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« – Kill me, Myriam. 
– I can’t.
– Release me. Please.
– There’s no release, my darling. No rest ».

John, viejo y atormentado, suplicando a Myriam, su creadora (The Hunger)

Escrito por Arantxa Acosta

En estos últimos años en los que el mito vampírico está tan de moda, aportando al género genialidades como la original Déjame entrar (Tomas Alfredson, 2008) o la bazofia rompe mitos -lo siento, pero lo de que os vampiros brillen como diamantes a la luz del Sol me mata- de Crepúsculo (Catherine Hardwicke, 2008), no me ha sido difícil escoger El ansia (Tony Scott, 1983), como uno de mis primeros reencuentros para El Espectador ImaginarioEl ansiaPor la fascinante perspectiva que aporta al mito. Por las brillantes actuaciones. Por la elegancia de la puesta en escena y una fotografía y montaje que aún ahora sorprenden. Por todo… hay que redescubrir este film y emplazarlo donde se merece: película de culto donde las haya.

Fondo negro, letras blancas: Metro Goldwyn Mayer presenta. Cinco segundos más en negro, y la estremecedora música de Bauhaus (‘Bela Lugosi’s Dead’) inunda la sala, y nuestros oídos, mientras aparece el cantante tras unas rejas, iluminado parcialmente.  A partir de aquí, las pocas e inquietantes imágenes se ven entrecortadas por los créditos… hasta que arremete hacia nosotros el título: El ansia. Suenan los primeros acordes del bajo y las imágenes ya son continuas, pero se van congelando a medida que se avanza en la presentación: conocemos a Myriam y John, buscando plan en la discoteca. Y cuando menos te lo esperas: la imagen de una carretera al anochecer y cambio radical de música. Volvemos al cantante y su ‘Bela Lugosi’s Dead’. Volvemos al coche en la carretera. Cantante. Carretera. Cantante. Myriam fumando y sonando otra música -más inquietante aún- dentro del coche. Cantante. John conduce. Cantante. Ocupantes del coche. Cantante. Corte. Los cuatro llegan a la casa, fuman, se divierten. Cantante otra vez. Se separan dos y dos y empiezan a juguetear. Un mono en una jaula chillando. Cantante. Las parejas. El mono. Un colgante egipcio. Cantante. Parejas. El colgante se convierte en cuchillo. El mono ataca a su compañera de celda. Nuestros protagonistas atacan a sus acompañantes. Una pica donde lavar los cuchillos. Sangre… Y, después, la calma. Los enamorados bañándose al son de Schubert. ‘Forever, and ever’, se dicen. Estos, señoras y señores, son los mejores seis minutos de montaje para la introducción de la trama de un film que se han visto en muchos años: conocemos a los dos principales protagonistas y su condición de chupasangres, y ya se nos introduce el entorno de la tercera protagonista, el laboratorio, cuyo experimento estará muy relacionado con el avance de las vidas de los vampiros. Es, sencillamente, de quitarse el sombrero.

El ansia, fotogramaPoco a poco iremos conociendo más a los personajes, adentrándonos en una perspectiva del mito muy inusual. Y es que, a diferencia de muchas otras, no potencia la condición del vampiro -que si no pueden salir a la luz, que si odian los ajos, su fortaleza y superioridad ante los humanos o la violencia que supone su forma de mantenerse con vida, llenando escena, sí, escena, también de sangre. No. El interés de El ansia es muy diferente: en ella se explora la terrible maldición que supone el ser inmortal. La soledad, o más bien, la angustia de necesitar de alguien a tu lado para superar tu propia vida y no caer en la desesperación se aplica a nuestro trío de vampiros… igual que podría aplicarse a cualquiera de nosotros.

Myriam es un vampiro original, por lo que se nos da a entender (con una corta escena que no supera los diez segundos) incluso más vieja que el Antiguo Egipto. Desde entonces, ha vivido siempre acompañada de vampiros trasformados por ella, a los que le prometía que estarían juntos ‘forever, and ever’, por siempre jamás. Y, en esto, no les engañaba. Pero lo que no les decía es que su juventud, no su inmortalidad, tiene fecha de caducidad. Y esta es una de las líneas argumentales principales del film: John (David Bowie en uno de los mejores papeles de su carrera, sin duda) empieza a notar que no duerme bien. Enseguida se da cuenta de que le aparecen pequeñas « patas de gallo » en los ojos… y es consciente de lo que le pasa. « ¿Cuánto dura el proceso? », pregunta temeroso a Myriam. « Una semana », le contesta ella, apenada. Pero cuando él le pide un beso, ella no es capaz de devolvérselo: ya no le quiere, por mucho que lo intente. Ya tiene otra en quien pensar.

El ansia, películaPoco antes habían visto la entrevista a una doctora (una Susan Sarandon rebosante de erotismo) que estudia la relación entre longevidad y sueño, utilizando a monos. Myriam se ha fijado en ella, le ha gustado. La verdad es que en el film no queda claro si los amantes de la vampiresa inician su proceso de envejecimiento cuando ella se interesa en otro/a compañera (la novela homónima de Whitley Strieber en la que está basada la película es más clara), pero, en cualquier caso, el proceso es irreversible. John va en busca de la doctora para ver si puede ayudarle… pero la doctora le evita, pensando que es un loco. Este es el punto que pondrá en contacto a Myriam con la Dra. Sarah, su nueva compañera… hasta que todo se le vuelva en su contra.

Como decíamos, la visión vampírica aquí es muy distinta: narrada de una forma muy lenta, nos invade esa sensación de pausada y tranquilizadora inmortalidad hasta que ocurren hechos que desestabilizan esta parsimonia, dando paso así a rápidas imágenes, montadas en paralelo para seguir varias de las historias que se están dando en el mismo momento, y que tienen algún nexo en común. Vemos breves imágenes de otras vidas, de otros compañeros que ha tenido Myriam. De cómo una situación le recuerda a algún momento de esa felicidad ya pasada con otro. Nos damos cuenta de que ella es consciente de lo que les ocurrirá a sus amantes, pero es tan egoísta que no es capaz de dejar libres a los humanos y seguir sola en este mundo… no, prefiere tener compañeros e ir « acumulando » ataúdes llenos de apesadumbrados inmortales en la buhardilla de su casa.

The hungerLa puesta en escena es otro de los aciertos del director: el inicio, en la discoteca, personalmente me evoca al ambiente creado en Blade Runner (1982) por su hermano, Ridley Scott. Después, la mansión de Myriam y John, con una mezcla de estilos tan sorprendente que ayuda a hacerse a la idea de que todo es original, herencia de « sus yo » pasados. Para rematar, el vestuario es tremendamente acertado: Myriam (que a estas alturas ya tendría que decir que está interpretada por Catherine Deneuve, que a sus cuarenta años, en el momento de interpretar a la vampiresa, le supo otorgar juventud, pero también la mirada de alguien que no es tan estúpido como un adolescente) lleva modelos inspirados más bien en los años cuarenta y cincuenta, pero con toques de la modernidad de los ochenta (esas tremendas hombreras), que le otorgan elegancia con sabor a moda desfasada pero intrigante… lo que ella es, vamos. Y Sarah, con traje y chaqueta brillantes, llevados con imposibles tacones de zapatos rojos charol… no extraña que la vampiresa se fije en ella. Y, si a puesta en escena, interpretaciones y estupendo montaje le sumamos una música que le va como anillo al dedo (el ‘Trio in E-flat, Op. 100’ de Schubert -pieza clave también en el Barry Lyndon de Stanley Kubrick de 1975- que abre y cierra el film, primero nos muestra el amor entre los vampiros, luego nos hace conscientes de que la historia va a repetirse, pero con distintos protagonistas; el pasaje de las dos mujeres cantando en ‘Lakme’, ópera de Léo Delibes y que utiliza Myriam para seducir a Sarah; la ‘Suite nº 1’ de Bach con la que se enlazan presente y pasado para entender cómo conoció a John; la ya comentada ‘Bela Lugosi’s dead’ de Bauhaus que pone los pelos de punta al inicio y, cómo no, los temas instrumentales compuestos por Michel Rubini y Denny Jaeger, desconcertantes y terroríficas piezas que incluyen tanto sintetizadores como instrumentos de viento para los momentos más intranquilos del film)… ya tenemos un film redondo.

Por favor, alejémonos de desvaríos del mito y centrémonos en lo que un inspirado Tony Scott (cuyo fracaso con este film, sobre todo debido a la mala crítica,  le llevó a centrarse en films de acción –Top Gun fue su siguiente film en 1985… saliendo muy bien parado aunque lamentablemente siempre estará bajo la estela de su hermano mayor) quiso aportar al cine del género. Su El ansia, por estar tan exquisitamente bien narrada y por explorar el  lado menos conocido de los vampiros, la soledad del inmortal,  es de consumo obligatorio tanto para locos del género como para amantes del buen cine. Por cierto, se rumorea (así se anuncia en IMDB) que Tony Scott quiere volver con El ansia 2 en 2012. Esperemos que no destroce lo conseguido con el original.

Trailer:

Ficha técnica:

El ansia (The Hunger),

EEUU, 1983
Dirección: Tony Scott
Producción:  Richard Sheperd
Guion:  James Costigan, Ivan Davis (basado en la novela de Whitley Strieber)
Fotografía: Stephen Goldblatt, Tom Mangravite
Montaje: Miriam Power
Música: Michael Rubini, Denny Jaeger
Interpretación: Catherine Deneuve, David Bowie, Susan Sarandon

 

 

[Fuente: http://www.elespectadorimaginario.com]

La numérisation a déjà prouvé à maintes reprises ses qualités. La bibliothèque Menéndez Pelayo, à Santander (Espagne), vient d’en faire l’expérience. Durant son processus de catalogage, le personnel a fait la découverte d’un incunable, écrit en latin. « Unique et inconnu », se réjouissent les spécialistes. Intitulé Expositio passionis domini secundum matheum : excerta ex Nicolao (Exposition des passions du Seigneur selon Matthieu : extraits de Nicolas), il serait l’œuvre de Francisco de los Santos. 

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Publié par Marion Clousier

Faire du ménage a du bon. C’est en dépoussiérant ses archives que la Bibliothèque Menéndez Pelayo (BMP) a retrouvé un manuscrit d’une rareté unique. Cette bibliothèque, la plus importante bibliothèque patrimoniale de collections historiques en Cantabrie, a pour objectif principal de mettre ses fonds à la disposition des chercheurs et universitaires.

Numérisation : un travail de catalogage

Pour Javier Ceruti, conseiller à la Culture de la ville de Santander : « C’est un spécimen unique, inconnu jusqu’à présent » apparu « un peu par hasard » durant le catalogage informatisé de la collection de la bibliothèque. Ce dernier a débuté il y a quelques années pour le Catalogue Collectif du Patrimoine Bibliographique (CCPB) — base de données du ministère de la Culture. Celui-ci regroupe la description et la localisation d’œuvres dans les institutions espagnoles, qu’elles soient publiques ou privées, qui font partie du patrimoine bibliographique espagnol.

Différents experts ont été sollicités pour étudier cet incunable – livre imprimé en Occident avant 1500 – et ont établi une origine et une datation. Il serait de Francisco de los Santos, un religieux, musicien, écrivain et historien espagnol, membre de l’Ordre de Saint-Jérôme. Selon les recherches menées, le document remonterait entre 1495 et 1497. Il a été retrouvé dans un coffret avec d’autres documents non reliés, produits postérieurement. Ce n’est pas le premier incunable dont dispose la bibliothèque, qui en recense, au total, 21.

Son existence était jusqu’alors passée inaperçue car il n’était alors pas référencé. En effet, il existe aujourd’hui un contrôle de la production mondiale d’incunables. Pour ce faire, tous sont identifiés, numérotés et référencés dans différents répertoires d’imprimeries. Ils sont aussi regroupés dans des bases de données internationales telles que ISTC Incunabula Short Title Catalogue de la Bibliothèque d’Angleterre ou GW GesamtKatalog der Wiegendrucke de la Bibliothèque d’État de Berlin.

Comprendre cette découverte

Pour Paz Delgado, responsable de la bibliothèque, « c’est le seul spécimen connu au monde, et c’est une découverte d’un énorme intérêt dans le domaine de la recherche ». Elle insiste par ailleurs sur les éléments techniques de cette découverte, ainsi que sa valeur et le contexte historique de sa création.

Écrit en latin, le manuscrit se compose de 23 feuilles imprimées en 3 fascicules. Sans doute pour protéger l’exemplaire jusqu’à sa reliure, la première page est manquante. D’après les experts, cet exemplaire comporterait des commentaires de l’Évangile selon saint Matthieu.

Plusieurs éléments ont suscité d’emblée l’intérêt des spécialistes : il ne disposait pas de couverture, des trous blancs remplacent les majuscules initiales — les “imprimantes” d’antan les laissaient vides volontairement pour les écrire plus tard à la main —, un texte très compact, ainsi que l’utilisation de multiples abréviations pour maximiser l’utilisation du papier, des marges très larges, et enfin une écriture gothique.

Un “auteur franciscain, ségovien”

Concernant son auteur, plusieurs ressources ont été sollicitées auprès de la Bibliotheca Hispana Nova de Nicolas Antonio (1783-1784). Ce dernier dit de Francisco de los Santos, qu’il est un « auteur ségovien, franciscain ». Dans l’ouvrage historique de Pedro Chacon, Historia de la Universidad de Salamanca (1562), l’auteur apparaît comme un « répétiteur de la grammaire jusqu’en 1477 ». De plus, en comparant les similitudes typographiques, l’œuvre appartiendrait à la « Seconde police gothique de l’atelier de Lope Sanz et Hutz », imprimerie active  à Salamanque vers 1495-1497.

Deux autres œuvres de cet auteur sont déjà cataloguées dans le CCPD. Elles sont rassemblées dans différents répertoires. On trouve donc :  Dicteria ex doctorum libris collecta (imprimé en 1497 par Typografia Nebrissensis Gramatica), dont un exemplaire se trouve à la Bibliothèque Colombina de Séville et Canonis misse interpretatio ex theologis auctoribus (imprimé en 1495 par Manuel de Madrigal). Il existe en deux exemplaires, dont l’un est conservé à la Bibliothèque nationale et l’autre à la Bibliothèque publique de Soria.

Une expertise universitaire

La directrice de la BMP a d’abord remercié l’aide financière fournie par le gouvernement de Cantabrie et par la Mairie de Santander.

Elle a aussi souligné la qualité de l’expertise déployée : « Nous devons remercier les conseils et l’infinie patience du personnel du Catalogue collectif du patrimoine bibliographique, en particulier Marta Sáenz Báscones, responsable du domaine du catalogage des livres anciens, qui nous a mis en contact avec le meilleur spécialiste de l’impression d’incunables à Salamanque. » Ainsi que celle du Dr. María Eugenia López Varea, professeur à l’Université pontificale de Comillas à Madrid, thésarde sur l’impression des incunables à Castille et à León, qui s’est chargée de l’attribuer à un atelier d’imprimerie.

Finalement, cette oeuvre sera incluse dans le Répertoire bibliographique des incunables espagnols, mis au point par un groupe de chercheurs, sous la direction de Fermín de los Reyes de l’Université de Complutense, selon la directrice.

Tour du monde des incunables

Selon les spécialistes, il existerait aujourd’hui entre 30.000 et 32.000 incunables dispersés à travers le monde. D’après les chiffres de l’Incunabula Short Title Catalog (ISTC), 35% d’entre eux sont regroupés en Italie, 34% en Allemagne, 18% en France — la Bibliothèque nationale de France en possède le troisième plus grand fonds —, 8% aux Pays-Bas, 3% en Espagne, 1% en Grande-Bretagne et 1% dans les autres pays européens.

[Source : Santander CiudadEl ConfidencialISTC – photo : Boudewijn Huysmans — Unsplash – reproduit sur : http://www.actualitte.com]

Cigognes blanches à Emek HaMa’ayanot au nord-est d’Israël

Quelque 500 000 cigognes sont attendues en Israël où elles feront halte lors de leur migration de l’Europe vers l’Afrique. Des centaines de cigognes ont déjà été observées dans des réserves naturelles à l’est du pays. Après une courte halte, les cigognes s’envolent vers l’Afrique en profitant des vents chauds.

Le docteur Yoav Perlman, directeur scientifique du département d’ornithologie de la société de protection de l’environnement, a signalé que les cigognes mesuraient environ un mètre, avaient une envergure pouvant atteindre 1,80 mètre et pesaient jusqu’à 4,5 kilogrammes. La variété la plus courante observée en Israël est la cigogne blanche et noire. Seul un petit nombre de cigognes reste en Israël pendant l’hiver, la plupart faisant leur nid dans le Golan.

[Photo : Society for the Protection of Nature – source : http://www.israelentreleslignes.com]

Se ha encontrado un incunable, desconocido hasta el momento, en el interior de una caja con material sin catalogar, en la Biblioteca de Menéndez Pelayo, en Santander. El texto, de 23 hojas impresas, se titula Exposito passionis domini secundum matheum: excerta ex Nicolao, y la autoría corresponde al licenciado Francisco de los Santos (un franciscano segoviano). Habría sido escrito en latín entre 1495 y 1497 y parece ser que es un comentario del Evangelio de San Mateo.

Este incunable sería el 21 de la Biblioteca de Menéndez Pelayo y sería un ejemplar único en el mundo. El fortuito hallazgo se ha producido durante las tareas de catalogación informatizada que se están desarrollando en este centro santanderino.

En nuestro portal institucional de la Biblioteca de Marcelino Menéndez Pelayo se puede consultar una buena parte de la magnífica colección de impresos teatrales del Siglo de Oro, además de otras publicaciones y materiales que custodia la biblioteca santanderina, ubicada en la casa de Marcelino Menéndez Pelayo.

 

[Fuente: blog.cervantesvirtual.com]

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Escrito por Verónica Zapata

Segundina Flores, una de las lideresas indígenas más importantes de Bolivia, resistida por el entorno de la dirigencia del Movimiento Al Socialismo, fue designada embajadora boliviana en Ecuador, lo que es interpretado como una forma de alejarla de la lucha política del país.

Segundina nació en Chuquisaca. A sus 22 años fue promotora de la Comunidad La Palca en la provincia Oropeza, en 1990. Cuatro años más tarde  asumió la dirigencia de  las Bartolinas en La Guardia, Santa Cruz. En los comicios  de 2009 fue elegida  como diputada plurinominal,  y el 20 de noviembre de 2017 fue elegida como secretaria ejecutiva de la Confederación Nacional de Mujeres Campesinas Indígenas Originarias de Bolivia-Bartolina Sisa, la organización más poderosa del movimiento de mujeres en el país.

La dirigente indígena se enfrentó a la oligarquía agroindustrial que pregona la supremacía blanca y que tuvo como principal blanco de ataque a las mujeres de pollera durante el golpe de Estado el 2019 y la pandemia que colapsó al sistema sanitario del país.

Fue la única mujer líder de una organización de mujeres que formó parte del “Pacto de Unidad”, que aglutina a todas las organizaciones indígenas del país y que surgió con el objetivo de unificar al movimiento indígena para recuperar la democracia.

El 25 de agosto fue designada embajadora del Estado Plurinacional de Bolivia en Ecuador. El 26 de agosto desde la plataforma de la radio  “Kawsachun Coca”, que pertenece a la Federación del Trópico de Cochabamba, donde recientemente fue ratificado como presidente el exmandatario Evo Morales, se publicaron fotos donde Segundina Flores le da la mano a Arturo Murillo exministro de facto de Áñez.

La foto fue tomada en una reunión de Estado, donde se firmó el “acuerdo de pacificación” pos golpe de Estado en la que participó todo el “pacto de unidad” y la Central Obrera Boliviana (COB). Esa publicación desató una campaña de difamación contra la dirigente acusándola de haber “pactado”con el gobierno de facto y desde allí se replicó en otras plataformas.

El nombramiento irritó a la izquierda tradicional y colonial integrada por la elite del Movimiento Al Socialismo (MAS), conformada por los “intelectuales” hombres, de clase media, que integran el “entorno” del exmandatario Evo Morales, que no se conformó con aislarla del partido de gobierno.

Son señalados de estar detrás de esta campaña de difamación que fue tema de debate nacional los últimos días en Bolivia. En noviembre del 2020, cuando su nombre sonaba como ministra de Culturas, también se había recurrido a la misma campaña de difamación y su designación fue bloqueada.

La designación de Segundina a un cargo diplomático es llamativo por el bajo rango que implica en relación a la envergadura de alguien que tuvo un rol protagonista de resistencia durante el golpe. Posee experiencia y claridad política, algo hoy ausente en la mayoría de la actual dirigencia tras el reemplazo de todos los dirigentes del pacto de unidad por criticar al “entorno” de exministros de Morales.

Por otra parte, para asumir dicho cargo deberá salir del país en un momento de ofensiva de la ultraderecha contra el gobierno de Luis Arce, por lo que la designación –según los analistas- pareciera tener la finalidad de no incomodar a la élite del MAS y/o responder a su presión, ya que son objeto de las denuncias de la lideresa indígena.

Su salida del país implica anular su liderazgo porque perdería territorialidad, y es una pésima decisión en el actual contexto político boliviano. La campaña de difamación contra la lideresa  indígena se realiza en un contexto de ofensiva hacia los liderazgos indígenas que cuestionan a la élite del MAS y les exige autocrítica.

Esta ofensiva tuvo su punto álgido este año durante la selección de candidatas y candidatos para las elecciones subnacionales de marzo pasado, cuando se expulsó a  la dirigente Eva Copa, del MAS.

 La lucha de la mujer indígena en la recuperación de la democracia.

Segundina Flores fue la única mujer del reducido grupo de dirigentes indígenas que acompañó al exmandatario Evo Morales durante el golpe de Estado del 2019, cuando salió al exterior su exgabinete de ministros antes que el propio exmandatario, y se quedó sola en el país.

En contexto del golpe de Estado, Segundina jugó un rol importante -inocultable e innegable- para la recuperación de la democracia, fue la única lideresa del “pacto de unidad” que estuvo presente junto a las mujeres de las “Bartolina Sisa” en los famosos bloqueos de agosto del 2020, que fueron un hito histórico por su masividad, y que obligaron a Jeanine Áñez a establecer fecha electoral allanando el camino al triunfo de Luis Arce y David Choquehuanca.

Dichos bloqueos fueron protagonizados por los denominados “autoconvocados” que no integraban el MAS, incluso lo rechazaban. También participaron el legendario líder histórico Felipe Quispe, “El Malku”, y el fallecido dirigente minero Orlando Gutiérrez, que al igual que Segundina Flores estaba enfrentado al “entorno” del exmandatario Evo Morales, en especial al exvicepresidente Álvaro García Linera.Mujeres que hicieron historia: Bartolina Sisa - Notas

Los pecados de Segundina Flores lideresa

1 – Denunció ante la prensa al “entorno” de Evo Morales durante el golpe: el 13 de agosto del 2020, durante la rebelión de los bloqueos, el Pacto de Unidad y la COB brindaron una conferencia de prensa donde se denunció a la élite del MAS, que se encontraba fuera del país, de realizar un acuerdo a “espaldas del pueblo” con el gobierno de facto, pasando por encima de las decisiones que ellos tomaban desde las bases dentro del país.

Segundina Flores fue la voz femenina que dejó en claro ante la prensa algo que se venía denunciando muchos años antes del golpe de Estado y que había generado un clima de malestar social en el país:

“Queremos decirles a los señores que siempre nos han dominado (…) que han dirigido el proceso de cambio, ¿dónde nos han hecho terminar? Se jactaban de ser sabios, intelectuales, a los indígenas nos tratan de ignorantes. Han conducido el proceso de cambio, el MAS y siguen conduciéndolo y a nosotros, los indígenas que somos los fundadores y el sostén del instrumento político, nos han relegado (…)”, señaló.

Bartolinas anuncian participación en las elecciones subnacionales – Exito Noticias“A nosotros, que somos los que construimos la unidad con el pueblo durante el golpe, nos han relegado, nos quieren seguir manejando y utilizando. (…) Rodean al hermano presidente Evo Morales, no nos lleven por el camino equivocado (…) siempre están hablando a nombre de los indígenas y de nuestra lucha, utilizándonos (…) Nos traicionaron. Yo les hablo a los que nos llevaron al golpe y conducían el MAS.(…) Siguen utilizando la imagen de Evo”, añadió.

2 – Brindó apoyo a Eva Copa como candidata a alcaldesa dentro del MAS y tras su expulsión denunció “machismo”: relató que le exigió al exmandatario Evo Morales que avale dicha candidatura, pero no fue escuchada. Lamentó que por “machismo” Eva Copa fuera expulsada del MAS. Con esa errada decisión el MAS perdió su principal objetivo, que obtuvo Eva Copa con “Jallalla”, el partido que le prestó la sigla para poder competir electoralmente frente al MAS.

Bolivia es pionero a nivel mundial en aprobar la Ley 243 de Violencia Política contra las Mujeres, pero el pensamiento colonial racista, machista y burócrata imperante en el país convirtió dicha ley en letra muerta. El paso para que las mujeres, especialmente indígenas, ocupen cargos políticos de alto rango y disputen el verdadero poder, sigue cerrado.

Lo confirma el hecho de que de las cuatro mujeres ministras dentro de las 18 carteras, insólitamente solo una es indígena, en un país donde las mujeres de pollera fueron protagonistas en la resistencia al golpe.

Eva Copa fue expulsada del MAS por no aceptar ser enviada a una embajada al extranjero, como ahora le toca a Segundina Flores. Copa quería disputar poder con la alcaldía de El Alto, la más importante del país, ya que contaba con el respaldo de la región y sabía que su salida del país implicaba su muerte política.https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcSy48YqfNJnFRuol0duHg7OQlUudaFPPiy64w&usqp=CAU

Por otro lado, esa alcaldía podría posicionarla como candidata a presidenta en 2025. Tras su expulsión varias dirigentes del MAS la respaldaron, entre ellas la exgobernadora de Cochabamba, Esther Soria, que denuncio “un fuerte patriarcado dentro del MAS”. La exasambleísta Lidia Patty, que afirmó que: “el MAS está pagando la factura en El Alto por error en la elección de la candidatura y por machismo”. Incluso se sumó el expresidente del Senado Alberto “Gringo” González.

3 – Tras la recuperación de la democracia llamó a la autocrítica y a purgar al interior del MAS. Al respecto, sostuvo: “Yo sé que hay un equipo de mentirosos en el MAS que le hacen equivocar a nuestro hermano Evo Morales” y señaló que son los responsables de que el MAS haya perdido las elecciones subnacionales.

4 – Señaló que fue un error endiosar a Evo Morales: Segundina destacó el liderazgo del exmandatario Evo Morales, pero señaló que fue un “error” que su entorno lo haya “endiosado”. Sostuvo que “en el MAS y en las organizaciones sociales no pueden existir esas prácticas de llevar como a un dios a un líder y a mantenerlo cercado y alejado del pueblo”.

5 – Acusó al entorno de Evo Morales como responsable de su reemplazó como líder de las Bartolina Sisa: este año se llevaron a cabo las elecciones para renovar la dirigencia de las “Bartolina Sisa”, Segundina apuntaba a ser reelegida, pero el día de las elecciones, misteriosamente, quienes le aseguraron su respaldo se dieron vuelta y la aislaron.

Segundina Flores pide que se incluya a Evo en la evaluación del MAS – Los Tiempos – Evolibre.comAcusó al entorno de Evo Morales de estar detrás de su alejamiento y poner en su lugar a otra mujer que es aceptada por ese “entorno”. Finalmente afirmó: “Dejo  la dirigencia, luego de haber recuperado la democracia y la soberanía del país, dejo a un presidente y a un vicepresidente elegidos democráticamente y con mayoría parlamentaria del MAS”.

6 – Acusó al “entorno” de Evo Morales de cerrar el paso a los nuevos liderazgos indígenas, especialmente a las mujeres indígenas: Segundina brindó su apoyo a la “renovación” del MAS, que Luis Arce y David Choquehuanca prometieron en campaña proselitistas a exigencia de las bases, a cambio de los votos que obtuvieron. La lideresa afirmó: “Hay muchos liderazgos, pero esa veja rosca (como se denomina al entorno de Evo Morales) y a los liderazgos nunca los dejan crecer”.

7 – Exigió respetar la paridad de género en las elecciones subnacionales de marzo del 2020: pidió que se respete la Ley 018 del órgano electoral plurinacional y la ley 026 de régimen electoral, que garantiza paridad de género en las listas electorales. Esto incomodó a la élite del MAS, que hizo caso omiso. No hubo ninguna mujer candidata a gobernadora, hubo pocas postuladas para alcaldesas, aunque sí hubo mayor participación femenina en las concejalías, los cargos de bajo rango.

 

 

*Verónica Zapata es periodista y psicóloga boliviana, especialista en estudios de género (UBA), colaboradora del Centro Latinoamericano de Análisis Estratégico (CLAE)

 

 

[Foto: CNMCIOB – fuente: http://www.surysur.net]

 

 

[In: Ilustração Portuguesa, nº 832, Lisboa, 28/I/1922, p. 86.]

Escrit per MARCEL A. FARINELLI

Durant la segona meitat dels anys ’50 l’Alguer era un lloc força popular entre els catalanoparlants, tant aquells que vivien sota el règim de Franco com entre els molts que es trobaven a l’exili. En molts hi havia fet una visita fugaç, uns per poder respirar un tast de llibertat, altres per sentir-se quasi com en aquella pàtria en què no podien tornar. Intel·lectuals, activistes i viatgers van convertir l’estada en aquella que llavors era la principal destinació turística de Sardenya en un pelegrinatge sentimental i patriòtic. Ferran Soldevila, Josep Palau-Fabre o Pere Català Roca – el pioner de les relacions amb la ciutat sarda – són només uns pocs entre els quals visitaren la « Barceloneta de Sardenya », despertant entre els habitants curiositat i entusiasme.

Eren uns anys en què, més que avui, els contactes amb l’Alguer es mantenien gràcies a les amistats. Llavors tot es feia amb cartes, viatges i telefonades. La xarxa que lligava els dos intel·lectuals algueresos més importants – Rafael Catardi i Antoni Simon Mossa – amb representants de la cultura catalana cresqué molt en aquells anys. Fou gràcies a aquestes relacions que l’Alguer va agafar un paper important dins de la cultura catalana. L’esdeveniment principal fou el « viatge del retrobament », un creuer que l’agost del 1960 va portar unes 140 persones des de Barcelona a l’Alguer, on els passatgers van poder oblidar per uns dies l’opressió franquista. L’any següent aquesta centralitat es va repetir, quan al setembre 1961 l’Alguer va acollir l’edició dels Jocs Florals de la Llengua Catalana. De fet, es pot dir que en aquell setembre l’Alguer va ocupar un lloc central dins de la cultura catalana. I la cultura catalana, un de central en aquella estiu algueresa en què el centre històric va ser pacíficament invadit per organitzadors i assistents.

Aquella edició, més enllà del lloc on es va tenir, va ser particularment important una sèrie de circumstàncies. Per una banda, eren els primers en què podien participar exiliats i residents a l’estat espanyol, i per l’altra se celebraven en una terra de parla catalana, no en una gran ciutat com París, Londres o Buenos Aires. Doncs, els assistents no passarien desapercebuts, tot al contrari va sentir el caliu de la població local i els locals on es feien les celebracions es van convertir en el centre neuràlgic de la vida cultural algueresa. A part dels activistes locals, també les autoritats – municipals, autonòmiques i estatals – s’hi van implicar, gràcies a l’esforç d’Antoni Simon Mossa. Infatigable activista, intel·lectual i organitzador, Simon Mossa feia anys que intentava sensibilitzar els algueresos davant de la necessitat de salvaguardar la llengua i d’enfortir les relacions catalanoalguereses. Per a ell l’ús del català era una qüestió política, no només literària, i el deure dels algueresos era de donar veu a una llengua i una cultura prohibida.

Els jocs van ser un èxit, i els algueresos s’hi van implicar. Però també hi va haver un costat fosc. Alguns organitzadors algueresos no compartien les postures polítiques de Simon Mossa, en particular Rafael Catardi, general retirat de l’exèrcit italià. Molt sensible davant del fet lingüístic alguerès i contrari a tot separatisme, Catardi era preocupat de no convertir l’acte en una manifestació en contra del règim, i de no exposar els participants a cap repressió. Per això va entrar en contacte – per intercessió de Miquel Batllori – amb representants diplomàtics espanyols, amb qui es va coordinar per tal que els participants als jocs no fossin massa problemàtics. El punt que, però, va aixecar més problemes fou l’anunciada visita del president de la Generalitat a l’exili, Josep Tarradellas. La notícia no agradà ni les autoritats de Madrid, ni a molts dels participants que provenien de l’estat espanyol, en gran part opositors d’ERC. Al final, i després d’un encreuament de cartes amb gen. Catardi, el president a l’exili va decidir no presenciar els Jocs, per evitar donar una imatge de divisió durant un acte tan rellevant.

Els Jocs de 1961 van ser els primers a reunir les dos ànimes del catalanisme de llavors, els que havien anat a l’exili i els que no, però van ser del tot despolititzats. Molts dels assistents van criticar aquest aspecte, en particular Domènec de Bellmunt, que els va titil·lar de « jocs de la por ». Amb més probabilitat, foren aquells de l’ambigüitat. Organitzats per uns grups d’activistes en què convivien conservadors com el gen. Catardi, independentistes sards com Antoni Simon Mossa, els Jocs va reunir diversos sectors de la cultura catalana i de l’oposició al règim, sovint enfrontats entre ells.

Avui l’Alguer, a 60 anys d’aquells fets, es prepara a rebre una altra pacífica invasió de catalanoparlants, per celebrar l’Adifolk 2021. I com fa 60 anys, un president a l’exili – Carles Puigdemont – acaba d’anunciar la seva presència en el marc de les celebracions. Puigdemont anuncia que es trobarà amb les autoritats sardes, en particular amb l’equivalent de l’AMI, la Corona de Logu, i amb aquelles alguereses. L’actual síndic de l’Alguer, Mauro Conoci, és des de fa uns anys membre del Partit Sard d’Acció, l’històric partit sardista fundat l’any 1921, i avui molt criticat per l’independentisme. Aliat amb la Lega de Matteo Salvini, Conoci governa la ciutat des de 2019 i s’ha demostrat interessat a promoure les relacions amb els territoris de parla catalana. Avui aquesta és una constant entre els síndics algueresos, que per motius sobretot culturals i econòmics donen molta importància a aquestes relacions. Però, a diferència del seu predecessor (Mario Bruno, de centreesquerra) Conoci ha demostrat més prudència en fer declaracions sobre la qüestió catalana. De fet, el seu ha estat fins ara un discurs del tot apolític, perquè serà molt interessant veure com rebrà Carles Puigdemont, i quins tipus de declaracions farà, i si l’Alguer es convertirà en un altaveu privilegiat com fou entre 1960-1961.

Avui la ciutat ha canviat molt, la massificació turística n’ha transformat el teixit urbà i humà, amb importants impactes culturals. El català és avui parlat per una minoria, poc utilitzat per part de l’administració comunal, i són sobretot les iniciatives de ciutadans o associacions a fer-ho visible. Fa dècades a l’Alguer no hi havia molta « oferta cultural », mentre avui són molts els concerts i esdeveniments que es fan a la ciutat, però tots (o quasi) pensats per un públic que parla italià. Els participants a l’Adifolk, doncs, no tindran la rebuda espectacularment càlida que van experimentar els assistents als Jocs van del 1961, no trobaran la ciutat plena de senyeres o cartells de benvinguda en català. Segurament suscitaran la curiositat de molts, enfortiran el vincle que uneix la ciutat a una comunitat lingüística dividida entre tres estats-nacions, i faran per uns dies de l’Alguer un punt neuràlgic de la cultura catalana. Veurem si la visita de Carles Puigdemont també convertirà la ciutat en un focus d’atenció de l’actualitat política catalana.

 

 

[Font: http://www.racocatala.cat]

 

Shalom Bollywood
Publié par ALAIN GRANAT
Jusqu’à la fin des années 20, tourner dans un film était impensable pour les actrices indiennes, le cinéma étant alors une activité considérée comme indigne pour toute femme « vertueuse ». Les acteurs de l’époque du cinéma muet indien se travestissaient, rasant leurs moustaches et revêtant des saris. Finalement, des femmes firent leur apparition à Bollywood. Mais elles n’étaient ni hindoues ni musulmanes. Elles étaient juives.
« Shalom Bollywood », du réalisateur de documentaires australien Danny Ben-Moshe, retrace l’histoire des Juifs qui participèrent au développement de la formidable industrie cinématographique indienne. Ben-Moshe explique que « les familles juives vivant en Inde (NDLR : des communautés Bene Israeli et Baghdadi représentant aujourd’hui environ 6000 personnes sur une population de… 1,2 milliard d’habitants) étaient libérales. Les juives indiennes, avec leur peau claire et leur type plus européen, crevèrent l’écran ! ».
Ainsi, Susan Soloman, célèbre sous son nom de scène Firoza Begum, Sulochana (née Ruby Meyers), la première Miss Inde, Pramila (née Esther Abrahams) ou encore Nadira (Florence Ezekiel). Mais la contribution juive à l’essor de Bollywood ne se limita pas à des actrices. Le scénario et les chansons du premier film indien parlant, Alam Ara (1931), furent écrits par un Juif, Joseph Penkar David. L’un des plus grands chorégraphes de Bollywood, David Herman, était Juif. Tout comme l’une des stars masculines du cinéma indien, David Abraham Cheulkar, acteur dans plus de 100 films.
Sulochana (Ruby Meyers) fut la première star féminine indienne de l’âge d’or bollywoodien, ses revenus dépassant celui du gouverneur de Bombay ! Née en 1907, elle travaillait comme standardiste avant de débuter sa carrière d’actrice, et figurera dans des films à succès tels que « Balidaan » (1927) et « Wildcat of Bombay », dans lequel elle joue huit rôles différents, dont celui d’un homme et d’une… Européenne blonde !
Dans les années 40, alors que la carrière de Sulochana s’essouffle, une autre actrice juive voit son étoile monter au firmament bollywoodien. Son nom : Esther Victoria Abrahams, qui prendra comme nom d’actrice Pramila. Elle fut en 1947 la première Miss Inde, un fait d’autant plus unique que sa fille Naqi Jahan remportera également le titre en 1967 ! Pramila apparaîtra dans de nombreux films, dont l’immense succès « Mother India », qui restera sur les écrans indiens 82 semaines. Connue pour son esprit indépendant, elle quitte sa famille, originaire de Calcutta, à l’âge de 17 ans, pour rejoindre Bombay, où elle trouve un emploi dans un cinéma itinérant, dansant pour les spectateurs pendant les 15 minutes requises pour changer les bobines durant les séances ! Pramila incarnera la vamp indienne des années 40, apparaissant dans plus de 30 films.
Mais la plus célèbre des actrices juives de Bollywood reste Nadira, née Florence Ezekeil, archétype de la femme fatale, qui dit un jour à un journaliste venu l’interviewer et visiblement très nerveux : « Ne vous asseyez pas au bord du lit, vous allez tomber ! Venez plus près de moi et mettez-vous à l’aise. Je ne vais pas vous manger ! ». L’un de ses plus célèbres rôles est celui de Maya dans « Shree 420 », de Raj Kapoor.
Danny Ben-Moshe doit encore tourner quelques scènes en Inde avant de terminer son film, qui devrait sortir sur les écrans en 2012. « C’est étrange », déclare-t-il, « À Hollywood, les Juifs sont plutôt derrière la caméra et côté production, cachant souvent leur origine. Mais en Inde, c’est tout le contraire ! Les Juifs de Bollywood assument leur judaïsme avec assurance, face à la caméra ».
Traduit de l’anglais par Alain Granat, d’après un article de Lhendup Gyatso Bhutia, source : www.dnaindia.com
NDLR : le documentaire Shalom Bollywood est finalement sorti sur les écrans en 2017.
La bande-annonce de Shalom Bollywood

[Publié sur http://www.jewpop.com]

Prezentado por Sharope Blanco

alam_ara_poster_1931La historya ekstraordinarya de las artistas judiyas de  la India.
Fina la fin de los anyos 1920, las mujeres  hindous no puediyan ni pensar de jugar  en un filmo en India.  Era konsiderado grande verguensa para una mujer kon honor. 
En esta epoka vistiyan i makiyavan los hombres para ke jugen rolos de mujeres.
Ma finalmente esto troko i las ijikas empesaron a mostrarsen en los filmos.  Solamente ke no eran Hindus ni  Muzulmanas ma  JUDIYAS !
« Shalom Bollywood », del produktor de dokumentaryos australiano, Danny Ben-Moshe, deskuvre la historya de los Judyos ke partisiparon a la industriya sinematografika formidavle de la India.
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Susan Solomon Firoza Begum

Ben-Moshe eksplika : ” Las familyas judiyas liberalas en este payis – Las komunitades Bene Israel i Bagdadi tienen 6000 membros alora ke la India konta una poblasyon de 1.2 milliares- kon sus ijikas al ten klaro i ke asemejan mas a las Europeanas izyeron saltar los ekranes ! “
Es ansina ke Firoza Begum (nasida Susan Solomon), Sulochana (nasida Ruby Meyers), la primera Miss India, Pramila (nasida Esther  Abrahams) o Nadira (nasida Florence Ezekiel) se izyeron estreyas de sinema.
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Sulochana / Ruby Meyers

 
                    Ma la kontribusyon judiya a la industriya de Bollywood no se limito a las aktrisas. El senaryo i las kantikas del primer filmo sonor “Alam Ara” en 1931 fueron eskritas por un judyo, Joseph Penkar David. Uno de los mas grandes koreografos de Bollywood, David  Herman, era judyo komo uno de los stars maskulino del sinema indiano, David Abraham Cheulkar, ke jugo en mas de 100 filmos.
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Sulochana

Sulochana (Ruby Meyers) fue la primera mujer star indiana de la era del oro bollywoodiano!
Sus revenidos eran mas del salario del governador de Bombay! Nasyo en 1907. Lavorava komo standardista antes de empesar a su karyera artistika.
Figuro en los filmos “Balidan” en 1927 i “Wildcat of Bombay”, en el kual jugo ocho roles diferentes entre los kualos el de un hombre i el de una Europeana blonda…
En los anyos 40, alora ke Sulochana perye un poko de su reflo, la estreya de una otra artista judiya empeso a briyar en el firmamento bollywoodiano.
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Pramila / Esther Abraham primera Miss India 1947

Pramila / Esther Abraham primera Miss India 1947
Su nombre era Esther Victoria Abrahams, ke va tomar el pseudonymo Pramila. Fue la primera Miss India en 1947, i una koza muy sorprendyente afita kuando su ija Naqi Jahan es elegida Miss India en 1967! Pramila juga en muy munchos filmos. Su filmo “India Madre” kedara en las salas de sinemas durante 82 semanas!…
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Pramila aktuando en Jungle King

 

 

Pramila era una manseva muy independyente i es ansina ke a sus 17 anyos desha su familya en Calcutta, de ande es orijinarya,j para irse a Bombay. Topa un lavoro de bayladera en un sinema para baylar delantre del publiko durante los 15 minutos del entrakto, nesesaryo para trokar la bobinas del filmo. Pramila va inkarnar la mujer fatal de los anyos 40 i va jugar en mas de 30 filmos.
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Nadira

                      Ma las mas famoza de las artistas judiyas de Bollywood sera Nadira, (nasida Florence Ezekiel), archetipo de la mujer fatal ke dize un diya a un jurnalisto ke vino por un interview i muy nerviozo en frente de eya… « No vos asentesh al bodre de la kama… Vos vash a kayer!
Vinid mas serka de mi i relaxad-vos! No vos vo komer…” Su rolo el mas famozo es el de Maya en “Shree 420” de Raj Kapoor.
Danny Ben-Moshe deviya de travar unas kuantas scenas mas en India antes de terminar su filmo ke salyo en 2012. ” Es fasinante, mos dize, en Hollywood los judyos estan detras de las kameras i son lo mas produktores ke eskonden sus identitad…. Aki es enteramente el kontraryo!
Los judyos de Bollywood rekonosen sus judaizmo sin espanto, frente las kameras.
Agora, i Turkiya empeso a mostrar en la TV  las seriyas hindus ke mos plazen tambien porke vemos un mundo ke no konosemos del todo kon munchas kolores, vistidos komo djoyas i romantisizmo!


[Orijin: http://www.diariojudio.com]

L’any 1949, un Leonard Cohen de quinze anys va entrar en una llibreria de segona mà, va agafar un llibre de Federico García Lorca i se’n va enamorar. “Va ser el primer poeta que em va convidar a viure en el seu món”, va explicar el cantant. La connexió va ser tan gran que la primera filla de Cohen es diu Lorca. Lorca Cohen: un nom que resumeix una admiració. El 1986, Leonard Cohen va adaptar a l’anglès el poema Pequeño vals vienés, del poemari Poeta en Nueva York. Vet aquí el resultat.

 

Pequeño vals vienés

En Viena hay diez muchachas,
un hombro donde solloza la muerte
y un bosque de palomas disecadas.
Hay un fragmento de la mañana
en el museo de la escarcha.
Hay un salón con mil ventanas.
¡Ay, ay, ay, ay!
Toma este vals con la boca cerrada.

Este vals, este vals, este vals,
de sí, de muerte y de coñac
que moja su cola en el mar.

Te quiero, te quiero, te quiero,
con la butaca y el libro muerto,
por el melancólico pasillo,
en el oscuro desván del lirio,
en nuestra cama de la luna
y en la danza que sueña la tortuga.
¡Ay, ay, ay, ay!
Toma este vals de quebrada cintura.

En Viena hay cuatro espejos
donde juegan tu boca y los ecos.
Hay una muerte para piano
que pinta de azul a los muchachos.
Hay mendigos por los tejados.
Hay frescas guirnaldas de llanto.
¡Ay, ay, ay, ay!
Toma este vals que se muere en mis brazos.

Porque te quiero, te quiero, amor mío,
en el desván donde juegan los niños,
soñando viejas luces de Hungría
por los rumores de la tarde tibia,
viendo ovejas y lirios de nieve
por el silencio oscuro de tu frente.
¡Ay, ay, ay, ay!
Toma este vals del “Te quiero siempre”.

En Viena bailaré contigo
con un disfraz que tenga
cabeza de río.
¡Mira qué orilla tengo de jacintos!
Dejaré mi boca entre tus piernas,
mi alma en fotografías y azucenas,
y en las ondas oscuras de tu andar
quiero, amor mío, amor mío, dejar,
violín y sepulcro, las cintas del vals.


Versió en anglès de Leonard Cohen:

Now in Vienna there are ten pretty women
There’s a shoulder where Death comes to cry
There’s a lobby with nine hundred windows
There’s a tree where the doves go to die
There’s a piece that was torn from the morning,
And it hangs in the Gallery of Frost

Take this waltz, take this waltz
Take this waltz with the clamp on its jaws
I want you, I want you, I want you
On a chair with a dead magazine
In the cave at the tip of the lilly,
In some hallway where love’s never been
On a bed where the moon has been sweating,
In a cry filled with footsteps and sand

Take this waltz, take this waltz
Take its broken waist in your hand

This waltz, this waltz, this waltz, this waltz
With its very own breath of brandy and Death
Dragging its tail in the sea

There’s a concert hall in Vienna
Where your mouth had a thousand reviews
There’s a bar where the boys have stopped talking
They’ve been sentenced to death by the blues
Ah, but who is it climbs to your picture
With a garland of freshly cut tears?

Take this waltz, take this waltz
Take this waltz, it’s been dying for years

There’s an attic where children are playing,
Where I’ve got to lie down with you soon,
In a dream of Hungarian lanterns,
In the mist of some sweet afternoon
And I’ll see what you’ve chained to your sorrow,
All your sheep and your lillies of snow

Take this waltz, take this waltz
With its “I’ll never forget you, you know!”

This waltz, this waltz, this waltz, this waltz
With its very own breath of brandy and Death
Dragging its tail in the sea

And I’ll dance with you in Vienna
I’ll be wearing a river’s disguise
The hyacinth wild on my shoulder,
My mouth on the dew of your thighs
And I’ll bury my soul in a scrapbook,
With the photographs there, and the moss
And I’ll yield to the flood of your beauty
My cheap violin and my cross
And you’ll carry me down on your dancing
To the pools that you lift on your wrist
O my love, o my love
Take this waltz, take this waltz
It’s yours now. It’s all that there is

 

 

[Font: http://www.catorze.cat]

 

Diane Denoir presenta un concierto de canciones urbanas latinoamericanas dentro de su gira europea. Quien fuera amiga personal del mítico músico Eduardo Mateo y del célebre poeta Mario Benedetti es también una referente imprescindible cuando se habla de música popular en el Uruguay de los años 60 y 70.

Denoir se inicia como cantante en los vanguardistas Conciertos Beat en el Teatro Solís de Montevideo, junto a un trío liderado por Eduardo Mateo, siendo la única mujer en conformar la importante corriente musical Candombe Beat a finales de los años 60 en la propuesta de un repertorio que supo ser un puente entre la bossa nova y la chanson française.

Diane Denoir también ha musicalizado a varios poetas latinoamericanos y es significativo su vínculo con Mario Benedetti, quien a lo largo de su estrecha amistad le dedicó varios poemas, algunos de los cuales forman parte de su repertorio. También compuso junto a Adela Gleijer la canción Como un pájaro libre, que grabaría posteriormente Mercedes Sosa.

En su presentación en Barcelona, Diane Denoir estará acompañada por un trío de músicos virtuosos. En arreglos, dirección musical, guitarra y bajo, Daniel Lobito Lagarde, de amplia y reconocida trayectoria, integrante de Totem, grupo icónico del candombe beat; en la percusión, Alvarito Pérez; y en el contrabajo y bajo, Antonino Restuccia.

Como parte de su gira, el 30 de septiembre a las 19:30h, Denoir y sus músicos impartirán un taller de candombe, candombe beat y jazz candombe en el Ateneu Flor de maig (c/ Dr. Trueta 195. Barrio del Poble Nou. Barcelona).

La gira de Diane Denoir cuenta con el apoyo del programa Ibermúsicas.

Día / hora: 01/10/2021, 20:00 h
Lugar: Casa Amèrica Catalunya

 

[Fuente: http://www.americat.barcelona]

L’Alliance française, mais pas seulement, rend hommage au Pérou avec « La huella de Monsieur Chat » : une fresque artistique qui a vocation à capturer et représenter les relations existantes entre la France, la Suisse et le Pérou. Mais également un signe de coopération culturelle et d’amitié. 

ActuaLitté

La fresque a été réalisée par les artistes Monsieur Chat et Gabriel Alayza, et se trouve sur la surface du mur latéral de l’hôtel Pullman Lima Miraflores, situé sur l’Avenida Larco, bloc 11, à Miraflores.

« Cette œuvre d’art s’aligne sur notre marque, car elle met en évidence le message de liberté, d’égalité et de solidarité qui existe entre les différentes institutions participantes et qui est mis à l’honneur avec ce projet », a déclaré Milagros Calderón, directrice générale de l’hôtel Pullman Lima Miraflores.

L’opportunité de célébrer la diversité environnementale, culturelle et linguistique du Pérou, mais également des valeurs communes. Une devise générale, « Liberté, Égalité, Solidarité » : des valeurs communes qui favorisent la relation entre ces pays.

Le personnage “iconique” de Monsieur Chat

Le célèbre chat est né en 1997, inspiré par le dessin d’une petite fille. 24 ans plus tard, après l’avoir fait voyager sur tous les continents, Thoma Vuille, dit « Monsieur Chat », continue de faire peindre ce personnage iconique. L’optique constante : véhiculer un message d’espoir et de joie.

Figure emblématique du street art français, le chat jaune et joyeux sourit sur les façades de nombreux bâtiments, en France et dans le monde. Il égrène ses clins d’œil et « mets de l’humain et de l’amour dans la ville », comme le dit Thoma Vuille lui-même, l’artiste qui égaye la grisaille urbaine de son pinceau.

[Source : http://www.actualitte.com]

dormir profondément

Origine et définition

Un simple d’esprit qui taperait dans un sabot et constaterait que celui-ci n’a aucune réaction, pourrait en conclure qu’il a le sommeil très profond. Mais une telle conclusion laisserait très dubitatifs ceux qui, comme vous et moi, savent tout de la vie trépidante des sabots. Et à raison, mais pas forcément en sachant pourquoi, car de nos jours l’origine du sabot qui nous intéresse et qui n’a rien à voir avec ce que l’on portait aux pieds, est complètement oubliée. Une fois l’explication donnée, vous allez certainement trouver sabot ça beau.
En effet, si le « sabot » désignant une chaussure de bois apparaît à la fin du XVe siècle, le mot, d’abord sous la forme « çabot », apparaît bien avant, à la fin du XIe, et désigne un jeu d’enfants, une « grosse toupie conique en bois que l’on fait tourner avec un fouet ou avec une lanière »[1]. Mais quel lien peut-il bien y avoir entre le sommeil et une toupie ?
S’il ne paraît pas évident, l’explication vient du fait que, lorsque le jouet tourne à pleine vitesse, il reste en apparence immobile et peut même produire un léger ronflement, selon la surface sur laquelle il tourne.
C’est de cette « immobilité en ronflant » qu’on a dit « le sabot dort ».
Attestée chez François Villon au XVe siècle, si notre expression s’est perpétuée jusqu’à maintenant, c’est uniquement parce qu’on croit à tort toujours savoir ce qu’est un sabot.
Mais, comme souvent pour ces formules toutes faites qu’on utilise sans y penser (et c’est bien pourquoi Expressio existe !), on ne se pose même pas la question de savoir ce qui a bien pu justifier son apparition.
[1] D’ailleurs, lorsqu’un gamin en invitait un autre à jouer au sabot, il lui demandait : « toupie or not toupie ? »

Exemples

« – Tu ne connaissais pas ton oncle, lui dit son père en lui lançant un de ces regards de tigre affamé qu’il jetait sans doute à ses tas d’or, pourquoi pleures-tu ?
– Mais, monsieur, dit la servante, qui ne se sentirait pas de pitié pour ce pauvre jeune homme qui dort comme un sabot sans savoir son sort ? »
Honoré de Balzac – Eugénie Grandet – 1839

Comment dit-on ailleurs ? 

Langue

Expression équivalente

Traduction littérale

Allemand schlafen wie ein Murmeltier dormir comme une marmotte
Allemand schlafen wie ein Stein dormir comme une pierre
Anglais (USA) to sleep like a log dormir comme une bûche
Espagnol (Argentine)

dormir como un tronco / Dormir como un angelito

dormir comme un tronc / Dormir comme un petit ange

Espagnol (Espagne) dormir como un bendito dormir comme un bénit
Espagnol (Espagne) dormir como un leño dormir comme une bûche
Espagnol (Espagne) dormir como un lirón dormir comme un loir
Espagnol (Espagne) dormir como un trompo dormir comme une toupie
Espagnol (Espagne) dormir como un tronco dormir comme un tronc
Espagnol (Espagne) dormir como una marmota dormir come une marmote
Français (Canada) dormir comme une buche
Gallois cysgu fel twrch dormir comme un sanglier
Hongrois alszik, mint a bunda

il dort comme un manteau de fourrure

Hébreu נפלה עליו תרדמה עמוקה

il est tombé d’un profond sommeil

Italien dormire come un ghiro dormir comme un loir
Italien dormire come un sasso dormir comme un caillou
Néerlandais slapen als een marmot dormir comme une marmotte
Néerlandais slapen als een os dormir comme un boeuf
Néerlandais slapen als een roos dormir comme une rose
Néerlandais

slapen als een warmgewassen baby

dormir comme un bébé lavé à l’eau chaude

Polonais śpi jak kamień dormir comme une pierre
Portugais (Brésil) dormir como uma pedra dormir comme une pierre
Roumain a dormi buștean dormir comme une bûche
Roumain a dormi ca o cizmă dormir comme une botte
Russe дрыхнуть как бревно dormir comme une bille
Russe спать как убитый dormir comme quelqu’un tué
Serbe soavati kao klada dormir comme une bûche
Suédois sova som en stock

dormir comme une souche / un tronc

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Si vous souhaitez savoir comment on dit « dormir comme un sabot » en anglais, en espagnol, en portugais, en italien ou en allemandcliquez ici.

Ci-dessus vous trouverez des propositions de traduction soumises par notre communauté d’utilisateurs et non vérifiées par notre équipe. En étant enregistré, vous pourrez également en ajouter vous-même. En cas d’erreur, signalez-les nous dans le formulaire de contact.

 [Source : www.expressio.fr]

Escrito por Claudio Ferrufino-Coqueugniot

Todo parece nada, un día otro día. Se vacía la botella de ron y no la toco, corre por entre los pezones de mis amores y evapora.

Un día otro día; el domingo, sábado, y el lunes, domingo. Escucho automóviles pero no observo choferes. Entre el mundo y yo una persiana color crema. Gritan las mujeres, gritan y no me alcanzan. Me he volcado en el ataúd, como Gogol; me he ido de la tumba, como Gibrán.

No sé qué me gusta más de ti, si tu nariz o tus pies. Son largos, ambos, delinean el cuerpo, lo esculpen. La desnudez de tu nariz estremece, las nervaduras de tus pies, rimmel sobre las uñas. Un día otro día. No dormí por la mañana y sin embargo soñé bastante. Se me apagaron los ojos y muerto ya hubo calma de línea recta. Paz de la geometría, filosofía griega.

No lloro desde mi nacimiento (mentira); no duermo desde 1989. Este país devoró mi noche, la convirtió en foco de neón. Desde aquel enero, que para mis padres significó el alejamiento del drama y acercó la inseguridad del futuro, no descansé. Me inflamé de la retórica norteamericana del tiempo oro, y aunque el oro se desvaneció entre amores como alcohol sobre pechos de mujer, quedaron las horas despierto que todos dicen la vida me va a cobrar pero que en números afirma que viví más que cualquiera. Si cuento tres horas de letargo cada día, digamos cuatro, y las multiplico por treinta y dos años hay una cifra monumental de ganancia en tiempo despierto. Allí amé, sufrí, leí, fui cruel y apacible, bucólico y eufórico, besé casadas y viudas azotando mi piel como cuero de curtiembre. Vi Istanbul y Panamá; Nueva Orleáns y Narbonne. Encima de camiones, colgado, sentado en el pretil, viento en rostro, subí y bajé la cuesta del Meadero, la de Yocalla, la de Sama, más al sur; miré el color de helado de las quebradas en Humahuaca y sentí el áspero vino casero en Montiel, tierra gaucha. De la apacheta de El Negro se veía Morochata, pero era aparición y no pueblo. Gendarmes argentinos, a las dos de la mañana, paraban los buses y bajaban pasajeros para encontrar terroristas. La puna helaba en Tres Cruces. De cruces se llenaban los cuarteles, y las curvas hacia el precipicio. Igual a los remolinos del Madre de Dios, cuando Antje me contaba que su amiga alemana se sumergió y nunca salió. Estas últimas cosas cuando todavía dormía, pero iba preparando la senda que anunciaba que había que verlo todo o morir. Nunca lo veré ya, ni después de ido, pero por estas pupilas ha corrido mucho, lo más triste, el desastre. Y lo más bello: mujeres. Que no venga el sueño, que las cabras con lomo de oro pastan en los valles georgianos, que leo hace poco que todavía preparan aloja en Cochabamba. La creí perdida, de color púrpura, apenas saliendo de Quillacollo hacia la entrada de Chulla, en casa de algún compadre de mis padres. O, ebrio, una chichería en Vinto Chico con las paredes de adobe con afiches británicos de la Segunda Guerra Mundial. Ya despierto no lo vuelvo a ver, menos dormido, muerto quién sabe, si los muertos en Madagascar todavía cenan con los vivos.

En Tres Cruces ahora incautan cocaína, en los años setenta eran gente. Los vagones congelados esperaban sobre rieles el visto bueno para pasar. Entre sombras caminaban otras aún más oscuras, agentes secretos de la muerte, sedientos y hambrientos.

No he dormido, y no quiero dormir. Si recuerdo el sur es porque vengo; no olvido secos ríos por los que un día me juré subir hasta encontrar las aguas. Si descanso se irán, la modernidad y el narco van consumiéndolo todo. También tengo que escuchar los tambores rituales en los acantilados de Malí, rincones en donde el pueblo dogon talla máscaras de dos metros. Danzantes del fin del mundo, acurrucados contra la piedra, igual que fieras asediadas.

Máscaras, ellas esconden si tenemos los ojos abiertos o cerrados. Entumecidos, enrojecidos. Un corrido perrón, El mono de alambre, a todo responde que “chinga tu madre”.

Las acequias de Bella Vista cantaban. En Chocaya bramaba el agua, y tú, G, te desvestiste para contarme cuarenta años entonces que te afeitaste el sexo por mí. Hoy es moda. Ayer, cuarenta años entonces, no. Debajo de la cremallera apareció una visión, tenía rugosidad de marraqueta y olor de durazno. Pervivimos en las emociones, lo sensual, la piel sobre piel de greda, cabellos frotados de jamillo.

Un día, otro día. Ayer y hoy, la muerte contra los ojos abiertos. Cuando los cierro, permanecen abiertos, sigo viendo, mirando, observando. Lo hacían Homero y Milton y Borges. Por una senda de cáscaras de castaña caminan mujeres a traer sal y hielo. Con paños mojados cubren las barras para que no las mate el sol. La sangre del hielo es transparente pero es sangre. Y tú te escondes sin saber que lo que haces lo sueño yo.

 

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[Foto: máscaras Dogon, Malí – fuente: lecoqenfer.blogspot.com]

Les résultats de cette étude s’inscrivent dans le sens de l’«hypothèse de la biodiversité».

L’étude a comparé les microbiotes d’enfants issus de garderies urbaines dont les cours étaient plus ou moins végétalisées.

Repéré par Nina Hossein 

Jouer dans la verdure et le sous-bois d’une mini-forêt pendant un mois seulement peut suffire à changer le système immunitaire d’un enfant, selon une expérience menée en Finlande. Dans le cadre d’une étude, les microbiotes de fillettes et de garçonnets âgés de 3 à 5 ans issus de milieux urbains ont été analysés. Les enfants étaient répartis en deux groupes: ceux qui jouaient dans des cours en béton et gravier et ceux qui jouaient dans des espaces verts aménagés avec de l’herbe et des sous-bois forestiers.

«L’hypothèse de la biodiversité» pour un microbiote sain

L’impact de l’environnement sur le système immunitaire est une théorie connue sous le nom d’«hypothèse de la biodiversité». Selon cette dernière, les maladies d’origine immunitaire se développent davantage dans les espaces où la biodiversité est faible. En d’autres termes, les zones urbaines fragilisent les microbiotes des individus. Les résultats de l’étude finlandaise vont tout à fait dans le sens de cette théorie.

«Les résultats de cette étude soutiennent l’hypothèse de la biodiversité et le concept selon lequel une faible biodiversité dans le milieu de vie moderne peut conduire à un système immunitaire non éduqué et par conséquent augmenter la prévalence des maladies à médiation immunitaire», commentent les scientifiques de l’Université d’Helsinki. L’étude a comparé les microbes environnementaux d’enfants issus de dix garderies urbaines dont les cours étaient plus ou moins végétalisées. Dès le 28e jour, les résultats étaient sans appel.

En testant le microbiote de la peau et des intestins des enfants, l’équipe de recherches a découvert qu’il s’était amélioré chez ceux qui avaient eu accès cinq fois par semaine aux espaces verts. La population de microbes a ainsi augmenté en diversité –signe d’un système immunitaire globalement sain et prêt à se protéger d’éventuelles attaques. Néanmoins, l’étude devra être menée à plus grande échelle afin de confirmer les résultats et de valider la relation causale.

 

 

[Photo : Annie Spratt via Unsplash – source : http://www.slate.fr]

El artista rioplatense que murió joven, a los 39 años, fue admirado en vida por gran parte de sus colegas y algunos historiadores lo catalogan ya no como un vanguardista más sino como “el” vanguardista por definición: mientras que mantuvo una estrecha amistad con su compatriota Joaquín Torres García, imaginaba escenografías para Federico García Lorca y sorprendía con su arte a Luis Buñuel, Salvador Dalí y a Joan Miró.

“Rafael Barradas. Hombre flecha”, la exposición con la que el museo celebra veinte años de su fundación.

“Rafael Barradas. Hombre flecha”, la exposición con la que el museo celebra veinte años de su fundación.

Escrito por Mercedes Ezquiaga

En el marco del aniversario por los veinte años del Malba, el museo presenta desde mañana una exposición antológica dedicada al artista uruguayo Rafael Barradas (1890-1929), un pionero de la vanguardia internacional, que reúne más de 130 obras, entre óleos, acuarelas y obras sobre papel, provenientes de la Colección del Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV) de Montevideo y realizados durante su estadía en Barcelona y Madrid.

Este rioplatense que murió joven, a los 39 años, fue admirado en vida por gran parte de sus colegas y algunos historiadores lo catalogan ya no como un vanguardista más sino como “el” vanguardista por definición: mientras que mantuvo una estrecha amistad con su compatriota Joaquín Torres García, imaginaba escenografías para Federico García Lorca y sorprendía con su arte a Luis Buñuel, Salvador Dalí y a Joan Miró. Frecuentó tertulias artísticas donde conoció a poetas, críticos y artistas, como los hermanos Borges, Norah y Jorge Luis.

La muestra recorta un fragmento particular de la vida y obra de Barradas, a sus 23 años, cuando comienza su periplo europeo -París, Madrid, Zaragoza, Barcelona, Génova, Milán- y donde desarrolla, justamente, su etapa vanguardista, “siempre con una visión latinoamericanista, en este caso, rioplatense”, explica el curador Enrique Aguerre, director del Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV) de Uruguay, de donde provienen gran parte de las obras. En la recorrida para prensa participaron también Eduardo Costantini (fundador del Malba) , Teresa Bulgheroni, actual presidenta, y el embajador de Uruguay en Argentina, Carlos Enciso.

“Barradas es un pintor del presente: tiene una vigencia brutal”, dice el curador, durante la recorrida por las salas de iluminación tenue, y agrega: “Es el artista que retrata la transición a la ciudad moderna, y los hombres y mujeres que la habitan, el movimiento de las masas, la metrópolis”.

La muestra se organiza en cuatro núcleos, en un arco temporal que va de 1913 a 1923.

La muestra se organiza en cuatro núcleos, en un arco temporal que va de 1913 a 1923.

La muestra se organiza en cuatro núcleos, en un arco temporal que va de 1913 a 1923, años en los que Barradas presentó en Barcelona y Madrid las bases de su concepción estética: el vibracionismo, un “ismo” puramente personal, en el que el artista descompone las escenas geométricamente para plasmar el dinamismo de la ciudad moderna, siguiendo las direcciones del cubismo y del futurismo, a través de colores y un lenguaje pictórico propio.

“Ahí hay un tema de síntesis de ritmos visuales. El ya no retrata sino que crea en la pintura hasta la traducción de ideas de la ciudad, tiene movimiento, olores, sonidos, ritmo, que es difícil traducir a una tela. Él es un hombre flecha, con la importancia de tener un blanco, porque sin blanco la flecha no es flecha. Sin blancos no hay un objetivo”, dice Aguerre en diálogo con Télam.

Es que el título de la exhibición « Hombre flecha » surge de una carta que le escribe Barradas a su amigo Joaquín Torres García en la cual reflexiona sobre los procesos creativos de ambos y en referencia también al artista Pedro Figari: “Pasa, con Figari, lo que pasa con nuestras cosas. Pasa lo único que tiene que pasar. Es hombre camino, como nosotros. Hombre flecha, flecha que va a un blanco. Aunque no se dé en el blanco, ya es importante -tal vez lo único- tener blanco. Una flecha sin blanco no es flecha; es el caso de muchos hombres », rezaba la misiva.

El artista -que a la par, se desempeñaba como dibujante en diferentes medios gráficos- mostraba en aquel entonces un nuevo modo de ver la realidad de las bullentes ciudades que crecían desmesuradas, al impulso de la industrialización.

Cuando llega en 1913 a Europa (un lugar clave para la emergencia vanguardista), Barradas se entusiasmó especialmente con el futurismo proclamado por el poeta Filippo Tommaso Marinetti; hacia fines de ese año visitó París y retrata en sus pinturas la noche parisina y su bohemia, pero el año clave en su carrera es 1917, cuando comenzó a producir obra de manera prolífica, cuyo tema central era la ciudad y sus protagonistas: las máquinas, los nuevos medios de transporte como el tranvía eléctrico y los automóviles; la luz artificial en las marquesinas de neón, y los lugares de reunión como cines, teatros y café.

Obras como “Violinista”, “Jugadores de naipes”, “El circo más lindo del mundo” o “Quiosco de canaletas”, expuestas en la sala, dan cuenta del vibracionismo, movimiento que implicaba simultaneidad de formas geometrizadas sin jerarquización y el uso de colores planos que traducen el movimiento y la aceleración del tiempo

La muestra se podrá visitar hasta el 14 de febrero de 2022 en el Malba.

La muestra se podrá visitar hasta el 14 de febrero de 2022 en el Malba.

La exposición también presenta una selección de obras de Joaquín Torres-García, en diálogo con la producción de Barradas, para recrear el vínculo estrecho de estos dos referentes de la modernidad latinoamericana. Tres obras de la exposición, realizada en las Galerías Layetanas de Barcelona en 1918, se exhiben juntas después de mucho tiempo.

Además, la curaduría abordará la relación entre Rafael Barradas y su hermana Carmen Barradas (Montevideo, 1888-1963), destacada compositora y pianista, que -en pie de igualdad- interactuaba creativamente con su hermano. Sus piezas musicales fueron verdaderos disparadores para la producción de Rafael Barradas y testimonio del fecundo intercambio artístico entre ambos, que se verá en sala a través de documentación, partituras y registros musicales.

Un dato curioso en la vida de Barradas: junto con su familia se involucró en varios proyectos comerciales -además de sus actividades editoriales- como fue en un momento la fabricación de juguetes. Junto con sus hermanas producían las famosas muñecas de cartón o tela llamada “peponas” en España, que el artista convirtió, además, en motivo pictórico.

En 1923 contrajo tuberculosis. En 1928 regresó a Montevideo donde murió a sus 39 años a comienzos de 1929.

“Rafael Barradas. Hombre flecha”, la exposición con la que el museo celebra veinte años de su fundación -el 21 de septiembre de 2001- se podrá visitar desde mañana hasta el 14 de febrero de 2022 en el Malba, Avenida Figueroa Alcorta 3415 , de miércoles a lunes de 12 a 20, con reserva previa de las entradas online, en la web http://www.malba.org.ar. Entrada general: 400 pesos. Miércoles: $200.

 

[Fuente: http://www.telam.com.ar]

Un estudi sociologic demòstra lo progrès del basco al Bascoat Nòrd, mai que mai entre los joves

Les collèges immersifs réclament le droit de passer le brevet en basque – Libération

Un des darrièrs bulletins sus las lengas de Michel Feltin-Palas, jornalista de l’Express, presenta “L’incresible succès de la lenga basca” en tot analisar un estudi del sociològ Eguzki Urteaga sus las politicas lingüisticas al Bascoat Nòrd.

Las donadas que presenta Urteaga indican que, en chifras totalas, lo nombre de bascofòns dins l’estat francés es passat en cinc ans de 73 000 a 74 000. La chifra pòt semblar ridicula, mas o es pas pas. Al contrari. E la diferéncia amb la realitat de las autras lengas de l’estat francés o fa venir evident. Dins tot l’estat, la mòrt de las generacions dels ans 1920 e 1930, las darrièras qu’avián una lenga mairala diferenta del francés, a fach caire lo nombre de locutors. Lo basco es la sola excepcion que son nombre de locutors non solament demesís pas mas tanben aumenta.

En percentatges, uèi dins lo nòrd del Bascoat lo 20,5% dels abitants parlan basco e lo 9,3% lo comprenon plan e mai se parlan tostemps francés. De soslinhar que dins lo Bascoat Sud, lo nombre de locutors es del 33,9% e son un 19,1% que lo comprenon plan e mai se parlan tostemps espanhòl.

A mai, Urteaga anóncia que la reüssida del basco es a far una pojada espectaclosa. Los sondatges comptabilizan sonque los mai grands de 16 ans, mentre que la màger part dels que seguisson l’escòla en basco son mai pichons.

Far partida d’una comunautat

Per Urteaga, lo progrès d’una lenga depend de qualques factors dont “la densitat de locutors qu’as a l’entorn, lo sentiment de competéncia lingüistica, la seguretat dels parlants e la motivacion, la volontat, d’emplegar la lenga.” Dins aquel sens soslinha que la volontat es estada la clau de la capitada del basco. Urteaga remarca qu’al Bascoat Sud lo mestritge de la lenga permet d’obténer d’emplecs mai aisidament e dona als locutors un sentiment d’“apertenéncia comunautària”. Al nòrd, es “lo sentiment comunautari qu’a reüssit a rompre la barrièra”.

Al nivèl politic, totes los partits franc de l’extrèma drecha revendicavan a las departamentalas de 2015 de mesuras de promocion del basco, e ara lo sosten a la lei Molac es massís. A mai, los grops basquistas ganhan de vòtes a cada eleccion.

Lo perilh ven dels trabucs de l’administracion francesa, mai que mai del Ministèri de l’Educacion dicha nacionala. Cada an, las ikastolas aurián de besonh de 25 nòus ensenhaires mas lo ministèri n’accèpta sonque 5. Un trabuc que los occitans coneissèm fòrt plan, malaürosament.


URTEAGA, Eguzki, La nouvelle politique linguistique au Pays basque. Editions L’Harmattan, 204 paginas. 20,50 èuros version papièr, 14,99 èuros version numerica.

 

 

[Imatge: Gaizka Iroz / AFP – poblejat dins http://www.jornalet.com]

colós de l’anarquisme’ és el primer intent de recollir tots els textos escrits o atribuïts a Salvador Seguí Rubinat, ‘El Noi del Sucre’. Aquest volum inclou conferències, ressenyes i cròniques de mítings, articles, cartes al director, cartes privades fetes públiques en algun mitjà, assajos teòrics, cròniques, ponències i dictàmens de comicis sindicals, entrevistes i la novel·la curta ‘Escola de rebel·lia’ publicada pòstumament. Som al 2021 i Seguí fou assassinat per pistolers a sou de la patronal el 1923. Amb aquestes dues dates damunt la taula ens podem fer una idea de l’anomalia que suposa no haver tingut aquest llibre abans, molts anys abans. Sobretot si tenim en compte la importància i transcendència de la figura de Seguí al llarg de la seva vida i de l’organització de què fou líder, la CNT, sense cap mena de dubte l’organització de masses més important de la història dels Països Catalans en l’edat contemporània. Però sobretot, també, perquè ell és un dels pocs anarquistes que ha sobreviscut a l’esborrament que la història, de les classes populars d’aquest tros del món ha patit a mans dels feixistes vencedors el 1939 i des que, podent refer aquesta història, no ho han fet, des d’espais de saber superior com series les múltiples universitats d’aquest país, les del costat i les de més enllà.

Sobre l’autor

Salvador Seguí i Rubinat (Lleida, 1887- Barcelona, 1923). Conegut com a El Noi del Sucre, fou un dels líders més destacats del moviment anarcosindicalista de Catalunya de principi del segle XX. De professió pintor, ja des de molt jove va mostrar inquietud per les idees llibertàries; seguidor de l’Escola Moderna de Francesc Ferrer i Guàrdia. El seu ideari revolucionari es fonamentava en la conquesta pel saber de la classe treballadora, un camí que creia propici per a realitzar amb èxit la revolució social contra el capitalisme i les classes socials dominants. Va ser secretari general de la CNT a Catalunya, president de l’Ateneu Sindicalista i va impulsar la creació de ‘Solidaridad Obrera’. El 10 de març de 1923 va ésser assassinat d’un tret al carrer de la Cadena (actual Rambla del Raval), cantonada carrer de Sant Rafael, en el barri del Raval de Barcelona, a mans de pistolers blancs del Sindicat Lliure.

 

Títol: El colós de l’anarquisme
Autor: Salvador Seguí
Editorial: Lo Diable Gros
Col·lecció: La Tramuntana
Pàgines: 248
ISBN: 978-8412204339

 

 

 

 

[Font: http://www.racocatala.cat]

Entretien avec le réalisateur israélien Nadav Lapid au sujet de son quatrième long-métrage, couronné par le Prix du jury au Festival de Cannes (lire la critique), à l’occasion de sa sortie en France.

Publié par Bénédicte Prot

La parole a, dès les premières scènes du Genou d’Ahed, une place particulière, comme si on comptait sur le logos – sur l’exégèse, sur le dialogue – pour concilier tout ce qu’il peut y avoir de fragmenté dans l’histoire de ce réalisateur, Y, au moment où on le rencontre, et pourtant plus on avance dans le récit, plus le caractère scindant, ou du moins déceptif, du langage se met à ressortir.

L’idée sous-jacente, c’est que le langage, c’est tout et c’est rien, c’est omnipotent et inexistant. On trouve en effet dans le film cette obsession, cette tentative obsessionnelle voire boulimique par rapport aux mots, cette impression que si on en manque un seul, on va manquer la vérité, de sorte qu’il faut utiliser tous les mots possibles, tous les mots qui existent dans le dictionnaire. Sauf qu’une fois qu’on a épuisé tous les mots, on est plus ou moins là où on était au départ. Dans ce sens, c’est déceptif. C’est comme si le film sapait lui-même ce qu’il entreprend de faire. Il dit « Regardez, je vais tout vous raconter, vraiment tout. Non seulement je vais raconter toute l’histoire, mais je vais le faire en utilisant tous les mots », pour se rendre compte que cette démarche est vouée à l’échec. Le personnage principal fait un monologue infini et s’écroule, tombe à genoux. Il y a là, de la part de celui qui a tout misé sur la parole, un aveu de faiblesse.

À moins que l’échec ne vienne du fait qu’on en interrompt le flux. D’ailleurs, n’est-ce pas la manière dont l’oppression fonctionne ici, par manipulation du langage ? Elle trahit, pervertit la parole en l’arrêtant sur des mots choisis.

Je pense tout de même que dans le film, il y a une sorte de jusqu’au-boutisme permanent. Le personnage de Y est tout le temps sur ce mode : il va au au bout de son écroulement, au bout des pleurs, au bout de son cri, de sa propre destruction… Il est vrai que tant qu’on parle, on évite le gouffre, mais le langage finit par s’épuiser à un moment, de lui-même… Cela dit, je suis d’accord avec l’idée qu’il y a un moment où les mots, dans le film, sont contaminés par quelque chose, des deux côtés d’ailleurs : on a d’une part les mots étatiques, ceux du formulaire, où on te propose de parler beaucoup de choses tout en t’enjoignant de ne parler de rien, de tout ce qui n’est pas, et d’autre part ce personnage qui lui aussi utilise tous ses mots dans un cadre qui est en fait celui d’une manipulation. Quand il fait ce vaste monologue presque final, puis s’écroule, on a l’impression que c’est terminé… Et puis il se lève et dit, d’une voix très froide : « Vous n’avez pas un stylo et un papier ? ». Je pense que ça aussi, c’est contaminé par une forme de manipulation.

Paradoxalement, alors même qu’elle se caractérise par une rhétorique de l’éclatement assez radicale – pour cela même, pourrait-on dire –, c’est la mise en scène qui finit par « résoudre » l’élément fractionné du récit. Vous avez dit que le scénario a été écrit vite (en deux semaines). Il a dû vous falloir un certain temps pour élaborer une mise en scène aussi percutante et complexe à la fois.

D’abord, merci ! Oui, c’est très juste comme description. Le travail sur la mise en scène et sur le découpage est passé par beaucoup d’étapes différentes. D’abord, il y a eu une première phase de décision, pendant la pré-production, mais certaines décisions étaient basiques, un peu évidentes, un peu trop évidentes, et puis il y avait leur renversement. Mais à la suite de tout ça, à chaque veille de tournage, j’ai pris une sorte d’habitude : relire le découpage et, d’une certaine manière, essayer d’aller directement à ce qui, dans ma tête, était la vérité de cet instant même, du présent dans lequel le film était en train de se tourner (plus ou moins dans l’ordre chronologique). Pour moi, très souvent, le grand problème des films de fiction est qu’au moment où ils sont filmés, ils appartiennent déjà au passé. C’est comme s’il fallait ajouter le présent du moment au présent du film. donc des changements assez importants ont été opérés à cette étape-là. Je pense que c’est cette étape qui a amené des variations, des contradictions, de la complexité, et en même temps, j’ai l’impression que ça donne une sorte de vérité et de cohérence à la mise en scène.

Le « duel » central (entre le chorégraphe Avshalom Pollak et Nur Fibak) – on pourrait aussi dire combat, danse, match… – a différents moments, plusieurs renversements. Comment décririez-vous la dynamique autour de laquelle il s’articule.

Duel ça me va, le mot existe même dans mes notes, je pense. Les autres mots aussi. Dans ce jeu de supériorité et infériorité, force et faiblesse, soumission et domination, il y a une alternance durant le film, entre qui est fort et qui est faible… Les gens, surtout en Israël, ont une vraie tendance à aimer le personnage de la fonctionnaire. Je ne sais pas ce que ça veut dire… Est-ce que ça veut dire que le film a échoué, je ne sais pas. Ou peut-être qu’il a trop réussi… Et je parle de gens qui aiment beaucoup le film. Pour moi, quand elle lui dit, par exemple, avec un grand sourire, « …sinon on ne peut pas te payer », je trouve qu’il y a de la violence là-dedans. Ça revient à dire : « On va mettre des mots dans ta bouche et tu vas parler en n’utilisant que nos mots à nous, tu es limité… Enfin, à l’intérieur du vocabulaire qu’on te donne, tu peux dire tout ce que tu veux, mais c’est nous qui choisissons le vocabulaire ! ». Pour moi, là on sent toute la violence des institutions, qui sont du côté de l’autorisé, du normal, de légal, et qui sont arrivées à complètement escamoter le fait que ce sont elles qui ont déterminé les règles du jeu au départ. Une fois qu’Y est face à la fonctionnaire, ce qu’on ressent, c’est que celui qui est fort et violent, c’est lui : dans ce one-on-one, elle représente les institutions, c’est vrai, mais c’est aussi une jeune femme qui a grandi dans un petit village, et dans cette confrontation qui les met face à face, on a l’impression qu’il est capable de la battre, et il essaie presque de la battre…

C’est un choix intéressant, de faire représenter le point de vue « juste » par un personnage pas très sympathique et inversement, de donner à la personne qui représente le système des traits assez aimables.

Surtout que je dirais qu’elle a une vraie dévotion pour sa mission, qui pour elle est vraiment d’amener l’art dans ce lieu reculé, et n’importe quel art : l’art qu’elle considère comme essentiel et important partout – comme il le dit d’ailleurs : comment est-ce qu’on peut haïr quelqu’un qui, dans ce désert étouffant, se bat pour que les gens lisent ?! C’est noble.

Il y a une phrase de Nietzsche que j’ai lue récemment, dans Par-delà le bien et le mal , j’ai l’impression qu’il a écrit ça sur le film. Ça dit (enfin, il le dit beaucoup mieux !) : « Quand on lutte contre des monstres, il faut faire attention à ne pas devenir un monstre soi-même. Si tu regardes trop longtemps l’abîme, l’abîme te regarde à son tour ». Ainsi, entre sa voix à lui (« Tout est hostile, tout est affreux, vous êtes tous des ennemis et le seul choix possible, c’est le rejet, c’est la résistance, c’est le combat. Je vois bien que, derrière votre sourire, il y a un dragon », de sorte que chaque échange verbal a une forme belliqueuse) et sa voix à elle (« Tout est normal, tout va bien, il faut juste croire aux choses et le monde ira bien »), évidemment qu’on est plus du côté de sa vivacité, sa sympathie et sa normalité à elle, quand on entend cette voix.

Après, qu’est-ce que ça veut dire, d’être du bon côté dans un état des choses qui est plutôt mauvais ? N’est-ce pas une situation qui ne vous offre que des mauvais choix : collaboration sympathique ou résistance antipathique ? Je pense que la question, d’une certaine manière, ce n’est pas l’état des choses en Israël (en Israël ou ailleurs, du reste), mais : en quoi cela transforme-t-il les gens ? Qu’est-ce qu’ils deviennent ? Dans cette situation-là, comment on vit ? Comment on existe ? Ceci étant dit, l’état d’esprit dans lequel Y est, qui considère que tout est hostile (les gens dans la rue, le public dans la salle, les arbres…), mène à quelque chose non pas de pervers mais de triste, qui n’est pas de l’ordre de la vie. C’est refuser la vie.

Alors quel choix doit faire le cinéaste, quel choix faites-vous vous, dans la vie, entre se camper sur un principe au risque de devenir aussi rigide que les institutions qui censurent ou accepter le compromis ?

Moi, j’ai fait ce compromis. Puisque vous m’interrogez sur le réel, quand la même chose m’est arrivée, j’ai été beaucoup plus raisonnable, lâche peut-être, ou pratique… Peut-être que ma manière de dénoncer mon compromis était de faire ce film mais dans la vraie vie, oui, j’ai signé ce formulaire.

Vous avez décrit l’écriture du scénario, dans un moment de deuil difficile, comme un jaillissement similaire à un geste de nuit d’ivresse séparé du reste. Vous y reconnaissez-vous, en êtes-vous ou en avez-vous été surpris ?

Cette question, je me la pose avec ce film comme avec aucun autre de mes films. C’est un film avec lequel j’ai, parallèlement, une grande distance et une proximité presque insupportable. Ça vient aussi de son parcours, comme s’il était voué depuis le début à exister dans une forme de contradiction, entre l’urgence dans laquelle il a été fait et le fait qu’il soit resté au frigo pendant un an. Avant Cannes, il appartenait tellement, pour moi, au moment où il a été fait que j’avais presque l’impression de ne pas savoir ce qui allait se passer : il fallait qu’on le sorte du frigo, mais je ne savais pas s’il allait ressusciter. Classiquement, il aurait fallu que ce soit comme dans un marathon : arriver à la fin, avec à peine la possibilité de respirer, le montrer et tomber. Ou le montrer et le brûler. Mais comme il y a eu cette attente… Pour moi aussi c’est un objet un peu étrange… et en même temps il y a une énorme proximité.

Vous avez une manière très distinctive, dans ce film plus que jamais, de jouer de l »élément « autofictionnel », qui n’est pas juste avoué mais déclaré, comme s’il était partie intégrante de votre dispositif.

Je pense que l’utilisation de la vérité, enfin de la vraie vie, permet de sortir de la cellule de l’invention fictionnelle, où très souvent on est presque limité à faire des démarches fictionnelles à l’infini et privé, je pense, du côté chaotique et étrange de la vie. Après, je crois que pour les autres, peut-être, ça rend le film un peu plus dangereux, d’une certaine manière, dans le sens où comme spectateur, on est toujours protégé par l’écran, par l’idée que ce qu’on voit n’existe que sur l’écran, or je n’aime pas l’idée des spectateurs qui sont assis dans une salle à voir les problèmes des autres, à l’abri. Alors que si quelque chose a existé, comme là, ça peut ré-exister, ça peut se passer encore. Si ça m’est arrivé, ça peut t’arriver aussi, sous une autre forme peut-être. Ça transforme le film de l’aborder comme ça… pour la joie, je l’espère, de nous tous.

 

[Source : http://www.culturopoing.com]

Ruta da Auga, en Zas

Ruta dá Auga, en Zas

Escrito por BIEITO ROMERO

Sempre escoitei que Galicia é o país dos mil ríos, pero hai quen di que chega ata os dez mil, imaxino que contando regos, regatos e outras derivacións fluviais menores. Unha absoluta riqueza hídrica que nos convertería en potencia se non fose porque o seu estado de conservación xa é outro cantar.

Creo que aínda non somos conscientes do significado e importancia da auga tendo a sensación erradamente establecida de que aquí nunca nos vai faltar. Como chove abundantemente e temos tantos ríos e fontes, malo será! Pero moito ollo, as cousas están mudando e, dende hai tempo, xa hai quen avisa do que nos pode chegar a acontecer se non temos coidado. Aínda estamos a tempo de atender ás infraestruturas dos ecosistemas fluviais, recuperando as poboacións de especies autóctonas erradicando as invasoras que ameazan á nosa flora e fauna.

Por outra banda, o estado de conservación dos ríos non pode ser só aparente, senón que debe ir acompañado do saudable do hábitat no que o propio río interactúa e se fósemos intelixentes deberiamos ser moito máis sensibles e coidadosos xa que todo isto vai incidir directa ou indirectamente no noso propio benestar e saúde. Lembro de cativiño xogar en diferentes ríos e regatos do país, bañarme e incluso beber as súas augas que aínda eran limpas e saudables, tamén da cantidade de vida que había tanto nos propios ríos como na súa contorna.

Hoxe, algúns daqueles nos que eu gozaba xa non están do mesmo xeito e mesmo presentan unha triste imaxe. Non debemos esquecer que temos unha cantidade de auga inestimable, nos ríos, en mananciais de augas termais e de augas minerais sas e puras, tamén fontes con augas limpas aptas para o consumo, posuímos unha riqueza impresionante a coidar, respectar e pór en valor sen deixar de visualizar a realidade de que noutros países e lugares do mundo existen graves conflitos e incluso guerras por algo que a nós aínda nos segue a parecer que nos veu dado.

Así que concienciémonos e sensibilicémonos coa protección dos ríos como símbolos de vida.

 

[Imaxe:  XOSÉ AMEIXEIRAS – fonte: http://www.lavozdegalicia.es]