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Chantal Goya no filme Masculin Féminin, de Jean-Luc Godard (1966)

Escrito por Pedro Correia

Oiço muitas vezes por aí chamar « o » Iniciativa Liberal ao quarto maior partido parlamentar português. No seu programa de domingo à noite, Ricardo Araújo Pereira pôs a ridículo este absurdo desnorte gramatical exibindo excertos de noticiários televisivos (incluindo da própria SIC) que mencionavam a IL, alternadamente, como pertencente aos géneros feminino e masculino. Chegando-se ao ponto de ouvir jornalistas diferentes, no mesmo telediário, usarem as duas fórmulas. Questiono-me se não haverá livros de estilo e editores que assegurem o controlo de qualidade nestes canais para impedir esta algaraviada sem senso algum.

A norma gramatical é clara: artigo e substantivo concordam em género e número. Aqui não há transgénero: masculino é masculino, feminino é feminino. Nem há transnúmero: singular é singular, plural é plural.

Assim, dizemos os Verdes ao aludirmos a um partido que integra a actual coligação governamental na Alemanha – no plural. E a UNITA ou a FRELIMO quando mencionamos estes partidos políticos, um em Angola (União para a Independência Total de Angola), outro em Moçambique (Frente de Libertação de Moçambique).

A sigla IL só deve ser lida com artigo feminino – por a primeira letra ser abreviatura de Iniciativa. Ninguém diz « o FRELIMO » ou « o UNITA ». Diferente é se disserem « o partido Iniciativa Liberal » – só aí o artigo é masculino. Mas faz pouco sentido usar 24 letras para aquilo que pode ser dito só com duas.

Enfim, regras que deviam ser fixadas desde as aulas da instrução primária, mas que jornalistas supostamente com formação universitária são incapazes de aplicar. O que diz muito sobre a qualidade do nosso ensino. E sobre a qualidade do nosso jornalismo.

 

[Fonte: delitodeopiniao.blogs.sapo.pt]

Christina Rosenvinge interpreta a Safo

Escrit per Enric Umbert-Rexach

Fa uns mesos vaig veure al Teatre Romea de Barcelona, dins el Grec 2022 Festival de Barcelona, una representació teatro-musical, molt kitsch per cert, sobre la poeta de la Grècia antiga Safo de Lesbos. La dramatúrgia la signava Marta Pazos, qui dirigia la companyia Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. L’actriu principal i directora musical, Christina Rosenvinge, va dir que Safo vindria a ser la Rosalia dels nostres temps, la cantant catalana que avui dia volta pels escenaris d’arreu del món. Aquesta comparació em va fer dubtar si era afortunada o no. I ara voldria sortir de dubtes.

Com a diletant de les belles arts que soc, i en especial de la disciplina literària, em proposo fer un breu exercici de literatura comparada que té el seu origen en les primeres troballes d’un papir a l’època de l’antiga Grècia i posar-lo en contrast amb les creacions literàries que en el moment actual flueixen de forma binària a través d’internet o de les xarxes socials. Dit d’una manera més concreta, a partir de l’admiració i l’entusiasme que professo pel món literari, pretenc capficar-me en les diferències i semblances entre dos punts separats per molts segles i en un terreny com és l’art de la paraula. I, per tal de delimitar l’ampli camp de treball que aquest estudi suposa, em centraré en el gènere literari de la poesia.

Imaginem-nos, per un moment, que ens trobem en un bell paratge de l’illa de Lesbos, pels volts de sis segles abans de la nostra era. Sota una olivera se senten uns versos que una poeta anomenada Safo recita acompanyada del so d’una lira, l’instrument que solia guiar les seves composicions i que tocava amb un plectre, el que ara en diem pua, i del qual es creu va ser ella la inventora. Poesia i música, germanes bessones sempre en harmonia. Per això Safo és reconeguda com a poeta d’extraordinari lirisme. Composicions que ens han arribat de forma parcial i molt fragmentària, ja que es calcula que no disposem ni d’una dècima part del que s’intueix que va arribar a compondre. Prova de la seva exquisidesa és que va ser considerada la desena de les muses inspiradores de la lírica al costat mateix d’Erato, qui representava la poesia amorosa o lírica i que sempre portava una lira entre les mans. És bo recordar, a més, que les nou Muses, filles de Zeus i de Mnemòsine, són, d’acord amb la mitologia grega, les protectores de les arts.

Curiosament, la poeta Safo va pujar a l’Olimp dins una societat on, malgrat la tolerància de l’homosexualitat, el masclisme imperava sense embuts. Safo de Lesbos, però, va ser una poeta que, més enllà de cantar l’amor lèsbic de forma monòdica, també protagonitzava comèdies obscenes i escrivia biografies fantasioses, motiu pel qual va ser titllada «d’amant insaciable i depravada o directament de prostituta», en paraules del filòleg Eloi Creus, frase que podeu llegir en la recent edició d’I desitjo i cremo publicada per Edicions Proa i de la qual em vaig fer ressò en aquesta tribuna. Potser per apaivagar els ànims, Safo també oferia cants corals anomenats epitalamis que festejaven noces de les seves amistats així com altres tipus d’himnes dedicats als déus que eren venerats de forma recurrent. Una revolucionària del seu temps que posava veu a fets quotidians sense miraments ni complexos. Desconeixem, com és lògic, la melodia dels cants que acompanyaven les creacions poètiques, però podem gaudir de la musicalitat dels seus versos gràcies a l’adaptació d’Eloi Creus a l’harmonia catalana actual. Els versos que ens han arribat de Safo segueixen una mètrica impecable a base de diferents peus que doten els poemes d’una melodia captivadora basada en la coneguda estrofa sàfica que consisteix en tres versos decasíl·labs i un quart vers tetrasíl·lab.

De què parla Safo?, quins són els seus temes més recurrents? Doncs parla de la impossibilitat de l’eterna joventut i del pas implacable del temps «el meu cos, que una vegada va ser tendre, ara la vellesa l’ha marcit». I de la passió amorosa i del desig: «i desitjo i glateixo amb ardor». També celebra les arts d’Afrodita, la deessa de l’amor i la persuasió, suplicant que li faci costat com a aliada en la seva particular lluita amorosa: «A qui fetillo aquest cop per tornar-la al teu amor? Qui et fa mal, Safo?», respon la deessa a un prec de la poeta. I, insisteix, que el més bonic del món es perseguir a qui s’estima: «Voldria veure els seus passos que encisen, / i l’espurneig que n’il·lumina el rostre». I altres invocacions a les divinitats i a les gestes de les deesses.

El rap és, en realitat, una cançó parlada amb base rítmica molt accentuada. El seu caràcter oral, la seva temàtica basada en la manifestació d’inquietuds i preocupacions, així com la manera de dirigir-se al públic, ha fet que el seu missatge es compari al dels joglars medievals

Fem un salt en el temps i situem-nos ara dins d’un ampli local nocturn amb un escenari il·luminat de llums alternants i farcit d’aparells musicals. És a dir, estem a l’altre extrem del bucòlic camp obert on escoltàvem refilar ocells com a fons musical. Situem-nos, doncs, en el referent oposat de la dialèctica que hem establert, amb la cantant Rosalía, de qui coneixem tots els detalls del seu art. Es tracta d’una cantant que mescla el flamenc tradicional amb estils moderns com ara el pop, el rap, el hip hop i la música experimental. Fórmules totes elles de recitació molt similar. Centrem el focus en un sol dels estils per concretar millor l’argumentació: el rap. El terme rap, el més icònic de tots, es refereix a l’art de rimar, acrònim de Rhythm And Poetry, o també, en el seu vessant castellanitzat, en l’apòcope de rapsode. Fins i tot, trobem a l’Oxford English Dictionary que el significat original de la paraula «rap» és «fer un so a conseqüència d’un moviment ràpid», atès que una de les característiques diferencials és l’àgil improvisació. El rap és, en realitat, una cançó parlada amb base rítmica molt accentuada. El seu caràcter oral, la seva temàtica basada en la manifestació d’inquietuds i preocupacions, així com la manera de dirigir-se al públic, ha fet que el seu missatge es compari al dels joglars medievals. Està classificada com un tipus de poesia molt visceral que es rebel·la contra totes les normes, i això fa que els rappers, s’expressin d’una forma molt directa. Però que sigui directa no desmereix la seva estructura poètica perquè les cançons d’aquest estil creen imatges en forma molt lírica per expressar la realitat que volen descriure. Com diu el conegut rapper Zenit: «Tinc un pacte amb la rima, ella m’estafa, jo l’acarono en la tarima i anem plegats al cim». Quan es va crear el rap? Si filéssim prim, i tenint en compte la base dialogada del gènere, podríem dir que el seu origen més atàvic es troba en la regueifa gallega, en els bertso-lari del País Basc, en el glosat menorquí, o en el trovo de Granada. Si ens situem ara en la més propera actualitat, hi ha un consens en el fet que l’origen de la cosa va ser a Jamaica. A mitjan dècada dels setanta es va traslladar a les festes més tronades dels barris perifèrics de Nova York, on vivien comunitats afroamericanes i llatines. Kool Herc és generalment reconegut com el pare de criatura, però el veritable honor és per a Rapper’s Delight, el primer amb veritable èxit comercial, les composicions del qual han fet, en poc temps, la volta al planeta.

L’estructura d’una cançó de rap sol ser sempre la mateixa: 2/3 versos, 1 tornada, 2/3 versos més i de nou tornada. Vers isosil·làbic basat en el predomini de monosíl·labs, en la cesura i en la rima. L’últim vers sempre ha de ser molt contundent. Bons exemples en podem trobar a youtube escoltant, entre altres, The Morning de Cruel Summer. Per conèixer quina és la temàtica o la lletra típica d’un rap, res millor que uns quants exemples. Diu el rapper Nach: «Els meus somnis són mentides que un dia deixen de ser-ho». I un altre del japonès Kase O: «Em beuré fins a les copes dels arbres, prendré de tot menys decisions». I si tornem a la nostra cantant Rosalia, podem llegir un fragment de la cançó Motomami, on es repeteixen uns versos que diuen«A cada copia que ves / tú dale tu bendición / y yo no quiero competir / si no hay comparación».

si un rapper és capaç de recitar respectant el tempo i el ritme, desgranant conceptes i metàfores a una velocitat considerable, no pot sinó considerar-se un veritable poeta, «un joglar dels nostres temps»

Dues propostes líriques tan allunyades en el temps tenen algunes coses en comú. Per una banda, si un rapper és capaç de recitar respectant el tempo i el ritme, desgranant conceptes i metàfores a una velocitat considerable, no pot sinó considerar-se un veritable poeta, «un joglar dels nostres temps», com afirma Enrique Santos Unamuno en la seva tesi: El resurgir de la rima: los poetas románicos del rap. Per altra, l’acompanyament de la recitació amb un instrument musical apropa encara més els dos singulars estils poètics. La rima en el cas del rap és molt més accentuada que la sàfica, segurament per incrementar el valor musical d’una recitació força monòdica. Es podria objectar que el rap té un component teatral, però res no sabem de com eren les representacions corporals a la Grècia de Safo. Seguim la comparativa: la variació tonal dels rappers és molt pobra i podem imaginar que en el cas grec també ho era degut a l’escassetat de cordes i la limitació de registres que conté una lira. Una diferència poc significativa seria que el rap acostuma a incorporar la tornada mentre que la poesia que coneixem de Safo, no. I un altra semblança: el rap té la seva gènesi a peu de carrer i en les classes baixes, es desfoga i vol combatre les injustícies, mentre que la poesia de Safo canta l’amor, els déus i parla de fets quotidians sense complexos.

La poesia culta, barroca o clàssica, modernista o post-modernista, abstracta o amb poc rigor rítmic, cal·ligramàtica o poètica del cos, totes elles queden lluny dels dos tipus de poesia que breument hem analitzat, la poesia sàfica i el rap. Ambdós estils aposten per l’exaltació dels sentiments de forma direca i molt rítmica. Per tant, per molt separats en el temps que estiguin aquestes dues escoles, es pot inferir que tenen molts punts en comú i m’atreveixo a reconèixer que, sovint, els extrems es toquen.

Potser ara s’entén millor el paral·lelisme que hi veu l’actriu Christina Rosenvinge entre la poeta Safo i la cantant Rosalia i que, qui sap?, potser és una idea amb molt de sentit. Un exercici de literatura comparada.

 

 

[ Foto: David Ruano – font: http://www.laveudelsllibres.cat]

Raportàvem fa qualques jorns lo resson mediatic de l’afar del rèirenom d’Artús Varena. Se n’es parlat dins de mèdias bascos, bretons, catalans, etc.

Dins la premsa de portada estatala francesa, pas un mot, e dins la premsa locala avèm trobat los gròsses títols seguents:

— “Mende/ Losera: lo servici de l’estat civil de la vila refusa d’enregistrar un prenom… occitan” (Ouillade.eu)

— “Lo prenom occitan Artús refusat a son filh, lo combat d’un paire loseròt” (France Bleu)

— “Losera: lo prenom occitan Artús es estat refusat, la familha denóncia ‘una discriminacion culturala’” (Midi Libre).

Comparem-los amb los gròsses títols d’endacòm mai:

— “L’estat francés permet pas qu’un ciutadan enregistre lor filh amb un nom occitan” (La República)

— “L’estat francés empacha qu’enregistren un enfanton amb un prenom occitan” (Diari de Balears)

— “França impausa un nom en francés a un enfanton occitan” (Diari de la llengua)

— “An enebit a de parents de donar lo prenom occitan ‘Artús’ a lor mainatge en França” (Euskal Telebista)

Delà los títols, dins qualques informacions podèm legir que l’accent sus la “ú” pòt portar de problèmas o que contraven a la lei del temps que los jornalistas que son fòra de l’espaci mental jacobin pòdon pas creire qu’un país qu’aja la tecnologia aerospaciala e que pòsca fargar e exportar d’avions Rafale siá pas capable d’introduire dins los ordenadors de son registre civil los caractèrs pròpris de sas lengas pròprias, territorialas e istoricas, pas quitament se i a de ciutadans qu’o demandan. Evidentament, al sud dels Pirenèus, l’escampa del caractèr diacritic per refusar un rèirenom es considerada d’un cinisme màger e d’un mesprètz revoltant.

Las consideracions de l’estat civil e de la justícia francesa supausan que la reconeissença d’un caractèr tipografic e lo respècte de la lenga francesa son superiors als dreches dels mainatges, assolidan que los ciutadans franceses son someses a cèrts limits arbitraris quand devon causir los rèirenoms de lors enfants e asseguran que l’administracion a mai de poder que los parents per decidir lo prenom d’un mainatge, s’aqueste es alsacian, arpitan, basco, breton, catalan, còrs, flamenc o occitan. De fach, los ciutadans franceses de lenga francesa an mai de dreches que los de las lengas nòstras non francesas.

Es impressionant que se pòsca mancar a tantes dreches umans al nom de la libertat, l’egalitat e la fraternitat.

 

[Imatge: hippopx.com – sorsa: http://www.jornalet.com]

ENTRETIEN – Le tutoiement spontané semble s’imposer dans les discussions. Jean Pruvost, linguiste et auteur de La Politesse. Au fil des mots et de l’histoire, analyse la richesse du vouvoiement.

«Quai d’Orsay», film de Bertrand Tavernier (2013)

Propos recueillis par Victoire Lemoigne

Vais-je paraître trop distant? Trop familier? C’est un tâtonnement fréquent dans les rapports sociaux. Et aucune règle fixe ne semble résoudre définitivement ce balancement entre vouvoiement et tutoiement. Si bien que dans certains milieux professionnels, le tutoiement s’impose désormais. Que faut-il en penser? Le linguiste Jean Pruvost analyse cette particularité française.

LE FIGARO. – D’où vient cette différence entre tutoiement et vouvoiement?

Jean PRUVOST. – L’origine est romaine, latine. Elle remonte à la division par l’empereur Dioclétien au IIIe siècle de l’Empire Romain entre Orient et Occident. Chacun des deux nouveaux Auguste, c’est-à-dire des empereurs, est alors assisté d’un César. La légende raconte que lorsque l’un des quatre souverains s’adresse à l’empire, il parle au nom des trois autres en disant «nous». On y répond en disant «vous». Le vouvoiement de politesse, ou du moins de respect, s’est alors progressivement développé. Il valorise l’interlocuteur.

Pensez-vous que le tutoiement soit une marque d’affection?

Pas forcément. On peut aimer profondément quelqu’un que l’on vouvoie. On estime qu’aujourd’hui 200 000 personnes se vouvoient en étant mariées. En lisant par exemple Arrière-Pays, un roman de Daniel Rondeau, je me suis rendu compte progressivement qu’un couple très harmonieux se vouvoie tout au long du roman: «Vous allez bien, ma chérie?» Il en va de même dans la biographie magnifique de Dominique Bona, Divine Jacqueline, où Madame de Ribe et son mari se vouvoient toute une vie, très amoureusement. Dans les rapports familiaux, plus de 80% des Français vouvoient également leurs beaux-parents.

Le tutoiement dépend-il du statut de la personne ou bien des circonstances?

Il peut représenter un «tu» d’égalité ou alors de hiérarchie, dans l’ordre du savoir, des responsabilités, par exemple. Il est inimaginable qu’un enfant d’école élémentaire du second degré tutoie son enseignant, alors qu’il est relativement fréquent que ce dernier tutoie ses élèves. Mais cela dépend aussi des circonstances, plus qu’on ne se l’imagine. Quand j’étais inspecteur de l’Éducation nationale, on se tutoyait rapidement entre collègues. Pour se vouvoyer dès que l’on se trouvait devant les professeurs et les syndicats. Même chose à la radio. Hors antenne, je vais tutoyer l’animateur que je connais depuis dix ans. Mais quand le micro s’ouvre, je le vouvoie sans même avoir à y réfléchir. C’est une politesse consistant à ne pas exclure les auditeurs qui peuvent être choqués d’une complicité dont ils seraient exclus.

« L’académicien Frédéric Vitoux évoque le ‘‘tutoielitarisme’’, cette obligation du tutoiement qui a bien quelque chose du totalitarisme

Car le tutoiement peut exclure autant qu’il intègre. Il peut arriver que le tutoiement puisse être une marque indirecte de supériorité méprisante. Il y a une anecdote célèbre quant à l’évolution hiérarchique. Quand François Mitterrand est élu secrétaire général du parti socialiste, un de ses militants de la première heure qui le tutoyait lui a demandé s’il pouvait continuer ainsi. Et le futur président de la République de répondre: «Si vous voulez!» 

Faut-il encourager le tutoiement?

L’important est qu’il ne soit pas imposé. Au Québec dans les années -60, on a obligé à un moment les enfants à tutoyer leurs enseignants, et réciproquement. Denise Bombardier raconte dans son Dictionnaire amoureux du Québec (Plon, 2014) avoir été convoquée par le directeur de l’école qui cherchait à comprendre pourquoi son enfant se refusait à tutoyer son professeur. Ce tutoiement a aussi été imposé pendant la Révolution Française. C’était supposé illustrer une égalité parfaite entre tous, mais c’était en réalité un appauvrissement voire un avilissement de la relation. L’académicien Frédéric Vitoux évoquait dans une conférence de manière très judicieuse le «tutoielitarisme», cette obligation du tutoiement qui, imposé, a quelque chose de totalitaire.

Qu’en est-il du tutoiement automatique?

Il se développe du côté des jeux, du côté des réseaux, entre jeunes. Parfois, il est très inconscient et on ne se pose même pas la question. Quand on est chrétien, dans les prières on vouvoie la Vierge Marie, «Je vous salue Marie», et on tutoie Dieu en disant «Notre Père qui es aux cieux». En novembre 2021, quand Emmanuel Macron est allé voir le pape François, le tutoiement a surpris. Mais c’est la tradition papale. Aujourd’hui, le tutoiement spontané existe très facilement dans le monde de la radio ou de la télévision. Il vient d’ailleurs peut-être d’une précaution qu’on prend en se rapprochant les uns des autres le plus possible, en tentant de créer une amitié prudente dans un monde en fait très cruel. Les milieux professionnels ont leurs habitudes et leurs pratiques. 

Pourquoi faudrait-il préserver le tutoiement et le vouvoiement?

Le balancement ou le choix avisé entre les deux constituent une richesse de la langue et en rien une pauvreté. C’est une nuance supplémentaire et merveilleuse de notre langue. Il y a un art français consistant à jouer du double système avec élégance. On peut aussi en jouer plaisamment comme en témoigne un dessin de Pascal Gros à propos de l’ouvrage Le Tu et le Vous. L’art de compliquer les choses, (Flammarion), d’Étienne Kern. On y voit un patron avec sa cravate dire à son associé: «Tu es viré», ou «enfin…vous êtes licencié si tu préfères!» Préservons cette liberté et ce jeu du tutoiement et du vouvoiement. Surtout rien d’imposé et à nous de jouer…

 

[Photo : George Etienne/Bridgeman Images – source : http://www.lefigaro.fr]

A nova académica, María Dolores Sánchez Palomino, dando o seu discurso de ingreso na RAG.

A catedrática de Filoloxía Románica da Universidade da Coruña María Dolores Sánchez Palomino (San Vicente de la Barquera, 1961) ingresou este mediodía na Real Academia Galega como membro de número nunha sesión extraordinaria pública celebrada na sede da institución, na rúa Tabernas da Coruña. A filóloga, directora do novo dicionario castelán-galego que a RAG ofrecerá proximamente en liña, defendeu na súa intervención a necesidade de que as academias aposten polos repertorios bilingües que cumpren, salientou, unha función comunicativa, social e cultural, ao tempo que participan na conformación e difusión da norma lingüística. Deulle resposta en nome da institución o coordinador do Seminario de Lexicografía, Manuel González, quen afirmou que a nova académica “vai ser un esteo fundamental no traballo lexicográfico da Academia”.

“Xunto á misión de estabelecer a variedade estándar dunha lingua, as academias teñen outra moi importante: a de procurar a normalización lingüística, e os dicionarios bilingües contribúen de maneira significativa ao cumprimento desta misión”, advertiu M.ª Dolores Sánchez Palomino no discurso titulado Ten sentido unha lexicografía académica bilingüe? [De lexicografía e Academias]. “A lexicografía bilingüe non debería ser descoidada polos organismos académicos, en particular por aqueles que se encargan de linguas inmersas en procesos de estandarización e normalización. A Real Academia Galega non o fixo e consideramos que este feito debe ser recoñecido como unha achega moi valiosa da institución”, concluíu.

Filla de pai cántabro e nai andaluza, M.ª Dolores Sánchez Palomino viviu en Cantabria ata os sete anos de idade, cando se estabeleceu coa familia na Coruña. Licenciada en Filoloxía Románica pola Universidade de Santiago de Compostela e doutora pola mesma institución, está especializada nos campos da lexicoloxía, terminoloxía e lexicografía, e tamén traballou na lingüística románica, a historiografía lingüística e cos textos medievais. Creou e dirixiu a Rede de Lexicografía RELEX desde o ano 2012 ata o 2018 e ten unha ampla experiencia en proxectos internacionais como a Cost Action European Network of e-Lexicography (ENeL). Foi igualmente investigadora responsable de numerosos proxectos de investigación e na actualidade codirixe o Dicionario histórico e etimolóxico da lingua galega (DHELG). Foi vicepresidenta da Asociación de Tradutores Galegos (2003-2011) e verteu ao galego desde diferentes linguas textos científicos, técnicos, didácticos e literarios, así como textos para os medios audiovisuais.

A súa colaboración co Seminario de Lexicografía da Real Academia Galega remóntase ao ano 1990, e desde 2004 realízaa en calidade de membro correspondente da institución. Participou na elaboración do Vocabulario ortográfico da lingua galega (VOLGa), o Dicionario da lingua galega (1990) e o Dicionario da Real Academia Galega (1997), e foi unha das redactoras principais do Dicionario da Real Academia Galega actual, dispoñible en versión dixital desde 2012. Así mesmo é membro do Seminario de Terminoloxía e secretaria do Seminario de Lexicografía.

Ademais de implicarse decote na revisión e actualización do dicionario en liña, dirixe os traballos que permitirán ofrecer na rede proximamente o novo dicionario castelán-galego. Esta ferramenta non será unha mera revisión e publicación dixital do Dicionario castelán-galego da Real Academia Galega, saído do prelo en 2004, subliñá no discurso pronunciado hoxe, dispoñible na sección de publicacións de academia.gal. O novo repertorio “responde plenamente aos criterios da lexicografía bilingüe actual, respectando aqueles trazos que veñen sendo tradicionais e moi positivos da lexicografía académica galega”, resume a académica. “Hoxe esíxeselles aos dicionarios bilingües unha reflexión sobre a macroestrutura semellante á que se realiza para os monolingües e unha microestrutura igualmente completa”, detalla.

Canto ás cifras, esta obra contará cuns 26 400 lemas (uns 800 máis dos do dicionario bilingüe de 2004), 54 300 acepcións (unhas 6700 máis) e 6000 unidades pluriverbais que incrementan en máis de 700 as que había no seu predecesor.

Lembranza de Andrés Fernández-Albalat

M.ª Dolores Sánchez Palomino ocupará a vacante producida tras o pasamento do arquitecto coruñés Andrés Fernández-Albalat Lois (1924 – 2019). A el dedicou as súas primeiras palabras na sesión de ingreso, nas que lembrou as principais achegas de quen foi “un referente da arquitectura galega contemporánea”.

Tras a súa intervención, o coordinador dos seminarios de Lexicografía e Terminoloxía, o académico numerario Manuel González González, deulle resposta en nome da institución. “Hoxe é un día de festa para a RAG porque se vincula non só de facto, senón tamén de iure ao traballo da RAG unha nova académica, cunha sólida formación e cunha demostrada capacidade de traballo, nun ámbito en que a nosa institución está necesitada de reforzos urxentes. Vai ser un esteo fundamental no traballo lexicográfico da RAG”, declarou. A sesión pública de recepción de María Dolores Sánchez Palomino como membro de número da Academia desenvolveuse no salón de actos da institución, na rúa Tabernas da Coruña, e contou co apoio do Concello da Coruña.

[Fonte: http://www.nosdiario.gal]

Selon le Parlement, «Mira», ouvrage de l’écrivain Qasem Tewfik, «porte atteinte à la famille jordanienne et aux valeurs nationales», ce qui lui a valu de disparaître des étals, sur décision du ministère de la Culture.

Le Premier ministre a enjoint au ministère de la Culture de retirer du marché toutes les publications «incompatibles avec les valeurs et traditions de la société jordanienne». |

Écrit par Mussa Acher — édité par Natacha Zimmermann 

La présentation, en Jordanie, d’un roman jugé immoral, voire «incitant à la pédophilie», dans le cadre d’un programme destiné à la jeunesse, agite l’opinion arabe depuis quelques semaines.

Intitulé Mira et paru il y a trois ans, le roman de Qasem Tewfik, écrivain à succès, a été retiré du programme, puis de tous les étals début décembre sur décision de la ministre de la Culture, à la suite d’un flux de plaintes et de dénonciations dans les médias et sur les réseaux sociaux. Des dizaines de pages Facebook et Twitter regorgent en effet de commentaires appuyés d’extraits du texte incriminé.

«Le désir de célébrité et de gloire a incité l’auteur de Mira à commettre des récits racontant des choses qui se passent entre un homme et une femme au lit ou décrivant des pratiques malsaines dans les toilettes. Il est même allé jusqu’à écrire sur l’homosexualité, le lesbianisme et zoomer sur des rapports sexuels entre une femme et un enfant»lit-on dans un de ces commentaires. Un autre s’en prend à tous les écrivains en jugeant qu’«ils s’ingénient à détruire les bonnes valeurs et à tuer l’innocence dans les esprits des jeunes et des enfants avec des romans comme Mira».

Les vieux démons réveillés

Ces stigmatisations rappellent les campagnes d’ostracisme et de diabolisation ayant accompagné la parution de tant de romans arabes, dont les auteurs étaient accusés de blasphème et, par la même occasion, d’«incitation à la débauche»: on peut citer Les Fils de la médina de Naguib Mahfouz (1959), Le Festin des algues de Haïdar Haïdar (1983), ou encore La Chute de l’imam de Nawal el Saadawi (1987). Ce qui n’empêche pas toute une vague d’écrivains arabes de revendiquer, vaillamment, une littérature érotique dans son acception esthétique et libertaire.

La violence des réactions est telle que les amateurs de livres et les défenseurs de la liberté d’expression en général ont réagi de manière très discrète et craintive. Ce qui en dit long sur l’état des libertés dans cette région du monde, en proie à un regain de conservatisme.

Très vite, la polémique a d’ailleurs pris l’allure d’une affaire d’État. Après l’intervention de l’Assemblée nationale du pays, qui a diligenté une enquête et conclu que le roman de Qasem Tewfik «portait atteinte à la famille jordanienne et aux valeurs nationales», le Premier ministre a enjoint au ministère de la Culture de retirer du marché toutes les publications «incompatibles avec les valeurs et traditions de la société jordanienne». L’occasion de confisquer tous les autres ouvrages qui auraient échappé à la censure.

C’est dans une solennité rappelant les dictatures théocratiques que la ministre de la Culture, Haifa Najjar –une femme pourtant réputée moderniste– a ensuite annoncé la décision de censurer Mira. Le jour même, tous les membres du comité de lecture ayant approuvé la republication du roman dans le cadre du programme Family Library ont annoncé leur démission. Non contents de cet acte de rémission, des députés de l’opposition ont réclamé la tête de la ministre. Et ils ne sont pas loin de l’avoir.

Histoire d’amour, guerre civile et scènes lascives

Mais de quoi parle l’ouvrage? L’histoire se déroule dans les années 1990 entre la capitale jordanienne, Amman, et la ville de Novi Sad, en ex-Yougoslavie. Un jeune Jordanien de confession musulmane, Raad, part à Novi Sad pour ses études et y fait la connaissance d’une infirmière, Mira. Une relation amoureuse s’installe rapidement, puis ils se marient et ont des enfants, Chadi et Raja.

Après le déclenchement de la guerre civile, à l’été 1992, le couple décide de se rendre à Amman. Cependant, Chadi reste dans son pays et s’engage dans l’armée serbe contre les musulmans de la Bosnie. Il va plus tard commettre l’irréparable, en poignardant sa mère avec un couteau de cuisine après avoir entendu des hommes la désigner comme une «prostituée».

L’auteur décrit quelques scènes que l’on peut qualifier de lascives, tout en mettant le désir sexuel au centre des déchirements confessionnels et familiaux et des violences qui ont marqué cette période.

«Les scènes décriées n’ont pas été conçues pour exciter les lecteurs»

Qasem Tewfik, 68 ans, est auteur d’une vingtaine d’ouvrages et lauréat du prix Katara 2018 pour le meilleur roman arabe. Contacté par Slate, il refuse de commenter la décision du gouvernement, mais se sent en droit de se défendre.

Il explique notamment que toute cette polémique autour de son livre tient à une scène de voyeurisme où un jeune adolescent fantasme sur sa voisine, Mira, et se masturbe en la regardant sur sa terrasse. «Ce qui pose problème, dit-il, c’est que les scènes décriées n’ont pas été conçues pour exciter les lecteurs ou parler à leurs instincts. Bien au contraire, elles sont décrites de telle sorte qu’ils se sentent écœurés et s’en détournent.»

«Mira est une Yougoslave qui a accepté d’épouser un Jordanien, mais tout en restant attachée à sa religion. J’ai bien mis en avant, dans mon roman, le fait que Mira soit contente que sa fille soit très pieuse en Jordanie et porte le hidjab. Pourquoi n’a-t-on pas considéré cet aspect, le fait que la fille de Mira puisse servir d’exemple aux jeunes générations?», s’indigne-t-il.

Innombrables contradictions

À la question de savoir pourquoi Mira est si détestée, Qasem Tewfik répond: «parce qu’elle nous rappelle les innombrables contradictions qui caractérisent notre société et notre personnalité, et qui révèlent des comportements inhumains et immoraux».

«C’est pourquoi je trouve que la littérature et, particulièrement, le roman sont de vraies alarmes morales, sociales ou politiques, poussant la société à s’emparer du sujet et à s’en inspirer afin de mieux assimiler ses propres valeurs, qu’elles soient confessionnelles, humaines ou tout simplement personnelles», poursuit l’écrivain. Qasem Tewfik ne se laisse toutefois pas abattre par cette nouvelle inquisition qui s’installe. Preuve en est, il compte prochainement publier son roman en français.

 

[Photo : Alex Patrick via Unsplash – source : http://www.slate.fr]

Quelle est la plus grande ville francophone du monde ? Paris ? Vous n’y êtes pas. Montréal ? Bruxelles ? Encore moins. Non, la bonne réponse est Kinshasa, en République démocratique du Congo

Écrit par Michel Feltin-Palas 

Quelle est la plus grande ville francophone du monde ? Paris ? Vous n’y êtes pas. Montréal ? Bruxelles ? Encore moins. Non, la bonne réponse est Kinshasa, en République démocratique du Congo. La Ville lumière figure désormais à la deuxième place de ce classement, devant Abidjan, Montréal, Casablanca, Yaoundé, Douala, Antananarivo, Dakar et Alger, pour ne citer que les dix premières. « Dans son rapport « Les villes du monde en 2016″, l’ONU indique que Kinshasa comptait 12,1 millions d’habitants au 1er juillet 2016, soit davantage que l’agglomération parisienne, estimée à 10,9 millions », précise Ilyes Zouari, le président du Centre d’étude et de réflexion sur le monde francophone (CERMF).

C’est le fait majeur de l’histoire du français de ces dernières années et il est largement passé inaperçu : la France est devenue minoritaire dans le monde francophone. Et le mouvement ne fait que commencer. Dans quelques décennies, 70 % des locuteurs de notre langue vivront en Afrique et moins de 20 % en Europe. Bien sûr, on peut pinailler en contestant la fiabilité des recensements et en se demandant si l’appellation « locuteur du français » doit être réservée à ceux qui pratiquent cette langue au quotidien de manière aisée ou élargie ou toute personne capable de soutenir une conversation simple de temps en temps. Mais cela ne modifie qu’à la marge le constat : les Français n’ont plus le monopole du français.

Faut-il s’en inquiéter ? Sûrement pas ! En fait, ce retournement traduit l’incroyable succès de ce qui n’était au haut Moyen Âge qu’une forme de bas latin parmi d’autres et qui, au fil des siècles, a fini par s’étendre sur la planète entière. Cela vaut mieux, beaucoup mieux, que de faire partie des 2 000 langues qui, par les hasards de l’histoire et des rapports de force, risquent d’avoir disparu d’ici à la fin du siècle.

En revanche, il est clair que nous allons devoir abandonner certaines de nos postures traditionnelles. Et ce pour une raison simple : le français n’appartient pas seulement à ses écrivains, à ses enseignants, ni même à ses académiciens, mais à l’ensemble de ses locuteurs. Aussi notre idiome va-t-il nécessairement s’ouvrir davantage au vocabulaire des autres pays de la francophonie. Dans quelque temps, nous utiliserons peut-être le suisse agender (noter un rendez-vous), le québécois divulgâcher (« spoiler »), l’antillais maman-violon (violoncelle), le haïtien bêtiser ou le wallon avant-midi. Et nous puiserons, je l’espère, dans l’exceptionnel lexique venu d’Afrique. Personnellement, j’ai un faible pour le sénégalais camembérer (sentir mauvais des pieds), le tchadien cadeauter (ou cadonner), le camerounais motamoter (réciter mot à mot des phrases de manière mécanique, sans comprendre ce que l’on dit) ou le congolais deuxième bureau (maîtresse).

Il semble acquis en tout cas que l’origine de la norme va se déplacer, quitter les rives de la Seine et s’ouvrir au vaste monde, sachant qu’il s’agit là d’un enrichissement et non d’une perte. Comme le souligne le linguiste Bernard Cerquiglini, « la norme ne doit pas être un corset, mais un creuset. Il faut penser une francophonie de l’élan, non du purisme ». Une invitation à la variante, à l’hybridation, à la bigarrure, tous procédés qui, bien pensés, constituent une formidable manière de galvaniser encore un français qui n’a jamais aussi bien porté son nom de langue vivante.

 

[Source : http://www.lexpress.fr]

Cada 15 de decembre, d’esperantistas de tota la planeta organizan d’eveniments restacats amb lor movement lingüistic e social

Coma cada 15 de decembre, los esperantistas del Mond entièr celèbran uèi lor fèsta. Atal, dins totes los cantons de la planeta, los locutors de la lenga internacionala organizan d’eveniments restacats amb lor movement lingüistic e social.

Aquela tradicion a sas originas dins los ans 1920 quand un grop d’escrivans e d’activistas esperantistas prepausèron coma celebracion la data de naissença de Ludwik Lejzer Zamenhof, l’iniciator de l’esperanto, que uèi auriá 122 ans.

Un gatge per la diversitat lingüistica

L’esperanto es una lenga planificada que permet la comunicacion entre las personas en condicions egalas. Pensada coma lenga auxiliara e nèutra, es un gatge per la diversitat lingüistica. Al delà, sa relativa facilitat la fa venir accessibla a quina persona que siá, independentament de sa posicion sociala o de sa cultura.

L’accion de l’esperantisme se fonda, normalament, sus l’aplicacion dels dreches reconeguts dins la Declaracion Universala dels Dreches Umans, dins la Declaracion Universala de la Diversitat Culturala, dins la Declaracion Universala dels Dreches Lingüistics e sustot dins lo Manifèst de Praga, sorgit dins l’encastre del movement esperantista.

Una data alternativa al 26 de julhet

Totun, lo jorn de l’esperanto per excelléncia es lo 26 de julhet, en commemoracion de la publicacion de l’Unua Libro (Primièr Libre) en 1887 a Varsòvia. Se tracta d’un manual que compreniá las 16 règlas de la lenga internacionala creada per Zamenhof, 900 raices de vocabulari, una letra e la traduccion en la nòva lenga de qualques versets de la Bíblia amb la pregària del Paternòstre. Se voliá nomenar la lenga tot simplament Lenga Internacionala o “Internacia Lingvo”, mas Zamenhof, per paur de la repression del tsar, signèt aquel primièr libre amb l’escaisnom de Doktoro Esperanto, es a dire, “Doctor qu’a d’espèr”.

Lo 26 de julhet es totjorn commemorat pels esperantistas, mas sembla que lo 15 de decembre siá una data melhora per organizar d’eveniments pel public.

 

[Imatge: Roger Sanjaume – sorsa: http://www.jornalet.com]

El que més detesta la gent de la cultura no és l’esport, sinó el cas que li fan els mitjans de comunicació

Estadi Al Wakrah de Qatar en construcció | Fotograma del vídeo oficial de Qatar 2022

Escrit per Joan Burdeus

Amb el mundial de Qatar revifa la tensió entre esport i cultura. Hi ha tres escoles. La de la pau és antropològica: com que en un sentit comunitari irrefutable, l’esport és un producte cultural, el posem a la mateixa esfera que altres manifestacions més altes i més baixes i celebrem la diversitat. Després hi ha l’escola marxista: el futbol no en té cap culpa, el problema són els diners i la política que hi ha al darrere. Com sol passar, la millor perspectiva, o la que fa pitjor periodisme, però articles més interessants, és la radical, que considera el futbol com una cosa intrínsecament perniciosa que hauria d’estar sotmesa sota la bota cultural. Parlem de la tercera.

El que més detesta la gent de la cultura no és l’esport, sinó el cas que li fan els mitjans de comunicació. El triomf irrefutable de l’esport en la cursa per l’atenció, l’entusiasme i els diners, suposa la victòria d’allò que la cultura moderna ha intentat destruir durant tants anys: la cultura clàssica. L’esport és classicisme pur, que vol dir la cultura entesa com a repetició. En la concepció clàssica, els models i els criteris d’excel·lència són clars i compartits, i els diferents agents competeixen per satisfer-los amb el grau de perfecció més alt possible. En les arts, es premia qui imita millor la realitat o qui expressa amb més contundència la paraula dels déus. A l’esport, guanya qui marca més gols, qui salta més alt, qui arriba abans a la meta. És justament aquesta claredat en el criteri, aquesta predictibilitat, que converteix l’esport en el producte prou confortablement democràtic per als mitjans de comunicació de masses.

Però la cultura moderna neix, precisament, de la traïció dels cànons clàssics en la recerca de la llibertat individual. La repetició passa a ser l’anatema, i l’únic digne de reconeixement és la novetat. De fet, la cultura moderna no ataca els mestres antics, sinó com l’acadèmia fossilitza els seus criteris i obliga tothom a repetir-los. La idea no és carregar-se la mateixa idea d’aconseguir un objectiu: simplement, es tracta crear nous objectius i dir que són tan legítims com els vells. En comptes d’escriure pentàmetres iàmbics i pintar nus bells, potser es tracta d’ajuntar paraules que no rimen o representar la lletjor. I encara que l’originalitat estigui força infamada, avui és el criteri essencial que un producte cultural necessita per rebre atenció i reconeixement, cosa que no encaixa bé amb l’economia dels mitjans de comunicació, que han de fer un gran esforç explicatiu cada vegada que anuncien una novetat cultural i justificar el seu interès, com més nova, més esforç. És per això que les notícies esportives no són, de fet, notícies, sinó un etern retorn del mateix.

Ja s’hauria de veure que tot plegat té implicacions polítiques. El classicisme és vertical i la cultura moderna és horitzontal. Com que el classicisme dona per fet un criteri compartit, promou la competició de tots contra tots per satisfer-lo. Com que la modernitat es basa en la fi del criteri únic (la mort de Déu), cadascú es pot inventar unes normes diferents sobre què vol dir guanyar. Es diu molt que el feixisme és un producte modern, i és cert, però, en realitat, els règims totalitaris són intents d’imposar un sol d’aquests criteris nous (el domini de la raça ària, el comunisme, el nacionalcatolicisme) sobre una societat. L’esport de masses sempre és popular sota el totalitarisme perquè cal una ideologia que motivi els ciutadans a participar en la competició total que l’estat els exigeix. Però la modernitat en general no ha acabat amb el triomf de cap règim totalitari arreu del món, sinó amb una multiplicitat d’ideologies, identitats i individualitats que conviuen les unes amb les altres sense jutjar-se amb un mateix criteri.

L’èxit del Mundial de Qatar constata que la cultura clàssica va guanyant. Encara vivim en societats de la competició, en l’arena del poder i dels diners. Però també podem veure com, cada cop més, l’esport es converteix en un objecte per a la producció de discursos típicament moderns que critiquen els valors clàssics, des de la reivindicació de la salut mental a la denúncia postcolonial, passant per les crides del feminisme o l’ecologia. Totes aquestes maneres de criticar l’esport eren impensables no fa gaires anys fora dels marges, i avui dia les manega qualsevol tuitaire. L’entropia cultural de la modernitat va a poc a poc, però hi ha senyals per creure que s’estén, inexorable. I, en teoria, l’entropia accelera la dissolució de l’ordre establert, que és la condició necessària per a la revolució.

 

[Font: http://www.nuvol.com]

Escrito por Pedro Correia

O excesso de zelo na correcção política, com receio daquilo que as falanges mais extremistas possam verter nas redes insociais, gera situações destas, ao nível da linguagem: após « prisioneiras » (palavra cujo género gramatical é inequívoco) surge hoje a ingente necessidade de acrescentar « do sexo feminino ».

Como se o termo anterior permitisse outra opção.

Caímos no reino da redundância. Não porque quem escreve ou quem traduz ou quem edita (neste caso a tradutora e a chancela editorial têm inequívoco mérito), mas porque as patrulhas ideológicas andam cada vez mais vigilantes e não permitem qualquer fuga à norma.

Aliás, não permitem sequer o recurso à norma.

Como este caso, por absurdo, apenas confirma.

 

[Fonte: delitodeopiniao.blogs.sapo.pt]

Aline Kominsky-Crumb tinha-se mudado para o Sul de França, onde vivia com o marido, Robert. Artista underground, deixou-se espantar quando galerias do mundo inteiro passaram a querer expor as suas obras. Feminista controversa e sem tabus, a artista norte-americana de origem judaica rompeu os dogmas coletivos e inspirou gerações. Morreu aos 74 anos

Morreu terça-feira, na sua casa em França, a artista Aline Kominsky-Crumb. Tinha 74 anos e um legado com sementes na contracultura da década de 1960 que não simpatizava com as mulheres artistas.

O humor de Kominsky-Crumb foi suficientemente corrosivo para romper grande parte das limitações que eram impostas ao seu género. A franqueza e a familiaridade com a autodestruição pautavam as suas obras, estilo que inspirou novos contadores de histórias imagéticas e que se infiltrou pela cultura de forma transversal.

Nasceu Aline Goldsmith e cresceu em Long Island, estado de Nova Iorque. Sobre esse passado primordial, os primeiros anos de infância e juventude, a artista revelou, numa grande entrevista com o Expresso, a inadequação que sentia e como a arte salvou a sua sanidade mental.

“A minha família era totalmente inculta. Eram comerciantes. Só tentavam fazer dinheiro, eram judeus americanos em Nova Iorque. Queriam ficar cada vez mais ricos, com casas cada vez mais chiques, tudo nessa lógica de novo-rico. Eu era uma estudante mesmo boa e o que queria era ir para a faculdade de Medicina. E eles disseram-me: ‘Não, tu podes casar-te com um médico, mas não podes ser médica’. Eram os anos 1950. […] Seja como for, comecei a ler e a desenhar quando tinha oito anos, para fugir a essa cultura de que nunca gostei e em que nunca me senti confortável. Era mesmo um lugar desconfortável”.

Enveredou pelo universo do underground, na Universidade do Arizona, no final dos anos 60. Há cerca de três meses, em entrevista com o Expresso, explicou como o trabalho que fazia com o marido, Robert Crumb, era “tão underground e tão fora de tudo” que era “espantoso” como grandes galerias internacionais o queriam expor.

Foi em 1972 que a cartoonista se mudou para São Francisco para seguir a carreira artística. Na cidade das liberdades, conheceu o ícone Robert Crumb. Casaram-se em 1978 e tiveram uma filha, Sophie, em 1981, de que Aline Kominsky-Crumb falou também ao Expresso, notando como partilharam as experiências de ambas com o aborto e entrega de um filho para a adoção.

Uma das fundadoras do grupo feminino que produziu a antologia feminista “Wimmin’s Comix” partiu na década de 70 para fazer o próprio destino com a publicação “Twisted Sisters”. A banda desenhada incidia em questões como o empoderamento feminino, críticas ao patriarcado, sexualidade e identidade norte-americana e judaica. Aline transgrediu regras com o humor baseado no grotesco que desafiava as convenções de género e criou uma identidade enquanto Kominsky-Crumb, merecedora de reinterpretações em vários módulos da arte do século XXI.

Colaborou, depois, com o marido numa publicação esporádica, “Aline and Bob’s Dirty Laundry”. Nos anos 80 foi nomeada editora da influente revista “Weirdo”, fundada por Robert. Mas foi na década de 2000 que o trabalho de Kominsky-Crumb se tornou mais conhecido, com galerias de todo o mundo a requisitarem as suas obras.

A artista voltava assim aos lugares de onde tinha ido buscar sentido. “A arte salvou-me, salvou a minha sanidade mental”, expôs-se em entrevista com o Expresso. “Quando ia a museus para ver obras-primas, isso fazia tão bem à minha alma que me dava um motivo para viver”.

 

[Fonte: http://www.expresso.pt]

Escrito por EVARISTO AGUADO

Como colofón al año en el que se conmemora el V centenario de la muerte de Antonio de Nebrija, la Biblioteca Nacional de España, la Fundación Antonio de Nebrija, con el patrocinio de la Universidad Nebrija y Acción Cultural Española, han organizado la exposición Nebrija (1444-1522), el orgullo de ser gramático. Es una muestra que descubre el perfil intelectual del primer humanista español, sin dejar de lado al hombre, al carismático investigador y profesor que se deja ver tras su ingente obra. La exposición, comisariada por la catedrática de Filología Latina de la Universidad de Alcalá Teresa Jiménez Calvente, permanecerá abierta desde el 25 de noviembre de 2022 hasta el 26 de febrero de 2023.

Nebrija (c. 1444-1522), el orgullo de ser gramático. «Grammaticus nomen est professionis» permite al público contemplar más de un centenar de obras procedentes de las colecciones de la Biblioteca Nacional, que se muestran junto a otras prestadas por una decena de instituciones españolas especialmente para esta conmemoración. El catálogo estará disponible en formato digital y podrá descargarse gratuitamente desde la página web de Acción Cultural Española.

Entre las muchas y muy valiosas piezas que se exhiben en esta muestra destacan especialmente algunas como el bello Breviario de Isabel la Católica, ricamente decorado; el magnífico desplegable sobre Jerusalén incluido en el incunable Viaje a Tierra Santa de Bernhard von Breydenbach; los manuscritos caligrafiados por el propio Nebrija en sus tiempos de estudiante; la primera edición de las famosas Introductiones Latinae y su copia manuscrita para el maestre de Alcántara con bellas miniaturas; o la mismísima Gramática sobre la lengua castellana de 1492.

Obras pictóricas de gran valor contribuyen también a que el espectador pueda trasladarse a los siglos XV y XVI. Instituciones como la Fundación Lázaro Galdiano, la Real Academia Española, la Universidad Complutense de Madrid, la Universidad de Salamanca, la Biblioteca Capitular de Toledo, el Archivo Histórico Nacional, la AECID, el Museo de Ciencias Naturales, el Museo de América y el Museo de El Prado han contribuido con sus préstamos a la mayor exposición sobre Nebrija que se haya celebrado hasta el momento.

Estas obras invitan a recorrer la España de la época y los centros del saber en los que vivió y trabajó el gramático. Desde Lebrija, su lugar de nacimiento; pasando por Salamanca, donde cursó su Bachillerato en Artes y en cuya universidad desarrolló, con el tiempo, la mayor parte de su carrera docente; Bolonia, ciudad que propició su encuentro con Italia y su humanismo; Coca (Segovia) o Villanueva de la Serena y Brozas en Extremadura, enclaves en los que realizó su labor bajo el amparo de generosos mecenas; para terminar en Alcalá de Henares, su último destino, en el que contó siempre con el apoyo del cardenal Cisneros y su universidad.

Nebrija (c. 1444-1522), el orgullo de ser gramático se divide en cuatro áreas:

  1. Humanismo y Renacimiento, la gran revolución cultural
  2. España en los tiempos de Nebrija. Historia y cultura de una época
  3. La cuenta de mi vida
  4. El legado de Nebrija: las Introducciones Latinae, los diccionarios y obras póstumas.

Las cuatro giran en torno a la figura del gramático y permiten, no solo conocer a fondo la obra del creador de la primera gramática española, sino también descubrir a un investigador cuya sombra se proyectó sobre Europa, América y Asia y cuya biografía se entrecruza con la de grandes personajes del momento, que lo son también de la historia de España y Occidente.

Un hombre que quiso transformar el mundo

La exposición de la Biblioteca Nacional presenta a un erudito moderno que, confiado en su saber y en el alcance de su cultura, desafió a sus compañeros universitarios y sacó a la luz sus carencias. “La teología, el derecho, la botánica, la medicina o la cosmografía fueron objeto de sus pesquisas. Compuso versos latinos, actuó como editor de textos para la imprenta e incluso disfrutó del cargo de cronista regio. Consciente de su valía, habló de tú a tú a los grandes personajes que lo rodearon, desde los Reyes Católicos al gran Cisneros. Por supuesto, también tuvo enemigos poderosos, como el inquisidor Deza”, subraya Jiménez Calvente.

Nebrija imaginó su paso por la vida como un caminante que, al llegar a una encrucijada, ha de elegir entre dos posibles sendas. “Él se decantó por la senda no muy transitada del estudio y la erudición, no la de las riquezas o los honores. Su pretensión fue lograr la fama que otorgan las letras y trabajar en favor de quienes le rodeaban. Su meta no era menor, pues aspiraba a devolver el conocimiento de las letras latinas a España: el mismo ideal que los humanistas italianos habían abrazado tiempo atrás respecto de su propia patria. En los textos clásicos (latinos y griegos) se escondían enseñanzas útiles para el tiempo presente y solo había que desenterrarlas. Para alcanzar ese objetivo, ideó un método gramatical novedoso, que recogía el espíritu de las nuevas gramáticas escritas en Italia. Creó otras herramientas indispensables: un par de diccionarios bilingües, breves y concisos, para que los jóvenes estudiantes tuvieran a mano el léxico necesario para la vida común y la lectura de los textos antiguos”, explica Jiménez Calvente.

Viajó como también lo hicieron sus libros. Llegó a la conclusión de que, desde las aulas y a través de sus obras confiadas a la imprenta, podría transformar el mundo que le había tocado vivir. “Fue un humanista comprometido con una profesión aparentemente modesta y en realidad importantísima: la del gramático que conoce las reglas por las que se rigen la lengua y las palabras, sin las cuales es imposible construir las nuevas realidades”, matiza la comisaria.

“La figura de Antonio de Nebrija”, recuerda Ana Santos Aramburo, directora de la BNE, “representa la esencia del humanismo, la trascendencia de la palabra y el valor de la educación para avanzar hacia sociedades mejores. Su vida estuvo marcada por el convencimiento de que el saber clásico debía ser conocido y comprendido, y para ello renovó las bases del conocimiento y del aprendizaje del momento. Fue un visionario y un adelantado a su tiempo que creía, desde la formación de un gramático humanista, en el valor del lenguaje, y en la necesidad de usarlo adecuadamente. Creo que recordar hoy su vida y su legado no puede ser más oportuno”.

Isabel Izquierdo, la directora de programación de AC/E, comentó: “En tiempos de incertidumbre como los actuales y en el contexto de una sociedad digital en proceso de recuperación, conviene fijar la mirada en trayectorias tan sólidas y brillantes como la de Antonio de Nebrija, que tanto aportó a la cultura universal desde su monumental obra. Siempre con la mirada puesta en el futuro, Nebrija contribuyó a cambiar la forma de aprender, aportando extraordinariamente a la educación en España. Como sociedad estatal que apoya relevantes conmemoraciones de nuestra historia cultural, desde Acción Cultural Española (AC/E) nos sumamos a este merecidísimo homenaje a Antonio de Nebrija, cuyo legado pervive hasta nuestros días.”

El rector de la Universidad Nebrija y presidente de la Comisión Interadministrativa del V Centenario de Antonio de Nebrija, José Muñiz, invitó a todos los universitarios y curiosos a sumergirse en este “recorrido por la vida y la obra de una de las personalidades más fascinantes de nuestra historia, un universitario auténtico que no solo sentó las bases que harían de nuestra lengua un vehículo próspero y universal de conocimiento, sino que se ocupó de múltiples saberes con un espíritu crítico y una pasión por la ciencia que tienen mucho que enseñarnos hoy”.

Experiencia virtual

La exposición culmina con Nebrija: Estela de las letras una experiencia virtual que permitirá a los visitantes vivir en primera persona y de manera inmersiva dos momentos históricos. Por una parte, se recrea el encuentro de la reina Isabel I con el propio Nebrija, que explica a la soberana la razón de ser de su innovadora Gramática sobre la lengua castellana. También podremos asomarnos al crucial encuentro de los Reyes Católicos con Colón, que marcaría de forma determinante el futuro de su reino. Con esta apuesta por el universo virtual y las nuevas tecnologías, la Universidad Nebrija pretende acercar la figura del humanista a una audiencia más joven, además de presentar los primeros pasos de su proyecto para el Metaverso.

Pasar a la posteridad como gramático

A través de su legado, sabemos que quiso pasar a la posteridad con el sobrenombre de gramático. Así se lo hace saber a la reina Isabel la Católica en la carta en que le dedica la tercera edición de sus Introductiones Latinae (Salamanca, 1495): “Vt Aelius sit praenomen; Antonius nomen, Nebrissesis cognomen, grammaticus uero agnomen ex professione sumptum”. Precisamente, fueron estas Introductiones, novedoso manual para la enseñanza del latín, las que le hicieron famoso dentro y fuera de España.

Su muerte no menguó su fama ni evitó el enriquecimiento de su legado. De ello se encargaron, en parte, sus hijos Sancho y Sebastián, que abrieron una imprenta en Granada, trasladada un tiempo a Antequera (1534-1597). A ellos se sumaron otros impresores fuera de España, pues las gramáticas y léxicos de Nebrija se imprimieron en Francia, Italia, Alemania y Países Bajos. Aquel manual de latín que había escrito pensando en sus alumnos en Salamanca se convirtió en el único autorizado para enseñar esa disciplina desde que así lo decidió el rey Felipe III (1598). En la larga travesía que llega hasta el siglo XIX, el manual de gramática latina de Nebrija fue respetado, glosado, reformado e incluso acortado, según el lugar y las circunstancias.

Esa pervivencia se siente, por ejemplo, en las primeras gramáticas de las lenguas de América compuestas por los predicadores españoles. Estos, que habían aprendido latín gracias al Antonio, aplicaron el modelo, con sus consideraciones teóricas y sus traducciones bilingües, en su descripción de esas lenguas que, como dijo uno de ellos, eran tan “extrañas, nuevas, incógnitas y peregrinas”.

Orgulloso, inteligente, audaz, a Nebrija nunca le faltaron las ganas de aprender ni la fuerza para el estudio. Tampoco le faltaron detractores, pues jamás se mordió la lengua. Cuando le presentó a la reina Isabel un adelanto de la que luego sería su Gramática de la lengua castellana (Salamanca, 1492), la soberana se sorprendió y no entendió la utilidad de un tratado que enseña las reglas de una lengua que se aprende de manera natural. Pero el docto profesor supo defender la novedad y oportunidad de su ocurrencia, pues las lenguas, incluso las naturales, necesitan gramáticas descriptivas y normativas para que no anden desbocadas. A esta ventaja se añade que la comprensión de los principios gramaticales del castellano puede ayudar a entender los de otras lenguas, el latín (al que dirigía sus esfuerzos) entre ellas. Las paradojas del destino han hecho que esa gramática del castellano sea hoy su obra más conocida. Nebrija, no obstante, merece ser recordado por otras muchas razones.

Nebrija se revela como un humanista en toda regla. Hablar de Nebrija es hablar de un humanismo español pleno gracias a él, también es hablar de la historia y de las figuras que le dan sentido.

El catálogo

El catálogo editado junto a la exposición ofrece un acercamiento a la figura de Nebrija y un recorrido por su extensa y dilatada obra. El volumen se articula en tres grandes secciones: 1. Marco cultural y político, 2. Vida y obra y, por último, 3. El legado.

La publicación comienza con la brillante introducción de la directora de la edición, Teresa Jiménez Calvente, y se desarrolla a través de doce artículos de los siguientes autores: Antonio Alvar Ezquerra, Guillermo Alvar Nuño, Carmen Codoñer Merino, María Lourdes García-Macho, Ángel Gómez Moreno, Fernando Gómez Redondo, Miguel Ángel Ladero Quesada, Carmen Lozano Guillén, Julián Martín Abad, Pedro Martín Baños, Dionisio Á. Martín Nieto, Francisco Javier Pérez. Se complementa con una cuidada cronología nebrisense, con la lista de obra y documentos expuestos en la exposición y con más de 80 ilustraciones, seleccionadas por Teresa Jiménez Calvente y Pedro Martín Baños (coordinador científico de la edición), con obras que forman parte de la exposición y piezas complementarias de instituciones nacionales e internacionales de Reino Unido, Alemania e Italia.

 

[Fuente: http://www.todoliteratura.es]

À l’occasion de la sortie de son livre Le déclin d’un monde, Jean-Baptiste Noé évoque avec nous la fin du rêve de l’Occident de façonner le monde à son image. Et il ose même s’en réjouir.

Écrit par Matthieu Levivier

Jean-Baptiste Noé est un de ces intellectuels qui se donnent pour boussole de prendre le réel comme il est, pour mieux dénoncer ceux qui le fuient. Docteur en histoire économique, professeur de géopolitique et rédacteur en chef de la revue française Conflits, il est également spécialiste de la géopolitique du Vatican. Il analyse dans son nouveau livre – étoffé par le travail de l’équipe de Conflits – l’effritement d’un ordre mondial qui aurait longtemps été bercé par une illusion universaliste. La guerre en Ukraine, la contestation généralisée des institutions internationales et les échecs des interventions occidentales à l’étranger révéleraient l’obsolescence de cet ordre mondial. L’heure est à la lucidité.

Le Regard Libre: Votre nouveau livre s’intitule «Le déclin d’un monde». À quel monde faites-vous référence?

Jean-Baptiste Noté: Il s’agit du monde occidental, et plus précisément de son universalisme. Les Européens ont longtemps cru, du XIXe siècle jusqu’aux dernières décennies, qu’ils allaient exporter leur culture, leurs valeurs et leur mode de pensée à travers le monde. Or, on se rend compte que beaucoup de populations non-occidentales ne veulent pas s’occidentaliser et préfèrent conserver leur particularisme, leur histoire, leur culture. Comme l’affirme ce titre plutôt négatif, cet universalisme géopolitique est en déclin. Je pense cependant qu’il faut s’en réjouir car il a conduit à des ingérences et à des guerres.

Comment se manifestait cette forme d’universalisme?

Il se manifestait concrètement à travers la colonisation, qui visait à transformer les populations africaines en peuples européens. À titre d’exemple, dans les années 1980-90, les États européens conditionnaient l’aide au développement donnée aux États africains au respect d’un agenda européen: mise en place de la démocratie, acceptation des normes de l’ONU, etc. Par ailleurs, la guerre en Irak lancée en 2003 est également un symbole de cette volonté d’exporter la démocratie.

À la différence près que la décision américaine d’envahir l’Irak a fait l’objet d’une fronde.

Oui, cela a été le seul moment de révolte au sein du camp occidental. Cette fronde a cependant été vaine car la guerre a bien eu lieu malgré l’opposition des Français et du Conseil de sécurité de l’Organisation des Nations unies (ONU). Il y a ensuite eu l’intervention de l’OTAN en Libye en 2011, et le lancement de l’opération Barkhane au Mali en 2014, qui vient de s’achever sur un cinglant échec. Le terrorisme est toujours présent et la région est plus instable que jamais. Nous nous rendons compte d’une part que les interventions militaires ne fonctionnent pas, et d’autre part que l’imposition de notre modèle aux autres est voué à l’échec.

Quand ce «monde universaliste» a-t-il émergé?

Je ferais remonter son émergence moderne au milieu du XIXe siècle, avec la colonisation de l’Afrique et de l’Asie. La création des institutions internationales, comme l’ONU et le FMI, s’inscrit dans cette ligne car celles-ci sont modelées sur la philosophie et le droit occidentaux. L’idée en est peut être généreuse, mais l’ordre mondial voulu n’en reste pas moins occidental. Cela pouvait fonctionner quand l’Occident avait les moyens militaires, politiques, économiques d’imposer cet ordre. Il ne les a plus aujourd’hui, notamment depuis la fin de la colonisation.

Quels sont les signes de ce déclin?

Cet échec de l’universalisme se traduit aujourd’hui par une remise en cause de l’ONU, dont la structure repose sur les vainqueurs de 1945. Étant donné que notre ordre du monde dépend d’un événement qui date de 80 ans, il n’est pas étonnant qu’il soit remis en cause. L’Union africaine revendique un siège permanent au Conseil de sécurité; Pékin rejette le droit international qui est purement occidental; l’ambassadeur de Jordanie auprès de l’UNESCO considère que le Coran est plus important que la Déclaration des droits de l’homme et du citoyen. Les exemples ne manquent pas. Ce déclin se manifeste également par le rejet de la présence européenne: le Mali nous a chassés d’Afrique, les militaires français sont mal vus au Burkina-Faso et en Côte d’Ivoire…

Pourquoi a-t-on tant parlé de la théorie de la «fin de l’histoire» de Fukuyama, qui décrivait l’avènement de la démocratie libérale et la fin des conflits dans le monde?

C’était le rêve jusqu’au début des années 2000. La Fin de lhistoire et le Dernier Homme fait partie de ces livres aux titres marquants, qui servent de référentiels dont on parle sans forcément les avoir lus. Il y a eu une période pendant laquelle on a cru à cette thèse, qui a duré une petite dizaine d’années, où il ne s’est pas passé grand-chose. Cela nous a fait croire que nous étions dans un nouveau monde, alors que ça n’était qu’une parenthèse.

La démocratie libérale a donc été coupable d’hubris

Oui, de naïveté et d’hubris. Coupable d’hubris parce qu’on a voulu l’exporter sans voir qu’elle a toujours besoin d’un terreau culturel et spirituel. Typiquement, elle ne peut pas s’épanouir dans des cultures qui sont marquées par de fortes inégalités entre hommes et femmes ou par d’importants clivages ethniques. Cette négation de l’importance de la culture dans la création de la démocratie et ce refus de voir la spécificité de l’Europe à ce sujet trahissent ce mélange de démesure et de naïveté. C’est précisément cette naïveté qui nous fait tomber dans l’hubris et dans la volonté de puissance. Thucydide l’expliquait déjà: les idéalistes sont ceux qui font les guerres. Les réalistes, derrière leurs atours plus bellicistes, créent moins de guerres qu’eux.

En somme, l’Occident a fait de sa démocratie une norme mondiale, presque un impératif moral. Quelle place la morale tient-elle en géopolitique?

C’est un vrai sujet. Quand la Chine intervient en Afrique, elle ne le fait pas au nom de la morale, mais au nom de ses intérêts. L’Occident le fait au nom de la morale et n’ose pas dévoiler sa volonté de puissance. On n’ose même pas dire que l’on veut contrôler nos apports énergétiques, alors même que cela ne serait pas immoral. On veut faire croire à la pratique d’une sorte d’altruisme général, à une philanthropie mondiale. Or, il est évident que cela n’est pas vrai : on intervient en Irak, mais pas au Yémen, on soutient l’Ukraine, mais pas le Venezuela. Le choix des pays que l’on aide répond d’abord à une logique politique, non altruiste.

Le regain de «réalisme» dans la géopolitique mondiale sonne-t-il le déclin du multilatéralisme?

Le multilatéralisme ne peut exister qu’avec un référentiel philosophique commun. Il marchait en 1945 avec 60 États dans le monde, issus de la même matrice religieuse et civilisationnelle. Aujourd’hui, il y a 300 États dans le monde; certains préfèrent le Coran et d’autres la Déclaration des droits de l’homme. Le multilatéralisme est dès lors impossible. Comment peut-on instaurer un droit commun si l’on n’a pas les mêmes références intellectuelles? Avant d’être un ensemble de textes, le droit est une philosophie, et une anthropologie. Il s’agit d’une vision de l’homme et de sa place dans le monde. À une vision différente correspond des droits différents.

Ce référentiel intellectuel commun est-il cependant nécessaire dans le cadre du multilatéralisme lié aux questions écologiques? L’urgence climatique est d’ordre très concret.

La COP est une fumisterie: on en organise tous les deux ans et on y promet à chaque fois que tout va changer, alors que rien ne change. D’ailleurs, les grands États ne la signent pas. Le multilatéralisme «écologique» est utile à deux titres. D’une part, il permet aux pays africains de demander des aides financières pour compenser la pollution occidentale. D’autre part, il fait plaisir aux Européens qui ont l’impression de peser sur l’ordre mondial en organisant leurs grandes messes qui servent à faire vivre des fonctionnaires et des administrations internationales.

Vous suggérez également que la pacification internationale repose plus sur l’économie que sur les institutions internationales dédiées à la paix dans le monde.

L’économie a une fonction pacificatrice. Cela renvoie à un débat datant du XVIIIe siècle. Les guerres nous montrent que notre système ne fonctionne pas parfaitement mais, malgré tout, on observe un lien entre l’intensité des relations économiques et l’absence de guerre. Les relations économiques entre la Chine, les États-Unis et l’Europe sont telles que tous ces acteurs auraient énormément à perdre d’une guerre frontale. Les pays où les guerres sont rudes sont les pays peu insérés dans l’espace économique mondial: on peut penser au Soudan, au Yémen ou encore à la Syrie. Ces guerres ne «gênent» personne, du point de vue économique. Une guerre à Taïwan, au contraire, gênerait tout le monde. Pour le moment, elle n’a donc pas éclaté, même si la Chine a très envie de l’envahir.

La Chine fait peur au monde occidental…

Oui, à juste titre. Elle est un concurrent pour le monde occidental. Elle change les choses dans la région. Elle ne fait même plus figure de «puissance qui monte»; elle est maintenant une puissance «installée» et pèse énormément. Cette peur est aussi civilisationnelle, dans la mesure où les Occidentaux ont du mal à comprendre et à circonscrire la Chine. Elle a réinjecté de l’idéologie marxiste notamment lors du dernier congrès du Parti. Nous ne sommes pas à l’aise avec son référentiel intellectuel, très différent du nôtre.

Plutôt que la Chine, Jacques Attali affirme que c’est le continent africain qui est le véritable enjeu des prochaines décennies pour la France, par son potentiel démographique et donc économique. Vous ne semblez pas partager son avis.

On parle du «potentiel africain» depuis deux siècles. Jules Ferry, fer de lance de l’idéal colonial français, pensait déjà en 1880 que la colonisation permettrait de développer l’industrie française. Cela n’a pas eu lieu. Aujourd’hui, la France commerce plus avec la Belgique qu’avec l’ensemble des pays africains. Les régions d’avenir me semblent être notamment l’Asie centrale, l’Amérique latine, et les États-Unis, qui restent la première puissance mondiale. Cette focalisation sur l’Afrique fait partie de ces relents du tropisme colonialiste en France, qui prône l’intervention. Soit par intérêt, soit par fourvoiement sur l’état réel du monde.

Quitter l’Afrique porterait un grand coup à la francophonie et donc au soft power français.

Je suis très critique et réservé à l’égard de la francophonie. Elle a selon moi deux fonctions: maintenir une illusion coloniale et faire vivre une administration qui dépend d’elle. La francophonie est utile géopolitiquement quand elle s’adresse à des élites francophones, mais pas à une masse de population peu éduquée et pauvre. Ce qui serait utile en matière de francophonie serait de développer de véritables lycées français à l’étranger dans des pays clés, dotés des meilleurs professeurs et de programmes exigeants, afin de former l’élite de ces pays. De plus, le français est en net recul en Afrique par rapport aux dialectes locaux.

Pourquoi la France devrait-elle pivoter de l’Afrique vers la zone «indo-pacifique»?

Parce qu’elle y est présente avec son territoire, son armée et sa population. Elle possède des territoires du canal du Mozambique jusqu’en Polynésie. Cette zone est primordiale, car l’essentiel du commerce mondial transite entre le canal de Suez et le détroit de Malacca. De plus, elle rassemble presque la moitié de la population mondiale avec seulement la Chine et l’Inde. L’Occident y est aussi présent grâce à l’Australie et la Nouvelle-Zélande. Les acteurs de cette zone sont importants et sa population est jeune, travailleuse, bien formée, et veut être puissante. À ce titre, l’exemple du Vietnam est parlant: dans les années 1980, personne ne misait sur ce pays ravagé par les guerres, mais il a su se relever et il est aujourd’hui en pleine expansion.

Vous dressez un tableau contrasté voire pessimiste de la puissance française. La France tient-elle toujours un rôle majeur dans la géopolitique mondiale?

La présence mondiale de la France dépend surtout de ses expatriés, entrepreneurs et intellectuels. Un professeur qui voyage à l’étranger dans le cadre de ses fonctions est un véritable ambassadeur français et contribue au rayonnement de la France à l’échelle mondiale. Ce sont ces acteurs qui ont le rôle premier, alors que les diplomates et membres des administrations centrales ne comprennent plus le monde dans lequel ils vivent. Ces derniers manifestent cruellement la perte d’influence de notre pays sur le plan international.

Les acteurs privés seraient donc des atouts de puissance.

En effet, et cela est vrai à deux niveaux. Sur le plan national, une école privée fonctionne mieux et coûte moins cher qu’une école publique. Or, la question scolaire est première car l’analphabétisme est un vrai problème. Un pays ne peut être puissant s’il ne forme pas bien ses citoyens. A l’échelle mondiale, un expatrié français qui crée une entreprise, un artiste ou un écrivain ont un poids plus important que celui du Quai d’Orsay.

Vous voyez l’administration française comme un frein au rayonnement français.

Tout à fait. La France dégringole dans tous les classements internationaux (scolaire, industriel…). La puissance française est bridée par son administration, qui défend son pré carré et émet ses normes. En réalité, la puissance française vient des grandes entreprises comme Michelin ou Total, et des PME innovantes, qui créent de la richesse et témoignent de notre savoir-faire. Un clivage se creuse entre la source effective de la puissance française et ceux qui la freinent. L’avenir nous dira d’ailleurs si la réforme de la diplomatie voulue par Emmanuel Macron sera bénéfique.

Une autre bride de la puissance française est son voisin allemand, dites-vous. Vous ne mâchez pas vos mots à ce sujet.

La France s’est fait plomber par l’Allemagne, qui a défendu ses intérêts. Elle a sabordé le nucléaire français et n’a pas joué le jeu quant à l’industrie d’armement. L’Allemagne contrôle aujourd’hui les principaux postes de l’Union européenne (UE). Tout cela s’est produit au détriment de la France, et on s’en rend compte trop tard. Fermer notre parc nucléaire pour installer des éoliennes allemandes et importer du gaz russe a miné notre indépendance.

Quelles leçons l’UE doit-elle tirer de la guerre en Ukraine?

La première leçon est que la guerre a été déclenchée parce que l’UE n’a pas su faire appliquer les accords de Minsk. Cela montre que quand on ne traite pas efficacement un problème, il s’infecte et débouche sur une guerre beaucoup plus lourde. La deuxième leçon est que lorsqu’une guerre survient, ce sont les nations qui restent aux commandes et négocient les accords de paix, et non les systèmes internationaux.

La tendance a longtemps été de naïvement considérer que la guerre était impossible. Le contexte actuel (Ukraine, Taïwan) opère un renversement et propage maintenant la crainte que le monde va exploser. Quel équilibre trouver entre la naïveté et la psychose?

La psychose est souvent le fruit de la naïveté. Comme nous avons été naïfs de croire que la guerre avait disparu pour de bon, le retour de la guerre nous fait désormais entrer dans un état psychotique. Le bon positionnement est de voir que la guerre est malheureusement une réalité et que les armées sont ainsi nécessaires non pour attaquer, mais pour se protéger. En d’autres termes, il s’agit de regarder le monde tel qu’il est.

Le déclin d'un monde

Jean-Baptiste Noé
Le déclin d’un monde: géopolitique des affrontements et des rivalités en 2023
L’Artilleur
2022
288 pages

 

[Source : http://www.leregardlibre.com]

Santiago Llach y Magdalena Cámpora, dos de los especialistas que participarán de las jornadas « Experiencia Proust » explican cómo la monumental obra del autor francés que murió el 18 de noviembre de 1922 arroja luz sobre las complejidades del presente. 

Marcel Proust murió el 18 de noviembre de 1922.

Publicado por CARLOS DANIEL ALETTO

Esta semana se conmemora el centenario de la muerte de Marcel Proust, fallecido en París el 18 de noviembre de 1922 y autor de « En busca del tiempo perdido », cuyos siete volúmenes, publicados entre 1913 y 1927, influyeron en todo un siglo de novelistas, filósofos y teóricos del mundo, como aseguran expertos que se reúnen estos días para explicar por qué hay que seguir leyendo al escritor francés.

Valentin Louis Georges Eugène Marcel Proust nació en una familia adinerada en París el 10 de julio de 1871 y su obra maestra, la extensa novela « En busca del tiempo perdido », en francés original « À la recherche du temps perdu », es una obra cumbre del siglo XX.

Del 14 al 19 de noviembre las jornadas « Experiencia Proust » recorrerán la vida y la obra del célebre autor francés, en la misma semana en que se conmemora el centenario de su muerte, pensadas para que mediante streamings y los cursos online tengan llegada a todo el país.

Las jornadas se organizan alrededor de su novela « En busca del tiempo perdido », en cuyo primer tomo -el más leído, « Por el camino de Swann »-, aparece la escena en la que el narrador moja la magdalena en el té y aparecen recuerdos de su infancia, una referencia que conocen incluso quienes no leyeron la novela. A partir de ese momento recupera el tiempo perdido.

¿Pero el tiempo perdido es aquel tiempo malgastado o es el tiempo que se olvidó en el pasado? « Ambos« , dice a Télam el escritor Santiago Llach, quien participará de la « Experiencia Proust »: « Por un lado es una investigación -la palabra ‘recherche’, en francés quiere decir busca, pero también investigación- en el tiempo pasado, en el tiempo perdido, una investigación sobre la memoria y quiénes somos a lo largo del tiempo ».

« Pero también puede pensarse que está ese matiz del tiempo derrochado, porque lo que cuenta la novela es la historia de alguien que quiere escribir una gran novela, a quien la frivolidad de la vida social en los salones y los amores tormentosos distraen de la tarea de la escritura. Esto por supuesto es lo que le pasó al propio Proust, que tuvo una juventud de ocio y derroche, y que ya enfermo se embarcó en la escritura de la novela, contrarreloj, intentando recuperar el tiempo perdido en los salones », determina el autor de « La raza » y « Crónicas canallas ».

La profesora de literatura francesa Magdalena Cámpora, quien también participará de las jornadas, ayuda a pensar cómo la obra de Proust permite pensar nuestro presente en sus complejidades y pobrezas.

« Su propuesta -destaca la especialista- coincide asombrosamente con los modos en que nos relacionamos y nos presentamos ante los otros, en los tiempos del algoritmo: primero, por el aparente solipsismo del yo, su encierro, su lugar central en la organización de la percepción del mundo -‘cada uno se siente el centro del teatro’, escribe Proust- y segundo, en la descripción que hace de las tramas sociales que nos contienen, donde es posible solo escuchar aquello que se quiere oír y donde la repetición y las máscaras son la regla de conducta, interacciones limitadas a un grupo que reproduce o dialoga con ideas que ya conocen. Del mismo modo funciona el algoritmo ».

Llach entusiasma a los lectores señalando que la aventura de leer a Proust es una de las más interesantes y desafiantes que puede emprender una persona: « Puede ser tarea de una vida, sobre todo porque -perdón, spoiler-, cuando uno la termina quiere volver a leerla. Para mí, leer a Proust es sobre todo un placer. El placer de la lectura (uno sobre el que el propio Proust teorizó) es un placer siempre extraño, complejo: un placer en contra de la vida, de la que la literatura siempre es un espejo deforme ».

« Si leer por ejemplo el ‘Ulises’ de Joyce, por citar otra obra mayúscula y difícil, es meterse en la selva con un machete dispuesto a que te devoren los mosquitos o las serpientes, leer a Proust es deslizarse sobre una pista de nieve, extensa pero placentera« , sostiene el poeta.

El manuscrito de En busca del tiempo perdido

El manuscrito de « En busca del tiempo perdido »

Para Cámpora, Proust es la absoluta puesta en tensión y contradicción de todo lo que el presente plantea, lo implosiona: « ‘En busca del tiempo perdido’ es un teatro de caretas y el relato marca siempre la distancia entre la persona que lleva tal nombre (lugar, profesión, estatus) en el mundo y los múltiples yo sucesivos que la constituyen y la modifican desde adentro, para luego ser olvidados ».

Y agrega: « Es exactamente lo contrario de las fórmulas que ordenan la expresión de la subjetividad en las redes -‘no importa cuándo leas esto’, ‘es todo lo que está bien’, etcétera- que mineralizan y moralizan la identidad ».

Cámpora que es doctora en Literatura Comparada por la Universidad Paris IV-Sorbonne con una tesis sobre causalidad ficcional en Borges y Rimbaud, también compara la literatura de Proust con la de otros escritores donde encuentra su influencia.

La investigadora explica que en Proust lo que hay son múltiples « yo de recambio » y un giro en busca de esos otros yo en el tiempo, que surgen de modo involuntario, con un olor, un gusto, una música y que solo el arte puede asir.

« Es ahí, desde los ojos vueltos hacia dentro, donde se da la comprensión y apertura hacia el mundo y donde se toca la vida verdadera; eso lo entendió bien uno de sus lectores más finos, Juan José Saer, y por eso es posible leer el principio de ‘El limonero real’: « Amanece y ya está con los ojos abiertos » como un efecto, una ramificación casi en clave fantástica y animal de esa famosa frase de ‘Un amor de Swann’: ‘Un hombre que duerme tiene en torno suyo el hilo de las horas, el orden de los años y los mundos' », indica Cámpora.

Para Llach « En busca del tiempo perdido » exige un esfuerzo del lector, pero « el premio es asistir al espectáculo de la escritura de la novela más ambiciosa de la historia, a la narración delicada, intensa, nerviosa, sublime de la formación de una sensibilidad y el funcionamiento de una sociedad. Lo vale ».

Para concluir, Cámpora relata que cuando le dieron el premio Goncourt, en 1919, Léon Daudet, uno de los jurados, dijo que Proust adelantaba cien años: « Mirado desde 2022, habría que decir más bien que somos nosotros los que atrasamos cien años respecto de Proust », concluye la profesora.

La agenda de las Jornadas

En la misma semana en que se conmemora el centenario de su muerte, desde este lunes y hasta el próximo sábado se realizarán las jornadas denominadas « Experiencia Proust », que recorrerán la vida y la obra del célebre autor francés en formato presencial y transmisión vía streaming con la participación de investigadores y escritores como Jean Paul Enthoven, Santiago Llach, Walter Romero, Magdalena Cámpora, Tirso Díaz Jares Rueda, Cecilia Szperling, Martín Buceta y Daniel Link, entre otros.

Organizado por la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación de la UBA y el Rojas, en cooperación con la Alianza Francesa y el Instituto Francés, el ciclo ofrecerá experiencias performáticas, clases magistrales y charlas a cargo de especialistas transmitidas vía streaming a través de UBA WEB TV, presentaciones de la orquesta de la UBA Rector Ricardo Rojas, entrevistas, lecturas, la proyección de un documental, teatro y cursos a distancia.

Las clases magistrales en el Rojas serán gratuitas, con aforo limitado y cupo por orden de llegada. Hay cursos con inscripción previa. Las entradas para las funciones de cine estarán a la venta el día de la función mientras que las de la función de teatro estarán disponibles online durante la semana previa a la función.

En la programación se destacan las actividades en la Alianza Francesa, que comienzan este lunes a las 19 con la clase magistral « Marcel Proust, los celos y el amor », dictada por el reconocido escritor y editor francés Jean Paul Enthoven, quien acercará sus lecturas y libros publicados sobre Proust. Con entrada libre y gratuita.

El martes las actividades en el Centro Cultural Rojas comenzarán a las 18.30 con « ¿Por qué leer a Proust? Razones para perder el tiempo en el Himalaya de la literatura », del escritor argentino Santiago Llach. En esta clase el autor dará razones para embarcarse en una experiencia que parece ir contra esta época de distracción masiva. Será con entrada gratis, con aforo limitado y cupo por orden de llegada. También accesible vía streaming.

Ese mismo día a las 19.45 integrantes de la orquesta de la UBA Rector Ricardo Rojas presentarán un programa de obras musicales de autores contemporáneos a la obra de Proust y de los que el escritor reconoció su influencia, como Wagner, Debussy y otros.

A las 20.00 la clase magistral será « Proust, una introducción » , del doctor en Letras Walter Romero, la cual será un recorrido a modo de clase introductoria que acercará al público a los modos de leer a Proust e ingresar a su ciclo novelesco de la « Recherche » a partir de su reciente libro « Formas de leer a Proust. Una introducción a ‘En busca del tiempo perdido' » (Malba Literatura, 2022). La propuesta incluye revisitar en la escritura proustiana marcas de vida, temas nucleares, la originalidad de los procedimientos que su estilo impuso, su refinada estética y la manera en que esta obra célebre y su autor, a cien años de su fallecimiento se constituyen en texto y figura ineludibles de la literatura toda.  También será gratuito con cupo por orden de llegada y accesible vía streaming.

El miércoles a las 18.30 la clase magistral « Marcel y las novelas catedrales de Francia » estará a cargo de la investigadora independiente del Conicet y profesora titular de literatura francesa Magdalena Cámpora. El autor del siglo veinte ¿qué relación mantiene el novelista con las lecciones y « las reglas del arte » de la densa y larga tradición novelística en Francia?

El jueves a las 18.30 la clase magistral « ¡Proust ha resucitado! » será dictada por el doctor en filosofía Martín Buceta, quien planteará: ¿Se puede volver a la vida, resucitar, cuando se ha muerto hace cien años? La respuesta inmediata es: no. Sin embargo, Proust sugiere una idea inquietante sobre este problema que se cristaliza en su colosal « En busca del tiempo perdido ». La escritura proustiana y su obra máxima pueden ser consideradas desde una perspectiva filosófica. La obra pone en juego conceptos como tiempo, memoria, verdad, e inmortalidad del arte que nos invitan a pensar en una forma de pervivencia particular.

Buceta es autor de « Merleau-Ponty lector de Proust: lenguaje y verdad » (SB 2019) y « Camus, Sartre, Baricco y Proust. Filósofos escritores & escritores filósofos » (SB 2021).

A las 20.00 habrá una entrevista a Daniel Link realizada por Cecilia Szperling, en la cual el docente y ensayista examinará sus propias marcas en el libro de Proust para, al cotejarlas con las de la escritura de la poeta estadounidense Anne Carson, registrar un giro novedoso sobre « En busca del tiempo perdido ».

Todas las actividades se podrán ver en https://www.rojas.uba.ar/proust

[Fuente: http://www.telam.com.ar]

Escrito por Claudio Ferrufino-Coqueugniot

Diría « la bella lengua », pero ello puede dar lugar a interpretaciones equívocas y no quiero correr el riesgo de los políticos cuando sueltan, eso sí, la lengua y no el idioma en sus soporíferas y malhadadas reuniones.

Elisabeth Malkin, escribiendo para el New York Times (Rebelling Against Spain, This Time With Words), anota con certeza que sería muy difícil que los Estados Unidos aceptaran imposiciones de Inglaterra en el uso del inglés. ¿Por qué tendríamos nosotros que hacerlo, siendo que supuestamente nos desembarazamos de España hace 200 años? Además, si existe una irrefrenable dinámica en el español la damos los latinoamericanos, en la diáspora económica de la emigración, fenómeno que no únicamente se refiere a la península versus las excolonias sino también a distancias mucho menores como la existente entre México y Los Ángeles, entre los « manos » de abajo del río Bravo y los « carnales » o « batos » de arriba del Grande, entre los mexicanos huidos del temporal de la revolución y sus hijos nacidos « al otro lado » y que terminan rechazando su origen, haciéndose híbridos, formando un nuevo grupo humano que no pertenece ni a sus ancestros ni a la sociedad extraña en la que nacen y crecen. Octavio Paz categorizó a estos « pachucos » como parias (no sólo del lenguaje).

En una vieja (quizá años 40) y linda canción, « El bracero y la pachuco », el Dueto Taxco ponía en escena esta llamemos confrontación entre lo antiguo (México) y lo nuevo (Estados Unidos), entre lo obsoleto y lo moderno, rivalidad que se expresaba sobre todo en el lenguaje. El bracero: romántico, formal, varonil, tradicional quiere conquistar a la pachuca: desenfadada, informal, liberal, irreverente, y su duelo verbal, divertido por cierto, apunta a las diferencias entre unos y otros, en un español alejado de las normas de la academia y sin embargo todavía español, plagado de anglicismos; jerga, caló cuyos orígenes tal vez se expandan hasta los judíos conversos, o escondidos, que llegaron con la conquista. El bracero le dice « Oh, mujer del alma mía, o ámame porque te quiero, o quiéreme porque te adoro, porque mi aliento perfumas, linda princesa encantada, como si trajeras rosas, de esas rosas encarnadas que con sus lindas aromas a mi pecho cautivaran (…) ». « La pachuca no entendía lo que le quiso decir » y le responde: « Nel esé, ya párele con sus palabras de l’alta, que por derecho me agüitan, esé. Mejor póngase muy al alba con un pistazo de aquella, y un frasquito del fuerte p’a después poder borlar ». Resulta que a pesar de una temprana incomprensión terminan casándose, ampliando el espectro de su idioma de admirable manera.

Ya lo entendió un visionario Valle-Inclán en su « Tirano Banderas », que es un viaje por un mapa fructífero, encantador y encantado del idioma, una exploración y un descubrimiento, la muestra palpable que lo mayor que dejó España fue la lengua, y lo mejor que ganó del opuesto fue su multiplicación en matices, tonos, formas, que siguen creciendo a medida que los otrora pueblos del sur van de a poco apoderándose de espacios vitales que « correspondían » a otros, tanto que entre los mexicanos se habla de « reconquista », siendo a su vez también revancha de España por todo lo perdido ante ingleses y norteamericanos.

Que existan normativas de lenguaje, sin duda sirve, tal vez al menos para mantener apariencias de orden en un caos no destructivo. El detalle nuevo de la Academia (que disgustó a Juan Villoro) de anular el acento de « sólo » (solamente) y diferenciarlo de « solo » (de soledad) por el contexto, es más bien un detalle estético; las transformaciones del español y la aceptación de ellas como parte real y concreta del idioma hablado -y después escrito- van más profundo, y merecen no únicamente estudio sino respeto. Para mí, por dar un ejemplo, me es más fácil hablar con mis colegas de los ranchos de Guerrero o los pequeños zapotecos de la frontera entre Oaxaca y Veracruz en su estilo y no en el mío de « l’alta ». Si quiero decir « ese tipo se cree divertido », me entenderán mejor si les digo que « ese gacho se cree chido ».

Pienso que Octavio Paz se equivocó. Aquellos pachucos que fueron parias en su laberinto de soledad, extendieron la jerga de sus tradiciones noveles y contradictorias no sólo a México, también a todo el sur. Café Tacuba canta:

Mejor yo me echo una chela

y chance enchufo una chava

chambeando de chafirete

me sobra chupe y pachanga

¿Y la Academia? Chinga su madre…

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[Publicado en Ideas (Página Siete/La Paz) – imagen: Lucas van Valckenborch/La Tour de Babel, Musée du Louvre, Paris, 1594 – reproducido en lecoqenfer.blogspot.com]

A partir du schéma de complémentarité entre autorité religieuse et pouvoir politique, Irène Théry interprète MeToo comme la dernière d’une série de révolutions du consentement qui remonte au XVIe s.

Écrit par Alain POLICAR

Certains écrivent des livres, tandis que d’autres, bien moins nombreux, construisent des œuvres. À l’évidence, Irène Théry appartient à la seconde catégorie. Aussi faut-il rappeler les acquis essentiels que ses travaux antérieurs, souvent ignorés de ses contemporains, ont patiemment élaborés, tout particulièrement depuis Le démariage (1993) puis La distinction de sexe (2007), dont le sous-titre, Une nouvelle approche de l’égalité, indique l’orientation d’un programme de recherche. L’année suivante, elle faisait paraître Ce que le genre fait aux personnes (2008), dont l’intitulé exprime un des axes majeurs de sa pensée, l’attention aux personnes, dans une rigoureuse fidélité aux enseignements de Marcel Mauss, son maître, précise-t-elle. Cette précision est évidemment fondamentale car elle explique largement ses choix, notamment dans sa vive critique de ce que la plupart prennent pour argent comptant : l’explication bourdieusienne de la « domination masculine ».

Avec Moi aussi, nous n’avons pas affaire à un ouvrage de circonstance. Certes, les transformations récentes de la condition féminine sont analysées avec rigueur et précision. Mais elles le sont dans le temps long de ce que l’autrice nomme les révolutions du consentement. Le regard éloigné que permet la perspective historique sert avant tout, par le biais d’une passionnante leçon de méthode, à donner de l’évolution de notre société une analyse profondément originale.

Être minoritaire

Moi aussi. La nouvelle civilité sexuelle – Irène Théry 2022 Seuil 400 pages

On sait que Freud considérait avec une certaine jubilation sa condition de minoritaire, qui lui avait permis, disait-il, de résister aux idées reçues de la « majorité compacte ». Il est difficile de ne pas songer à cet état d’esprit en lisant Irène Théry. Sans qu’elle l’ait choisi   , il lui a permis d’observer ce qu’elle nommait, dès 1993, la « déperdition du sens et des valeurs démocratiques » et, surtout, d’en dégager le principe, la délégitimation du droit et la transformation corrélative de la justice en appareil de régulation des besoins sociaux. Car l’individualisme, compris non comme valorisation de l’autonomie mais comme sacre de l’indépendance   , fait de l’individu la source de ses représentations et de ses actes, sans accorder à l’institution la moindre force contraignante. Or, en lectrice attentive de Vincent Descombes, Irène Théry sait le poids de ce que le philosophe a nommé « les institutions du sens » (selon le titre de l’ouvrage publié en 1996). Ce sont ces institutions qui expliquent que la norme ne relève pas d’un quelconque ordre naturel, ni ne se réduit à un outil de domination, comme le pense le courant majoritaire en sociologie du genre.

Très tôt dans sa vie intellectuelle, Irène Théry a résisté à la vulgate dominante. Son opposition à une figure féministe majeure, Colette Guillaumin, est assez paradigmatique : dans les années 1970, au sein de La Revue d’en face, créée par « un petit collectif de femmes émancipées de tous les dogmatismes »   , elle s’oppose à la description des femmes en tant que « serves » (selon le mot de C. Guillaumin), laquelle est jugée peu éclairante. Cette opposition exprime le refus des approches de la réalité par le « dévoilement » (celui des mécanismes censés nous mouvoir à notre insu), qu’il soit, précise-t-elle, « militant ou sociologique », et fonde un choix théorique décisif, celui de s’approprier, par la voie longue de l’étude et de l’enquête, « une pensée du général traditionnellement réservée aux hommes »   .

Ce faisant, en s’éloignant des théories féministes de l’action (qui ne se demandent pas ce qu’est le lien social mais se préoccupent avant tout, écrit-elle, de le critiquer ou de le transformer), Irène Théry affronte les questions épistémologiques fondamentales de la sociologie et de l’anthropologie : qu’est-ce qu’une société, qu’entendons-nous par social lorsque « nous disons que l’être humain est “social”, que telle relation est “sociale” ou que la différence des sexes est “sociale” ? »   .

La différence des sexes, thématique qui parcourt toute l’œuvre d’Irène Théry, est le terrain privilégié de ce questionnement.

Domination masculine ou complémentarité hiérarchique ?

Dans la perspective que l’autrice nomme « ensembliste-identitaire »   , aujourd’hui dominante, il n’y a guère de place pour la personne, au sens que Marcel Mauss donnait à ce terme   . En effet, les sociétés y sont décrites comme de simples collections d’individus, des populations divisées en sous-groupes identitaires aux intérêts opposés n’ayant ainsi entre eux que des rapports de pouvoir. Dans cette optique, il n’est pas étonnant que les analyses de Bourdieu sur la domination masculine (titre de son livre de 1998) aient rencontré un large écho. Certains schémas explicatifs privilégiés par les épigones de ce que l’on a nommé « les penseurs du soupçon » accordent aux causes souterraines une prééminence dans l’explication du comportement. L’une des raisons de la force de ces schémas tient sans doute au fait qu’ils donnent le sentiment à qui les utilise d’échapper à l’aveuglement de ses contemporains : il est celui qui ne se laisse pas duper par les apparences et qui sait bien que des forces obscures dictent nos actions. Il ne s’agit pas, bien entendu, de contester le fait que nous soyons soumis à des déterminations. Mais ne sommes-nous que cela ? Sommes-nous fondamentalement cela ? Les passions, les contingences, les zones d’incertitude entrent aussi dans la destinée humaine. On ne saurait dès lors se satisfaire du dévoilement bourdieusien de ce qui serait l’universelle domination de la « classe des hommes » sur la « classe des femmes », domination à laquelle celles-ci consentiraient, se faisant ainsi les agents de leur propre aliénation.

Face à ce sociocentrisme, la connaissance ethnologique, celle des œuvres de Denise Paulme, Germaine Tillion, Mary Douglas ou encore Maurice Godelier (la liste n’est évidemment pas exhaustive), donne à voir une autre réalité, une « nouvelle anthropologie de la distinction de sexe »   , décrivant « la dimension sexuée des rituels, des modes de vie, des cosmologies, la hiérarchie des statuts masculins et féminins dans et hors de la parenté »   .

Dimension sexuée et non sexuelle : comme le souligne Irène Théry (d’abord dans un article d’Esprit d’octobre 1999), « la confusion du sexué et du sexuel rabat le symbolique sur la sexualité et fait de ce qui appartient à tous le privilège de la majorité ». Elle poursuit : « car qu’est-ce qui appartient davantage à tous que notre lot commun, c’est-à-dire le langage, la culture et la société dans laquelle nous sommes tous nés ? La culture humaine, instituant la différence des sexes, non seulement la propose mais l’impose à tous. Homosexuels ou hétérosexuels, nous sommes tous hommes et femmes, tous inscrits dans le masculin et le féminin, nous vivons tous dans la différence des sexes, et nous contribuons tous, aussi, à transformer les stéréotypes attachés aux genres dans la société qui est la nôtre »   . La différence des sexes ne doit donc pas être confondue avec l’hétérosexualité ou avec le couple homme/femme, mais elle inclut les relations masculin/masculin ou féminin/féminin. Il faut donc en rendre compte par un autre modèle que celui de la domination. C’est Louis Dumont qui en fournit le principe.

En 1966, dans Homo hierarchicus, il se propose de comprendre le système des castes sans y projeter les catégories occidentales. Il oppose ainsi les sociétés « holistes », où la totalité sociale précède et englobe ses membres, aux sociétés « individualistes », dont l’idéologie érige l’individu en fondement et finalité de la société. Mais, pour l’anthropologue, la dimension « holiste » n’a pas disparu des sociétés modernes, et son occultation constitue le foyer des traits les plus préoccupants du XXe siècle : racisme et totalitarisme. Aussi est-il attentif à la hiérarchie, qui n’est aucunement le moment d’une évolution mais, bien au contraire, une dimension constitutive de l’ordre social que la modernité a malencontreusement cherché à éradiquer (notons que hiérarchie est différent de ce que nous mettons généralement derrière ce terme que, le plus souvent, nous nous contentons d’opposer à égalité).

Pour Dumont, la marque de la hiérarchie véritable se trouve dans la notion de complémentarité hiérarchique. En se fondant sur les relations entre l’Église et l’empereur, telles qu’elles ont été théorisées par le pape Gélase autour de 500, il précise : « Le prêtre est donc subordonné au roi dans les affaires mondaines qui concernent l’ordre public. Ce que les commentateurs modernes manquent à voir pleinement, c’est que le niveau de considération s’est déplacé des hauteurs du salut à la bassesse des choses de ce monde. Les prêtres sont supérieurs, car c’est seulement à un niveau inférieur qu’ils sont inférieurs »   . Or, Irène Théry montre de façon convaincante que la complémentarité hiérarchique, ou « englobement de la valeur contraire », rend compte des rapports entre le masculin et le féminin. Dans la « cité des hommes », écrit-elle en citant Nicole Loraux, le masculin l’emporte sur le féminin et, bien entendu, l’exercice du pouvoir politique s’accompagne de formes multiples de domination exercées par les hommes. Mais, ajoute-t-elle, « croire que la domination serait la vérité cachée de la hiérarchie, c’est confondre l’autorité et le pouvoir, une confusion typiquement individualiste contemporaine »   .

Or, le glissement de la hiérarchie des statuts à une hiérarchie ontologique menace tout particulièrement les sociétés « individualistes »   . Si bien qu’il est permis de dire que la modernité « individualiste » n’a pas remis en cause la partition traditionnelle du masculin et du féminin. Tout s’est passé, souligne fortement Irène Théry, « comme s’il avait été possible d’imaginer de renverser la hiérarchie des naissances de la société aristocratique et d’affirmer l’égalité fondamentale des individus en général, mais qu’en revanche le principe de complémentarité hiérarchique avait semblé indiscutable dans les rapports entre hommes et femmes, car ancré dans une différence de nature qui rendait “impensable” de remettre en question le partage sexué des rôles et des statuts que l’on avait toujours connu »   .

Néanmoins, malgré le caractère structurel de ce grand partage sexué, il est possible de décrire les évolutions majeures de la condition faite aux femmes. Et c’est avec une compétence d’historienne, servie par une admirable maîtrise du droit – maîtrise qui lui permet, dans le temps long, de ne pas confondre règles et régularités, statuts et identités, attributions et attributs – qu’Irène Théry analyse ce qu’elle désigne comme les « révolutions du consentement ».

Les trois révolutions du consentement

Nous les évoquerons rapidement, non seulement parce qu’elles ont déjà été abondamment décrites, mais aussi parce que la justesse de l’épure est la conséquence des choix théoriques précédemment évoqués.

La première révolution du consentement, au XVIsiècle est, selon l’autrice, « un compromis entre la puissance religieuse et la puissance séculière »   , avec deux innovations : la règle de publicité du mariage (concile de Trente), et le rapt de séduction (qui apparaît pour la première fois avec l’ordonnance royale de Blois en 1579). Entre le XIet le XIIIe siècle, il faut, selon la volonté de l’Église, échapper au péché de chair pour sauver son âme : dès lors, soit on s’abstiendra de toute sexualité, soit on consentira au mariage (indissoluble) en vue de la procréation. Dès lors, les relations sexuelles hors mariage faisaient parfois l’objet de mariages clandestins (et donc potentiellement de mésalliances). Mais ce monopole de l’Église en matière de mariage est contesté par la puissance séculière, pour laquelle il est une institution majeure de la vie sociale : la sexualité procréatrice est notamment indissociable de la transmission des biens, ce qui renforce l’exigence du consentement des parents. Mais l’Église ne voulant pas revenir sur les mariages clandestins, la société médiévale va trouver un compromis en inventant le « rapt de séduction » : l’Église ne peut alors annuler un mariage que s’il est prouvé qu’il y a eu viol ou rapt. Dès l’instant où le consentement n’est pas libre (c’est le cas si celui des parents n’a pas été donné), le mariage peut être annulé. C’est, selon Irène Théry, une étape majeure vers la sécularisation du mariage et de la civilité sexuelle, civilité entendue comme un système de mœurs et de valeurs par lequel une société met en signification la vie sexuelle par division entre une sexualité permise et une sexualité interdite. La civilité sexuelle touche donc aux traits fondamentaux d’une culture.

La deuxième révolution est celle de la création du mariage civil en 1791. Elle consacre le mariage d’amour et, sous l’influence des penseurs des Lumières, réhabilite (partiellement) la sexualité. Néanmoins, le Code Napoléon met en place un « ordre sexuel matrimonial » dans lequel la dimension du genre devient centrale. Les attentes à l’égard des hommes et des femmes sont profondément différentes : Irène Théry oppose une « sexualité de conquête » à une « sexualité de citadelle »   . Au fond, la société d’ordres mise à bas, demeure « la hiérarchie au cœur des institutions les plus fondamentales (droit politique, droit de la famille), qui oppose le statut de tous les hommes au statut de toutes les femmes »   . Dans la société bourgeoise du XIXet d’une bonne partie du XXsiècle, la civilité sexuelle aggrave une division des femmes sans équivalent chez les hommes entre celles que l’on épouse et celles dont on jouit sans scrupule. On est en présence d’un principe de sous-responsabilisation des hommes et de sur-responsabilisation des femmes. Il faut insister sur cette dissymétrie sexuée qui, selon Irène Théry, n’aurait pas été correctement perçue par les féministes des années 1970 et, par conséquent, n’aurait pas été réellement mise en cause. Ce point, faut-il le souligner, est important, car c’est cette dissymétrie qui n’a pas toujours permis de déceler le « consentement extorqué ». C’est ce principe d’asymétrie qui va être refusé lors de la troisième révolution du consentement.

Cette dernière, guidée par l’idéal d’égalité des sexes, commence dans les années 1970. C’est le moment où émerge une valeur « éminemment relationnelle : la considération portée à l’autre que soi comme un ou une égale à la fois semblable et différente de soi »   , autrement dit la valeur majeure d’interlocution. Le grand changement, c’est donc l’émergence (dont les prémices se situent dans les années 1930) d’un nouvel idéal de couple liant amour et sexualité, ce qu’Irène Théry nomme le « couple duo », organisé autour de la conversation amoureuse et sexuelle, idéal que partagent hétérosexuels et homosexuels. Dans cette configuration, la norme matrimoniale est totalement bouleversée : se marier ou non, se démarier (n’oublions pas qu’Irène Théry a inventé le suggestif concept de « démariage »), devient une affaire de conscience personnelle. En d’autres termes, le mariage n’est plus l’opérateur séparant sexualité permise et sexualité interdite. Désormais, c’est le consentement à l’acte sexuel qui importe. C’est pourquoi, sans doute, cette troisième révolution transforme radicalement la condition masculine, comme le montre Ivan Jablonka, éditeur du livre d’Irène Théry, dans Des hommes justes. Du patriarcat aux nouvelles masculinités (Seuil, 2019).

La dissymétrie que nous évoquions, et qui aurait été négligée par les générations précédentes, est désormais fortement contestée par #MeToo   parce que considérée, à juste titre selon nous, comme à l’origine des violences masculines. Mais, l’autrice y insiste, ce mouvement va bien au-delà : il redéfinit l’ensemble des normes d’une « civilité sexuelle ordinaire », fondée sur la valeur du consentement, dans nos démocraties égalitaires. Cette redéfinition, cette « métamorphose des institutions du monde commun », écrit-elle, ne va évidemment pas sans tensions. Et, sur ce point, Irène Théry ne se réfugie pas dans la distance savante, ce qui aurait pu être une tentation compréhensible, tant les passions sont vives. Sa position citoyenne est celle que nous adopterons : il n’est pas contradictoire d’accorder à celles qui dénoncent les violences masculines une « présomption de véracité » et, en même temps, de respecter un principe fondamental du droit, la présomption d’innocence. À condition, toutefois, ajoute-t-elle, que cette dernière ne soit pas dévoyée en principe d’impunité de ces crimes sans témoin que sont les crimes sexuels.

Nous sommes conscient d’avoir laissé dans l’ombre de nombreux aspects de ce livre majeur. Il aurait sans doute fallu évoquer les débats pour demain, comme Irène Théry le fait dans les toutes dernières pages. Mais en avions-nous réellement besoin pour comprendre ce que signifie penser librement ?

 

[Source : http://www.nonfiction.fr]

On retrouve dans Débrouille-toi avec ton violeur toute la force et l’inventivité du post-exotisme d’Antoine Volodine, ces univers étouffants, dévastés, d’où sortent des voix portées par la conviction que c’est grâce au travail sur la langue, qu’elle soit « neutralisée » ou furieusement poétique, qu’en dernier recours on crée des espaces libérés. Signé Infernus Iohannes, ce livre rassemble trois textes de révolte, violents, sombres, radicaux. Trois textes dans lesquels leurs auteures, des militantes révolutionnaires, réagissent à l’aliénation, en particulier dans ses dimensions corporelles, par l’invention de langues débarrassées de leurs éléments oppressifs.

Infernus Iohannes, Débrouille-toi avec ton violeur. L’Olivier, 256 p., 19 €

Écrit par Sébastien Omont

Tout en citant Antoine Volodine, la quatrième de couverture précise qu’« Infernus Iohannes est une signature collective qui regroupe aussi bien des auteures que leurs traductrices ». L’écrivain post-exotique n’apparaît ici qu’en tant que traducteur du dernier texte, « Slogans » de Marina Soudaïeva, déjà publié indépendamment en 2004. Débrouille-toi avec ton violeur s’inscrit dans un ensemble intitulé « Nos grandes traductions ». C’est une traduction que l’avant-propos présente comme une « coécriture », les traductrices (et le traducteur) n’ayant pas hésité à modifier l’œuvre de départ. Le collectif Infernus Iohannes affirme la volonté d’écrire dans une « langue de traduction », y compris lors de la production d’un texte original, avec la même « vigilance sur ce que l’on va confier à la langue d’accueil », en cherchant à « extirper de la langue ce qui renvoyait directement ou secrètement à des traditions religieuses, poétiques et littéraires […] pour que la littérature post-exotique ne soit pas troublée par des proximités culturelles et des non-dits idéologiques dont elle n’a que faire ». Pour autant, écrire dans une langue libérée des « références à des traditions », « neutre », ne revient pas à rejeter sa richesse, ses « mille nuances et mille formes » possibles.

Débrouille-toi avec ton violeur, d'Infernus Iohannes

Antoine Volodine

« Débrouille-toi avec ton violeur », le premier et le plus long des trois textes, illustre cette déclaration d’intention. Miaki Ono, à qui il est attribué, y affirme, martèle, assène, que toute pénétration est un « viol », que les femmes considèrent comme naturel uniquement à cause de millénaires de conditionnement. Si cette thèse radicale appartient à son auteure, la dénonciation devient de plus en plus persuasive grâce à la convergence entre les arguments développés et la langue pour les dire. La force des traditions et des normes sociales pour faire accepter l’acte hétérosexuel apparaît d’autant mieux que Miaki Ono et ses traductrices cherchent à les expulser de leur écriture, usant d’un langage cru, n’évitant pas les répétitions, refusant les euphémismes, excluant le vocabulaire du libertinage ou de la séduction, parlant de « femelle animale humaine » plutôt que de « femme », de « danse nuptiale avant dépucelage » plutôt que de « mariage ». Le texte emprunte à la littérature révolutionnaire et au pamphlet son martèlement, ses aphorismes, mais le point de vue de Miaki Ono, femme et militante révolutionnaire en lutte contre l’oppression, a sa cohérence, y compris dans ses paradoxes, lorsqu’elle dénonce la revendication du plaisir féminin à l’époque récente comme un nouveau stade de « propagande totalitaire », visant à faire intérioriser aux femmes le désir du viol.

Le message excessif est servi par des arguments justes, si bien que le lecteur ne sait trop à quoi s’en tenir. D’autant plus que le statut de l’auteur se brouille entre Antoine Volodine l’écrivain, son personnage Miaki Ono, ses traductrices Irina Kobayashi et Astrid Koenig qui dépassent ce seul texte puisqu’elles font partie des auteurs cités dans la bibliographie du Post-exotisme en dix leçons, leçon onze et du collectif Infernus Iohannes (auquel Antoine Volodine le traducteur appartient et n’appartient pas puisque ce collectif est censé n’être formé que de femmes). Alors, dénonciation littérale ? pure fiction ? démonstration de l’efficacité rhétorique du martèlement ? critique de la rhétorique du martèlement à fins de propagande ? ironie ? (l’avant-propos mentionne des « répétitions parfois naïvement adolescentes et même scolaires »). Tout cela à la fois sans doute. Ne reste donc au lecteur qu’à se raccrocher au texte, avec sa force et sa véhémence « cristallisées et épurées » et l’état d’inquiétude dans lequel, comme toutes les grandes œuvres, il nous maintient. Débrouille-toi avec ce texte ; au fond, il est fait pour ça.

« Sous les viandes » décrit une autre contrainte du corps, la naissance. Non comme une expulsion hors d’un cocon protecteur mais comme un enfermement, un traumatisme qui n’en finirait pas, puisque, dans le monde que décrit Molly Hurricane, des méduses extraterrestres ont entièrement recouvert la Terre de leurs masses gigantesques. Les êtres humains rescapés vivent donc à l’intérieur de la viande, sans faim mais asphyxiés par « la société des mille-tripes » tenue par « les boyaux-démocrates » et divisée entre « pourris du haut » et « pourris du bas ». Dans ces boyaux-démocrates, « leurs habituelles tartufferies – mollesse, malhonnêteté, discours liquoreux, double langage, proclamations humanistes, appels à l’effort, appels à l’égalité, mépris des pauvres » et leurs « discours de la stagnation, la justification des avantages accordés aux riches, les mêmes promesses aux démunis et aux laissés-pour-compte », on reconnaît sans peine l’idéologie dominante actuelle.

« Sous les viandes » frappe par sa description d’une société immobile et d’une angoisse liée à l’enveloppe corporelle, métaphore d’un monde fermé, mou et sombre, sans perspective, qui engloutit lentement, telle la viande de la méduse, tels les rêves où la narratrice, Djennie Saranian, n’en finit pas d’essayer de tuer un juge corrompu. L’onirisme incertain, l’errance dans des non-lieux vagues et sombres, la confusion entre ce qui est réel et rêvé, les états intermédiaires, sont des caractéristiques du post-exotisme mais, dans « Sous les viandes », on en vient à désirer la mort tout en redoutant qu’elle ressemble à la vie.

Paru une première fois en 2004, « Slogans » n’a rien perdu de sa sauvagerie énigmatique, de ses éclats coupants. La rhétorique exaltante des communismes russe et chinois, des guerres révolutionnaires, est subvertie par des images quasi surréalistes : « Sorcière nue, quand tu te décapites, n’appelle pas la pluie, ouvre les yeux » ; « Offre du groupe number dva : désincarnez Natacha Amayoq, nous quitterons les maisons étranges ». Les slogans interpellent presque toujours des personnages féminins et évoquent en grande majorité des êtres féminins, « araignes absinthes », « naines rouges », « chrysalides gueuses » dans un contexte de combat, où domine le nihilisme – beaucoup de slogans se terminent par « rien ! » ou « nitchevo ! ». Les paradoxes abondent, absurdes – ou pas : l’absence de contexte ne permet pas au lecteur de choisir une signification, il ne peut que rester en alerte jusqu’au slogan suivant, et ainsi de suite. Pourtant, le post-exotisme ne se referme jamais sur un désespoir tragique. Les trois sections de 343 slogans s’arrêtent toutes sur « Les mauvais jours finiront ! » et Miaki Ono finit « Débrouille-toi avec ton violeur » par « nous aimons aimer quelqu’un d’autre ».

Débrouille-toi avec ton violeur désarçonne, secoue, interroge, mais avec une cohérence impressionnante. Les trois parties résonnent entre elles comme des insurrections féminines face à la contrainte, à la violence, comme des actes de libération grâce au fier retournement des moyens de langage utilisés par l’oppression.

 

[Photo : Jean-Luc Bertini – source : http://www.en-attendant-nadeau.fr]

Taschen publica «Homes for Our Time 2», un compendio dos novos enfoques na construción de vivendas, que en moitos casos sacrifican a estética tradicional en favor da diversidade, o uso de materiais reciclados e a eficiencia enerxética.

Vivenda Daita2019, en Tokio (Xapón), de Suzuko Yamada.

Escrito por JAVIER ARMESTO

A historia da arquitectura moderna escribiuse principalmente desde unha perspectiva occidental e masculina, pero iso rematouse co século XX. Xa non hai un estilo predominante _é probable que nunca o volva haber_ e sen dúbida non hai iso que pomposamente denominábase «tradición e modernidade». Os novos exemplos de vivendas móvense entre o modesto e o extravagante, incluso o que aquí poderiamos denominar «feísmo» se só nos fixamos na pel exterior do edificio; pero os seus autores tratan de responder a unha revolución: ¿que papel desempeñan os fogares ante as ameazas ás que se enfronta o noso mundo? ¿Como poden impulsar a innovación?

A editorial Taschen editou Homes for Our Time 2 (Fogares do noso tempo 2), segundo volume dunha obra na que Philip Jodidio analiza a arquitectura diversa e sostible do futuro, con descricións precisas, planos e fotografías cedidos polos estudos. Nas súas 464 páxinas hai máis de 60 edificios construídos en Vietnam, Sudáfrica, India ou China , entre outros países, proxectados por homes, mulleres e colectivos que marcan o final desa era na historia da arquitectura.

Un bo exemplo é a vivenda que ilustra este artigo, asinada por Suzuko Yamada, quen lembra unha experiencia nun bosque de Ruanda onde un grupo de gorilas parecían sentirse como en casa a pesar de non ter paredes nin un teito baixo o que acubillarse. «Tiven pensado se sería posible unha casa como esta en unha zona residencial de Tokio, onde a vida estivese suavemente rodeada por capas de aramado e obxectos que creasen unha variedade de profundidades, e onde a luz solar e as miradas dos transeúntes que pasan pola rúa mantivésense a distancia». Neste proxecto non hai paredes entre a casa e o xardín, senón elementos de aceiro, vigas e postes dun só tubo e riostras. A vivenda, cuxo interior é de madeira, expúxose para poder cambiar a súa forma con facilidade. A web especializada dezeen.com concedeulle o premio á Mellor Casa Urbana do ano 2020.

En The Parchment Works, en Northamptonshire (Reino Unido), Will Gamble traballou nunha casa victoriana con dobre fachada considerada un edificio histórico de grao 2. Preto atópanse as ruínas unha antiga fábrica de pergamiños e o cliente quería demolelas para ampliar a vivenda. O arquitecto propúxolle inserir dous volumes lixeiros entre os muros de ladrillo existentes (utilizou aceiro Corten, ladrillos recuperados e madeira de carballo), e tamén remodelou un cortello para deixar á vista os seus elementos estruturais e muros de pedra, engadíndolle un basamento de formigón. Gamble demostrou así que os vestixios do pasado son perfectamente compatibles cunha construción moderna.

Un proxecto similar é a casa en Campo de Ourique (Lisboa), dos irmáns Aires Mateus, que revelan a súa capacidade para intervir nun espazo industrial e facelo lixeiro, espazoso e contemporáneo, mantendo elementos preexistentes como unha cheminea de ladrillo.

Cun orzamento de só 40.000 dólares, o arquitecto local Palinda Kannangara construíu a Frame Holiday Structure en Imaduwa (Sri Lanka). Unha casa feita con andamiaje de aceiro, ladrillo visto e chans de madeira, que se edificou en só catro meses para un batería de jazz e música étnica. Dado que a parcela está exposta a frecuentes inundacións, a solución foi elevar a estrutura sobre estadas. Hai tres plataformas principais, unha zona para comer e de despensa e dúas ás de dormitorios, todo conectado por pasarelas lixeiras. O mobiliario se fabricou con materiais recuperados ou restos achados no lugar.

Ensamble Studio, liderado polo madrileño Antón García-Abril, é coñecido en Galicia polas pétreas Escola de Altos Estudos Musicais de Compostela e a sede da SGAE en Santiago, ademais do seu proxecto experimental A Trufa, na Costa da Morte. En Menorca executou un dos traballos máis espectaculares dos recolleitos en Homes for Our Time 2, a casa Ca´n Terra, construída no que queda dunha canteira. Nestes ocos tallados pola extracción de bloques de pedra abríronse tragaluces para dotalos de iluminación natural e creáronse algúns espazos con cemento e roca autóctona pulverizada, engadindo paneis solares, unha fosa séptica e unha cisterna de auga. O resultado, explica García-Abril, é unha «casa da terra: ao principio era só iso, terra, que se extraía cunha lóxica industrial; unha vez baleirada, abandonouse e se redescubrió cen anos despois para ser transformada en arquitectura».

Outras vivendas singulares son Hourglass Corral, en Milos (illas Cícladas, Grecia), de Deca Architecture, que se basea nos diagramas do matemático ucraíno Georgui Voronói (1868-1908) para debuxar sobre a paisaxe rural unha retícula xeométrica de celas, cada unha das cales se corresponde a un uso definido (contan con lucernarios practicables); ou 150 Steps Up to the Sexa, de Gurjit Matharoo, en Gujarat (a India), deseñada de acordo coas regras da construción india tradicional vastu shastra, e que conecta os seus cinco niveles cun paseo graduado de 150 banzos que remiten ao famoso cadro de Escher ou mesmo aos interiores da prisión do xogo da lura.

Casa Fortunata, de Luciano Lerner Basso, no Brasil, adáptase á natureza circundante: foi construída ao redor dunha árbore dunha especie en perigo de extinción e aséntase sobre pilotes para non perturbar o chan forestal; e a Loom House de Miller Hull, erixida preto de Seattle, foi cualificada como «a renovación do fogar máis ambiciosa do mundo desde o punto de vista ambiental», debido ao seu uso de materiais reciclados e eficiencia enerxética.

No libro, que conta cun amplo prólogo de Philip Jodidio e é unha edición plurilingüe (en español, inglés e italiano), figura tamén o estudo formado polo italiano Fabrizzio Barozzi e o galego Alberto Veiga, que participan con dous proxectos de remodelación de apartamentos en Barcelona. Emprendidos xunto ás súas respectivas parellas, Cecilia Rueda e María Díaz, o uso de tabiques móbiles, paletas de materiais gris claro e cubertas de espello que realzan as perspectivas, xunto ao chan de microcemento, conforman uns espazos flexibles, limpos e precisos.

 

[Imaxex: TASCHEN – fonte: http://www.lavozdegalicia.e]