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Publié au début de cette année aux Editions Anne Carrière, Les Echappés est le premier roman de Renaud Rodier. Cartographie littéraire en trois mots.

L’humanitaire français Renaud Rodier signe son premier roman aux Editions Anne Carrière.

 

Écrit par  

1. Kaléidoscope

Lauren, Aaron, Emilie, Nathaniel et Aashakira; du Kansas à Mumbai, jusqu’à New York, ils sont cinq à faire résonner leur voix dans ce roman choral, où chaque chapitre est écrit à la première personne et place le lecteur au confessionnal. Cinq destins ou plutôt cinq fuites qui s’entrecroisent pour baliser un monde en déshérence.

2. Tangente

Si les protagonistes sont des opposés totaux, ils partagent toutefois une même aspiration: s’extraire à tout prix de leur passé, renier leur lignée. Ils tracent chacun leur chemin dans des marges qu’ils essaient de s’approprier, pour oublier leurs origines.

3. Frénésie

Si la narration est tortueuse, l’écriture de Renaud Rodier est quant à elle extrêmement maîtrisée et vivace; elle contrebalance avec calme la frénésie qui meut ces êtres torturés.

L’histoire tournerait autour de quatre protagonistes, des antihéros esquintés par leur enfance, et de leur quête de l’âme sœur, cet «autre moi» fantasmé, seul à même de les arracher à leur spleen. Une sorte de quête baudelairienne, où l’Idéal et le Beau seraient incarnés par une figure distante et fugitive qui manifesterait ce gouffre croissant entre ce qu’ils étaient et ce qu’ils auraient été capables d’être, la malédiction de l’espoir.

Renaud Rodier
Les Echappés
Editions Anne Carrière
400 pages
Janvier 2024

 

 

[Photo : Abigail Auperin – source : http://www.leregardlibre.com]

L’alcaldessa de Ripoll, Sílvia Orriols, i l’ideòleg del partit, Jordi Aragonès, defensen que no són extrema dreta però alhora se n’aprofiten

L’alcaldessa de Ripoll, Sílvia Orriols, treballant al seu despatx, amb imatges de Carles Puigdemont i Joaquim Torra a la paret. ALBERT GARCIA

Escrit per JOAN BURDEUS

Quan dones la mà a Sílvia Orriols tens la sensació que la coneixies, però no pots recordar de què, com si et trobes en una simulació informàtica en què falla alguna cosa. L’havies vist a les manifestacions de la Diada o entre el públic del FAQS. No és que l’haguessis vist literalment. La imatge de l’alcaldessa de Ripoll, d’una normalitat inversemblant, és el que obtindries si li demanessis a una intel·ligència artificial que fes mitjana entre totes les persones que van assistir als actes organitzats per l’independentisme entre el 2012 i el 2017.

Em rep a l’ajuntament amb texans d’anar per feina, calçat còmode i samarreta reivindicativa, sembla acabada de desembarcar d’un autobús amb socis de l’ANC un Onze de Setembre qualsevol. És com si el Procés hagués finalitzat per a tothom menys per a ella, que el vol dur a una nova etapa que, d’alguna manera difícil de comprendre, suposaria una continuació natural de les anteriors.

Com descobriré al llarg de l’entrevista, les familiaritats formals no són cap coincidència: Orriols va ser una processista de les que no se’n van perdre ni una. Hi ha una primera ironia en el fet que els mitjans de comunicació i els partits polítics que tant van dependre del Procés hagin convertit Orriols en un fenomen, una de les poques figures capaces d’excitar noves passions en un panorama deprimit pel retorn a l’autonomisme. Aquesta torrentada d’atenció és un elefant a l’habitació que bloqueja qualsevol il·lusió de complicitat entre política i periodista: totes les preguntes i respostes estan sotjades per la dialèctica entre el consens aclaparador que diu que Orriols és extrema dreta i els seus esforços per negar-ho i aprofitar-se’n al mateix temps.

Un carrer de Ripoll. ALBERT GARCIA

Xerrarem més de dues hores i en cap moment hi haurà un sentiment de guàrdia baixa, però tampoc el típic teatret de candidat intentat mostrar el seu costat humà. Orriols parla com tuiteja, com un argumentari que ha pres consciència d’ell mateix i que té la necessitat incòmoda de tenir un cos de carn i ossos, un requisit sense el qual no podria presentar-se a les eleccions i salvar Catalunya, que és l’únic que importa de debò.

D’una “casa catalana”

Nascuda el 1984 en una casa de pagès humil (el pare treballava a la fàbrica des dels 14 anys), Orriols va pujar en el que anomena “una casa catalana”, una infància bucòlica sense cap contacte amb la política institucional. Val la pena aturar-se en com l’alcaldessa fa servir la paraula “catalana”, que per a ella és sinònim incontrovertible de “nacionalista i independentista”.

Bona part del xoc que suposa escoltar-la té a veure amb una manera de fer anar certes paraules fora de les convencions. Per a ella “català” no és qui viu i treballa a Catalunya, sinó qui dona per fet que Catalunya és una nació amb una única llengua, que porta 300 anys ocupada i que cal lluitar per alliberar-la, com qui dona per fet que el cel és blau. Quan Orriols diu que alguna cosa és o hauria de ser catalana, no està fent una tautologia, sinó lliurant una subtil guerra cultural.

Pujada en un entorn, doncs, “català”, Orriols desperta la consciència política amb primeres lectures convencionals, com ara Lo catalanisme d’Almirall, i es fa militant de les JERC. Després de muntar unes quantes paradetes de dissabte, plega: “Veus clarament que allà no hi ha una intenció de salvar Catalunya, sinó una estructura de tipus empresarial”. Arriba als llibres de Daniel Cardona, es radicalitza en la veta més insurreccional del nacio­nalisme, milita a Estat Català.

La gràcia de la seva militància és que, tot i ser allò a què va dedicar la major part del seu temps lliure durant anys, no en va obtenir cap traducció material. Davant dels joves perseverants amb interès per la política s’obren molts camins d’accés a càrrecs públics, però Orriols no va voler transitar-los mai. En uns temps en què la idea que Catalunya podia ser independent resulta intempestiva, la futura alcaldessa inverteix molts anys a fer proselitisme d’idees que no arrelen més enllà dels marges. “Era una manera d’engrescar-nos entre nosaltres, revifar el nacionalisme i intentar fer veure a la gent que l’única opció perquè Catalunya sobrevisqués era aconseguir la independència. Fèiem excursions i editàvem una revista”.

En aquestes trobades va conèixer el seu home, amb el qual es van ajuntar i van tenir cinc fills. En sentir el verb “ajuntar” no tens més remei que preguntar per la creu de plata que sempre llueix ben visible: resulta que Orriols no es defineix com a catòlica, sinó com a cristiana, una fe que va recuperar després de pujar a Núria a demanar ajuda divina per quedar-se embarassada, i aconseguir resultats el mes següent. Es dibuixa una relació idiosincràtica entre la persona i les coses en què creu, una forma de fe completament independent de la validació externa.

O sigui que, quan esclata el Procés, sent que el país es mou cap al lloc on ella havia estat lluitant tota la vida. Naturalment, li fa molta il·lusió: “M’ho vaig creure del tot. Vaig ser un dels il·lusos que van creure que ho executarien. Em van enganyar de dalt a baix”. S’afilia a l’ANC i Òmnium, comencen a córrer els autocars. Quan demano per l’epifania, la caiguda del cavall processista, ho té claríssim: la manifestació #OmplimEstrasburg del juny del 2019.

Aquell dia, el Consell per la República, l’ANC i Òmnium van dur més de 10.000 persones a la seu del Parlament Europeu per protestar contra el veto a Puigdemont, Comín i Junqueras com a eurodiputats. Feia dos anys que la declaració d’independència s’havia suspès: parlem d’un grau de convenciment només accessible als fidels del cercle més interior. “Vam anar totes motivades, ‘viam ara podé sí. Va córrer un rumor entre el públic que entraríem al Parlament, com una mena de motí. I ho recordaré tota la vida: veus la Laura Borràs arribar, amb els seus talons, i començar a fer-se selfies amb tots els que volien entrar. En un moment s’havia aplacat la revolta”. En aquell mateix autocar hi havia la Margarita Cabello, companya de desenes de manifestacions i actual presidenta de la junta local d’Aliança Catalana a Ripoll.

Manifestació de catalans al Parlament Europeu a Estrasburg el juliol del 2019. MIQUEL LLOP (NURPHOTO VIA GETTY IMAGES)

No cal dir que l’altre desencantament fundacional sobre el qual es fonamenta l’auge d’Orriols, en una mesura molt més gran que el del Procés, correspon als atemptats de la Rambla de Barcelona del 17 d’agost, reivindicats per una cèl·lula d’Estat Islàmic liderada per l’imam de Ripoll. Orriols diu que la immigració l’havia preocupat des de sempre, que té consciència del xoc de veure els primers marroquins arribar al poble i de l’increment arran de la construcció de la mesquita; s’esforça tan poc en el llenguatge políticament correcte que sembla que vulgui que t’imaginis el que deu dir a les sobretaules. Però la qüestió només adquireix un pes polític determinant arran del trauma.

En la narració d’Orriols, la indignació amb la comunitat musulmana és indeslligable de la indignació amb la gestió que en van fer els partits catalans. Explica com, després del 17-A, entre els ripollesos comença a estendre’s la sensació que els polítics inverteixen molts més esforços a desresponsabilitzar la comunitat musulmana per prevenir la islamofòbia que a proposar mesures per assenyalar i combatre un radicalisme islàmic que ella i altres ­veïns consideren clarament estructural.

Quan esclata el Procés, sent que el país es mou cap al lloc on ella havia estat lluitant tota la vida

Orriols, que havia guanyat fama arran del seu paper actiu en protestes contra l’article 155, va començar a organitzar-se amb altres veïns polititzats. A l’hora de triar una marca amb què presentar-se a les eleccions municipals, la futura alcaldessa va recórrer a velles amistats d’Estat Català i va rebre ofertes per triar entre tres marques registrades: va triar el Front Nacio­nal en homenatge al seu admirat Daniel Cardona, que en va ser fundador. El juny del 2019 obtenia 503 vots i es convertia en regidora.

L’home d’idees: Jordi Aragonès

El Mas Carreras és una casa majes­tuo­sa d’estil indià al bell mig de Begur, d’habitacions amples i adorna­des. El pati interior està perfectament enjardinat, i quan passes la pis­cina arribes a un porxo luxós d’estil colonial, tot de fusta. És on estiueja Jordi Aragonès, un dels fundadors i secretari d’Estudis i programes d’Aliança Catalana, el partit que presideix Orriols i amb el qual ha aconseguit l’alcaldia.

Aragonès és el segon en projecció pública, i això es deu, en part, al fet que és cosí del president Pere Aragonès, és a dir net del mateix avi, alcalde de Pineda de Mar, franquista i fundador d’Alianza Popular, una figura que se sol treure a passejar per qüestionar les credencials del líder d’Esquerra Republicana. Lluny de renegar-ne, en Jordi explica que va néixer en una família “molt de la ceba”, pare independentista de tota la vida, i troba l’evolució ben natural. A diferència del cosí Pere, però, en Jordi està profundament imbricat amb la dreta catalana: va ser militant d’Unió i el seu treball final del màster d’Història Contemporània i Món Actual és un estudi sobre els orígens del PP català que aprofita documents dels avantpassats.

Jordi Aragonès forma part d’un nínxol reduït, però real, conscient d’ell mateix i ambiciós, de gent que sempre s’han sentit de dretes i independentista, per als quals la gran tragèdia del Procés va ser el gir cap a l’esquerra de tots els partits d’obediència catalana. No costa imaginar l’excitació que deuria sentir en descobrir Sílvia Orriols a les notícies.

Jordi Aragonès amb Sílvia Orriols, en una imatge de les seves xarxes socials.

Aragonès llueix tots els marcadors de la classe a què pertany, que no és la d’Orriols, ni la immediatament superior. La camisa de lli blau cel, les bermudes xineses i les nàutiques són massa previsibles, però el detall que fa de personatge és un anell de tipus segell que llampegueja quan mou les mans als vídeos: un ònix bicolor on es va fer gravar el castell de Begur tal com es veu des del jardí de casa, un immoble que estima amb bogeria i que, per cert, la família va comprar a Lluís Prenafeta: “Com deia Josep Pla, jo no estic enamorat d’una persona, sinó d’un paisatge”. Com tota la gent que no ha de patir per res, Aragonès parla a poc a poc i amb una certa displicència.

La gràcia d’entrevistar-lo és que és l’home d’idees del partit, la cara més visible del grup de persones que va anar a buscar Orriols amb una idea. Tot i que Aragonès se sap perfectament les xifres del retrocés de la llengua catalana, el seu sentiment d’emergència existencial no es pot comparar al d’Orriols. Tots dos transmeten el mateix convenciment que el col·lapse s’acosta inexorable, però Aragonès en parla amb la tranquil·litat de tenir un búnquer espaiós amagat al soterrani.

Aragonès reconeix que darrere del partit hi ha empresaris i expolítics de l’òrbita de Convergència i Unió

Quan vaig pensar el reportatge, Aragonès era a Sílvia Orriols el que Steve Bannon va ser a Donald Trump, un ideòleg que llegeix un canvi d’època i troba el candidat perfecte. Ho vaig encertar a mitges. D’una banda, efectivament, Aragonès pren Bannon com un dels seus principals referents, i els ulls se li il·luminen quan parla de Donald Trump. “Trump candidat”, especifica, perquè com a president el va decebre. De l’altra, Orriols no necessitava cap bastiment ideològic. A diferència del bilionari americà, en què la política sembla un succedani del reality show cancel·lat, Orriols pot acreditar anys de militància discreta i estudiosa. A més a més, Aliança Catalana no ha d’obrir camí, sinó surfejar l’onada reaccionària que va desencadenar el trumpisme. Aragonès i els seus tenien una llista de requisits per a la candidata somiada, i quan van llegir les paraules “cordó sanitari” van sentir que l’univers els feia una assistència.

Escapa de l’abast d’aquesta peça investigar qui hi ha darrere Aliança, però sí que cal certificar que hi ha un darrere. Aragonès i altres membres fundadors d’Aliança amb què m’he entrevistat descriuen el Front com un partit poc seriós, una cotilla per a les seves ambicions i per al potencial polític que intueixen que té Sílvia Orriols, de qui parlen amb els ulls brillants i una admiració inexpugnable. El que Aragonès decideix dir-me és que darrere del partit hi ha empresaris i expolítics associats a l’òrbita de Convergència i Unió que prefereixen mantenir-se en l’anonimat. Tots s’uneixen al voltant d’una aposta: finançar la campanya d’Orriols a l’oposició per fer de trampolí a un moviment d’àmbit nacional. Tampoc cal imaginar una quantitat de diners espectacular: en comptes de presentar moltes candidatures, s’inverteix en Manlleu, Ribera d’Ondara i Ripoll. Als dos primers han obtingut un regidor, i a Ripoll, l’alcaldia.

Aquesta emulsió permet veure al mateix temps la novetat i per on pot acabar plorant la criatura. El manual és pur Bannon: amb el declivi econòmic d’Occident, el neoliberalisme deixa de ser una ideologia viable per a la dreta. El que Bannon veu abans que cap altre és que el primer món és ple de perdedors de la globalització que se senten sense ningú que els representi, i que la dreta i l’esquerra convencionals fan les mateixes polítiques d’immigració. Quan li pregunto a Aragonès per què no vota el PDeCAT, la resposta és pura estratègia: ja ningú vota un partit que defensa el lliure mercat i les elits; ara mateix, les dretes que creixen són les que han adoptat una barreja de proteccionisme industrial, nacionalisme identitari i un discurs radical contra la immigració, tot plegat en nom de protegir la gent rasa de casa, és a dir, la gent com Orriols. Es tracta de provar a Catalunya el mateix que ho està petant arreu.

Com sabem, el que ha desinflat el radicalisme potencial de totes aquestes noves dretes és l’aliança contradictòria entre els interessos de les elits i la classe mitjana, que al mateix temps pretenen representar.

Un cop al poder, Trump va rebaixar brutalment els impostos als rics i no va construir cap mur; es va limitar a la guerra cultural i a la polarització retòrica mentre no feia res gaire estructural. Georgia Meloni ha estat una alumna exemplar de l’ortodòxia econòmica europea. Santiago Abascal no ha treballat mai fora de la cosa pública, igual que Marine Le Pen. I aquí entra Orriols, que ha treballat 16 anys d’administrativa i viu amb els cinc fills, el marit i el gos en el mateix pis de setanta metres quadrats de tota la vida. Quan Orriols activa el populisme antielitista i comença a parlar de tancar xiringuitos, pot posar sobre la taula una biografia irreprotxable.

Naturalment, hi ha una tensió. Segons han fet córrer per les xarxes, Aliança Catalana ha rebut una allau d’interès, tant de futurs militants com de patrons. No obstant això, el partit no ha fet encara cap congrés. Els quadres d’Aliança Catalana parlen de crear un moviment de centredreta ampli, un catch-all party que ocupi l’espai orfe de CiU, des de liberals fins a conservadors, aquesta vegada aglutinats amb un discurs molt més dur contra la immigració. Però, a l’hora de la veritat, cap partit no pot defensar els perdedors de la globalització sense un programa de redistribució de la riquesa que, necessàriament, faria els rics menys rics. Ningú sap si Aliança Catalana explotarà, però si un moviment municipal surt de Ripoll i comença a parlar de política nacional, haurà d’afrontar les mateixes contradiccions que totes les dretes alternatives que han aparegut els darrers anys, i a sobre sumar-hi les particularitats que fan que el panorama català sigui molt més imprevisible.

Manifestació a Ripoll a favor de la pau després dels atemptats del 17-A. SUSANNA SÁEZ (EFE)

Orriols em porta de l’ajuntament al monestir de Santa Maria de Ripoll, el lloc on descansen les despulles de Guifré el Pilós, patriarca llegendari de la nació, la tomba amb què l’alcaldessa va il·lustrar un tuit fet la jornada de reflexió, que deia: “Aquí va començar tot, i d’aquí estant ho reconquerirem TOT”. Però Orriols no fa pas un discurs èpic, i de fet em reconeix tranquil·lament que no és optimista. Com totes les noves dretes que han proliferat a Occident, Orriols floreix del sentiment d’angoixa per la supervivència d’una identitat amenaçada.

Si la genealogia del trumpisme sempre es remunta al cinturó d’òxid, no és difícil veure un Detroit en Ripoll: igual que la indústria més icònica dels Estats Units va anar-se’n en orris amb la globalització, Ripoll és una terra amb un passat siderúrgic orgullós que ha entrat en declivi i no para de perdre població. Envoltada de llocs més pintorescos com Camprodon o Olot, la reorientació del país cap al turisme no ha aportat gaire res al poble. “De la meva classe, vivint aquí només en quedem tres”. Demano a Orriols per la tria del verb en l’eslògan “Salvem Catalunya” i em respon: “La nostra situació és desesperada”.

[Font: http://www.elpais.com]

Escrito por Maria do Rosário Pedreira

Li há tempos um artigo muito interessante sobre o desaparecimento de certos tempos verbais da linguagem escrita (na oralidade, sempre foram tempos menos comuns, como o imperfeito do conjuntivo, o condicional composto e o pretérito mais-que-perfeito; em francês, também o «passé simple» por oposição ao «passé composé»). Dizia o seu autor que este «desuso» pode significar uma falta de capacidade para olhar o passado e aprender com ele e, por outro lado, uma incapacidade de ser prospectivo, de pensar o futuro. Vive-se hoje no hoje, e pronto; e, de facto, muitos dos romances que recebo actualmente nem parecem realmente romances, mas apenas apontamentos para escrever um romance, fichas com ideias para desenvolver mais tarde, do tipo: «Ele encontra a namorada com outro e faz uma cena. Enquanto discutem, o amante desaparece e ela fica admirada por ele não ter ficado ali.» Pois, parece bastante pobre, e é. Mas, se isto seria aceitável em principiantes, a verdade é que muitos dos mais considerados escritores estão a deixar-se contaminar por esta moda em vários países, fazendo pensar que mesmo quem aprendeu a gramática com os velhos professores está cada vez mais tentado a usar a linguagem dos guiões das séries televisivas e contar histórias em tempo real. Estará o presente a absorver-nos ou é só a influência do audiovisual?

 

[Fonte: horasextraordinarias.blogs.sapo.pt]

‘Món Hetero’, publicat per Edicions 62, recull diversos escrits de Roig sobre la dona i el moviment feminista

Escrit per Clara Asín

Montserrat Roig és eterna i una de les imprescindibles. Periodista, escriptora, contista, novel·lista, la seva aportació en el camp de les lletres és increïble. Es va declarar feminista en els anys 60 en una Espanya franquista, on la lectura que es feia d’aquest moviment era la d’un col·lectiu de « desviades àvides de vici », meravellós, no creieu? La qüestió era que, en aquells anys, a excepció de certs cercles militants de Barcelona o Madrid, no era comú declarar-se feminista. Ella es va convertir en una figura clau del feminisme antifranquista i més tard de l’avantguarda que posaria les bases per a la creació de col·lectius i jornades. Republicana, socialista, les seves idees deia que bevien dels valors republicans i no de maig del 68. La Roig, que així l’anomenaven, tenia molt clar d’on venia i quins eren els seus referents i a Món Hetero, la teoria feminista de Montserrat Roig, publicat per Edicions 62 i editat per Betsabé García, ens nodrim del seu univers.

Montserrat Roig es va declarar feminista en els anys 60 en una Espanya franquista, on la lectura que es feia d’aquest moviment era la d’un col·lectiu de « desviades àvides de vici »

El recopilatori de textos ja van ser publicats l’any 1980 en un volum titulat ¿Tiempo de mujer?, on trobàvem des de conferències a entrevistes. Com a Món Hetero, els escrits sobre la dona de Montserrat Roig reflexionen sobre què és ser dona en un sentit existencial, teòric i, per descomptat, polític. Els textos s’han organitzat a través de tres temes. L’heterosexualitat com a problema marca la introducció, un títol que dista del contingut, ja que no problematitza l’orientació sexual de les persones, sinó que problematitza i teoritza sobre la superestructura política de la dictadura franquista (feixisme) i la seva infraestructura cultural catòlica. És a través d’aquesta infraestructura cultural catòlica que es modelen els valors de les parelles heteronormatives. Així doncs: El patriarcat catòlicFollar i estimarUn segrest ontològicFeminisme: aquella filosofia de segona i Transhistòric són les categories que apunten les principals temàtiques.

Montserrat Roig, un referent etern del feminisme i el periodisme. Foto: Manel Armengol

La Roig sempre serà necessària

Transhistòric trobem les entrevistes i els retrats de dues dones trans: Samantha i Kati. Uns testimonis molt valuosos en una època en què la categoria trans era molt nova i no es donava veu a les dissidències sexuals i de gènere. Montserrat Roig va marcar les bases del pensament feminista en català, però també va destacar amb llibres com Els catalans als camps nazis, una investigació que va suposar un abans i un després en la societat de l’època. Una faceta poc coneguda de Montserrat Roig va ser la d’entrevistadora; en el programa de Personatges va conversar amb Neus Català, deportada catalana en el camp de concentració nazi de Ravensbruck; la Bella Dorita, cantant de cabaret, o Marta Mata, pedagoga i impulsora de la renovació de l’escola pública de la Transició. Crec que és molt difícil definir Montserrat Roig perquè va ser una gran cronista, novel·lista, articulista, entrevistadora… Va ser una treballadora incansable i tenia aquest esperit que, sincerament, ja no trobem en les fornades de periodistes d’avui dia… Era una persona compromesa amb el seu temps: per a Roig, la memòria, l’antifeixisme i el feminisme eren camins pels quals calia transitar per escriure una societat millor.

Quan topes amb articles com Una assegurança d’amor entens que estàs llegint una ploma afilada, audaç, agosarada, però destra i sobretot intel·ligent i culta

Quan topes amb articles com Una assegurança d’amor entens que estàs llegint una ploma afilada, audaç, agosarada, però destra i sobretot intel·ligent i culta. « La inseguretat del món actual reclama com a contrapunt vincles sòlids i duradors. I l’únic vincle sòlid acceptat i esperonat socialment és el del matrimoni, el de la parella ». Això ho va escriure fa més de 33 anys, i és més actual que mai, potser no el matrimoni, però sí la necessitat d’aparellar-nos per sobreviure a una societat nuclear, on la idea de la inseguretat social promoguda pel capitalisme depredador ens fa anhelar, sense saber-ho, maneres clàssiques i normatives de relacionar-nos. Tant de bo haver conegut Montserrat Roig, entrevistar-la, observar mentre conversa, gaudir d’un 8 de maig, anar juntes a una manifestació. Pilar Aymerich, quan es va inaugurar la seva exposició Memòria viscuda, va dir que hi ha persones que li falten, com Montserrat Roig. No m’estranya, perquè La Roig sempre serà necessària.

 

[Font: http://www.elnacional.cat]

Segue em cartaz nas melhores salas do ramo o italiano La chimera, de Alice Rohrwacher, um dos filmes mais originais e surpreendentes da temporada, ganhador, entre outras coisas, do prêmio do público na Mostra Internacional de Cinema de São Paulo.

Escrito por

Dito resumidamente, é a crônica de um grupo meio picaresco de saqueadores de túmulos etruscos, em busca de objetos a ser comercializados no mercado de arte antiga. Eles se servem do misterioso dom de um lacônico inglês, Arthur (Josh O’Connor), para descobrir onde estão enterradas as preciosidades. Tudo acabará nas mãos de um não menos misterioso açambarcador, a quem chamam de Spartaco – e não deixa de ser irônico dar o nome do líder de uma rebelião de escravos a um representante do capitalismo mais voraz.

Camadas geológicas

A narrativa de La chimera se desenvolve em várias camadas, como se fossem estratos geológicos que eventualmente se tocam. Além da pressão dos companheiros para prospectar o subsolo, Arthur se vê às voltas com a sombra de um amor passado, a namorada morta Beniamina, que lhe aparece em sonhos e lembranças (em imagens rodadas em 16mm e mostradas num quadro mais estreito que o do resto do filme).

Para complicar, a mãe da moça, Flora (Isabella Rossellini), uma professora de canto e aristocrata decaída presa a uma cadeira de rodas, acredita que a filha está viva – e conta com Arthur para encontrá-la.

Nesse contexto em que Arthur parece sempre estar pouco à vontade, fora do lugar, é com outra figura estrangeira que ele vai estabelecer uma proximidade singular: a brasileira Itália (Carol Duarte), aluna de canto e empregada doméstica da autoritária Flora.

Mistura de gêneros

Com uma desenvoltura notável, Alice Rohrwacher (diretora também do belo Lazzaro felice) desdobra essas linhas dramáticas trafegando da comédia à aventura, ao suspense policial, ao comentário político e à poesia histórico-mitológica. O sagrado e o profano se interpenetram, as eras históricas se embaralham, os vivos convivem com os mortos. Os perrengues dos pequenos malandros saqueadores de hoje ganham uma dimensão metafísica ao tocar os resquícios de uma civilização extinta há dois milênios.

Tudo sem pompa, peso ou solenidade. A diretora não hesita em romper com o realismo e a verossimilhança por diversas vias: acelerando comicamente a velocidade da imagem, colocando uma personagem para falar diretamente à câmera, caricaturando uma disputa comercial como um enfrentamento entre animais ferozes, etc. Nada disso é novidade em si, mas sua aparente incongruência numa narrativa realista confere surpresa e frescor ao conjunto.

Nesse exercício de liberdade criativa, é impossível não notar a influência de Fellini. Uma festa popular de província em que os homens saem à rua vestidos de mulheres parece tirada de Amarcord, a cômica indolência dos saqueadores lembra Os boas-vidas, os afrescos antigos que se apagam com a entrada do ar no subsolo replica uma cena análoga de Roma.

Mas o olhar matreiramente feminino da cineasta se revela nas falas antimachistas da francesa Melodie (Lou Roy-Lecollinet), na comunidade de mulheres que ocupa uma estação ferroviária abandonada e, sobretudo, na figura graciosamente desajeitada da brasileira Itália, a personagem mais vital e encantadora de todo o filme, encarnada com brilho por Carol Duarte. A política de Alice Rohrwacher não se faz com cara feia, mas com irreverência, surpresa e humor.

 

[Fonte: http://www.ims.com.br]

Viena amplia la col·lecció «Petits Plaers» amb ‘Els núvols meravellosos’ de Françoise Sagan, una història ambientada a l’ociosa vida parisenca dels anys seixanta.

Françoise Sagan l’any 1954

Escrit per Teresa Costa-Gramunt

Quedi dit d’entrada que m’agrada Françoise Sagan (1935-2004), la manera com escriu i els temes de naturalesa psicològica que planteja, pel que escriuré a continuació: al llibre Els núvols meravellosos, publicat per «Petits Plaers» de Viena en la traducció de Josep Maria Pinto, l’autora francesa torna a pintar un retaule ben il·luminat de la bona vida, del dolce far niente, de l’actitud ociosa sense complexes que aquí practicava aquell grup de joves de cases benestants que es va anomenar la gauche divine.

Els núvols meravellosos, novel·la publicada l’any 1961, la Josée, la protagonista de Françoise Sagan, voldria ser en una platja deserta per contemplar la bellesa dels núvols cada vegada que no sap, o no vol resoldre, els problemes que té amb el seu marit americà, del qual un dia fuig per tornar-se’n a París i retrobar el que ha estat el seu ambient de tota la vida. A pesar de la vida relaxada, com en unes vacances, que la jove esposa viu a Florida, l’atmosfera tancada i tòxica del seu matrimoni a causa de la gelosia malaltissa de l’Alan la fatiga tant mentalment que acaba per escapar-ne, si bé per poc temps, ja que el marit la segueix i, a París, comença una sorprenent etapa de pintor: per primera vegada a la vida fa alguna cosa que fins el situa enmig d’una societat en què es barreja la bohèmia dels rics dels anys seixanta (aquí se’ls anomenava pijos) i l’extravagància d’algunes figures rellevants. En una paraula: el tot París, que és com dir aquells que compten.

Els envitricolls de la relació afectiva de la parella es dulcifica amb el treball artístic de l’Alan, però no cessa, i cada dos per tres la Josée, que havia esperat una vida tranquil·la, es diu que vol divorciar-se del marit abans no sigui massa tard per recuperar la llibertat que de més jove havia tingut a París. Mentrestant, els lectors assistim a la vida dissipada d’una colla de gent que sembla que no tinguin res més a fer que parlar els uns dels altres (en general, no gaire bé), de flirtejar, de beure i de perdre nits com si, en efecte, París fos una festa perpètua.

Ningú com Françoise Sagan per descriure amb saviesa narrativa aquests viatges als inferns sentimentals d’uns protagonistes amb poques responsabilitats.

És aquest París el que amb tanta versemblança retrata Françoise Sagan, amb personatges com la Josée, que es troba tan bé seient al sol al Deux-Magots o al Flore, prenent un cafè o bevent un suc de tomàquet, retrobant-se amb els amics i dir animalades per passar el temps. Però la vida és una altra cosa per més que la Josée es pugui permetre aquesta vacança diària. En contrapartida, s’ha d’armar de paciència per aguantar els interrogatoris de l’Alan fins a altes hores de la matinada: m’estimes, on has estat, qui era aquell.

Es miri com es miri, una veritable lluita psíquica entre dos amants que a cada encontre els deixa per terra a desgrat de la vida ociosa, la bona vida, el dolce far niente, la despreocupació pels diners que algú altre ha guanyat per ells. Ningú com Françoise Sagan per descriure amb saviesa narrativa aquests viatges als inferns sentimentals d’uns protagonistes amb poques responsabilitats, en realitat cap, i tenen massa temps per contemplar-se el melic o fugir a un oasi, ben lluny, i veure passar els núvols.

 

[Font: http://www.nuvol.com]

O arroz de favas com galinha corada descrito por Eça no romance A Cidade e as Serras

Escrito por Pedro Correia

1

Come-se pouco e mal na literatura portuguesa. E bebe-se ainda pior.

Percorremos centenas e centenas de páginas escritas pelos nossos mais reputados escritores sem deparar com um almocinho homérico ou um jantarinho opíparo. Falta vibração latina aos literatos lusos na hora de comer.

Por motivos que não vêm ao caso, tenho percorrido nas últimas semanas largas dezenas de obras de ficção de autores nacionais sem deparar com uma só refeição memorável. Tirando as excepções da praxe, Eça e Camilo sobretudo, dir-se-ia que os nossos romancistas fizeram votos perpétuos de castidade gastronómica.

Pessoa, Torga, Miguéis, Ferreira de Castro, Vergílio Ferreira, Régio, Sophia, Namora, Ruben A, Sena, Sttau Monteiro, Abelaira, Urbano, Carlos de Oliveira, Cardoso Pires, Santareno, Nuno Bragança: obra após obra, capítulo após capítulo, página após página sem um repasto digno de nota.

O mesmo para Saramago ou Lobo Antunes. De Aquilino, retive sobretudo as trutas – o que me parece coisa pouca.

Já nem menciono os neorrealistas puros e duros – um Redol, um Soeiro, um Manuel da Fonseca – para quem a frugalidade era uma bandeira e qualquer comezaina soava a pecado mortal no Portugal salazarista.

2

Desde quando a gula ficou arredada das letras pátrias?

Não era assim na época e na arte de Camilo, que nos legou inesquecíveis parágrafos de volúpia refeiçoeira – como bem documentou José Viale Moutinho na sua obra Camilo Castelo Branco e o Garfo (Âncora Editora, 2013). Ou nas incontáveis incursões de Eça pelos prazeres da boa mesa, culminando na ascensão de Jacinto a Tormes, onde comeu o melhor arroz de favas da sua vida.

3

Gostava que a literatura portuguesa se reconciliasse com a gastronomia, seguindo o excelente exemplo desses nossos maiores.

Gostava que nos legasse manjares perpétuos, como a magnífica paelha real invocada por Manuel Vázquez Montalbán no seu romance Os Pássaros do Sul (Los Mares del Sur, 1979) – «a do país autêntico, a que se fazia antes de ter sido corrompida pelos pescadores ao afogarem peixe em refogado». Com os ingredientes descritos assim: «Meio quilo de arroz, meio coelho, meio frango, um quarto de quilo de bajocons [variedade de feijão verde catalão], dois pimentos, dois tomates, salsa, alhos, açafrão, sal e nada mais. Tudo o resto são estrangeirismos.» Ou as superlativas beringelas gratinadas com gambas e presunto, descritas com minúcia na mesma obra. Tudo regado talvez com um Albariño Fefiñanes, «uma das melhores coisas que nos chegaram através da estrada de Santiago».

4

Gostava que a arte culinária deixasse de ser encarada como um pecado social pelos nossos escritores que cultivam uma prosa ensimesmada e meditabunda, sem vestígios de risos ou alegria. A ditadura passou há muito, mas legou-nos uma atmosfera de clausura que tarda em dissipar-se – como a nossa ficção literária bem demonstra.

Apetece-me pedir aos romancistas: deixem as vossas personagens comer e beber e gargalhar à vontade. Façam como Montalbán. Ou como Rex Stout, um dos mestres maiores da literatura que nunca se fica pela sala ou pelo quarto: entra sempre na cozinha.

«Quando terminámos o sumo das amêijoas, Fritz apareceu com a primeira dose de pastelinhos, quatro para cada um. Um dia gostaria de saber durante quanto tempo conseguiria comer os pastelinhos de Fritz, feitos com tutano de vaca picado, pão ralado, salsa (cebolinho, hoje), casca de limão ralada, sal e ovos, escalfados durante quatro minutos em caldo de carne forte. Se ele os escalfasse todos ao mesmo tempo, ficariam moles depois dos primeiros oito ou dez, mas ele só faz oito de cada vez, e continuam sempre a chegar.»

Deliciosas linhas contidas no romance Clientes a Mais (Too Many Clients, 1960). De ler e chorar por mais.

 

[Foto: blogue Outras Comidas) – fonte: delitodeopiniao.blogs.sapo.pt]

Escrito por Paula Arantzazu Ruiz

En “Jacques Rivette, secret compris” (2001), Hélenè Frappat habla de “L’amour fou” (1969; se estrena hoy) como una película regresiva, en la que la protagonista va hacia atrás. Frappat, una de las grandes expertas del corpus rivettiano, expone esa idea en relación con el colapso que sufre Claire, la protagonista de la obra –encarnada por una arrebatadora Bulle Ogier–; pero esa reflexión también podría servirnos para pensar la película en sí. Primero, por la estructura del largometraje, un dilatadísimo flashback que narra la crisis de una pareja de actriz y director mientras trabajan en los ensayos de la pieza teatral “Andrómaca”, de Racine; segundo, porque con esta película Jacques Rivette (1928-2016) regresaba a un punto cero creativo en un momento en el que las certezas sobre el mundo se derrumbaban.

Merece la pena regresar, en este sentido, a la génesis de “L’amour fou”. Mientras que la experiencia de “La religiosa” (1966), adaptación de la obra de Diderot con Anna Karina, había dejado a Rivette algo desnortado –tanto por la censura que sufrió esa película como por el modus operandi de puesta en escena empleado–, el sesentayochismo comenzaba a tomar forma a raíz de diversos acontecimientos políticos y sociales que golpeaban Francia. En ese momento, Rivette retomó el contacto con su maestro, Jean Renoir, al encargarse del capítulo sobre el director de “La regla del juego” (1939) para la serie documental “Cinéastes de notre temps” (1964-1972), de Janine Bazin, esposa de André Bazin, y André S. Labarthe. Ese rencuentro le inspiró otro tipo de acercamiento al arte cinematográfico en el que expresar sus reflexiones sobre el montaje, el espacio fílmico y, sobre todo, el trabajo con los intérpretes. “L’amour fou” y “Out 1. Noli me tangere” (1971) son la consecuencia de ese impasse.

“Todos los filmes tratan del teatro: no existe otro tema […]. Porque es el tema de la verdad y la mentira”, llegaría a decir Rivette. “L’amour fou”, filmada entre julio y agosto de 1967 y estrenada en París en 1969, es, como buena parte de su obra, una película sobre el teatro y, por tanto, sobre la verdad y la mentira de la representación. Son múltiples, no obstante, los ejes dialécticos sobre los que se sostienen los 254 minutos de este desmedido y monumental largometraje: teatro y cine, cine y vida, realidad y recuerdo, escenario público y vida privada, hombre y mujer… o paranoia e histeria, otras dos coordenadas habituales en el cine de Rivette, celebradas por Serge Daney cuando el crítico de ‘Libération’ decía que el relato de ese filme todavía se repartía siguiendo la lógica rivettiana de “la triste paranoia masculina y la gozosa histeria de las mujeres”.

Más allá de las bellas palabras que le dedica la evocadora escritura de Daney, las principales claves del pensamiento cinematográfico del siempre escurridizo Rivette anidan en las más de cuatro horas de esta película que sigue el derrumbe de la relación entre el director teatral Sébastien (Jean-Pierre Kalfon) y Claire, su compañera y también actriz. Si sus primeros compases nos enseñan la conclusión del relato –Sébastien no ha acudido a los ensayos y está hecho un ovillo en un apartamento completamente destrozado, mientras Claire parece estar marchándose de París, al mostrárnosla en el interior de un tren–, a medida que el largometraje avanza el vaivén narrativo va a volverse cada vez más ambiguo y devastador.

Es obvio decir que el proceso de esa caída libre es tan fascinante como exigente. Planteado a partir de dos líneas narrativas en dos espacios escénicos ajenos a lo que sucede en su exterior y aislados entre sí –los extendidos ensayos de la obra teatral, captados por Labarthe en 16mm, y las secuencias de la pareja en clave de psicodrama cassavetiano–, la película parece cerrarse sobre sí misma de manera paulatina, interrogándonos sobre cuál de las dos representaciones, la del teatro o la de los bastidores, es más real o más ficticia. En su secuencia más notable, un huis clos canónico de una media hora de duración con Sébastien y Claire atrincherados en su piso, el delirio se apodera del espíritu de la obra y el efecto resultante, tanto en el filme como en el patio de butacas, es irreversible.

Como sucedió con muchos de los filmes de Rivette, el destino no fue demasiado benevolente con “L’amour fou”. En este caso, incluso cruel, ya que el negativo original se perdió tras un incendio en 1973. La película se conservaba en diversas versiones en positivo y la copia que se estrena por primera vez en las salas españolas es una versión restaurada con un mimo extremo, fruto del trabajo de Les Films du Losange junto a la directora de fotografía Caroline Champetier, colaboradora de Rivette. Sobra decir que su estreno en cines, como parte del ciclo “Hechizo de Bulle Ogier”, que incluye las fabulosas “Los locos viajes de Céline y Julie” (“Céline et Julie vont on bateau”, 1974) y “Le Pont du Nord” (1981), es un acontecimiento extraordinario. La aquí firmante tuvo la suerte de verla en el Festival de Cannes del año pasado y solo puedo añadir que hay un antes y un después de “L’amour fou”. En todos los sentidos. ∎

 

[Fuente: http://www.rockdelux.com]

El escritor peruano Diego Trelles publica ‘Bioy’, una novela policiaca ambientada en la dictadura de Fujimori e influenciada por la literatura del ‘boom’ y el cine

El escritor peruano Diego Trelles

Escrito por VÍCTOR NÚÑEZ JAIME

Hace 40 años, el escritor mexicano Carlos Monsiváis afirmó que las novelas policiacas no podían tener éxito en América Latina porque la sociedad desconfía de la justicia. Pero el peruano Diego Trelles Paz se ha propuesto demostrar lo contrario. Durante cinco años se dedicó a escribir Bioy, la historia en la que Humberto Rosendo, un agente del Servicio de Inteligencia de Perú se infiltra en la mafia limeña con la intención de llegar hasta el capo Natalio Correa a través de Bioy, el enigmático líder de una sanguinaria banda. Trelles partió de la tradicional estructura anglosajona del género, le agregó rasgos particulares de la ficción hispanoamericana y así obtuvo el Premio de Novela Francisco Casavella 2012 otorgado por la editorial Destino, quien ya ha puesto el libro en circulación.

Diego Trelles vivía en Magdalena del Mar, a las afueras de Lima, en un barrio “donde había violencia y mucha droga”. Cuenta que por eso su obra refleja “cómo es crecer primero con los apagones y el terrorismo y el fuego cruzado de la guerra interna, y luego con la dictadura fujimorista que formalizó la mano dura y lo degradó todo”. Ya antes, en 2005, se había ocupado del tema en El círculo de los escritores asesinos, donde narra la implicación de unos jóvenes creadores en la muerte de un crítico literario. “La violencia ha estado presente en mi vida desde niño y lo sigue estando: Perú es un país que ha crecido mucho económicamente pero en el que persiste la injusticia, la pobreza, el racismo, el clasismo”. Estudió periodismo y literatura y cine. Está orgulloso de su afición por las películas y en un libro como Bioy se nota esa influencia audiovisual. Hay otras fuentes, sin embargo, que nutren su escritura: “En mi caso, es importante la poesía para darle plasticidad y ritmo a la prosa; el cine, entre otras cosas, para plantear las acciones como puestas en escena y jugar con el punto de vista; y la música, para construir partes del texto como pequeñas sinfonías que lleven armonía o solo ruido”. Pero también hay autores concretos de los que dice aprender constantemente: Roberto Bolaño, Mario Vargas Llosa o Cormac MacCarthy, por ejemplo. “Yo decidí ser escritor luego de leer Los cachorros de Vargas Llosa. Mucho se ha dicho de ese ánimo desmitificador que tenía Bolaño con los escritores del boom pero bastaría leer su prólogo a Los cachorros y Los jefes para darnos cuenta de que Bolaño era un gran admirador de la obra de Vargas Llosa. No creo, por otra parte, que exista nadie actualmente que tenga la fuerza y la destreza formal que tiene McCarthy. Mientras escribía Bioy, que abre y cierra con epígrafes de este autor, era muy claro para mí que buscaba ese tono casi macabro y ponerle pequeños retos al lector”.

Hace cuatro años, Diego Trelles se encargó de elaborar una antología de un grupo de narradores latinoamericanos nacidos entre 1970 y 1980 en El futuro no es nuestro. En el prólogo del libro, Trelles sostenía que él y sus coetáneos pretendían alejarse de la “novela total” propia de los autores del boom. ¿Pero ahora con Bioy no ha derribado esa afirmación? “Es cierto que se ve con cierta lejanía la ‘novela total’ porque, en un mundo tan disperso, parece necesario romper con esa concepción totalitaria de la novela como una herramienta que analiza y muestra el rostro de un país en un periodo extenso de tiempo y en toda su complejidad. Con Bioy me sucedió algo curioso: nunca fue mi objetivo escribir una obra que se acercara a la ‘novela total’ pero, conforme la iba escribiendo, la historia, las peripecias y los mismos personajes empezaron a demandar cierta forma que, en términos de técnica, tiene mucho de la estética de los escritores del boom”.

Trelles publicó su primera novela en 2001: Hudson el redentor, una historia acerca de los avatares de un grupo de jóvenes cuya vida transcurría entre la violencia, las drogas y el fracaso. Y a partir de entonces, este tipo de personajes, lugares y eventos dominan su producción literaria, quizá para desprenderse de aquella afirmación de Monsiváis. “Lo que él planteaba es muy interesante pero luego la historia nos mostró que, ni siquiera con las feroces dictaduras que destrozaron esa concepción de la ley y del policía como fuerzas protectoras del ciudadano, el género policial se dejó de escribir. Se produjeron libros policiales atípicos, heterodoxos, en donde a veces ni siquiera hay detective. Concebir un cuento en donde el mal triunfe sobre el bien y el delincuente engañe intelectualmente y mate al detective, ¿qué fue sino una preciosa bomba para el lector cotidiano de policiales anglosajones?”

 

[Foto: CRISTINA MARTÍNEZ – fuente: http://www.elpais.com]

 

La sèrie eròtica Idil·lis de l’editorial Ela geminada publica el seu quart lliurament de la mà de Marta R. Gustems

Escrit per Clara Asín

Marta R. Gustems ens presenta una sèrie de relats eròtics on el sexe planteja conflictes i convida la imaginació a recrear escenes fogoses. La també il·lustradora i pintora, ja ens va sorprendre al seu dia amb el poemari A boca de fosc (Fonoll, 2020) i les novel·les No en cap altre lloc (Llibres del Delicte, 2022) i Endins (Pagès Editors), però amb Lluenta, publicat per Ela Geminada, ens ha sorprès per bé, perquè gaudeixen de qualitat literària. Hi ha ritme, hi ha històries i sobretot hi ha una estructura pensada, una feina darrere de cada text. Marta R. Gustems juga en tot moment amb les paraules, amb els sentits i amb els efectes sorpresa.

Hi ha ritme, hi ha històries i sobretot hi ha una estructura pensada, una feina darrere de cada text. Marta R. Gustems juga en tot moment amb les paraules, amb els sentits i amb els efectes sorpresa

L’obra perfecta

L’anècdota curiosa de titular cada relat amb l’última paraula de l’anterior és divertida i genera una espècie de sensació circular al lector quan llegeixes tot el llibre d’una tirada. Els contes funcionen, creguin aquesta atmosfera narrativa d’immersió breu. És veritat, com comenta Pep Prieto en el pròleg, que el domini del llenguatge i de la narració modela el relat i crea « un mosaic » de sensacions. La possibilitat de la trobada, de l’enamorament, la pulsió del desig, situacions diverses que ens expliquen històries encarnades per personatges ben construïts. Hi ha fragments que són bastant porno i potser és allà on menys he connectat, el llenguatge es torna tosc i la trobada sexual, en moltes ocasions, trenca la narració o genera un impàs una mica estrany. Però tornant a les trames, que són l’important, plantegen conflictes profunds i dialoguen amb el lector, fent-lo reflexionar (típic dels contes). Si hagués de quedar-me amb algun relat del llibre per recomanar-lo, seria La pel·lícula o L’obra perfecta, perquè m’agrada aquest exercici tan cinematogràfic de ficcionar la ficció i generar diferents nivells narratius.

La possibilitat de la trobada, de l’enamorament, la pulsió del desig, situacions diverses que ens expliquen històries encarnades per personatges ben construïts

Per ser sincers i concloure de forma honesta aquesta ressenya, no conec gaire literatura eròtica en català, per no mentir i dir que no conec. No m’interessa (i sospito que serà així) erotitzar-me a través de pensaments morbosos d’escriptors que descriuen un coit a l’estil de 50 ombres d’en Grey. Reconec que personatges o escriptores contemporànies, actuals, com Noemí Casquet, em produeixen aquesta típica rialla curiosa que desemboca en una sensació més propera a la vergonya. Recomanaria autores com Patricia Highsmith amb CarolGabriela Wiener amb Sexografías o Las edades de Lulú d’Almudena Grandes. També de la mateixa col·lecció d’Idil·lis recomanaria Delta de venus d’Anaïs Nin o La filosofia del tocador de Sade, aquest últim per a qui li agradi el sexe dur, lasciu, té un arsenal de contes eròtics bastant inquietants. Hi ha molt per elegir… Entre elles, una Marta R. Gustems que a Lluenta demostra ser una gran contacontes.

 

[Font: http://www.elnacional.cat]

El vocablo no equivale a “drogas”, pero sus contextos recurrentes nos hacen pensar en sustancias estupefacientes o adictivas

El ministro de Transportes y Movilidad Sostenible, Óscar Puente, en la sesión de control en el Senado, el 7 de mayo pasado.

Escrito por ÁLEX GRIJELMO

Las palabras denotan porque significan, y connotan porque se contaminan. La aparición constante de un vocablo en contextos estables impregna el término de un valor adicional que en nuestra percepción lo vincula con él. Se aprecia por ejemplo en el verbo “involucrar”, tan oído y leído en entornos delictivos; hasta tal punto, que un enunciado como “está involucrado en una venta de diamantes” despertará nuestras sospechas aun cuando pueda referirse al inocente negocio de un joyero que paga puntualmente sus impuestos.

Este proceso lo vivió igualmente el vocablo “montaje”, al que en el siglo XX empezamos a dar un significado prioritario de “engaño”, quizás porque aún no habían llegado a ocupar esa palabra los muebles de Ikea.

Otro tanto ha venido sucediendo con el término “sustancias”. Lo pronunció el viernes día 3 el ministro Óscar Puente, durante una charla con estudiantes en Salamanca en la que les hablaba sobre el presidente de Argentina: “Yo he visto a Milei en una tele. (…) ¿Os acordáis?… Cuando salió, no sé en qué estado y previa la ingesta o después de la ingesta de qué sustancias… Y dije: es imposible que gane las elecciones, hoy cavó su fosa. Pues no”.

Puente expresa literalmente una duda: “No sé en qué estado”, “[no sé] qué sustancias”. Pero, una vez más, lo que no se nombra sí existe, porque estamos entrenados para entender la insinuación, la presuposición, el sobrentendido, la elipsis y otros recursos de economía de la lengua.

El vocablo “sustancia” no equivale a “droga” o “alcohol”. Significa “materia caracterizada por un conjunto específico y estable de propiedades”. Sin embargo, sus contextos recurrentes nos hacen percibirlo con aquel sentido, porque se suele hablar de sustancias estupefacientes, sustancias adictivas o sustancias tóxicas.

Al cruzar las palabras “sustancia” y “montaje” me viene a la cabeza la manipulación que reflejó el diario El Mundo en septiembre de 2006 y que recupero ahora de la versión web publicada el día 21 de aquel mes. Ese diario intentaba relacionar a ETA con los atentados yihadistas de 2004, y contó en sus elementos de titulación lo siguiente: “Interior falsificó un informe que planteaba vínculos entre ETA y el 11-M antes de enviárselo a [el juez] Del Olmo”. “Una sustancia localizada en el domicilio de Hasan Haski se halló también en un piso de ETA en 2001″. Aquí la palabra “sustancia” se contagia con el adjetivo “explosiva”; que tantas veces la acompaña también. Por tanto, tal era la evocación que se conseguía con su presencia en un contexto de terrorismo.

Un primer informe policial recogió entonces que en el piso de unos yihadistas se había hallado ácido bórico, igual que en un piso de ETA. Las autoridades del ministerio eliminaron esa parte, pues el ácido bórico nunca se había usado para fabricar o enmascarar una bomba, sino para matar cucarachas. Hallar ácido bórico en ambos pisos tenía el mismo valor que haber encontrado sendos tarros de Nocilla. Que, por cierto, también es una sustancia.

Puente regresó ahora a este vocablo, con otro contexto estable y por tanto con otro sentido. Y todo el mundo lo descodificó igual, como sucede cuando alguien nos pregunta tras leernos una torpeza: “¿Pero qué has bebido?”. Seguro que nadie piensa en un granizado de sandía.

En los casos polémicos, el autor suele refugiarse en la literalidad de lo dicho. El ministro no lo hizo, pero de poco habría servido. Los hablantes aplicamos siempre los mecanismos naturales de la comprensión y entendimos que había insultado a un jefe de Estado con una palabra que no decía lo que decía pero sirvió para decirlo.

[Foto: JESUS HELLIN (EUROPA PRESS / GETTY IMAGES) – fuente: http://www.elpais.com]
En « La invención de la soledad », su primera novela, Paul Auster (1947-2024) colocó los cimientos iniciales del fascinante universo narrativo que desarrolló a lo largo de las cuatro décadas posteriores.

La imagen de un hombre sentado solo en una habitación […] Si se queda [en ella] durante largos espacios de tiempo, por lo general se las ingenia para llenarla con sus pensamientos y de ese modo espanta la melancolía, o al menos logra hacerla pasar inadvertida. Cada vez que sale, se lleva los pensamientos con él y durante su ausencia la habitación se vacía poco a poco de sus esfuerzos por habitarla.

En esta pugna por habitar el cuarto desnudo de la escritura —o, lo que es lo mismo, del recuerdo: “El acto de escribir como un acto de memoria”— se encuentra el germen de La invención de la soledad, suerte de sutura para las heridas del pasado que podría haber sido creada en una estancia como la del lienzo de Hopper de ubicarse esta en Nueva York, en el número 6 de la calle Varick. El hombre del chaleco y la camisa arremangada, entonces, no sería otro que Paul Auster, meditabundo ante el manuscrito —ante unos trazos de óleo que semejan un manuscrito— del que es uno de sus libros capitales, la obra con que debutó en el campo de la prosa aunque en 1982 también publicó su primera novela, Jugada de presión, parapetado tras el seudónimo de Paul Benjamin.

Fiel a la obsesión de su autor por los dobleces del mundo, La invención de la soledad es un díptico que gira en torno de la orfandad y el abandono, caras de la azarosa moneda austeriana. La primera parte, o mejor, el primer libro discurre entre la indagación autobiográfica, la novela policiaca y la Familienroman acuñada por Sigmund Freud: “Retrato de un hombre invisible”, o el ajuste de cuentas con una figura paterna que amenaza con desvanecerse de la misteriosa fotografía a la que alude el título. El único fijador posible, lo asume Auster al igual que lo hará en Leviatán (1992) —se trata de una desaforada carrera contra el tiempo—, es la escritura, y por ello se vuelve urgente esta exhumación:

Cuando un hombre muere sin causa aparente, cuando un hombre muere simplemente porque es un hombre, nos acerca tanto a la frontera invisible entre la vida y la muerte que no sabemos de qué lado nos encontramos. La vida se convierte en muerte, y es como si la muerte hubiera sido dueña de la vida durante toda su existencia.

Un domingo de enero de 1979, a las ocho de la mañana, timbra el teléfono en casa del novelista en ciernes; alguien le anuncia que su padre, que “había vivido solo durante quince años una vida tenaz y opaca, como si fuera inmune al mundo”, acaba de fallecer. Se echa a andar la maquinaria de la pérdida: trámites funerarios e inmobiliarios —la muerte trae implícita su propia burocracia—, el enfrentamiento con la parafernalia de una soledad esquiva que es necesario reconstruir. La ropa que ya nadie usará, los inútiles paquetes de preservativos, la rasuradora eléctrica que delata la última afeitada: piezas de un rompecabezas inconcluso que van cayendo en su lugar. Y de golpe es comprender, un día lluvioso en que se dona una pila de corbatas hopperianas a una institución de beneficencia, lo que significa que el cuerpo del padre —la muerte es una alteración sintáctica: una cosa es el cuerpo, otra el hombre— esté varios metros bajo tierra. De golpe es el álbum, “muy grande, encuadernado en piel fina [que] con letras doradas grabadas en la cubierta decía: ‘Los Auster. Esta es nuestra vida’ y estaba completamente vacío. Alguien, sin duda mi madre, había encargado el álbum, pero nadie se había tomado la molestia de llenarlo”. Y entonces hay que tomarse tal molestia y aceptar la metamorfosis: el hijo, el escritor siempre huérfano, como detective o linterna que alumbrará la turbia historia familiar. La investigación detonada por un par de fotografías: una truncada, tomada cuarenta años atrás en un estudio de Atlantic City, en la que el padre aparece multiplicado cinco veces como en una sesión espiritista “para invocarse a sí mismo, para traerse de vuelta del reino de los muertos”. La otra mutilada, un retrato de la familia paterna en el Wisconsin de principios del siglo XX del que alguien ha eliminado la figura del abuelo:

Solo quedaban sus dedos, como si intentara volver a la fotografía desde algún remoto agujero en el tiempo, como si hubiera sido desterrado a otra dimensión.

Poco después, gracias a una carta y unos recortes de periódico enviados desde la casualidad, llega la pieza que da sentido al acertijo del pasado. En enero de 1919, exactamente sesenta años antes de que un teléfono sonara como un funesto augurio, Harry, el abuelo paterno, fue asesinado por su esposa en la cocina de su casa ante los ojos atónitos de Sam, su hijo de nueve años, que a la vez se convertiría en el padre frío e invisible que la memoria —la escritura— de Auster reinventa en un esfuerzo por desentrañar el enigma de la paternidad y vencer el vacío del lenguaje: “Cuando ponga un pie en el silencio, significará que mi padre ha desaparecido para siempre.” Terrible certidumbre: la literatura como un manto que alcanzará a arropar en su cuna a Daniel, el primogénito que el novelista tuvo con la autora estadounidense Lydia Davis y que fallecería en abril de 2022 en circunstancias desdichadas, clausurando un macabro ciclo consanguíneo. En adelante quedará solamente una habitación cerrada —imagen nodal en el último libro de La trilogía de Nueva York (1985-1987)—, el proverbial vientre de la ballena donde el creador tendrá que renunciar a sí mismo para ser objeto de su propia creación. Por ello, Jonás incidental, admitirá estar representado por una A. kafkiana.

“Pinocho está rodeado por la oscuridad de la soledad. Y es en esta oscuridad donde tiene lugar el acto creativo.” De la desolación más sombría, en efecto, surge “El libro de la memoria”, segundo piso de esta casa basada quizá inconscientemente en los planos de un delirio escheriano, mapa íntimo en el que convergen diversas latitudes: el distanciamiento narrativo del profeta que se embarca hacia la catástrofe para huir de la palabra divina, la fragmentariedad mística de Edmond Jabès —a cuyo Libro de las preguntas Auster dedica uno de los admirables ensayos de El arte del hambre (1992)—, los Pensées de Blaise Pascal, la nada moderna de Stéphane Mallarmé, la reclusión de Friedrich Hölderlin y Walter Raleigh en torres paralelas, el laberinto de historias tejido por Sherezada para Las mil y una noches. Émulo del muñeco de madera ideado por Carlo Collodi —émulo a su vez de la figura jonasiana—, A., el narrador, zarpa rumbo a las entrañas de la bestia que aguarda al fondo de la escritura en pos de su Gepetto personal, “pues la obra de la memoria solo puede comenzar en la penumbra de la soledad”. A., entonces, viaja; desde su aislamiento en el número 6 de la calle Varick, en esa tiniebla ventral en la que se refugia luego del colapso de su matrimonio, viaja: una odisea accidentada por los meandros de la creación literaria, una épica del pensamiento no exenta de naufragios, ese símbolo recurrente. A. recuerda —es decir, se olvida de sí mismo; es decir, escribe— y su habitación hopperiana empieza a ser habitada: los partidos de beisbol vistos, oídos y jugados durante la niñez; el Holocausto como síntesis de la debacle contemporánea, patente en la relectura del Diario de Ana Frank y en el testimonio de un ingeniero voluntario en la guerra de Camboya; el hallazgo del oscuro poema de mil setecientos versos titulado “Casandra”, escrito por el griego Licofrón en el año 300 a. C. y traducido al inglés en 1806 por lord Royston, que naufraga mucho antes de cumplir los treinta cerca de las costas de Rusia; la agonía del abuelo materno, mago incipiente cuyo consuelo sería escuchar de boca de su nieto los resultados beisbolísticos publicados día con día en The New York Post; la trágica muerte en 1879 de Anatole, el único hijo de Mallarmé, y los subsecuentes textos in memoriam en los que se descubre el alma de la paternidad; la indagación de la naturaleza del azar, efectuada a través de episodios que remiten a El cuaderno rojo (1993); el autoexilio en París, donde A. entra en contacto con S., un personaje singular que se convertirá no solo en su mejor amigo sino también en el perfecto sucedáneo paterno; el vagabundeo por los museos de Amsterdam y las epifanías con las mujeres de Johannes Vermeer:

Solas en sus habitaciones, con la luz brillante [de la realidad] entrando a raudales por una ventana abierta o cerrada, y la absoluta inmovilidad de aquellas soledades, una evocación casi desgarradora de la vida cotidiana y de sus inconstancias domésticas.

A. continúa hojeando “El libro de la memoria” y cae en cuenta de que sus capítulos podrían carecer de punto final. Prisionero entre cuatro paredes, sabiéndose víctima de la orfandad que conlleva todo acto de escritura, hunde la pluma en las sombras del tintero y escribe que escribe. Quizá, mientras busca el olvido en el resplandor de la página, recuerda a sus gemelos Emily Dickinson y Vincent van Gogh, extraviados en sus estancias interiores. Piensa:

El mundo acaba ante esta puerta-barricada, pues la habitación no es una representación de la soledad sino su misma sustancia.

De vez en vez, movido por la sangre solar que restaña en su mesa de trabajo, se arremanga la camisa o se afloja el chaleco y voltea hacia la ventana que recorta un pedazo de eternidad neoyorquina. Al otro lado del cuadro que aún vibra con las pinceladas de Edward Hopper, el espectador atento se transforma en lector que no cesa de maravillarse con la alquimia que vuelve tan luminoso el confinamiento en el vientre de la ballena. ~

[Foto: David Shankbone, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons – fuente: http://www.letraslibres.com]

Jorge Luis Borges (1899-1986)

Escrito por JUAN L. BLANCO VALDÉS

Como de Jorge Luis Borges poden dicirse tal cantidade de cousas, eu vou limitarme a sinalar que 1) a posteridade rexistrará a inxustiza dun Nobel non concedido; 2) é un prolífico autor de pensamentos e sentenzas célebres; 3) escribiu Emma Zunz, A escritura do deus, O xardín de sendeiros que se bifurcan e A biblioteca de babel, e a min me chega. Ao respecto da perversa relación entre cantidade e calidade, por certo, quero compartir unha idea con vostede: eu creo que Saramago e CJC merecerían o Nobel só por Ensaio sobre a cegueira e a A familia de Pascual Duarte, pois existe na literatura unha sublime calidade concentrada en obras mestras fronte a unha cantidade máis ou menos indiscriminada de obras desiguais.

De entre o seu rico inventario, os editores debemos a Borges un pensamento que, unha vez coñecín, fixen meu: publico para deixar de corrixir Pero hai aquí unha sensible diferenza: o xenio arxentino refírese obviamente á autocorreccion, é dicir, a ilimitada vontade do creador (poeta, novelista…), que pode chegar ao nivel dunha obsesión patolóxica, de revisar ad infinitum o que escribe pois, como Jagger, xamais atopa satisfacción. Nos tempos dos manuscritos e, logo, dos mecanoscritos, a corrección sine die debía ser unha angueira para os escritores que, de tal xeito deixaron para a posteridade auténticos monumentos da ansiedade creativa en forma de borradores indescifrables ateigados de riscadas, palabras sobrescritas, esborranchos, marxes atacadas de notas en vermello, etc. que, de certo, eran o pesadelo dos caixistas de imprenta.

O invento da linguaxe descritora de páxina postscript en 1982 foi o xermolo da autoedición (é dicir os procesadores de texto), un diabólico invento que puxo a composición tipográfica dos libros (que antes executaban pulcros profesionais coñecedores do seu oficio) en mans dos autores, que, como vostede e coma min, son bidixitígrados sobre o teclado do cacharro, resultando que, de cada dez pulsacións, cinco son erros. Pero, ah, a ilimitada capacidade de corrixir sen trauma algún é unha patente de corso para autores desalmados que, no eido da creación científica e académica, perpetran auténticos atropelos á ortografía, a gramática, a coherencia, a boa tipogafía e a corrección estilística. Pero para iso estamos os editores. Que oficio, amigo meu, que oficio!

[Fonte: http://www.lavozdegalicia.es]

« Mathilde aimait le cinéma, si passionnément que cela la faisait souffrir. Elle regardait les films sans presque respirer, le corps tout entier tendu vers les visages en Technicolor. Quand, au bout de deux heures, elle quittait le noir de la salle, l’agitation de la rue la heurtait. C’était la ville qui était fausse, incongrue, c’était le réel qui lui apparaissait comme une fiction triviale, comme un mensonge. Elle jouissait du bonheur d’avoir vécu ailleurs, d’avoir effleuré de sublimes passions et en même temps bouillonnait en elle une forme de rage, une amertume. Elle aurait voulu entrer dans l’écran, vivre des sentiments qui aient la même matière, la même densité. Elle aurait voulu qu’on lui reconnaisse sa dignité de personnage. »

« Le pays des autres », Tome 1, de Leïla Slimani

A l’escasença del centenari del poeta landés, an presentat L’enterrament a Sabres dins una edicion bilingüe asturian-occitan

Bernat Manciet traduch a l’asturian

Una òbra màger de las letras occitanas, L’enterrament a Sabres de Bernat Manciet, es publicada en lenga asturiana gràcias a la traduccion de Javier Martínez Concheso e las edicions Trabe. Lo libre se publiquèt en 2023 a l’ocasion del centenari de la naissença del grand poeta de las Lanas.

L’Enterrament a Sabres es un long poèma epic consagrat a la vila de las Lanas. La traduccion asturiana —integrala— se presenta acompanhada de l’original en gascon landés amb qualques nòtas explicativas. Lo resultat es un bèl libre de 556 paginas. La cobèrta reprodutz un tròç d’una pintura de l’artista marmandés Hervé Renoult, facha sus una carta topografica de las Lanas.

Lo libre es disponible en linha sul sit de las Edicions Trabe.

 

 


MANCIET, Bernat (Traduccion de MARTÍNEZ CONCHESO, Javier). L’entierruenSabres L’Enterrament aSabres. Ediciones Trabe, 2023. 556 paginas. 22,50 èuros.

 

Escrit per FRANCESC RIBERA, ‘TITOT’

Fa força anys que mantinc el català dins dels Països Catalans, no parlo altra llengua. No ho faig per bravejar, altra feina tinc, sinó per explicar un seguit d’idees al respecte. La primera és que mai m’ha comportat viure una situació violenta i que en comptadíssimes ocasions ha derivat cap a un principi de conflicte. He de dir que ho faig conscientment perquè la « lògica » diria que si jo parlo dues llengües i l’interlocutor només una, la conversa hauria de transcórrer en la llengua que coneixem els dos, però aquesta « lògica » no neix per atzar sinó que és filla d’una imposició: que el castellà (el francès al nord) és obligatori i el català optatiu. I aquesta imposició, com totes, té darrera una força coercitiva que la facilita. I aquesta força coercitiva és el resultat d’una ocupació militar fa 310 anys (372 al nord) i un seguit de règims que -amb més o menys violència- han impedit que valencians, menorquins, mallorquins, eivissencs, formenterers i catalans decidíssim si ens semblava bé que a casa nostra, el castellà (el francès al nord) fos obligatori i el català optatiu. I això encara és així encara que actualment no es forci l’hegemonia del castellà (el francès al nord) amb armes sinó amb « lògiques ». Així doncs, com no estic d’acord amb aquesta imposició, no faig cas de les « lògiques » que la sostenen. Però no venia a explicar això…·

Volia dir que, si, no ho faig com un exercici de resistència, sinó com una aposta de futur. La resistència és la fase anterior a la derrota definitiva, quan es recerca l’exculpació (« jo ja vaig fer el què vaig poder »). La meva actitud s’emmarca, com deia, en una aposta de futur. Parteixo de la base que la llengua, com tota eina, només té sentit (i futur) si és necessària. Com que dins d’Espanya i de França es procura i es legisla perquè no sigui necessària, he d’usar un recurs que tinc: que sigui necessària per parlar amb mi; si més no, per entendre’m. Si això ho faig jo i prou, no serveix de res. Si ho fan tres milions de persones, el català serà necessari de facto, faci el que facin els estats espanyol i francès. Jo no puc fer que ho facin tres milions de persones, però sí que puc fer-ho jo. I puc fer-ho sempre. Encara una altra (la darrera) cosa: fóra un error que se’m giraria en contra si pressuposés un sol perfil de l’interlocutor en castellà (francès al nord), encara que les deu darreres experiències em duguessin a construir un estereotip.

De gent que se m’adreça en castellà (o francès al nord) n’hi ha d’infinitats de tipus i tenen infinitat de motivacions per fer-ho. Des del supremacista espanyol (o francès) que creu que la meva llengua és un residu del passat que s’ha d’eliminar, fins aquella que desconeixia que aquí es parla català. La majoria, però no és ni l’una ni l’altra, sinó que se situen en un immens ventall entre un perfil i l’altre. Per això sempre que mantinc el català ho faig, no ho faig de manera agressiva com si em trobés davant del comte-duc d’Olivares ni amb la suficiència d’aquell que parla amb un enze. Ho faig amb una (forçada, ho reconec) normalitat. Com el polonès que a Varsòvia li parlen en castellà (o francès). Si em demanen que els parli en castellà (o francès al nord) els dic que no el parlo (no que no el sé, que no el parlo)… sense donar més explicacions (no crec que calgui) tot i que reconec que l’entenc (parlar-lo puc i vull evitar-ho; entendre’l, ni vull ni puc).

En qualsevol cas ho faig procuro sempre fer-ho amb una actitud d’invitació, per molt que les deu darreres experiències fossin amb deixebles del comte-duc d’Olivares I ho procuro fer amb actitud d’invitació perquè tot això no ho faig per quedar-me jo tranquil (resistència) sinó com acte militant i aposta de futur: per participar en la suma de tres milions de persones que, mantenint el català, el facin necessari als Països Catalans, que és l’única manera de salvaguardar la nostra llengua i la nostra cultura.

[Font: http://www.racocatala.cat]

Discurso da ativista judia em protesto de universitários estadunidenses contra o genocídio. A ideia de Terra Prometida, diz, metáfora da libertação humana, foi deturpada por Tel Aviv, sob paranoias e brutalidades. Mas “nestas ruas, somos o êxodo do sionismo”

Por Naomi Klein

Tenho pensado em Moisés e em sua ira quando desceu do monte e encontrou os israelenses adorando um bezerro de ouro. A ecofeminista em mim sempre se sentiu incomodada com esta história: que tipo de Deus tem ciúmes dos animais? Que tipo de Deus quer acumular toda a sacralidade da Terra para si mesmo?

Mas há uma forma menos literal de entender esta história. Trata-se dos falsos ídolos. É sobre a tendência humana de adorar o profano e reluzente, de olhar para o pequeno e material em vez do grande e transcendente.

O que eu lhes quero dizer esta noite, neste revolucionário e histórico Seder nas ruas, é que muitos de nossa gente estão adorando um falso ídolo mais uma vez. Eles estão extasiados com ele. Embriagados por ele. Profanados por ele.

Esse falso ídolo chama-se “sionismo”.

É um falso ídolo que pega nossas histórias bíblicas mais profundas de justiça e emancipação da escravidão – a própria história da Páscoa judaica – e as transforma em armas brutais de roubo colonial de terras, em roteiros para a limpeza étnica e o genocídio.

É um falso ídolo que se apoderou da ideia transcendente da terra prometida – uma metáfora da libertação humana que chegou a todos os cantos do mundo por meio de diversas religiões – e ousou transformá-la num contrato de compra e venda de um etnoestado militarista.

A própria versão de libertação do sionismo político é profana. Desde o início, exigiu a expulsão em massa dos palestinos de suas casas e terras ancestrais na Nakba.

Desde o início, tem estado em guerra com sonhos de libertação. Vale a pena lembrar que, num Seder, isso inclui os sonhos de libertação e autodeterminação do povo egípcio. Este falso ídolo do sionismo equipara a segurança israelense à ditadura egípcia e aos Estados- clientes.

Desde o início, produziu um tipo de liberdade feia que via as crianças palestinas não como seres humanos mas como ameaças demográficas – tal como o faraó do Livro do Êxodo, que temia a população crescente de israelenses e, por isso, ordenou a morte de seus filhos.

O sionismo trouxe-nos ao atual momento de cataclismo e é tempo de dizermos claramente: foi sempre ele que nos conduziu até aqui.

É um falso ídolo que conduziu muitos de nossa própria gente a um caminho profundamente imoral que os leva agora a justificar a destruição de mandamentos fundamentais: não matarás. Não roubarás. Não cobiçarás.

É um falso ídolo que equipara a liberdade judaica a bombas de fragmentação que matam e mutilam crianças palestinas.

O sionismo é um falso ídolo que traiu todos os valores judaicos, incluindo o valor que atribuímos ao questionamento – uma prática incorporada no Seder com suas quatro perguntas feitas pela criança mais nova. Incluindo o amor que temos, enquanto povo, pelo texto e pela educação.

Hoje, este falso ídolo justifica o bombardeio de todas as universidades de Gaza; a destruição de inúmeras escolas, arquivos, tipografias; o assassinato de centenas de acadêmicos, jornalistas, poetas – é isto a que os palestinos chamam escolasticídio, o assassinato dos meios de educação.

Enquanto isso, nesta cidade, as universidades chamam a polícia de Nova Iorque e fecham-se a si mesmas contra a grave ameaça que representam seus próprios estudantes que se atrevem a fazer-lhes perguntas básicas, tais como: como podem afirmar que acreditam em alguma coisa, muito menos em nós, enquanto permitem, investem e colaboram com este genocídio?

Há muito tempo que se permite que o falso ídolo do sionismo cresça sem controle. Por isso, esta noite dizemos: isto acaba aqui. Nosso judaísmo não pode ser contido por um etnoestado, pois o nosso judaísmo é internacionalista por natureza.

Nosso judaísmo não pode ser protegido pelas forças armadas em fúria desse Estado, pois tudo o que essas forças armadas fazem é semear a tristeza e colher o ódio – incluindo contra nós, judeus.

Nosso judaísmo não é ameaçado pelas pessoas que erguem suas vozes em solidariedade com a Palestina, ultrapassando as fronteiras de raça, etnia, capacidade física, identidade de gênero e geracionais.

Nosso judaísmo é uma dessas vozes e sabe que nesse coro repousa tanto nossa segurança como nossa libertação coletiva.

Nosso judaísmo é o judaísmo do Seder da Páscoa: a reunião cerimonial para partilhar a comida e o vinho com entes queridos e com estranhos, o ritual que é inerentemente portátil, suficientemente leve para ser carregado em nossas costas, não necessitando de nada a não ser uns dos outros: sem paredes, sem templo, sem rabino, um papel para cada um de nós, até mesmo – especialmente – da menor criança. O Seder é uma tecnologia da diáspora, se é que alguma vez existiu uma, feita para o luto coletivo, a contemplação, o questionamento, a recordação e o reavivar do espírito revolucionário.

Por isso, olhem ao redor. Este aqui é o nosso judaísmo. Quando as águas sobem e as florestas queimam e nada é certo, rezamos no altar da solidariedade e da ajuda mútua, custe o que custar.

Não precisamos nem queremos o falso ídolo do sionismo. Queremos ser livres do projeto que comete genocídio em nosso nome. Livres de uma ideologia que não tem qualquer plano para a paz, a não ser acordos com petroestados teocráticos assassinos na vizinhança, enquanto vende ao mundo tecnologias de assassinatos por robôs.

Nós procuramos libertar o judaísmo de um etnoestado que quer que os judeus tenham medo para sempre, que quer que nossos filhos tenham medo, que quer que acreditemos que o mundo está contra nós, para que, dessa forma, corramos para sua fortaleza e para debaixo de sua cúpula de ferro, ou ao menos para que as armas e os donativos continuem fluindo.

Esse é o falso ídolo. E não é apenas Benjamin Netanyahu, é o mundo que ele criou e que o criou – é o sionismo.

O que nós somos? Nós, nestas ruas por muitos meses, somos o êxodo. O êxodo do sionismo. E aos Chuck Schumers deste mundo, nós não dizemos: “Deixem nosso povo ir”. Nós dizemos: “Nós já fomos. E seus filhos? Eles estão conosco agora”.

Naomi Klein é jornalista. Autora, entre outros livros, de Não basta dizer não (Bertrand Brasil).

Tradução: Fernando Lima das Neves.

[Publicado originalmente no jornal The Guardian  – reproduzido em http://www.aterraeredonda.com.b]

Su obra ‘La piel más temida’ ha sido acusada de “humanizar a terroristas” de Sendero Luminoso, reavivando el inacabable debate público sobre la memoria que polariza al país y poniéndolo a él en la diana de los extremistas

Joel Calero en Lima (Perú)

Escrito por RENZO GÓMEZ VEGA

Hace unos días conceptos como “conflicto armado interno” y “terrorismo” fueron tendencia en Perú, en la red social X, a raíz del estreno de una película y la acusación de un conductor de televisión. “Trata de romantizar y humanizar a terroristas”, fueron los reproches hacia La piel más temida, un drama sobre una jovencita que regresa a su país después de haber vivido veinte años en Suecia para vender una casona colonial de la familia en el Cusco. Pero descubre que su padre, de quien no guarda el más mínimo recuerdo, purga condena por terrorismo tras haber ordenado una masacre de 73 campesinos.

Joel Calero, el director, sostuvo un debate con Francisco de Piérola, el conductor del programa Mundos paralelos. Debate que se enfrascó en por qué no se había pronunciado la palabra terrorista explícitamente en los 121 minutos del filme y que fue interrumpido abruptamente a los catorce minutos. Sea por simple curiosidad, genuino interés o ánimo de reivindicar la película, el público se volcó hacia las salas en lugar de alejarse. Esta mañana Joel Calero (Huancayo, 1968) está en su oficina —un espacio donde alternan afiches de In the mood for love de Wong Kar Wai y retablos andinos—, en San Isidro, revisando las capturas de pantalla de las distintas salas de cine. Lucen abarrotadas, lo cual sorprende para no ser fin de semana.

Por estos días, desde el Congreso, una parlamentaria envió un oficio al Ministerio de Cultura, solicitando información acerca de las películas que son financiadas por el Estado y que estarían “relativizando las acciones y delitos de grupos terroristas”. En esa misma línea, este lunes otro legislador ha pedido la creación de una comisión para investigar los procesos de asignación de los estímulos económicos otorgados a proyectos cinematográficos y audiovisuales entre el 2011 y el 2023. El gatillador: que La piel más temida haya ganado en un concurso nacional, organizado por el Ministerio de Cultura, 570 mil soles (154.000 dólares) en el 2017 y luego otros cien mil soles (27.000 dólares) para la distribución en el 2023.

Pregunta. ¿Reflexionar y tratar de entender un fenómeno como lo fue el terrorismo es justificarlo?

Respuesta. Cómo va a serlo. Abordarlo no es justificarlo porque si no alguien pensaría que abordar el tema del nazismo en Zona de interés es una defensa a los nazis. Nada más absurdo. Esta es la segunda película de una trilogía fílmica sobre la memoria que empecé con La última tarde (2016). Lo particular es que aborda en el presente los ecos del pasado. La primera trata sobre el reencuentro de una pareja de terroristas que ajustan sus pendientes y devenires ideológicos varias décadas después. Esta segunda es acaso la menos política. Es un viaje a la identidad, es el descubrimiento del origen campesino y humilde de una mujer que ha vivido en el extranjero toda su vida. El encuentro con los ancestros en un país que los niega y bromea sobre la piel cobriza llamándola color cartón o color puerta.

P. Una gran parte de la población se pregunta, con indignación, por qué se siguen escribiendo libros y filmándose películas sobre lo que sucedió en el Perú en los años ochentas y noventas. ¿Por qué es necesario?

R. Por la misma razón que casi 70 años después de haber concluido el Holocausto se estrenan películas como El hijo de Saúl. Dicho de otra manera: porque los hechos traumáticos de un país necesitan ser abordados una y otra vez para poder curar esas heridas, reflexionar sobre ellas y visualizar cómo están presentes. El director de Zona de interés (Jonathan Glazer) al recibir el Oscar no reflexionó acaso sobre la paradoja de mostrar a los judíos como víctimas, cuando ahora ellos están comportándose de la misma manera con los palestinos. A todo esto mi película ni siquiera va sobre ese tema, es más bien colateral.

P. ¿Qué le parece lo más grave en esta discusión?

R. Me parece haber demostrado plenamente que no existe ninguna romantización sobre el terrorismo en la película. Pero resulta inadmisible pretender negar el terrorismo de Estado y llamarle “defensa nacional”. Esa es una falta de respeto a las víctimas. A estas alturas es un negacionismo que nos hace daño. ¿Cómo podemos pretender una reconciliación si no reconocemos que el Estado se equivocó? Es inconcebible.

P. Dígame, ¿denunciar a los malos elementos de una institución, en este caso las Fuerzas Armadas, es ser un anti?

R. No, al contrario. Es como cuando a un cuerpo le extraes un órgano putrefacto. ¿Quién podría pensar que el Ejército que se fajó por el país, que combatió el terrorismo era todo malo? Por Dios. De ninguna manera. Vaya que tienen héroes. Pero también es cierto que hay que señalar a los militares y policías que tuvieron un mal proceder como el exteniente Telmo Hurtado, que en los ochentas asesinó niños. Es justamente revalorar y no meter en el mismo saco a esos buenos elementos.

P. Hay quienes consideran que utilizar el término conflicto armado interno es una tibieza, una forma de no llamar a las cosas por su nombre.

R. Qué extraña demanda de nominalización de terrorismo cuando el expresidente Alan García los llamaba subversivos. ¿Nos vamos a quedar en el rótulo o vamos a hacer un intento por profundizar? Ese es el fondo del asunto.

P. Se le acusa de no incluir la palabra terrorista en su película. ¿Es la literalidad uno de los males de nuestro tiempo?

R. La literalidad y la falta de inteligencia. Si el padre de la protagonista ordenó matar con machete a 73 campesinos y destazarlos como vacas, aludiendo a la masacre de Lucanamarca, ¿habrá necesidad de decir que es un terrorista para complacerlos? ¿En algún momento en la saga de El Padrino a Vito Corleone se le dice capo de la mafia? A quién le cabe duda que lo es, pero nunca se lo dicen. Es una pretensión desmedida e inconsistente. ¿Acaso decir conflicto armado interno es negar el terrorismo? El terrorismo es una forma de violencia que existió durante el conflicto armado interno.

P. También se le criticó por humanizarlos. En general, ¿por qué cuesta comprender que los personajes de una ficción son complejos y que hasta los más sanguinarios tienen otras capas?

R. Creo que sí. Cada vez se entiende menos lo que es una ficción. Y se entiende menos en aquellos que ni siquiera han visto la película. Es una historia tierna entre una nieta y su abuela, una abuela campesina que un inicio la trata con distancia y no acepta abrazos. El problema son todos esos sectores que imponen un juicio a priori.

P. A propósito de la abuela Dominga. En algún momento de la película dice: “¿Acaso no eran seres humanos? Los humanos también se equivocan”.

R. Es una frase tan clara. Eran seres humanos, perversos, pero eran seres humanos. ¿O acaso eran unicornios? La abuela dice una perogrullada. Desde su perspectiva cómo no va a ser una equivocación. Ella nunca estuvo de acuerdo con los pasos que siguió su hijo.

P. En otro pasaje, el tío de la protagonista dice: “Cómo no va a surgir Sendero”. ¿Otra parte que se evita en esta discusión es no entender el contexto de cómo nacieron los grupos terroristas?

R. Todas estas insurgencias que aparecen en América Latina parten de un contexto de asimetría social, de injusticia, de un aprovechamiento desmedido de ciertos sectores. Ante ello un grupo quiere obtener justicia, pero no por las vías legales sino por las armadas. El documental La revolución y la tierra no exhibió acaso cómo los hacendados trataban como siervos a su gente. Y no estamos hablando del Medioevo, sino del Perú de hace 50 años. ¿Estos hechos no son entonces un caldo de cultivo para que aparecieran movimientos al calor de las ideologías de aquella época? Fue una explosión de insatisfacción que capitalizó Abimael Guzmán, líder de Sendero Luminoso. Guzmán no era un tipo particularmente brillante, pero se dirigía a gente devastada económica y socialmente.

P. Usted nació en el 68. Eso quiere decir que en los años más álgidos del terrorismo pasó de la pubertad a la juventud. ¿De qué manera le tocó a usted y su familia?

R. Yo soy huancaíno, pero en el 83 me vine a Lima a estudiar Ingeniería Industrial, hice media carrera y luego me pasé a Literatura. Muy pronto me hice cinéfilo. Pero fue cuando volví a Huancayo que conversé con amigos entrañables que me contaron cómo en sus universidades vivían amenazados por los comandos terroristas y los ingresos de El Ejército. Mi vivencia fue más bien tamizada. Se remitía a los apagones. No viví el horror. Acaso por eso lo quiero contar.

P. ¿Por qué no ha podido extirparse el cuco del terruqueo?

R. Porque es una estrategia política. Llamar terruco a alguien es ponerle un sambenito y como es terruco lo puedes matar. Es una manera de denigrar, de manipular. Basta que un joven proteste para que lo llamen terruco y al hacerlo le están dando el estigma mayor de este país. Así se deslegitima la capacidad de protestar y discernir. Es una estrategia para no visibilizar la diferencia, para mantener un status quo injusto, podrido. Por eso existe el terruqueo.

 

 

[Foto: CAROLINA UGARTE NORIEGA – fuente: http://www.elpais.com]