et inédit sur les prémices de notre monde globalisé, librement adapté de l’essai Le chapeau de Vermeer – Le XVIIe siècle à l’aube de la mondialisation de Timothy Brook (Payot & Rivages, 2012). »

« Le chapeau de Vermeer » de Nicolas Autheman

France, 2020, 76 min
Sur Arte le 18 octobre 2020 à 17 h 40
Disponible du 11/10/2020 au 16/12/2020
Visuels :
Premier dessin de New York en 1650
© Austrian National Library
« L’Officier et la jeune fille riant » de J. Vermeer – avec lignes de fuite
« L’Officier et la jeune fille riant », de J. Vermeer – exposé à la Fricks Gallery de New York
©Schuch Productions
 
L’Age d’Or Hollandais – de Rembrandt à Vermeer
Jusqu’au 7 février 2010
À la Pinacothèque de Paris
28, place de la Madeleine, 75008 PARIS
Tél. : 01 42 68 02 01
Tous les jours de 10h30 à 18h. Nocturnes le vendredi jusqu’à 22 h.

Les citations sont extraites du catalogue.

Légende des visuels :
Gerrit Berckheyde 
Hôtel de Ville d’Amsterdam
1693
huile sur toile
52 x 63 cm
Prêt de la ville d’Amsterdam
Rijkmuseum, Amsterdam
© Image Department Rijksmuseum, Amsterdam, 2009
Anonyme, Pays-Bas
Presse à linge miniature
c. 1700
noyer
17 x 8 x 6 cm
Prêt du Koninklijk Oudheidkundig Genootschap
Rijkmuseum, Amsterdam
© Image Department Rijksmuseum, Amsterdam, 2009Frans Hals 
Portrait de femme 
c. 1635
huile sur toile
81,5 x 68 cm
Rijkmuseum, Amsterdam
© Image Department Rijksmuseum, Amsterdam, 2009Aelbert Cuyp
Portrait d’un jeune homme 
c. 1651
huile sur panneau
82 x 70 cm (oval)
Prêt de la ville d’Amsterdam
Rijkmuseum, Amsterdam
© Image Department Rijksmuseum, Amsterdam, 2009Aert de Gelder 
Roi David 
1680
huile sur toile
109,5 x 114,5 cm
Rijkmuseum, Amsterdam
© Image Department Rijksmuseum, Amsterdam, 2009

Emanuel de Witte
Intérieur de la synagogue portugaise d’Amsterdam 
1680
huile sur toile
110 x 99 cm
Rijkmuseum, Amsterdam
© Image Department Rijksmuseum, Amsterdam, 2009

Johannes Vermeer
La lettre d’amour
c. 1669-70
huile sur toile
44 x 38,5 cm
Rijksmuseum, Amsterdam
Acquis avec l’aide de Vereniging Rembrandt
© Image Department Rijksmuseum, Amsterdam, 2009

Jan Davidsz de Heem (attribué à) 
Nature morte avec fleurs dans un verre
c. 1675-80
huile sur cuivre
54,5 x 36,5 cm
Prêt de la ville d’Amsterdam
Rijkmuseum, Amsterdam
© Image Department Rijksmuseum, Amsterdam, 2009

Quiringh van Brekelenkam
L’atelier du tailleur
1661
huile sur toile
66 x 53 cm
Prêt de la ville d’Amsterdam
Rijkmuseum, Amsterdam
© Image Department Rijksmuseum, Amsterdam, 2009

Meindert Hobbema
Le moulin à eau
c. 1666
huile sur panneau
60,5 x 85 cm
Rijkmuseum, Amsterdam
© Image Department Rijksmuseum, Amsterdam, 2009

Rembrandt Harmensz van Rijn
Portrait de son fils Titus, vêtu en moine
1660
huile sur toile
79,5 x 67,5 cm
Rijksmuseum, Amsterdam
Acquis avec l’aide de Vereniging Rembrandt
© Image Department Rijksmuseum, Amsterdam, 2009

 

 

Cet article a été publié le 5 février 2010, puis le 10 octobre 2012 et le :
– 7 février 2013 à l’approche de la diffusion par la chaîne Histoire, les 10 et 16 février 2013, des numéros de la série Palettes consacrés à Rembrandt et à Vermeer ;
– 13 avril 2013 après la réouverture du Rijksmuseum ;
– 10 juillet 2015. Le musée de Flandre à Cassel a présenté l’exposition La Flandre et la mer ;

– 25 février 2016 et 7 décembre 2017.
 
 
[Source : www.veroniquechemla.info]
En Occident, cette couleur porte le poids du péché depuis la fin du Moyen Âge. StockSnap via Pixabay

Écrit par Frédéric Pennel

«Être un jaune», «rire jaune», «en faire une jaunisse», «avoir le teint jaune»… Que ce soient des dents, un tableau, les pages d’un livre ou le vernis d’un meuble, jaunir n’est guère valorisant. «Je n’ai pas trouvé une seule expression associant le jaune à quelque chose de positif», rapporte la linguiste Annie Mollard-Desfour. La langue retranscrit notre perception du jaune. Une couleur associée à la maladie, à la bile, au déclin et à la vieillesse. Elle est pourtant loin de manquer d’atouts.

Ce ton miel qui excite les papilles

En ce temps de confinement, certain·es rêvent peut-être d’un petit-déjeuner estival. Des tartines de pain beurrées au miel, accompagnées d’œufs brouillés et arrosées de jus d’orange. Le tout à l’ombre de tournesols protégeant d’un merveilleux soleil. Face à un panorama de blés mûrs, bientôt transformés en ballots de paille. De la senteur des mimosas à la vue des poussins, la nature offre une profusion de bienfaits et d’émerveillements de couleur jaune. Sa luminosité est telle que certaines villes en ont recouvert leurs façades. C’est le cas de Lille pour pallier un déficit d’ensoleillement.

L’éclat de cette couleur a aiguisé bien des convoitises. L’or a transformé des contrées en Eldorado, suscitant ruées et expéditions guerrières. La blondeur est aussi valorisée: on se colore davantage les cheveux pour se blondir que pour se «déblondir». Les mots, là encore, parlent d’eux-mêmes. Les têtes blondes désignent avec affection les enfants, le blondin un élégant séducteur, la blonde la petite amie (au Canada surtout). En revanche, allez dire à une blonde qu’elle a les cheveux jaunes et vous verrez la confirmation d’un constat: le jaune est chargé de négativité.

«Notre conception du jaune […] est une construction artificielle […] effective dans une aire culturelle donnée, à un moment de son histoire.»

Anne Varichon, anthropologue spécialiste de la couleur

D’ailleurs, stylistes, architectes et vendeurs ne s’y sont pas trompés: pour pouvoir user de cette couleur primaire essentielle, on contourne l’emploi du mot. «Avec un client, je vais lui parler d’un ton beurré plutôt que de jaune», rappelle la chromo-architecte DPLG Marie-Pierre Servantie, présidente de l’académie des couleurs. «Si vous parlez d’un ton miel, les papilles s’excitent. Si vous parlez de la bile, alors que c’est pratiquement le même ton, ça ne passera pas. C’est psychologique. Si la couleur est associée à quelque chose de positif, elle prend un sens positif.»

Ces multiples associations illustrent aussi la diversité des teintes jaunes. Quel rapport entre le jaune orangé, renvoyant à la vitalité des agrumes, et le jaune verdâtre, évoquant plutôt la maladie? Deux réalités et deux imaginaires pourtant estampillés par un même mot: jaune. «On ne peut parler d’une couleur qu’au pluriel, note Anne Varichon, anthropologue spécialiste de la couleur. L’unicité de la couleur est donc une fiction. Notre conception du jaune, comme de toutes les couleurs, est une construction artificielle, une convention effective dans une aire culturelle donnée, à un moment de son histoire.» Selon les langues, le spectre chromatique se découpe différemment. Certaines regroupent derrière un même terme des tons vert et jaune. Newton comptait sept couleurs dans l’arc-en-ciel. Mais l’influence chrétienne, qui valorise grandement le chiffre sept, n’y est évidemment pas pour rien. Le découpage chromatique du réel ne peut donc pas être objectif.

Un passé sulfureux

Toutes les couleurs portent une ambiguïté, mais le jaune charrie un passé particulièrement pesant. C’est sa qualité lumineuse qui lui a attiré bien des ennuis… «Même dans la pénombre, un jaune sera plus visible qu’un rouge, un bleu ou un vert, rappelle Anne Varichon. C’est pourquoi cette couleur a été utilisée comme un signal apte à alerter la population sur quelque chose qui est exogène, qui rompt le court normal des choses.» Le code de la route ne s’y est pas trompé et les panneaux jaunes annoncent des phénomènes routiers inhabituels, tels que des travaux sur la chaussée. Il en va de même pour les pense-bêtes autocollants. Dans un environnement de travail souvent terne et monochrome, leur visibilité jaune se rappelle à notre mémoire.

Mais cette fonction de signalisation est aussi à l’origine de la «légende noire» du jaune. Celui-ci a servi à désigner des individus «exogènes». Au début de l’ère islamique, les non-musulman·es dans certains califats devaient parfois arborer un insigne de couleur, bien souvent jaune. Les pays chrétiens ont adopté le même principe pour «signaler» certaines catégories de population, telles que les fous ou les faux-monnayeurs. Sous Saint Louis, les Juifs devaient porter la rouelle jaune. Dans une médiévale où l’appartenance au groupe était centrale, inutile de préciser que cette signalisation était infamante. Bien plus tard, les nazis recoururent à cette même couleur lorsqu’ils imposèrent l’étoile jaune.

Cette stigmatisation soulignée de jaune en a détérioré l’image. Cette couleur a pourtant été longtemps valorisée. En témoigne l’héraldique à partir du XIIe siècle où le jaune s’étale fièrement sur nombre de blasons. La fleur de lys, emblème des rois de France, n’y échappe pas. De même, la blondeur était très valorisée dans les romans de chevalerie. La belle Iseult n’était-elle pas blonde? Mais vers la fin du Moyen Âge, le jaune se charge négativement. L’or attire à lui ses aspects positifs, la richesse et le sacré, et laisse au jaune l’urine, la bile et la vieillesse. C’est ainsi que la robe de Judas jaunit, tandis que ses cheveux roussissent.

Le Baiser de Judas, de Giotto, entre 1304 et 1306. | AlvaroAS via Wikimedia

Et comme il était difficile de fabriquer et de fixer dans la durée des jaunes aussi éclatants que ceux dans la nature, elle incarne aussi l’hypocrisie, la jalousie et la trahison. Les maisons des soi-disant traîtres étaient repeintes en jaune, comme l’hôtel du Connétable de Bourbon ou celui de l’Amiral de Coligny. On comprend mieux pourquoi le jaune n’a jamais été l’emblème d’un grand parti politique en France… Et pourquoi les maris cocus au théâtre s’en revêtirent.

L’arrivée du protestantisme au XVIe siècle n’arrange rien à l’affaire pour la couleur. Tant Luther que Calvin pourfendaient les couleurs vives, parce que malhonnêtes pour un·e bon·ne chrétien·ne, et en bannissent l’usage dans les vêtements. Le jaune en fait les frais. D’autant que les catholiques s’alignent sur les protestant·es. Aujourd’hui encore, l’Occident reste assis sur cet héritage judéo-chrétien.

Vu d’Europe, le jaune a aussi été associé à l’Asie. Les missionnaires européens ont été frappés par la place valorisante occupée par cette couleur en Extrême-Orient. Inaccessible au peuple en Chine, seule la famille impériale pouvait la revêtir. Les JO gardent la mémoire de ce lien chromatique. «Quand on crée les anneaux olympiques en 1912, le jaune est l’anneau pour l’Asie», souligne Michel Pastoureau, historien des couleurs. «À l’école, on apprenait autrefois que les « Jaunes » désignaient les Asiatiques, rappellent Annie Mollard-Desfour. Aujourd’hui, c’est très délicat de dénommer par une couleur de peau. D’autant que la couleur jaune, chez nous, a une connotation négative, signe de maladie, de saleté…»

Bombe de couleurs à retardement

Si le jaune n’a pas disparu d’Occident, on le doit surtout aux peintres et aux sportifs. Les Impressionnistes, allant peindre en extérieur, retranscrivaient les jaunes de la nature. Un début de réhabilitation. Plus tard, Van Gogh en a fait une couleur chatoyante de sa palette et les Fauvistes y ont puisé de l’inspiration chromatique. En sport, les maillots d’équipe recouraient aussi au jaune. À partir de 1919, le maillot jaune du Tour de France lui redonna de la superbe. Initialement, il s’agissait d’une action publicitaire pour L’Auto, ancêtre de L’Équipe, dont les pages étaient jaunâtres pour raison d’économie.

Le jaune reste présent sur la Poste française ou les taxis new-yorkais. Les enfants, n’ayant pas intégré son passif, en raffolent souvent. Les intérieurs comprennent des touches par-ci par-là. Un grille-pain, des rideaux ou le sol de la salle de bain. «Dans l’habillement, ce sera différent, et un enfant, un homme ou une femme ne sont pas soumis aux mêmes conventions, souligne Anne Varichon. Aujourd’hui, théoriquement, chacun peut s’habiller comme il le souhaite. Pendant longtemps, seuls les anticonformistes, gens de théâtre et de cabarets, peuple de la nuit, osaient porter des couleurs vives, ce qui a renforcé leur côté sulfureux. Désormais, le poids de la bien-pensance tend à se volatiliser. Mais encore faut-il avoir le courage de mettre de la couleur.» Les années 1970-1980 ont été marquées par une libération inédite de couleurs. Depuis, l’autocensure a repris le dessus et, pour les hommes, il faut être DJ Snake pour oser s’habiller de jaune. Cette couleur se cantonne encore souvent aux vêtements de pluie ou de sport.

Lentement, le jaune grappille pourtant du terrain. Il a fait une entrée fracassante sur la scène médiatique avec le Mouvement 5 Étoiles en Italie et les «gilets jaunes» en France. Si ce jaune fluo a pris du sens, «ce n’est pas un hasard, même s’il a d’abord été arboré pour des raisons pratiques, décrypte Anne Varichon. Tout le monde possède ce gilet dont le jaune s’avérait un signal adapté à des manifestations sur la voie publique avec des dangers de collisions. Mais surtout, cette couleur stridente est l’étendard idéal pour des gens qui se révoltent d’être invisibles dans le débat politique».

Retour aussi du jaune dans le divertissement avec les Pokémon et surtout les Minions. Incarnant la vitalité, le jaune s’est même introduit dans les espaces de coworking, y impulsant du dynamisme. Le jaune est lié aux agrumes, source de vitamine C. Par ailleurs, on revoit des voitures jaunes, si banales il y a quarante ans, et des vêtements pour hommes.

Si le jaune reprend des couleurs, c’est aussi le résultat des synergies culturelles, dopées par les voyages et l’immigration. Dès qu’on sort d’Occident, les couleurs vives explosent aux yeux, échappant au poids judéo-chrétien qui les a rendues suspectes. Et le jaune est souvent à l’honneur sur les boubous africains ou les saris indiens. En Inde, le jaune tire son prestige du curcuma, un puissant antioxydant utilisé dans la cuisine et pour la peau. Au cœur des rites liés au mariage, la couleur du curcuma place l’union sous les meilleurs auspices.

Enfin, la diffusion des études sur les couleurs secoue nos perceptions. Michel Pastoureau raconte que, à ses débuts, la thématique n’intéressait personne. Maintenant, elle passionne. Or, le fait d’explorer les racines de leur signification symbolique en exorcise les mauvais aspects présents dans l’inconscient collectif. «Un peu comme l’effet d’une psychanalyse, exhumer et comprendre, c’est gagner en liberté», résume Anne Varichon. C’est ce qui est à l’œuvre pour le jaune dont la meilleure connaissance nous libère de ses connotations péjoratives. Fort de sa pluralité et de sa vivacité, il revient. Sans que personne n’en fasse une jaunisse.

[ Source : http://www.slate.fr]

Crítico Alcir Pécora comenta novas edições em português do autor de ‘O Apanhador no Campo de Centeio’

[RESUMO]Novas traduções renovam o interesse por J. D. Salinger, autor de “O Apanhador no Campo de Centeio”, cuja obra explora um labirinto de jogos de linguagens, brincadeiras semânticas e charadas que tornam infernal o trabalho do tradutor.

Acabam de sair novas traduções do escritor nova-iorquino Jerome David Salinger (1919–2010) —por ora, “O Apanhador no Campo de Centeio” (1951), “Nove Histórias” (1953) e “Franny & Zooey” (1961)—, aos cuidados da Todavia

Em maio, a editora publicará outro clássico do autor, “Erguei Bem Alto a Viga, Carpinteiros & Seymour: uma Introdução” (1963), todos com tradução de Caetano W. Galindo. 

“O Apanhador” é o mais conhecido desses títulos. Conta as andanças erráticas de um adolescente de 16 anos, Holden Caulfield, pela sua Nova York natal, após ser expulso pela terceira vez de uma escola de elite. O garoto está em vias de um colapso nervoso que, afinal, acaba por ocorrer, levando-o a ser internado num sanatório. 

Jerome David Salinger durante a Segunda Guerra Mundial, enquanto escrevia “O Apanhador no Campo de Centeio”

“Nove Histórias” é uma reunião de contos, todos igualmente centrados em reações de crianças e jovens diante de diversas vicissitudes da vida adulta, de que o período de guerra é possivelmente o de maior impacto.

O terceiro livro reúne um conto, “Franny”, e uma novela, “Zooey”, títulos tomados dos nomes dos irmãos mais jovens da família ficcional Glass, que se tornou o grande núcleo da criação de Salinger. 

Franny, a caçula, sofre uma crise existencial aguda durante a visita que faz ao namorado universitário, e Zooey, enquanto a irmã convalesce na casa dos pais, busca meios oblíquos de fazê-la superar a depressão.

Filho de um importador judeu bem-sucedido, Salinger, como Holden Caulfield, frequentou bons colégios, sem grande destaque, e ainda a escola militar. Convocado, participou da Segunda Guerra, num posto da contrainteligência aliada, e, ao fim do conflito, permaneceu na Alemanha por algum tempo, tratando do que parece ter sido um sério trauma de guerra. 

Ecos desse colapso, para dizer o mais óbvio, aparecem em várias de suas narrativas e estão mesmo no centro dos acontecimentos que envolvem os Glasses —e, em particular, no suicídio de Seymour, narrado em “Um Dia Perfeito para Peixes-Banana”, o arrepiante conto de abertura de “Nove Histórias”.

Isto dito, não é fácil escolher o melhor caminho para falar dos livros, sobretudo porque a notícia de uma nova tradução certamente mobilizará os leitores mais fanáticos de Salinger —e há também, na outra mão, os novos leitores que o lerão agora pela primeira vez. Como quer que me arranje, é justo que tudo comece pelo louvor da iniciativa da Todavia; estava mais do que na hora de uma nova tradução em português dos seus livros. 

A razão mais imediata dessa demanda, não fosse por outros motivos, é a de que existe uma grande quantidade de gíria nos textos de Salinger, sobretudo no “Apanhador”, o que acaba quase naturalmente exigindo uma renovação da tradução, pois nada envelhece mais rápido na língua do que as gírias, que passam como passam a juventude e a moda.

Encarregado da missão, Caetano W. Galindo é tradutor experiente de vários autores importantes de língua inglesa, entre eles James Joyce e David Foster Wallace. Comentarei seus valorosos esforços conforme for anotando os aspectos que me parecem mais interessantes para uma apresentação do pequeno conjunto das narrativas conhecidas de Salinger.

Como disse antes, boa parte da criação do escritor associa-se à família Glass, a qual consiste nos pais, Les e Bessie, dois atores e dançarinos aposentados de vaudeville, e sete filhos, cinco homens e duas mulheres, a saber, em ordem decrescente de idade: Seymour, Buddy, Boo Boo, Walt, Waker, Zooey e Franny. O mais esquisito a dizer deles é que todos os sete filhos foram crianças prodígios, que se apresentaram, sucessivamente, ao longo de 20 anos, num famoso programa de rádio, “It’s a Wise Child” (algo como “esta é uma criança esperta”).

Nenhum leitor das aventuras espirituais da família Glass resistia a comentar miudamente cada um de seus membros e os dilemas que os afligiam, falando deles como se fossem pessoas reais. Está aí uma qualidade evidente do estilo salingeriano, à qual os antigos chamavam “enárgeia” e que se costuma traduzir por “vivacidade”, atributo próprio dos seres animados. É o mesmo que um crítico importante de Salinger, Henry A. Grunwald, chama de “poder de dar realidade a suas criaturas e inventar caracteres”, as quais “se metem na cabeça do leitor e, uma vez lá, assumem vida própria”.

Um segundo ponto que talvez possa dar uma visada do conjunto da obra de Salinger é o emprego que as suas personagens fazem do termo “phony”, difícil de traduzir, e que me parece que Galindo resolve suficientemente bem como “fajuto”.

Mas convém demorar um pouco ao pé do tipo de fajutice que Salinger praticamente reinventou desde “O Apanhador”. O seu sentido mais genérico é o de “falso”, mas também de “falsificado”, isto é, de coisa que se quer passar por outra que nunca chegará a ser, pois é fruto de uma simulação ou qualquer estratégia forçada; no limite, constitui-se como vulgaridade, que pode resultar numa afetação ridícula e constrangedora.

Em particular quando proferido pelo jovem Holden, “phony” gera uma espécie de sentença sem remissão sobre o esvaziamento da vida adulta, sobretudo quando compreendida na forma consumista, alienada e esnobe da alta burguesia nova-iorquina. Pode-se ver aí denúncia ideológica, e seguramente há, mas há também, no fundo, quase um veredicto ou uma sentença condenatória ancestral, talvez bíblica, ainda que proferida por um pirralho: ser “phony” é entregar-se a uma vida de filistinismo e autopropaganda.

Claro que a acusação, no sentido contrário, também deixa trair o desejo fracassado de uma ingenuidade e inocência infantis, se não míticas. E o caso é que a sentença implícita não atinge apenas a pessoa ou a atitude que se considera “phony”, mas também o seu acusador. A falsidade que se percebe no outro efetua o padecimento agudo de um fracasso que é próprio, antes de ser alheio. A impossibilidade ou a trapaça de conviver com as pessoas acaba implicando o fracasso inteiro de viver. 

Um aspecto já mencionado diz respeito ao fato de que o estilo de Salinger concilia uma escrita muito polida e refinada com uma fluência incrível, que incorpora o “slang”, vale dizer, o calão, as imprecações e a gíria usada pelos jovens nova-iorquinos da época. Daí que as primeiras reações ao “Apanhador” tenham incluído muita vez a acusação de imoralidade, por conta das blasfêmias e dos relatos de encontro sexual fortuito e de prostituição feitos pelo narrador-protagonista adolescente, algo raro ou inexistente na literatura canônica da época.

Não é nem preciso dizer que essa conciliação extravagante de registros baixo e alto de linguagem, de frases cultas contendo expressões chulas que jamais perdem uma incrível fluência obriga os tradutores a provas tremendas de domínio de língua. Nem se trata de conhecer o inglês, nesse caso, mas de possuir extrema flexibilidade no manejo da língua de chegada.

Alguns poucos exemplos dessa dificuldade aparecem tomando-se simplesmente a primeira página e meia da nova tradução de o “Apanhador”. Galindo escreveu, por exemplo, as seguintes frases: “como que foi a porcaria da minha infância”, “se você quer saber a verdade”, “são sensíveis que é o diabo”, “vou te contar essa coisa demente que me aconteceu”, “aquilo me matou”, “nem venha me falar de cinema”, “eu quero começar a contar é do dia em que eu saí…”.  

Do ponto de vista da compreensão do inglês, está tudo perfeito. Contudo, do ponto de vista da absoluta fluência do texto original, ainda seria preciso buscar melhores alternativas, tipo: “como foi a droga/porra da minha infância”, “pra falar a verdade”, “são sensíveis pra diabo/cacete/caralho”, “vou te contar essa coisa doida/maluca/fodida que me aconteceu”, “aquilo que me deixou pirado/fodeu”, “Nem me fale de/em cinema”, “Vou começar falando do dia…”. Quer dizer, não há erro em nenhuma frase, mas poderia haver maior precisão no efeito de discurso displicente, sujo e finamente tenso do jovem Holden.

O Escritor Philip Milton Roth em 2007, em Manhattan – foto: Orjan F. Ellingvag/Corbis

Outro aspecto significativo das narrativas de Salinger é que, ao longo delas, o escritor postula as suas personagens como autores para o que está escrevendo ou mesmo para o que já escreveu e foi publicado.

Assim, por exemplo, em “Seymour: uma Introdução”, sugere-se que Buddy Glass, protagonista desse livro e de “Erguei Bem Alto a Viga, Carpinteiros”, seja o verdadeiro autor do “Apanhador”. A insinuação é uma verdadeira bomba que um leitor apenas desse livro não chega minimamente a supor. A partir da postulação de Holden Caulfield como criação de Buddy, modifica-se um bocado a compreensão do livro.

Da mesma maneira, três dos contos de “Nove Histórias” são atribuídos posteriormente à autoria de Buddy Glass, a saber: “Um Dia Perfeito para Peixes-Banana”, “Lá no Bote” e “Teddy”. Os encaixes não param aí, pois o mesmo Buddy é dado como o autor não nomeado da novela “Zooey”. Ou seja, Salinger vai enredando uma narrativa na outra, e submetendo cada um de seus contos ao conjunto novo do que vai produzindo.

O processo se intensifica com a evidência de que muito do que é narrado como sendo relativo aos Glasses parece ter acontecido com o próprio Salinger, como o episódio do colapso pós-Guerra. Numa curiosa analogia com as práticas teatrais, Grunwald diz que “Salinger está tentando derrubar a quarta parede”, à maneira de Pirandello e de tantos outros: “Ele está trazendo a audiência inteira para dentro da ação, fazendo-os esquecer o que é real e o que não é” e faz com que travem uma batalha “nos limites da sanidade”.

É uma observação precisa, que confronta a estruturação das narrativas e a funcionalidade semântica intrínseca da família Glass. Sobretudo, ajuda a recuar face às muitas interpretações que os escritos de Salinger têm sofrido, especialmente em termos simbólicos e metafísicos. 

Não que não tenham cabimento, ou que não digam respeito ao universo de Salinger; muito pelo contrário. É bem sabida a ligeireza com que o escritor se atirava aos mais diversos credos e práticas místicas, do catolicismo ortodoxo ao zen-budismo e ao tao; do hinduísmo de Sri Ramakrishna e dos Advaita Vedanta ao de Swami Vivekananda; dos exercícios de krya-ioga ao misticismo sufi de Idries Shah, para não falar dos temas mais comuns da homeopatia, da acupuntura e da macrobiótica. 

De minha parte, não me entusiasmam tanto as interpretações edificantes e místicas. Antes, me interessa a percepção da centralidade dos jogos que articulam as biografias ficcionais das personagens com temas como a dificuldade de assumir, com verdade, uma vida adulta; a impossibilidade de sair ileso dos horrores da guerra; e, para resumi-los todos, a doença insidiosa da normalidade ou o martírio do lugar-comum.

Para as personagens de Salinger, a sociabilidade burguesa está tingida de morte ou de alheamento. As suas narrativas acompanham com atenção mórbida e estilo requintado a consecução de uma tragicomédia.

Essa mesma atenção que o faz criar um labirinto artificioso de inscrição do autor e do leitor no cerne da narração gera também um sem-número de charadas, jogos de palavras, intertextualidades e autorreferências que fazem do trabalho de tradução um verdadeiro inferno. 

Um exemplo se encontra em “Um Dia Perfeito para Peixes-Banana”, quando a garotinha Sybil Carpenter enuncia uma adivinha que antecipa a tragédia —notar já o “sibila” no seu nome, que talvez devesse ser traduzido, para não falar do sobrenome (em português, Carpinteiro), que também tem história nos livros de Salinger. E o que ela diz à mãe é: “See more glass” (“veja mais vidro”), que refere foneticamente o nome de Seymour Glass. E insiste com a mãe: “Did you see more glass?” (“Você viu mais vidro?”).

Tudo aqui está em perceber a pegadinha da garota, que, quando pergunta se a mãe viu, está em vias de lhe mostrar o que vai vir, a saber, a morte de Seymour Glass.

Em português, Galindo optou por um viés esquisito: “Se mói glé!”, e depois “Será que se mói glé?”. Imagino que tenha passado dias com o enigma na cabeça para propor algo tão complicado. No entanto, esse tipo de resolução nonsense e abstrata, que talvez funcionasse com Joyce, simplesmente dá com os burros n’água no caso de Salinger.



Capa da edição da Todavia de ‘O Apanhador no Campo de Centeio’, livro de J. D. Salinger

Outro exemplo. O segundo conto está traduzido por “O Tio Novelo em Connecticut”. Por quê “tio Novelo”? Foi uma solução tentada por Galindo para dar conta de um jogo de palavras espirituoso de Walt Glass, o qual, quando a sua namorada torce o tornozelo ao correr, consola-a antropomorfizando o tornozelo ferido como se faria a uma criança: “Poor Uncle Wiggily”. 

A graça em inglês está em equivocar “ankle twisted” (tornozelo torcido) com “uncle Wiggily” (algo como “tio Treme-treme” ou “tio Bambo” —“wiggle” é o movimento que faz a gelatina ou uma barriga a tremer).

Ou seja, “Tio Novelo” faz um trocadilho com “tornozelo”, mas perde a fragilidade e o tremor que atraem a compaixão. E há uma dificuldade a mais: ao dizer “Poor uncle Wiggily”, Walt está de fato imitando a maneira carinhosa como se fala a uma criança em vias de chorar, como se dissesse: “tadinho do seu tornozelo”. A semelhança formal de “tio Novelo” não funciona —mas alerto que não sei o que propor no seu lugar. O que escrevi acima é apenas uma hipótese de sentido, não de tradução.

Um último exemplo. No conto “Lá no Bote”, o filhinho de Boo Boo Glass ouve uma empregada dizer a outra que o seu pai é um “big sloppy kike” (um grande judeuzinho desleixado) e vai se esconder chateado no bote que está no píer. Sua mãe, quando o acha, pergunta-lhe o que aconteceu, e ele conta o que a empregada disse. Ao lhe perguntar se sabe o que é “kike” (uma forma pejorativa de nomear os judeus), o garoto explica: “It’s one those things that go up in the air” (é uma dessas coisas que sobem no ar), e acrescenta “with strings you hold” (que se segura com linhas/cordas).

Boo Boo percebe então que o garoto entendeu “kike” como “kite” (pipa), e que, embora tenha percebido que se tratava de uma ofensa, não entendeu o seu aspecto preconceituoso mais cruel. Essa troca é resolvida por Galindo com a empregada chamando o pai de “um judeu sovina”, e quando Boo Boo pergunta ao filho se ele sabe o que é um judeu sovina, o menino responde ser um daqueles “caras que sovam o pão”. 

Ou seja, para dar conta da confusão entre kike/kite, faz o engano incidir não sobre “judeu” propriamente, mas sobre o atributo de “sovina”, que relaciona com “sovar o pão”.

Poderia ser uma solução, não fora o fato de que a mãe só é bem-sucedida no apaziguamento do garoto quando o faz habilmente se comprometer a ajudar o pai a “carry the sails down” (descer as velas), o que corresponde a ajudá-lo a consertar o seu suposto desleixo em segurar as coisas com cordas. 

Na versão brasileira, em que “sovar o pão” se tornou a questão, “trazer as velas para cá” ficou apenas uma frase solta, e o desfecho do conto ficou em suspenso.

Qual a solução para esses jogos de linguagem disseminados em todos os livros? Não tenho ideia. 

Como nem sequer tentaria ser um tradutor criativo, talvez apenas mostrasse com o auxílio de notas o que estava em jogo ali. Quando digo isso, não é para criticar o esforço de Galindo, mas antes para encarecer a sua valentia: como diabos alguém se mete a traduzir esse tipo de livro? E, no entanto, há quem o faça e lute a mãos nuas com os idiomas e busque, de alguma forma, trazer o texto da melhor forma ao leitor que não o pode ler no original.

Termino este voo de pipa sobre Salinger deixando de comentar vários outros aspectos de seu estilo narrativo, que incorpora a transcrição de cartas e de chamadas ao telefone; de troca de diálogos curtos, repletos de subentendidos e de espasmos vocabulares; de histórias dentro das histórias; de monólogos interiores; de digressões entre parênteses a suspender a continuidade da narrativa. 

Trata-se de um acervo de recursos estilísticos com impacto tremendo na literatura norte-americana contemporânea, como se vê em John UpdikePhilip RothHunter ThompsonSylvia Plath etc. Não à toa, Louis Menand disse que Salinger “acabou com escrever histórias no sentido convencional”, e que um livro como “O Apanhador no Campo de Centeio” se tornou “um gênero literário particular”.


Alcir Pécora é professor titular de teoria literária no Instituto de Estudos da Linguagem da Unicamp.

[Fonte: http://www.folha.com.br]